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No recomendado para menores de 16 años Metrópolis - Suzanne Lacy - ver ahora
Transcripción completa

(Música)

(Otra música)

La artista estadounidense Suzanne Lacy ha centrado

su práctica artística en la performance,

el arte colaborativo y el feminismo,

durante cinco décadas.

En el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo,

de Sevilla,

se puede ver Asociaciones inevitables,

una exposición retrospectiva que sintetiza su obra,

desde los años 70 hasta la actualidad.

Las instalaciones y los audiovisuales de Lacy

dialogan a la perfección

con el magnífico espacio de La Cartuja sevillana.

Suzanne nos concedió una entrevista exclusiva

en plena pandemia,

para reflexionar sobre su extensa trayectoria

y reafirmar la necesidad de hacer un arte comprometido,

en el que la creación de redes entre las mujeres es fundamental.

Esta noche, en Metrópolis, Suzanne Lacy.

(Música)

(Música)

Ha sido emocionante ver cómo se ha instalado la exposición en Sevilla,

a la perfección,

con la máxima sensibilidad estética por parte del director y comisario.

Creo que lo más importante para mí fue que, cuando visitó mi estudio,

quiso seleccionar obras muy antiguas, que nunca habían sido expuestas,

y otras, completamente nuevas, que tampoco han sido expuestas.

Para mí, eso es lo más emocionante.

(Música)

(Música)

(Música)

(Música)

(Música)

(Música)

(Máquina de coser)

(Murmullos de personas)

Probablemente, empecé a ser artista ya de niña.

De hecho, dirigía grandes desfiles y otras actividades

con gente de mi comunidad,

con otros jóvenes...

pero entré en el arte profesionalmente

cuando conocí a la artista Judy Chicago.

Yo estaba estudiando un posgrado. Iba para psiquiatra.

Pero entonces la conocí y di un giro de 180 grados.

Me metí en las artes visuales.

(Música)

International dinner party era un regalo,

un tributo a mi maestra Judy Chicago,

y coincidió con la inauguración de su obra Dinner party,

que fue un proyecto monumental

para representar a las mujeres históricamente.

Así que la idea era

partir de la sensibilidad de la que había hecho gala Judy Chicago

en su homenaje

y expandirla globalmente

en lo que vino a ser una performance de veinticuatro horas

porque participaron muchas más de dos mil mujeres de todo el mundo.

Y ya que todas iban a celebrar una cena

en homenaje a quien quisieran homenajear,

en Japón, en Brasil, en África, en Estados Unidos,...

eso equivalía a crear un ciclo de veinticuatro horas.

(Música)

(Música)

La escena de las artes visuales alternativas de los 70 era

bastante experimental

y yo entré en Cal Arts,

el Instituto de las Artes de California,

sin tener una formación previa en Bellas Artes.

Así que, para mí, no tenía sentido dedicarle años a aprender a pintar.

Le veía más sentido a hacer performances,

arte conceptual e instalación artística,

vamos, las disciplinas que me permitirían explorar

las cosas que ya hacía de niña.

(Música)

(Música)

Creo que, para entonces, me había rodeado de mujeres

que, como en España, de hecho,

como ha ocurrido con el movimiento feminista en España,

estaban repensando lo que significa ser mujer

y formar una comunidad entre todas.

One woman shows era, en realidad, un comentario

sobre la forma que teníamos las mujeres

de guiarnos unas a otras,

la forma de aprender lo que significa ser mujer.

(Música)

Travels with Mona hablaba del hecho de ser una creadora,

al igual que Mona Lisa era el sujeto del cuadro.

La otra cosa sobre la que pretendía reflexionar

era el hecho de que cada vez que decía 'soy artista',

en aquel entonces,

la gente me decía: "¡Anda! Y ¿qué pintas?"

Cuando, evidentemente, yo nunca he pintado nada.

(Música)

(Música)

(Música)

The performing archives es otro proyecto

que desarrollé con Leslie Leibowitz

y que consiste en estudiar una cierta era de nuestra obra

y hablar de lo pequeña que es su representación,

en el registro histórico,

en comparación con nuestra propia forma de capturar y de archivar

la obra y su relevancia.

(Música)

(Música)

(Música)

En la instalación de Performing archives,

Leslie Leibowitz y yo tratamos de sacar a la luz esa obra

en toda su magnitud.

Pero, también,

invitar a artistas jóvenes a mirar esos archivos,

para que entendieran

que esos archivos habían sido excluidos de su formación.

(Música)

(Música)

(Música)

(Música)

(Música)

(Silencio absoluto)

(Continúa el silencio total)

(Las mujeres del vídeo hablan en inglés)

(Hablan en inglés)

La idea de Whisper. The waves. The wind.

era hacer un retrato de las mujeres mayores,

enmarcándolas como sujetos estéticos bellos.

Creo que una de las cosas que te ocurren al envejecer

es que pierdes la idea de qué es bello a cada edad.

-Me gusta estar en la casa, hacer cerámica,

voy a un grupo de música, toco mandolina,

así es que me divierto bastante.

-Me gusta...

(Música)

(Música)

-Una de las cosas que hicimos

y la razón por la que el protagonista de Whisper. The waves. The wind.

fue el mar,

es que queríamos presentar a esas mujeres

casi como imágenes atemporales de la sabiduría y la belleza.

(Música)

(Música)

(Charla en inglés con el eco de la sala)

De luto y con rabia estaba conectado con el gobierno,

con los medios

y con la comunidad de mujeres que trabajaba

alrededor de la violencia contra las mujeres.

El tema de la violencia contra las mujeres

era tan urgente e impactante para las mujeres a las que conocíamos

que era importante no solo empezar a hablar de ello en el arte,

sino usar el arte como una forma de activismo.

(Sonido del vídeo en inglés)

(Música)

(Música)

Three weeks in May arrancó como una idea para hablar

de cuántas veces las mujeres han sido violadas.

No era un tema de conversación habitual en aquel entonces.

Poco a poco, pasó de ser una reflexión en una galería

a ser una campaña mediática y pública masiva,

porque las exigencias del problema eran tan urgentes

que era importante introducir el tema de la violación

en la esfera pública.

(Música)

(Vídeo) Ya eran las 7 de la noche,

hora en que se supone que mi marido llegaba.

Él había llegado borracho con sus amigos

y me empezó a maltratar

y entre todos me empezaron a tocar

y luego a pegar.

Cuando intenté tomar el teléfono, ya era muy tarde.

Estaba siendo violada por los amigos de mi esposo.

(Sigue el vídeo) -La primera bala la recibí en el estómago.

Fue la única que...

(Murmullos ininteligibles del público)

...no queden impunes!

-De tu puño y letra fue una obra muy importante para mí.

Me invitaron a Ecuador

para trabajar sobre el tema de la violencia contra las mujeres,

como ya había hecho numerosas veces,

entre ellas, en 2010, en Madrid, con el esqueleto tatuado.

En esa ocasión, tuve la impresión de que había llegado el momento

de incluir a los hombres más directamente

en la conversación pública.

Cada hombre se tomó su carta como un papel especial,

un trabajo que era compartir esa experiencia en público,

y creo que fueron muy valientes por hacerlo.

(Vídeo) -No importa quién es el receptor de la carta.

Cuando todos somos depositarios y autores de estas palabras,

que apuntasen a significarse unas con otras,

encarnan y forman el cuerpo de hombres, niñas y mujeres.

(Habla en inglés)

(Música)

(Música)

-Dad lessons es una pieza complicada.

No tanto porque hable de mi relación personal con mi padre,

que era bastante buena,

como probablemente se note en el vídeo,

es complicada para mí porque,

tratándose de enseñar mi propia vida y mis propios orígenes,

me cuesta llegar al fondo de esa obra.

En realidad, es una serie de piezas.

Sale mi hermana, sale mi madre...

pero todavía no sé a dónde está yendo.

Es una obra en proceso.

(Música)

The cancer notes puede tener relación

con el hecho de que mi hermano tuvo un cáncer.

Pero una vez más,

más allá de mi propia experiencia personal,

me interesaba el tema

de una enfermedad que representa la muerte, para nosotros.

Esos siete días que pasé en una clínica oncológica,

en el norte del estado de Nueva York

los pasé, en buena parte,

meditando sobre el sentido de la vida y de la muerte.

(Música)

Algo que no paré de observar en The cancer notes

es que la gente a la que le diagnosticaban un cáncer

tenía a alguien que le acompañaba en su lucha contra el cáncer.

Alguien que le cogía de la mano

y le acompañaba en ese trance.

Y me pareció que dice algo hermoso y conmovedor sobre la muerte.

La experiencia del confinamiento fue como un parón en pleno vuelo.

Porque me disponía, literalmente, a pasar cuatro meses en Europa

con varias exposiciones;

entre ellas, la de Madrid, que iba a montar.

Pensaba dedicar la mayor parte de mi tiempo

a esa exposición y a otras exposiciones y performances.

(Música)

(Música)

Así que fue un parón inesperado,

como un pájaro cazado en pleno vuelo.

Naturalmente, me he mantenido ocupada trabajando y dando clases,

pero el problema para mí es

que aprendo tanto de mis amigos del mundo entero...

(Música)

(Música)

Me cuesta vivir sin un contacto cara a cara real

con mis amigos de Oslo o mis amigos de Moscú.

Eso ha sido difícil.

(Música)

(Música)

Es una pregunta realmente interesante

cómo se relaciona Bag lady con el momento actual.

Francamente, no lo he pensado muy a fondo,

pero en Los Ángeles, mucho más que en España,

se ve gente que vive debajo de puentes,

en la calle,

casi en ciudades de tiendas de campaña,

construidas en las aceras.

(Música)

(Música)

(Música)

(Música)

Creo que, en ese sentido,

Bag lady es un intento de recrear una experiencia,

pero también es el reflejo de una desconexión

o una incapacidad por nuestra parte, como personas con vivienda,

para entender lo que de verdad supone no tener vivienda.

(Música)

(Música)

(Música)

(Música)

(Música)

(Música)

(Música)

(Música)

-Esta foto es de uno de los compañeros de nosotros.

Él empezó el proyecto con nosotros,

proyectó el museo,

y lo mataron también.

'Ah, Milton', él era del comité.

El objeto ha hecho derramar lágrimas en ese bus.

Un niño se subió y me dijeron que era sobrino de él;

se quedó mirándolo un buen tiempo

y la gente se quedó mirando al niño al verse,o sea,

los del proyecto nos quedamos asombrados,

hemos logrado tal vez lo que queríamos,

que la gente le llegaran los objetos al corazón,

se dieran cuenta...

-Esa es la gran pregunta, qué cambios traerá la pandemia.

Es una pregunta inmensa.

Supongo que tendremos que repensar cómo retomar las conexiones humanas.

Esa es la gran pregunta para mí,

porque yo conecto con la gente sentándome con ella,

tocándole el brazo con la mano, hablando o escuchando,

aunque sea un intérprete.

Cuando miras a alguien que está presente,

físicamente surge una conexión.

(Música)

(Música)

(Música)

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Metrópolis - Suzanne Lacy

03 mar 2021

Esta semana dedicamos la emisión a la artista estadounidense Suzanne Lacy (Wasco, Estados Unidos, 1945), que ha centrado su práctica artística en la Performance, el Arte colaborativo y el Feminismo, durante cinco décadas.
En el CAAC - Centro Andaluz de Arte Contemporáneo de Sevilla se puede ver: Asociaciones inevitables, una exposición retrospectiva que sintetiza su obra, desde los años 70 hasta la actualidad.
Las instalaciones y los audiovisuales de Lacy dialogan a la perfección con el magnético espacio de la Cartuja sevillana. Una de las peculiaridades de esta muestra es recuperar algunos trabajos históricos de la artista, así como presentar el proyecto inédito “Lecciones de papá” y otro nunca más expuesto tras su realización: “Notas sobre el cáncer”.
Suzanne nos concedió una entrevista virtual en plena pandemia, pues la crisis sanitaria le impidió viajar a su exposición. En esta conversación, reafirma la necesidad de hacer un arte comprometido en el que la creación de redes entre las mujeres es fundamental.

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