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No recomendado para menores de 16 años Metrópolis - Libro de artista - ver ahora
Transcripción completa

(Música)

Un libro de artistas es un libro para mirar.

El libro de artista es aquella obra que se crea

con la intencionalidad por parte del artista

de que sea un libro de artista.

Es como un producto intermedia

entre distintos géneros en el cual caben muchas cosas.

Sí, es una obra de arte hecha por artistas plásticos,

artistas visuales o poetas visuales

y que utilizan el medio libro como forma de expresión.

"No es un libro de arte o un libro sobre arte.

Un libro de artista es en sí mismo una obra de arte,

desde el conocido poema de Mallarmé

que ya en el siglo XIX se apropia del espacio en blanco

y liberaba al texto de la disposición tradicional

de las páginas,

artistas y creadores de diferentes generaciones

han explorado y cuestionado el formato libro.

En los años 60,

muy ligado al conceptualismo y al ready-made,

surge el libro de artista.

Un formato sencillo, reconocible y de precio asequible

que sirvió a los creadores para experimentar

y acercar el arte contemporáneo al gran público.

Esta noche en 'Metrópolis'

nos acercamos al libro de artista en la actualidad

y algunas de las manifestaciones artísticas

que lo acompañan en su recorrido."

En los años 70 es cuando aparece la definición

que ahora nosotros decimos "libro de artista".

Y es una definición que aparece

para denominar todas aquellas prácticas

y todos aquellos otros,

otras ediciones, otros libros

que los artistas empezaron a hacer a partir de los años 60.

Fue un momento de ruptura y los artistas no querían seguir

con la imposición de un editor, con la imposición del mercado,

con la imposición de que fuera otro quien les marcara

cómo hacer sus publicaciones

y dijeron: "Nosotros mismos las vamos a hacer".

Y ahí es cuando tenemos el famoso libro de Ruscha

de las 36 gasolineras.

Es un poco el momento en que decimos...

Bueno, ahí aparece el libro de artista.

(Música)

ArtsLibris fue una iniciativa bastante personal, es decir, fue...

Yo me formé en París

y en el mundo de las ediciones de artista,

y allí creé mi primera galería, editora...

Y participaba en ferias internacionales

especializadas en libro de artista.

Me instalé en Barcelona y me pareció que era una ciudad

con una gran trayectoria

y un gran interés por el libro de artista,

y pensé que era un lugar muy interesante

para que también pudiera haber una feria como las ferias de Europa

a las que yo estaba acostumbrada a participar como editora.

En ArtsLibris puedes encontrar todo tipo de piezas.

La definición amplia,

la más amplia de las publicaciones de artista,

incluyendo el fotolibro.

ArtsLibris no solo es, digamos, una feria,

organizamos un seminario internacional también

donde debatimos, donde hablamos de todo,

de la definición del coleccionismo.

Insistimos mucho siempre en hablar de coleccionismo.

Y después, lo que es muy importante para nosotros

es poner el énfasis en el propio artista,

es decir, lo que queremos y cada vez vamos a esto...

Es que es ArtsLibris son los artistas,

son los autores los que tienen que hablar.

La Fundación Banco Sabadell es uno de los grandes sponsors

con los que podemos contar en las ArtsLibris.

Nos ayudan económicamente

y, sobre todo, hemos creado una colección de libros de artista

con ellos.

(Música)

Hay una parte importante

de lo que nosotros llamamos "las referencias históricas".

Son todos aquellos libros

que han sido referencias hasta llegar ahora mismo al libro

que están haciendo los artistas en la actualidad.

(Música)

Poco a poco, el libro de artistas

va teniendo su espacio en el mundo del arte contemporáneo.

Es una práctica más,

va encontrando su lugar y cada vez hay más interés también.

Y, sobre todo, porque son los propios artistas

los que están interesados en trabajar,

en llevar su práctica a ese espacio.

En mi trabajo, en mi carrera, he incursionado en varios momentos

con libros de artista, haciendo libros de artista.

Uno de ellos, es este proyecto con Ivorypress,

que son las intervenciones de sus revistas sobre fotografía.

Este trabajo tiene dos tipos de...

Dos obras diferentes, dos resultados.

Uno es este que vemos aquí.

El otro es un portatartas de cristal

con varios pedacitos de libro como tarta unidos.

La idea viene de que siempre hay muchas semejanzas

entre digerir y lo que estamos leyendo...

De hecho, usan mucho la palabra: "Todavía estoy digiriendo el libro

o la frase, o un fragmento".

Y entonces, también, por otra parte, le llamé "lectura fragmentada",

porque siempre o casi siempre que leemos un libro, por supuesto,

no memorizamos el libro entero,

sino siempre nos quedamos cuando es uno bueno,

con una frase o un fragmento de ese libro, ¿no?

Hice aquí en Madrid un libro de grabado

con siete grabados de partituras visuales.

Y luego está la Biblia, la Santa Biblia edición de bolsillo

y son 50 billetes de dólares cosidos.

He hecho también un libro que se llama "El libro de la fe",

que lo que hice fue coger los cinco libros de las religiones

con más seguidores en el mundo,

se arrancaron sus hojas

y se hizo una pulpa, tipo como se hace papel maché

y, luego, se hizo papel nuevamente con esas pulpas; y se hizo un libro.

Nuevamente, con ese interés que he tenido

en diferentes momentos de mi carrera de disolver las diferencias

entre religión y llevarlas a un punto abstracto.

En este sentido, un libro, "El libro de la fe".

Yo comencé mi primer libro de artista

en el año 76.

Me interesaba el libro de artista

por ir a las raíces de lo que era un libro.

Es verdad que era una época en que hubo un boom,

en que mucha gente empezamos a hacer libros de artista.

Les interesaba muchísimo, muy unido al mail-art también,

en esa época.

Y había libros de todo tipo, extraordinarios,

cortando, pegando, a partir de libros encontrados,

hechos, cercanos a la poesía visual, bueno, de muchos tipos.

Y he ido evolucionando porque sí que es verdad

que el libro es algo como más íntimo que ocupaba,

podía ocupar muy poco espacio

y que podías transportarlo de un lado a otro

sin mayor problema.

Entonces, eso me interesaba,

pero también me interesó dar un paso

y así lo di, en libros como "Expandidos en el espacio",

libros que ocupaban, de artista, que ocupaban un espacio enteramente.

(Música)

No se han prodigado las exposiciones del libro de artista,

pero es verdad que cuando vemos ferias como esta,

MASQUELIBROS, desde su origen,

digamos, que yo creo que a mí me parece interesantísimo

que ese submundo que está por ahí

y que yo misma a veces se me escapa porque no está publicitado,

porque no se presenta en lugares públicos,

que sería una de las obligaciones públicas.

Entonces, ves que sí,

que hay mucha gente que los hace y que son interesantes

porque es un discurso diferente.

(Música)

Todavía a nivel comercial es muy desconocida.

Hay muy pocos coleccionistas

y hay muy poco mercado.

Por esto, una feria como esta es fundamental

para incrementar ese coleccionismo,

que es lo que nos puede dar soporte a la creación,

porque si no, hace 30 años hacíamos libros los artistas,

los pocos que hacíamos libros,

hace 30 o 40 años los hacíamos para nosotros

o los intercambiábamos con otros compañeros.

Pero ni pensábamos que los podíamos vender,

ni se nos ocurría.

Como no teníamos pensado comercializarlos, los hacía para mí.

Entonces, cada uno era una investigación plástica

sobre sobre un aspecto del libro.

Han surgido muchos libros muy diferentes entre sí,

ahora más o menos voy haciendo como series o colecciones,

pero en aquella época casi todos eran diferentes unos con otros.

Técnicas, utilizo todas, desde dibujo, tinta...

Dibujo a tinta, dibujo a lápiz,

acuarela, óleo, acrílico, sobre todo, en esta última época.

El collage, las incisiones, recortes,

recortes sobre los papeles,

haciendo que unas páginas continúen en otras,

y los formatos casi todos son tipo...

O sea, formatos rectangulares con un lomo.

Pero también tengo rollos extensibles y desplegables.

ST Libro Objeto nace en 1995,

nos unimos un grupo de artistas de todos los gremios plásticos,

también gente del mundo de la literatura,

sobre todo, de la poesía.

Queríamos trabajar juntos,

que fuera un espacio de absoluta libertad

y cercano al libro de artista o la revista ensamblada.

Pusimos como característica el límite del espacio,

de lo que es el tamaño de una caja, tamaño zapatos

y absoluta libertad de técnica y de formato

dentro de las capacidades de este espacio.

No se vende, que es una de las peculiaridades de ST.

Se puede conseguir por donación o trabajando en el proyecto.

Tenemos generalmente a un artista de prestigio,

que en este caso es Concha Jerez,

que apoya el proyecto y que realiza también las 60 obras,

porque la edición tiene 60 números de serie;

y trabajamos como 50 artistas en cada en cada número.

De alguna manera, el nombre define que es un objeto,

que es un objeto compuesto de muchos objetos.

En cierto modo, tiene mucho que ver con la cápsula del tiempo,

aunque no tiene nada que ver con intentar guardar la historia

pero sí tiene esa cosa de pequeña joya,

de muchas versiones de un mismo tema,

de mucha gente distinta.

(Música)

Pensando que qué podía hacer, dije: "Pues está claro".

Es decir, es la memoria,

una pequeña instalación de bolsillo que, ciertamente, tiene secuencia

como libro de artista,

puesto que a la hora del desarrollo tiene una secuencia alrededor,

no es solamente por un lado, sino esto, por supuesto,

son escritos ilegibles autocensurados lo que hay ahí.

Y, entonces, cuando se abre lo que hay es el título de la obra,

que es "Memoria autocensurada".

En cada una de ellas he quemado una cerilla.

En la huella de la cerilla al quemarse

lo que uno piensa en esa "Memoria autocensurada".

(Música)

El libro de artista para mí es un trabajo, en general,

de soledad.

Hay veces que uno quiere contar las cosas

de una manera diferente.

En mi caso, que hago performance o poesía visual o poesía discursiva,

el libro de artista es otra manera de contar,

de expresar.

Mi obra en ST es un papel rayado, escrito a lápiz la frase:

"Not to be demanding".

Esto lo he hecho con lápiz, más o menos a tamaño.

Entonces, he ido sacando punta,

lo que quedaba de sacar punta lo iba guardando.

Entonces, en cada sobre transparente

metía la obra y luego un poquito de lo que quedaba de sacar punta.

Me pareció muy importante que no haya desmemoria

sobre el lenguaje.

Muy importante, el lenguaje nos define.

El lenguaje es lo que define la historia,

la política, la amistad, tantas cosas, ¿no?

Digamos, ese lenguaje común.

Mi proceso creativo es mental más que experimental.

Y siempre empieza con una idea

que la veo en la disciplina que sea.

Lo mismo veo un proyecto que tiene que ser de fotografía

o de instalación o de grabado

o, en este caso, de libro de artista.

Lo habitual es que son temas más personales

los que trato de expresar a través del libro de artista.

Es un medio de expresión como más intimista para mí.

Pero bueno, luego en otro tipo de cosas,

como en esta serie que traigo de la instalación,

no es tan intimista,

sino una revisión un poco

de las relaciones en el mundo del arte.

Es una revisión de cómo tienes que comulgar.

Utilizo la palabra "comulgar" en el tema eclesiástico

con las premisas y las contraseñas y todas las políticas

que se establecen en ese sistema del arte.

LAMP, libro de artista como materialización del pensamiento

es un grupo de investigación

de la Universidad Complutense de Madrid

que se creó en el 2006.

El creador fue Francisco Molinero Ayala

y la intención es dar visibilidad al libro de artista

en la propia universidad.

Siempre he trabajado el libro de artista

porque lo considero un espacio íntimo de creación,

en el que encuentras ese lugar que necesitas un poco

para reflexionar sobre tu obra e iniciar un proyecto.

No deja de ser un lugar experimental, íntimo,

de creación.

Esta obra sí que está realizada de un viaje a Indonesia,

de una experiencia que me sobrecogió muchísimo

y de alguna manera la llevé como taller

a las clases que doy de dibujo para el diseño.

-Soy diseñadora editorial,

ese es mi acercamiento al libro a través del diseño

y la maquetación de sus páginas y contenidos,

y llego al libro de artista por el interés en el grabado.

En el grabado, si sumamos grabado y diseño editorial,

el libro artista es el formato ideal para que ambas aparezcan.

Ahora estoy trabajando, el último libro que presento

tiene que ver con una situación territorial

entre Chile y Argentina que más que manifestarse

a favor o en contra de a quién debería pertenecer el territorio,

expone una situación muy surreal porque es un territorio

que no aparece en los mapas.

Yo pienso en imágenes, pienso en libros.

Cuando quiero contar algo no pienso en una imagen única,

no pienso en texto; pienso en páginas,

en algo que invita a recorrer.

El libro tiene algo muy bonito, que tiene un tiempo de lectura.

Es una exposición en la que yo elijo como lector el recorrido.

Hacer una obra híbrida que une arte y libro

puede funcionar tanto en una biblioteca, siendo expuesto

como en una galería o un museo,

o lo puede comprar una fundación o un comprador particular.

Personalmente, la manera en que me interesa trabajar

viniendo del diseño editorial y del mundo de la edición, es:

yo trabajo en una pieza única,

un libro original que tiene dibujo y grabado original,

y luego construyo una edición a partir de ese libro único.

(Música)

Una revista rara es una página en construcción.

Son como una prolongación del trabajo de un artista

o de un grupo artistas o de un artista

que convoca a otros artistas.

Están muy separadas de lo que es una revista de grapa o lomo clásica

y que pasa a ser más un objeto.

Una serie de contenedor con cosas, con páginas dentro,

con diferentes piezas de artistas en su interior.

La Más Bella nace el año 93, en diciembre.

Bueno, nace un poquito antes, nace en el 91 realmente.

Un grupo de amigos nos juntamos para hacer algo

que no sabíamos lo que era, pero queríamos...

Un grupo de amigos que quieren publicar sus cosas.

Los primeros números, mucha gente piensa

cuando no conoce La Más Bella, nos dice:

"Qué de cosas trae esta revista, qué de regalos trae esta revista."

Y algunos casi nos preguntan al final...

No se dan cuenta que todos los objetos

son las páginas.

Nosotros llamamos página tanto una piedra como un caramelo,

o un delantal, unas zapatillas,

como una botella de vino, como un vaso...

Todo ese tipo de páginas que, físicamente,

hemos publicado en estos 20 años.

Lo bueno de La Más Bella es que nunca nos hemos sentado.

Bueno o malo, no lo sé.

Nunca nos hemos sentado, jamás, ni al principio siquiera.

La propia revista ha ido construyéndose a sí misma

y a nosotros en algún momento, incluso casi nos mata

de la velocidad a la que corría

y los proyectos que salían, incluso fuera de España,

y que nos llevaba a continuar el ritmo

que ella propia marcaba.

Nunca se vendió muy bien, pero lo justo

para que se pudiera seguir haciendo.

Nunca fue un proyecto comercial, sino para ella misma.

Nunca fue un proyecto comercial para Diego Ortiz y para mí,

pero sí lo fue para ella misma.

La Más Bella consiguió mantenerse a sí misma.

Es una serie de pequeños libros de artista,

siempre tienen un formato que es este pequeño,

siempre tienen una portada monocroma pero por dentro,

cada artista tiene la libertad de hacer lo que le apetezca.

Por eso cada uno es bastante diferente de contenido.

A veces los papeles cambian totalmente,

pero por fuera son iguales y forman una serie.

Aquí, este es el de Santiago Sierra

"El trabajo es la dictadura".

Aquí sale una performance...

Nos pidió que contratáramos 30 personas a través del INEM

con el salario mínimo interprofesional,

que han estado diez días públicamente escribiendo:

El trabajo es la dictadura, el trabajo es la dictadura...

Ocho horas al día.

Y la gente podía venir a visitarlo.

Y de ahí se han llenado los 1000 libros de la serie.

(Música)

Yo creo que en Ivorypress nos conocen bastante

por estas publicaciones muy lujosas,

como la última que hicimos con Olafur Eliasson,

que es un libro tremendo, grande,

de vidrio, y este es un poco el contrapunto.

Aquí la idea es que sea una, quizás, de formato más humilde,

pero el valor del libro de artista no depende de los materiales

que se han empleado, el coste de la producción,

sino del trabajo en sí.

Y por eso pensamos que es igual de valioso este libro,

que es un libro de artista de los grandes que hacemos.

(Música)

En principio, se nos ocurrió la idea porque queríamos trabajar

con libros de artista.

Y el nombre de Carne nos parecía muy sugerente,

la carne evocaba, por una parte, al cuerpo,

evocaba lo que se come, evocaba violencia.

El primer número lo trabajé yo

desarrollando la idea un poco de "amantes desollados",

uniendo la carne como lo que está fuera del límite del cuerpo

y, a partir de ahí,

los artistas lo han ido llevando cada uno a su terreno.

Lo que nosotros valoramos más, ante todo, no es que la gente

que trabaja con nosotros sean especialistas en grabado,

es más, casi ninguno ha hecho grabados antes.

Sencillamente, trabajamos con personas

que son artistas con un mundo propio.

A partir de ese mundo,

buscamos el modo en el que se reproduzcan sus piezas.

(Música)

Hemos hecho intención de hacerlo, sobre todo, con técnicas artesanales

como grabados cartográficos, linóleo, aguafuerte, azúcares...

Aparte que yo soy grabador y tengo el material para poder hacer

este tipo de cosas,

nos parecía que el volver a procesos muy antiguos,

muy artesanales, a veces olvidados

o no tan presentes en el mundo digital,

pues era también una cosa que nos parecía un aliciente.

(Música)

A mí me gusta mucho a la hora de afrontar un comisariado,

implicarme mucho en la historia.

Y me gusta mucho siempre ir un poco más allá de la cuestión.

Entonces, bueno, pues empecé a darle vueltas también

a lo que es un libro de artista.

Si modificamos el concepto

o si trabajamos sobre un libro pero se plantea al artista

que no tiene por qué respetar el formato...

¿Haríamos un libro de artista, no haríamos un libro de artista?

Tengo la casa de mis padres que tengo que vaciar.

Tengo allí la típica biblioteca de los años 70

que había en todas las casas.

Entonces pensé: "Esto es un punto de partida,

vamos a trabajar con los libros que están aquí

y a partir de ahí, a ver a dónde llegamos".

Siguiendo con el concepto de libro de artista, no libro,

si se respeta el formato y si interviene...

Libro intervenido, es algo que históricamente

se ha trabajado mucho. Es libro.

¿Si no respeto el formato sigue siendo un libro?

¿Por qué no si me cuenta una historia?

(Música)

Hay artistas que han tirado más de la afirmación o la negación

del propio elemento libro

y de la afirmación o la negación de la propia creación plástica.

Otros trabajaron también o se relacionan también bastante

con el espacio, el lugar o el no lugar,

o la creación de un nuevo lugar.

Y, bueno, otros, yo creo que se plantearon más

una intervención más directa,

más cercana al libro de artista,

no buscando la negación del libro de artista

y, quizá, más implicada a lo mejor

en su propio concepto de creación personal, ¿no?

(Música)

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Metrópolis - Libro de artista

31 mar 2020

No es un libro de arte, o un libro sobre arte. Un libro de artista ES en sí mismo, una obra de arte. Desde el conocido poema de Stéphane Mallarmé “Un coup de dés jamais n’abolira le hasard”, Mallarmé (1897), que ya en el siglo XIX se apropiaba del espacio en blanco y liberaba al texto de la disposición tradicional de las páginas, artistas y creadores de diferentes generaciones, han explorado y cuestionado el formato libro.
En los años 60, muy ligado al conceptualismo y el ready made, surge el Libro de artista. Un formato sencillo, reconocible y de precio asequible, que sirvió a los creadores para experimentar y acercar el arte contemporáneo al gran público.
Esta semana en Metrópolis, nos acercamos al Libro de artista en la actualidad y algunas de las manifestaciones artísticas que lo acompañan en su recorrido.

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