Bienal de Venecia 2026: el impacto geopolítico y el arte de lo sutil

La 61 Bienal de Arte de Venecia, además de servir de termómetro de las tendencias artísticas globales, propone una conversación urgente sobre las problemáticas políticas, éticas y sociales de nuestra era.

Este evento de arte y pensamiento se erige como un espejo crítico frente a un presente fragmentado por tensiones bélicas y el nuevo paradigma virtual. Más allá de la polémica que ha rodeado esta edición, la Bienal de Venecia no solo nos permite contemplar arte actual, también es un punto de encuentro insustituible para creadores, galeristas, académicos, coleccionistas y público general.

Tres paseos, tres capítulos: Arsenale, Giardini y Proyectos colaterales

Metrópolis ha viajado a la histórica ciudad de los canales para capturar la energía de la presente edición y algunas de sus paradojas; por ejemplo, el frágil equilibrio entre dar respuesta a la crisis geopolítica global y dar voz a un disfrute más sosegado de la experiencia artística, alejado de la presión mediática y sus efectismos. Fiel a su compromiso histórico con la creación, el programa ha viajado cada dos años a la Bienal de Venecia desde hace décadas, atesorando un archivo televisivo imprescindible para conocer la evolución del certamen.

La geografía del certamen se despliega de forma tripartita. Las inmensas naves del Arsenale albergan propuestas más físicas, orgánicas e inmersivas que exploran la identidad decolonial y la memoria de la tierra. Por otro lado, los históricos pabellones nacionales de los Giardini operan como laboratorios de representación estatal y tensiones diplomáticas, donde la arquitectura confronta el presente. Finalmente, los proyectos independientes, exposiciones colaterales e intervenciones periféricas se distribuyen por el tejido urbano de la ciudad, asaltando canales, iglesias desacralizadas y plazas para devolver el debate artístico a la cotidianidad veneciana.

La cobertura de Metrópolis consta de tres capítulos monográficos dedicados a estas secciones, comenzando, en este primer episodio, por una personal inmersión en el Arsenale.

Adentrarse en el Arsenale: memoria y reparación

En el Arsenale nos adentramos en el testamento intelectual de la prestigiosa curadora camerunense Koyo Kouoh, fallecida de manera prematura en mayo de 2025. Con el respaldo de su familia y la ejecución técnica de sus comisarios asociados, la Bienal ha materializado su proyecto bajo el lema In Minor Keys (En clave menor), en el que la comisaria quiso poner el foco en lo sutil y revolucionario, alejando el certamen de los enfoques hiperbólicos del mercado tradicional.

La propuesta de Kouoh apuesta por una reparación histórica fundamentada en lo afectivo, en las dimensiones sensoriales del espacio, en el silencio y en el valor político de la vulnerabilidad frente a la opresión sistémica. Esta lírica curatorial transforma el dolor en una partitura visual íntima y sanadora.

Como exponente fundamental de la exposición internacional colectiva concebida por la comisaria, marca el tono a la entrada la obra If I Must Die (2023), un poema y testamento de resistencia pacífica del intelectual palestino Refaat Alareer, asesinado en Gaza. Dispuesto con sobriedad en el umbral del espacio expositivo, la pieza funciona como un acto colectivo de memoria viva y escucha profunda frente a la devastación. La fuerza de los versos marca el compás a todo lo que veremos en el Arsenale: un despliegue de melancolía y resistencia.

Sanación y heridas históricas

Podemos decir que en el Arsenale encontramos la propuesta más genuina de la comisaria, con una preponderancia de materiales ancestrales como el textil, la arcilla y los formatos interactivos, que se presentan como los compañeros ideales para ayudarnos a sanar las heridas profundas de la historia colonial y económica mediante el cuidado mutuo y la reivindicación de la memoria subjetiva. El arte se convierte aquí en un ritual necesario, en un espacio de resistencia íntima. Un buen ejemplo serían las piezas de texturas orgánicas, destacando la escultura de la artista Ranti Bam. A través del modelado matérico de la tierra, la creadora interroga el borrado de las identidades contemporáneas, oponiendo la resistencia de la arcilla al olvido histórico de los pueblos originarios.

A esta línea de investigación material se suma la contundente obra del creador puertorriqueño Daniel Lind-Ramos. A través de un ensamblaje monumental de materiales recolectados, la pieza erige un centinela totémico que evoca la resistencia ancestral de las comunidades afrocaribeñas, enla+zando las historias de opresión colonial con una mirada ecologista de conservación y supervivencia territorial. También en este recorrido destaca la instalación textil e inmersiva de la artista francesa Tabita Rezaire; concebido como un espacio ritual de sanación colectiva y un útero cósmico, el entorno está dominado por lienzos teñidos de intensos azules índigo que invocan espiritualmente a la diosa yoruba de los océanos, Yemayá, madre de las aguas ancestrales.

Otro ejemplo sería la vertiente terapéutica de la obra de Guadalupe Maravilla. Basada profundamente en la cosmología mesoamericana y en prácticas de chamanismo contemporáneo, esta instalación escultórica representa la regeneración del cuerpo y alude a la propia supervivencia del artista tras vencer un cáncer agresivo.

Por otra parte, alineado con este marco teórico basado en los fragmentos de la memoria ordinaria y los relatos periféricos, la representación oficial de España adquiere un protagonismo histórico. El Pabellón de España reabre sus puertas tras una renovación arquitectónica integral albergando Los restos, un proyecto brillante firmado por el artista catalán Oriol Vilanova y bajo la curaduría de Carles Guerra. La propuesta de Vilanova subvierte los lenguajes expositivos tradicionales para construir un "anti-museo" inmersivo a partir de la acumulación geométrica de miles de postales antiguas recuperadas en mercadillos durante más de dos décadas, explorando la fragilidad material de la comunicación humana y los residuos de la cultura de masas. En el segundo capítulo de esta trilogía que Metrópolis dedica a la Bienal de Venecia 2026, se mostrará en detalle el pabellón español.

Dentro y fuera: los canales del Arsenale

Para finalizar la jornada y el recorrido crítico propuesto por esta primera entrega del certamen, caminamos junto a los muelles exteriores del histórico Arsenale, allí donde las aguas de la laguna veneciana se encuentran con la arquitectura industrial del pasado militar de la ciudad. Custodiando los canales de forma majestuosa, descubrimos la monumental escultura de la aclamada artista afrofuturista Wangechi Mutu. La pieza presenta una imponente sirena de bronce, una criatura híbrida y mítica que emerge ante el espectador para subvertir las narrativas coloniales eurocéntricas sobre la feminidad, la pureza y el poder de la naturaleza.