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En el día mundial de la escultura nos acercamos a las míticas esfinges, seres femeninos y misteriosos objeto de fascinación para grandes civilizaciones como la egipcia. En la cámara acorazada del Museo Arqueológico Nacional, en Madrid, encontramos joyas de más de cuatro mil años de antigüedad. Es el caso de las primitivas monedas de Cástulo, talladas con las primeras esfinges aladas de la cultura íbera. En ellas se han inspirado escultores como Felipe Moratilla, que estudian sus facciones e historia para representar a estos seres con una nueva mirada.
- First Collectors permite seleccionar obras adaptadas al presupuesto de cada uno
- La asesora Elisa Hernando recomienda preguntar, volver a mirar y no precipitarse
- Repiten en Opening: Callirrhöe, El Chico, Og Gallery, Reservoir, Selebe Yoon y Villa Magdalena
- La sección está comisariada por Anissa Touati y Rafael Barber
Jordi Alamà. Estudiantes de todo el mundo y de todas las edades viajan a Barcelona para estudiar dibujo, pintura y escultura en la Barcelona Academy of Art. El 70% de sus alumnos son extranjeros. Buscan dominar las disciplinas clásicas del arte. Jordi Alamà, su fundador, es un pintor realista que se formó en la Academia de Florencia, y que dirige el MEAM, el primer museo de arte figurativo contemporáneo de España. Entre la Academia, su estudio de pintor y el museo, Alamà nos muestra tres rincones de Barcelona en los que se desarrolla un arte que vuelve a estar de moda.
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El centenario de Cines Verdi en Barcelona se erige como un símbolo de resistencia cultural en un contexto marcado por la crisis estructural de las salas tradicionales.
El 11 de febrero de 1926 abrió sus puertas el Salón Ateneo Cine en el número 32 de la calle Verdi, heredero del teatro Moratín. Un siglo después, el complejo —hoy conocido como Cines Verdi— no solo permanece activo, sino que se ha consolidado como uno de los principales focos culturales del barrio de Gràcia, con cinco salas principales y otras cuatro en el espacio Verdi Park.
La conmemoración llega en un momento paradójico para la exhibición cinematográfica europea. En la última década, la combinación de pandemia, auge de las plataformas de streaming y transformación de los hábitos de consumo audiovisual ha provocado el cierre de centenares de pantallas.
Frente a esa tendencia, los Verdi anuncian la apertura de dos nuevas salas en el local contiguo que anteriormente ocupaba un supermercado, una decisión estratégica que transmite confianza en el modelo de cine de proximidad y programación cuidada.
El aniversario se celebra con dos proyectos que dialogan entre memoria e identidad contemporánea. Por un lado, el libro Cines Verdi 100 (1926-2026); por otro, la película La vida és Verdi, escrita y dirigida por Berta García Lacht.
El filme adopta la forma de un pseudodocumental cuyo núcleo no es solo la sala como espacio arquitectónico, sino el tejido social del barrio que la sostiene.
La directora subraya que no podía narrar la historia del cine sin incorporar su entorno humano, reforzando así la idea de que la supervivencia de estos espacios depende tanto de la comunidad como de la programación.
En paralelo, llega a las salas la película documental Orwell: 2+2=5, dirigido por Raoul Peck.
Propone una relectura del legado del británico George Orwell, especialmente de su novela 1984, como alegato contra los totalitarismos contemporáneos. El título alude a la célebre formulación orwelliana según la cual, si el líder absoluto afirma que dos más dos son cinco, la verdad objetiva queda subordinada al poder,que utilizará cualquier método coercitivo y de tortura para que cualquier persona asuma que dos más dos es cinco.
Peck construye un ensayo audiovisual combativo que examina los mecanismos actuales de manipulación ideológica. Para el director haitiano, las tesis de 1984 no eran advertencias abstractas, sino diagnósticos estructurales cuyas manifestaciones resultan hoy inquietantemente reconocibles.
El relato se sitúa en los últimos meses de vida de Orwell, cuando, enfermo de tuberculosis y consciente de su muerte próxima, culmina su obra más influyente. Ese encuadre situado entre la biografía yel análisis político otorga al film una dimensión testamentaria y conecta episodios clave -como su experiencia colonial o su participación en la Guerra Civil española- con los conceptos centrales de su pensamiento político.
Formalmente, el documental se articula mediante un collage de materiales: fragmentos de adaptaciones cinematográficas, fotografías históricas, imágenes de conflictos contemporáneos y gráficos animados que visualizan datos sociopolíticos.
El montaje acelerado produce un efecto de bombardeo informativo cercano al reportaje televisivo, reforzando cierta vocación didáctica, aunque a costa de una saturación perceptiva. La voz en off, que recita textos del autor, funciona como conciencia narrativa y puente temporal entre el siglo XX y crisis actuales como la persecución de minorías o la violencia política.
El recorrido cultural culmina en Roma con la revisión de la relación entre Gian Lorenzo Bernini y su mecenas, el papa Urbano VIII, en el contexto del 400 aniversario de la consagración de la Basílica de San Pedro en 1626.
El icónico baldaquino de bronce del altar mayor sintetiza esa alianza entre poder papal y genio artístico. Urbano VIII, nacido con el nombre de Maffeo Barberini, impulsó decisivamente la carrera del joven Bernini, convirtiéndolo en su artista predilecto.
La exposición “Bernini y los Barberini”, en el Palazzo Barberini, analiza esa simbiosis entre patrocinio y creación. Los especialistas subrayan cómo Bernini invirtió la lógica habitual del Barroco: en lugar de emplear materiales pobres para simular riqueza, utilizó bronce y mármol para recrear estructuras tradicionalmente efímeras, como el baldaquino.
Su trayectoria continuó bajo pontífices posteriores, con obras emblemáticas como la Fuente de los Cuatro Ríos en Piazza Navona o la columnata de la plaza de San Pedro, consolidando una impronta visual que define aún hoy la imagen del Vaticano y la ciudad de Roma.
Puedes ampliar la información en este link https://4dinfo.net/cine-y-escultura-el-poder-transformador-del-arte/
El hombre-león de Stadel es algo más que una representación artística. Exige memoria a largo plazo, pensamiento narrativo y una capacidad de abstracción que solo los humanos modernos -los Homo sapiens- poseemos plenamente.
Bernini fue un genio de la escultura. El genio al que el papa Urbano VIII quiso convertir en el nuevo Miguel Ángel.
Ahora una exposición en Roma recorre su fructífera unión, mostrando también el lado más oscuro de Bernini.
FOTO: EFE/Gonzalo Sánchez.
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Juan Muñoz, que murió en 2001, es de los pocos artistas contemporáneos en exponer en el Museo del Prado. De la exposición, que está siendo un éxito, hemos hablado ya en este Telediario, pero hoy hemos querido volver con alguien muy especial, la también artista Cristina Iglesias, su mujer.
Nacido en Madrid, donde siempre tuvo su estudio, Juan Muñoz (1953-2001) es indisociable de su ciudad y, en ella, del Museo del Prado, que visitó a lo largo de toda su vida y fue una fuente constante de inspiración. Esta exposición muestra el vínculo entre un artista contemporáneo y la historia del arte, que Muñoz estudió con pasión y sin un orden establecido desde muy joven.
Foto: MUSEO DEL PRADO
Esta semana en La Hora Optimista abrimos una ventana a las piedras para comprender sus mensajes y preservar su memoria. Con el escultor Alberto Bañuelos conversamos sobre la piedra como archivo del tiempo: el ritmo de tallarla, la serenidad que aporta, y cómo el arte puede sostener la memoria colectiva sin quedarse atrapado en el dolor, como ocurre en A Ferida, la escultura, quizás la mas grande de España, que el artista burgalés esculpió en memoria de todos los voluntarios del Prestige. En Esto También Pasa, Isabel Rivadulla reflexiona sobre cómo el arte no solo se mira: se siente y nos conecta con el pasado y nos señala el futuro. Y en El poder de una idea, el paleontólogo Juan Luis Arsuaga nos invita a leer las rocas como el diario de la Tierra y, al hacerlo, entendemos mejor nuestro paisaje, quiénes somos y hacia donde nos dirigimos. Un programa para recordar lo que permanece y sostenernos mejor en el presente.
VTR IAACC Pablo Serrano de Zaragoza. Un enorme volumen negro y turquesa rompe la rutina urbanística a su alrededor. Nacido para acoger tesoros, el edificio del Instituto Aragonés de Arte y Cultura Contemporáneos, más conocido como Museo Pablo Serrano, es en sí mismo una obra de arte. Este centro cultural está dedicado al arte moderno y actual, y cuenta con la mayor obra y archivo del escultor Pablo Serrano. Entramos en su interior para descubrir cómo este espacio cuenta la modernidad aragonesa, conserva un patrimonio único y abre sus puertas a los creadores del presente.
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El Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León (MUSAC) se ha consolidado como uno de los referentes del arte contemporáneo en España. Su colección, centrada en la producción artística a partir de la década de 1960, está considerada entre las más destacadas a nivel internacional. Para celebrar su 20.º aniversario, el museo ha organizado diversas exposiciones, entre ellas la retrospectiva más amplia dedicada a Yoko Ono en los últimos diez años.
