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No recomendado para menores de 16 años Metrópolis - Sheela Gowda - ver ahora
Transcripción completa

(Música)

"La artista india Sheela Gowda vive y trabaja en Bangalore.

Elige materiales cotidianos como el incienso,

el cabello humano, el estiércol o los barriles de alquitrán

porque estas materias mantienen la memoria de sus usos

y atesoran connotaciones sociales y políticas.

(Música)

Con motivo de la exposición Remains Restos, en Valencia,

coproducida por la Fundación Per amor a l'art

con sede en BombasGens Centre D'art

y Pirelli HangarBicocca, de Milán,

revisamos 20 años de trayectoria.

A través de sus instalaciones descubriremos una visión

perceptiva del mundo en la que la emoción

y la reflexión conviven."

(Música)

Mi forma de entender el título o la razón por la que lo usé

es que se puede declinar de diferentes maneras.

Uno de los sentidos de Remains

es los restos de algo que ha existido,

es lo que queda después de usar ese algo.

El segundo sentido es que algo permanece,

es decir, que no desaparece con el tiempo, que se queda,

muchos de los materiales que he usado

tienen una historia previa.

(Música)

En realidad no parto de la intención de reutilizar un material per se,

parto más bien de la idea,

muchas veces, sobre todo cuando expongo en el extranjero,

puede haber una tendencia a recibir el material como exótico,

pero en realidad para un indio no tiene nada de exótico,

es algo que tiene un uso cotidiano

totalmente ajeno al campo artístico.

En cierto sentido, para mí

el hecho de darle un uso artístico

supone una especie de transformación de su materialidad,

de su sentido y de su forma,

porque uso la forma para enmarcarla en el lenguaje de mi propuesta.

(Música)

Por ejemplo, en la obra "In pursuit of"

he usado cuerdas de pelo.

En este caso la forma se crea a través del uso de las líneas.

Yo me fijo en cada cuerda individual, en la línea

y la convierto en una forma a través del uso que le doy.

En esta obra en particular en la que he usado cuerda de pelo

y en otras obras, por ejemplo, en "Behold",

he usado las cuerdas como una multiplicidad de líneas

con la idea de crear formas densas, totalidades,

es decir, que de lejos tú ves una forma total,

como aquí, por ejemplo, ves un cuadrado,

pero en otros casos puedo jugar con formas más lineales,

con la línea, la masa, la suspensión.

O sea, que le doy usos muy diferentes.

(Música)

Por ejemplo, en la obra "What yet remains",

lo que aún permanece, las formas que ves,

básicamente unos cuencos que contenían resinas industriales,

provienen de un contexto industrial

y las formas circulares que se ven recortadas

en cada uno de esos cuencos aplanados,

no son algo que yo escogí hacer,

porque ya hay un proceso previo

antes de que yo lo incorpore a mi obra.

Son ocho formas circulares, que es el máximo que puedes recortar

en una sola chapa, recortadas a mano

por unos trabajadores que fabrican unos discos

y a continuación los prensan con una máquina operada a mano

para formar unos cuencos.

(Música)

Esas tres fases están presentes en mi obra,

está esa chapa que ha sobrado con los círculos recortados,

como en negativo. Luego están los propios discos,

los discos aplanados y por último los cuencos

que se confeccionan con esos discos.

Y cada una de esas etapas

es reconocible como una forma abstracta.

Pero para mí el objetivo no es crear objetos estéticos,

de hecho, es muy difícil abordar la obra

de una manera no estética, porque tienen unos colores preciosos

pero no los he pintado yo, vienen ya con esos colores.

Básicamente yo me dedico sobre todo a limpiar la resina.

(Música)

Cuando los reutilizo en el contexto de mi obra,

es muy fácil en cierto sentido

verlos como algo bello,

pero a mí no me interesa crear belleza porque sí,

me agrada y la disfruto, pero no es mi meta.

(Música)

Como artista creo que es muy importante

estar pendiente de lo que te rodea,

no todo lo que ves tiene un sentido para ti o no siempre,

pero a veces estás inmersa en un proceso mental,

por ejemplo, tienes en mente una lectura determinada,

o una situación política o social,

o la usa en que se usa y se abusa de la religión

y te encuentras con un material que de algún modo

te evoca un sentido y no solo un sentido,

si no que puede encerrar una multiplicidad de sentidos.

(Música)

En cierto sentido, las cuerdas de pelo, por ejemplo,

si te paras a pensar, están hechas con pelos sueltos

de miles de personas entrelazados para formar una cuerda resistente

y cuando los usas en estas cantidades,

de alguna manera estás evocando a toda una comunidad de personas,

estás evocando casi a una generación,

porque el pelo proviene de diferentes grupos de edad,

diferentes géneros,

son cosas de las que yo por mi parte soy muy consciente,

pero el hecho de ensamblar la obra,

crear una forma, disponerla en el espacio,

crea otro nivel de lectura.

(Música)

No es que yo vaya todos los días a mi estudio

y me pase el día en el estudio, porque para mí

el oficio de artista, naturalmente toda obra,

dependiendo de la obra,

requiere una cierta cantidad de esfuerzo

y ese esfuerzo puede ser más o menos intenso

o diluido en el tiempo.

Pero creo que como artista también es importante

dedicarle nuestro tiempo y nuestra atención

a las cosas que nos rodean, a lo que pasa a nuestro alrededor,

¿qué está haciendo la gente? ¿A dónde va nuestro país?

Básicamente, creo que es muy importante ser observadora.

(Música)

Cuando creo una obra de arte

no subcontrato a nadie para que la haga por mí,

no es que yo tenga una idea y diga: "Vale, esta es la idea,

esto es lo que quiero, ahora que lo haga otro".

No trabajo así porque la idea es como un primer impulso,

un deseo inicial, por así decirlo, de explorar una idea,

pero esa idea tiene que evolucionar

en el mismo proceso de materializarla.

(Música)

Con las cuerdas de pelo, por ejemplo, puedo trabajar así,

no las hago yo, por cierto,

compro cuerdas de pelo de tres metros,

pero luego las empalmo para formar esas líneas interminables.

Es un proceso muy meditativo y que te hace sentir viva,

de alguna manera, a veces, está bien trabajar con las manos,

no pasarte todo el tiempo pensando necesariamente.

Creo que es muy importante tocar, manipular las cosas.

(Música)

Mis padres son la primera generación de mi familia

que emigró de una zona rural.

Pero mi padre, a base de perseverancia

llegó a ser funcionario de la Administración,

o sea, que trabajaba para el gobierno indio,

pero también le interesaba mucho la cultura popular

de la que provenía él mismo,

sobre todo la música popular,

que le inspiró mucho desde siempre.

Cuando nací yo ya había empezado a coleccionar música popular.

También organizaba festivales de cultura popular,

así que de algún modo yo me crie en ese trasfondo

y en un momento dado en los 70

se empezó a plantear crear un museo de objetos populares.

(Música)

Mi madre era ama de casa, pero era una mujer muy fuerte

y creo que ese empeño que pongo en las cosas

también lo he heredado de ella.

No hace falta tener una profesión concreta,

una persona puede poner todo su empeño en su día a día

y creo que eso también es algo que he aprendido de ella.

No considero las artes plásticas como algo separado

de ese contexto de la música popular,

de la cultura popular, pero durante mucho tiempo

esos elementos populares no formaban parte de mi vocabulario,

aún hoy tengo reparos a la hora de usarlos directamente,

precisamente por esa conciencia de lo que significa esos objetos

en su contexto, de cómo los lee la gente en las zonas rurales.

(Música)

Pasé dos años en el Royal College of art,

de Londres, haciendo un máster.

Cuando volví creo que ante todo me consideraba pintora,

pintaba en lienzo, dibujaba,

pero ya entonces la línea era un aspecto muy importante

en mi obra y lo sigue siendo a día de hoy.

El color y la línea siguen siendo elementos importantes en mis obras,

pero especialmente la línea.

Cuando volví a La India, el país estaba cambiando

políticamente, escorándose, digamos,

a la derecha y eso nos afectó a muchos.

Era una evolución inquietante para muchos de nosotros

y fue entonces cuando empecé a cuestionar

mi práctica como pintora

y me puse a buscar formas más significativas,

no solo de crear imágenes,

si no de evocar significados políticos.

(Música)

En un momento dado me pareció que no podía seguir pintando

como había estado haciendo hasta entonces.

Tuve un periodo en el que empecé a interesarme por los materiales,

no solo como una extensión de mi trabajo con las imágenes,

si no que el propio material podía denotar algo

dentro de un contexto social determinado.

(Música)

En un momento dado me volví a interesar por las imágenes,

pero me di cuenta de que me inspiraban más

las imágenes que me encontraba en los medios,

sobre todo en los periódicos.

Había imágenes que me resultaban evocadoras emocionalmente

y cada vez que me pasaba eso, me preguntaba:

"¿Por qué me ha afectado tanto esta imagen?"

(Música)

Las obras que hemos decidido mostrar en la exposición

no las he seleccionado yo sola,

las seleccioné junto a las comisarias,

en este caso, Nuria Enguita y Lucía Aspesi.

Trabajamos juntas para seleccionar una muestra, un grupo de obras

que hablaran del tema que habíamos elegido

para la exposición y que a la vez ocuparan físicamente el espacio

de una manera determinada.

Queríamos que el visitante desempeñase un papel

en el propio funcionamiento de la obra,

porque mis obras no son objetos pasivos colgados en una pared,

el visitante cambia de posición,

las mira desde diferentes ángulos,

ese aspecto fue muy importante

a la hora de seleccionar las obras y de disponerlas.

La obra que está colgada en el espacio

son líneas, elementos de madera,

se llama "Márgenes".

En realidad es un marco de puerta,

son marcos de puerta que he desmantelado

para convertirlos en elementos lineales.

He abierto los laterales de los marcos

para convertirlos en formas lineales.

Por un lado, lo que se obtiene una vez más

es una visión abstracta del objeto

convertido en formas de color, líneas de color.

Pero por otro lado, no deja de ser algo específico,

un marco de puerta.

Es cierto que mis obras cambian en función del espacio

en el que se muestran, pero siempre conservan

ciertas características que para mí son importantes,

en este caso, tienen que estar colgadas del techo,

no puede estar tirada en el suelo, por ejemplo,

para mí es un aspecto importante.

(Música)

-Este espacio, hay que decir que es muy agradecido.

Nosotros solemos utilizar más las paredes,

en este caso, digamos, hemos ocupado

el espacio con su obra.

(Música)

Hay obras como "And",

que crean una línea, un dibujo en el espacio y en la pared

que es de gran belleza y que yo recuerde,

es muy diferente a otros lugares donde lo hemos visto

y por eso es muy rico y muy interesante

trabajar con ella, porque nunca es igual.

Hemos estado dos años trabajando en paralelo

con la exposición de Pirelli HangarBicocca,

es decir, no la adaptamos después.

(Música)

-Pirelli HangarBicocca no tiene ventanas,

todo el espacio expositivo está inmerso en la oscuridad

y las obras que tienen una iridiscencia,

una coloración muy diferente,

entraban en diálogo con esa oscuridad

y creaban situaciones

o ángulos de encuentro más íntimos con las obras.

(Música)

En Pirelli HangarBicocca, Sheela Gowda expuso.

más de 20 obras, todas en un mismo gran espacio.

Algunas de ellas no están en BombasGens.

A la entrada había una gran instalación

formada por una versión de dos obras anteriores

"It stands fallen and that is no lie",

realizadas entre 2015 y 2016,

en las que Sheela Gowda decidió trabajar

como "Site specific", jugando con los volúmenes,

con toda la altura del espacio expositivo.

Eran dos estructuras, una apoyada en el suelo,

la otra colgada del techo,

que dialogaban con la altura del espacio.

Otra obra de grandes dimensiones justo después de esa instalación,

"Stopover", que se presentó en la Bienal de Kochi,

está formada por más de 200 morteros de granito

presentados sobre un gran tablero de ajedrez blanco

que recortaba un enrrejado modernista.

Al fondo, en el último espacio expositivo, que se llama Cubo

y donde las paredes no son oscuras, son de cemento,

Sheela Gowda presentó una obra llamada "Collateral",

formada por una serie de grandes tablas

en las que había diferentes tipos de incienso apoyados.

La noche antes de la inauguración,

Sheela encendió todas esas formas

y el visitante nada más entrar en el espacio,

recibía un gran impacto olfativo

y lo que se creaba era una especie de gran tela dispuesta

de forma horizontal que recordaba una especie de paisaje

con los restos del material que desapareció.

(Música)

-Aquí hay obras que se remontan a principios de los 2000,

o sea, que han pasado más de 20 años desde que los hice.

Este tipo de exposiciones te ayudan por así decirlo

a comprimir el tiempo, juntando obras que hiciste

el año pasado o a principios de este año

y obras de hace 20 años.

(Música)

Hay un cierto efecto de distanciamiento.

Cuando ves algo que hiciste hace mucho tiempo,

a veces no lo ves como algo propio,

lo ves mucho más objetivamente.

Pero hay recuerdos, sigues recordando cómo la hiciste,

podría contar anécdotas de cada una de ellas.

(Música)

Actualmente tengo la impresión

de que ha llegado el momento,

viendo lo que está pasando en La India, políticamente hablando,

de abordar las cosas muy de frente,

tenemos que sacar tiempo para hacerlo.

No basta con ser artistas que producen obras de arte

para exponerlas, tenemos que usar nuestras ideas

y nuestras actitudes para ayudar a cambiar el rumbo

que está tomando el país.

Vivimos tiempos muy preocupantes.

(Música)

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Metrópolis - Sheela Gowda

11 feb 2020

Metrópolis dedicado a la artista india Sheela Gowda (1957) que vive y trabaja en Bangalore. Con motivo de la exposición "Remains" (Restos), en Valencia, coproducida por la Fundació Per Amor a l'Art (con sede en Bombas Gens Centre d'Art ) y Pirelli Hangar Bicocca de Milán, nos adentramos en su práctica artística. A través de sus instalaciones descubrimos una visión perceptiva del mundo en la que la emoción y la reflexión conviven.
A lo largo del capítulo conversamos con la artista mientras revisamos 20 años de trayectoria. Y también contaremos con breves intervenciones de las dos comisarias de esta retrospectiva: Nuria Enguita y Lucía Aspesi.

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