Bienal de Berlín 2020 - II
- Emisión 9 de noviembre de 2020
Metrópolis dedica dos capítulos a la Bienal de Berlín 2020, que arrancó en septiembre de 2019 con una serie de “experiencias” secuenciales inspiradas en acciones del modernista brasileño Flávio de Carvalho. Estas “experiencias” culminaron en el pasado mes de septiembre en un epílogo titulado La grieta comienza desde adentro, que ocupó cuatro espacios emblemáticos de la capital alemana.
Concebida por un equipo curatorial compuesto por María Berríos, Renata Cervetto, Lisette Lagnado y Agustín Pérez Rubio, la 11ª Bienal de Berlín reúne posiciones artísticas decoloniales, transfeministas y ecologistas que ponen en evidencia las múltiples heridas infligidas por el sistema patriarcal heterosexual blanco y sus políticas imperialistas y extractivistas, tanto en el pasado como en la actualidad, en el Sur Global.
De las cuatro exposiciones que conforman La grieta comienza desde adentro, tres se caracterizan por un denominador temático común que referencia “experiencias” del ingeniero y arquitecto brasileño Flávio de Carvalho (1899-1973), mientras que la cuarta documenta las “experiencias” propuestas y vividas por el equipo de la Bienal entre septiembre de 2019 y junio de 2020.
La tercera de las cuatro exposiciones se instaló, bajo el título The Inverted Museum/El museo invertido en Gropius Bau, un clásico entre los museos berlineses, para llamar la atención sobre la apropiación, por parte de los colonizadores, de numerosos objetos pertenecientes a otras culturas y pueblos indígenas de todo el mundo y su posterior almacenamiento y exhibición en los grandes museos europeos. Aquí la referencia a Flávio de Carvalho es, en sí misma, una crítica a un viaje que éste realizó a la Amazonia para entrar en contacto con un pueblo prácticamente desconocido y su intención – últimamente fallida – de grabar allí una película. Aquí el visitante es recibido por lo que parece precisamente una exposición de cerámicas precolombinas, pero, a segunda vista, en The Museum of Ostracism (2018) de Sandra Gamarra Heshiki (Lima), se exhiben solo reproducciones bidimensionales en cuyo anverso se encuentran escritos, en lugar de anotaciones científicas, los nombres despectivos utilizados para los nativos de América Latina desde la época colonial hasta el presente; Aline Baiana (Salvador/Rio de Janeiro, Berlín) representa en la instalación Cruzeiro do Sul (2020), la constelación Crux, clave en las conquistas del hemisferio sur, a través de cinco piedras claves en la industria minera brasileña instalada en el país a partir de su colonización; The Moon is in the Amazon: Index #1, Index #2, Index #3: an ethnofiction (2020) de Mapa Teatro – Laboratorio de Artistas (Paris/Bogotá) es una instalación inmersiva que evoca una expedición de tres hombres a la tierra de un pueblo indígena autoaislado, de la que solo uno volvió perseguido por fantasmas; en el hemisferio norte del continente, las investigaciones de Deanna Bowen (Oakland/Toronto) sobre el racismo expresado por la élite intelectual blanca canadiense de principios del siglo XX hacia afrodescendientes e indígenas, se materializan en instalaciones como The God of Gods: A Canadian Play (2019/20); y Aykan Safoğlu (Estambul/Viena, Estambul), formado en el colegio alemán de Estambul, reflexiona, en Zero Deficit (in Refusal) (2020), sobre la colonización cultural y la sensación de endeudamiento que produce en el individuo.
La exposición incluye también proyectos con un alto componente espiritual, cuyos creadores emplean rituales ancestrales orientados hacia la reparación y la sanación. Antonio Pichillá (San Pedro La Laguna) yuxtapone a sus esculturas hechas de madera, piedra, textiles y objetos rituales de la cultura Maya, el video titulado Golpes y sanación (2018), en el que practica un ritual chamánico de cura de traumas; el artista y activista Mapuche Francisco Huichaqueo (Valdivia/Concepción) invoca con la videoinstalación Wenu Pelon. Kuifi ül/Portal de luz. Sonido antiguo (2020) el despertar de los objetos Mapuche almacenados en museos alemanes y la preparación espiritual para su vuelta a casa; y el Museu de Imagens do Inconsciente, fundado en Rio de Janeiro en 1952 por la doctora Nise de Silveira, para reunir allí las obras de sus pacientes psiquiátricos, es uno de los tres museos con vocación diferente a la habitual incluidos en El museo invertido.
Bartolina Xixa, personaje creado en 2017 por el artista y bailarín Coya Maximiliano Mamani, es una drag queen andina, autora y protagonista del clip musical Ramita Seca, La Colonialidad Permanente (2019), en el que da expresión visual y corporal a la canción de Aldana Bello sobre la devastación producida en el territorio por el capitalismo extractivista desde la época colonial. A su lado, otra de las consecuencias del imperialismo occidental protagoniza los tres tapices de gran formato Anatomy of Aggression I y 2 (2020) y Tropical Terror Tapestry (2020) en los que Cian Dayrit (Manila/Rizal) traza la genealogía de la militarización de Filipinas desde la llegada de tropas estadounidenses al archipiélago a principios del siglo XX.
Otra sala, en la que dan considerables saltos entre antípodas del globo terráqueo, evidenciando el alcance global de las problemáticas tratadas, reúne los dibujos Composition (Clock) (2014) y Salt Bones (2016), de la artista Inuit Shuvinai Ashoona (Kinngait), en los que se reflejan los lazos inextricables entre colonialismo y modernidad; la serie de fotografías In the Antique Shop I Negotiated Time (2018), en las que Castiel Vitorino Brasileiro (Vitória/São Paulo, Vitória) posa con máscaras baratas vendidas en una tienda de antigüedades como auténticamente africanas para exponer, una vez más, la exotización y comercialización de las culturas indígenas, base de su popularidad en Occidente; el enorme conjunto de máscaras de pintura y trapunto Marco and His Cronies (1985-1995), en el que Pacita Abad (Basco Batanes/Singapúr, 1946-2004) representa la brutalidad y corrupción del régimen de Ferdinand Marcos y su gabinete; y el vídeo La humana perfecta (2018) del colectivo la rara troupe (León), un remake de la famosa película de Jørgen Leth de 1967, en el que una multitud de cuerpos forma un cuerpo social que se sustrae no solo de los dictados de perfección, sino de todo tipo de categorización.
Finalmente, en ExRotaprint, la exposición The Living Archive/El archivo vivo ofreció al público la posibilidad de revisitar las tres “experiencias” concebidas por el equipo curatorial para conocer la ciudad, sus habitantes y sus artistas, y para exponer y debatir las líneas de investigación de la Bienal.
Así, en exp.1: The Bones of the World se reunió documentación sobre la figura de Flávio de Carvalho y se impulsó el proyecto Historias en movimiento, una serie de talleres con niños propuesta por los artistas berlineses Mirja Reuter y Florian Gass.
Durante exp.2: Virginia de Medeiros – Feminist Health Care Research Group la artista combinó la investigación sobre el culto Candomblé con performances como Sacral Bones, mientras que el colectivo formado por Julia Bonn e Inga Zimprich organizó talleres y puso a disposición del público su amplio archivo de publicaciones.
exp.3: Affect Archives. Sinthujan Varatharajah - Osias Yanov culminó en las exposiciones
how to move an arche del investigador de la diáspora Tamil y ser con el otre del artista argentino, respectivamente.
Entre los proyectos editoriales de la Bienal cabe destacar las reediciones de En la selva hay mucho por hacer (1974) de Mauricio Gatti (Montevideo, 1941-1991) y Experiência no. 2 (1931) de Flávio de Carvalho (Barra Mansa/Valinhos, 1899-1973).
