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No recomendado para menores de 16 años Metrópolis - Generación 2020 - ver ahora
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El certamen Generaciones

promovido por la Fundación Montemadrid

cumple 20 años dando apoyo y promoción

a los artistas emergentes de nuestro país.

La Casa Encendida muestra las ocho propuestas ganadoras

en esta última edición,

marcada por la visión de un futuro distópico e impredecible,

y la idea del presente y la práctica artística

como resistencia.

Instalación, vídeo, pintura, escultura, performance,

los artistas más jóvenes se muestran sensibles

a las problemáticas sociales y políticas actuales

y las abordan desde diferentes disciplinas y aproximaciones,

demostrando con su trabajo su madurez creativa.

Esta noche en Metrópolis Generación 2020.

Yo creo que Generación 2020 reúne ocho proyectos

de ocho artistas, ¿no?,

como todos los años de diferentes lugares

de territorio en España,

pero que, muchos de ellos tienen preocupaciones comunes

propias de la generación, ¿no?, propias del presente.

Y lo que detecté, en principio, en alguno de los proyectos,

era esa sensibilidad al estado de híperseguridad

en el que estamos viviendo por el miedo al futuro,

Orwell decía, para controlar el futuro

hay que controlar el pasado, pero, para controlar el pasado

hay que controlar el presente.

Entonces, de alguna forma, esto me llevó a mirar, ¿no?

los proyectos de los artistas de Generación 2020

y a darme cuenta pues que, esa mirada hacia el pasado

era una manera de asentarse con firmeza

en este presente, para encarar el futuro.

- Yo creo que, siempre desde el momento que leí a Jack Kerouac,

me imagino que las subculturas y el ámbito social, la esfera social,

tanto como política, me interesaba bastante

y, incluso mi primer año de carrera fueron Ciencias Políticas,

me interesaba muchísimo saber cómo funcionaba el mundo

y cual era mi posición dentro de este mundo,

a través de lo que era lo creativo y lo político

y, intentar juntar esos dos con cierto sentido del humor

que creo es lo más característico de mi práctica.

A la hora de abordar mi propuesta para Generaciones,

"Good bad not evil"

pensé, bueno esta convocatoria se llama Generaciones,

tiene que tener cierto también, eco, de donde yo vengo

o de donde vienen mis compañeros, la era en la que hemos nacido,

donde hemos crecido y en la que estamos viviendo ahora, ¿no?

qué era característico de mi generación,

que es la milenial,

y como hemos desarrollado mecanismos, digamos, de supervivencia

a la vez que hemos crecido con Internet,

y me interesaba mucho utilizar iconos muy particulares

de la cultura pop, con la que hemos crecido,

a la hora de hablar del futuro que vivimos ahora, ¿no?

El rosa, lo llamo yo el rosa milenial,

que es como el rosa palo,

esalgo que nos identifica a todos en general,

y, digamos, como que nos unifica, mos que identifica.

Los milenial venimos de múltiples edades,

colores, tamaños, y creo que ahora somos, quizás,

la generación que hace hincapié, sobre todo,

en la representación en los medios de diferentes cuerpos, razas, géneros

y quería que fuera siempre parte de mi instalación.

Todas las piezas que están en esta pared están reproducidas,

es decir, existe una original

que está pintada sobre papel, por ejemplo esta,

o esta que está pintada sobre lienzo,

pero a la hora de crear una instalación con tantas imágenes

decidí que, traducir estas, digamos, medio tradicional,

a algo menos convencional a la hora de experimentar con la pintura,

para ello me interesaba un tejido que fuera, digamos, ligero,

que también pudiera pues, jugar un poquito con las capas,

que se viera, a la hora de verlo en conjunto

como, digamos, imágenes de baja calidad

en nuestra pantalla del ordenador, ¿no?

La siguiente parte de la instalación es un cojín enorme

y un vídeo que fue grabado entre 2018 y 2019

en dos de las mayores protestas contra el "brexit" en Londres.

Y la composición, el sonido que lleva tiene mucho que ver

con, digamos, el hedonismo protesta muy típico, digamos, de los 90,

de la reiki, de la cultura reiki.

Y a la derecha de esto hay dos lienzos al óleo,

en el que me interesaba hacer un guiño

a una de las manifestaciones

en las que una de las personas que estaban presentes

llevaba una pancarta que comparaba

el hecho de que Geri Halliwell se fuera de las Spice Girls,

como que el Reino Unido se fuera de Europa

y crear una disociación entre estas dos imágenes.

- Los últimos años he trabajado más desde la instalación o la escultura,

sobre todo trabajando con objetos, con términos de materiales,

quizás si que entienda que hay una especie de búsqueda,

de respuestas o algo

y el formato plástico me ayuda

a intentar hacer mío algo que no entiendo, ¿no?

Decía, estamos haciendo arte

estamos trabajando con cosas que no entendemos.

El punto de partida de este proyecto son dos conceptos recíprocos

que vienen de filosofía clásica y muchas cosmogonías

han utilizado también

que son concentrar el microcosmos y el macroanthropo.

Esta idea del microcosmos es, de alguna manera,

la comprensión del ser humano

como una representación a pequeña escala del Universo.

Y el macroanthropo sería lo opuesto,

que es la comprensión del Universo

como una representación a gran escala del ser humano.

Es un planteamiento como de afinidades

entre el yo y el mundo.

Una forma de comprender lo exterior por simpatía, ¿no?

por afinidad.

A mí, a la hora de trabajar como práctica,

estos conceptos me hacen pensar en esta idea

de que lo sensible solamente puede ocurrir como relación.

Creo que un artista decía que no podemos hacer

una representación del en si sin que se convierta en un para nosotros,

o sea, de alguna manera estamos generando

una especie de agencia en el mundo, ¿no?

y, de la misma forma,

creo que el mundo genera una especie de agencia hacia nosotros, ¿no?

Este material se llama bismuto,

es un metal de la familia de los metales pesados

que plantea un montón de fenómenos paradójicos, ¿no?

fenómenos extraños comparados con otro tipo de metales.

Me interesan la capacidad como agencial del bismuto

y la capacidad que tiene casi como poder comunicarse con nosotros.

El proceso de enfriamiento genera unas maclas concéntricas,

son esta especie como de cubitos o pirámides

que se generan de una manera completamente aleatoria,

que es completamente incontrolable,

y es algo que Niemeyer lo consideraba commo una especie,

en el tema de los metales, como de causalidad emergente.

Es un material que es como muy contradictorio,

donde, por ejemplo, es muy frágil

y a pesar de ello va a ser

el material que más perdure en el Unverso,

en superficie genera una especie como de arco iris

que no son un cambio de sustancia

o en el material en que están construidas las piezas,

sino que es la interferencia del ojo humano y la luz,

la que generan esa especie de arco iris en nuestra percepción.

El display en estas piezas cobra bastante importancia,

está bastante medido en ese sentido para que el espectador,

según acceda a las piezas

tenga una especie de presencia física bastante importante.

Está construido en base a relaciones de simetrías

y de opuestos de opacidad-transparencia.

Si pienso, quizás,

en los últimos proyectos en que he estado trabajando,

yo creo que hay mucho de, de tirar de historias

que, por algún motivo, me interesan,

en el modo en que han sido contadas o transmitidas

de una persona a otra, ¿no?

La comunicación, quizás, o la subjetividad que contiene

una sola historia, ¿no?

Todas esas variantes que surgen

de las voces de distintas personas que la cuentan.

El proyecto tiene dos situaciones o dos hechos,

por un lado en la existencia de una máquina parlante

que encontré en un libro de Ricardo Piglia

que es la máquina de Macedonio, que da nombre al proyecto,

y es una máquina que, a partir de una historia,

va generando, a través de pequeños cambios,

va generando otras nuevas.

Y luego, por otro lado,

yo estuve hace un tiempo, colaborando con una comunidad wayú,

en La Guajira, en Venezuela,

y, bueno, de esa convivencia surgió la posibilidad

de hacer una pieza textil en colaboración con ellos

y me interesaba porque esta comunidad de tradición oral,

es decir, no tienen una historia escrita,

sino que, que su tradición se transite de forma hablada

y a través de su artesanía.

Les di mucha libertada, en ese sentido,

y, normalmente, quizás hacen más motivos simbólicos,

o de tramas, pero en este caso ellos quisieron

como representar su forma de entender el mundo, ¿no?

que es con esa dualidad entre la parte que se ve arriba,

que forma más la parte esa del mundo espiritual

y la terrenal, digamos,

pero que ellos consideran que está en el mismo plano, ¿no?

de la realidad.

La pieza está situada en un lugar oscuro de la sala,

donde hay que entrar con unas linternas

que forman parte de la pieza,

las linternas tienen, o bien luz negra, o luz blanca

y dependiendo de tu elección, ya de primeras,

vas a encontrar una cosa u otra.

No quería que la pieza se viera nunca en su totalidad,

sino que fuera a través de ese punto de luz

el que te fuera descubriendo, ¿no?

Es como el que se lee un libro

y no puede abrir todas las páginas a la vez,

sino que tiene que ir pasando y haciendo un recorrido.

La parte sonora ha sido una colaboración con Marcos Carnero,

que es un compositor y editor de música y de sonido

y, bueno, ha sido un proceso muy bonito

porque él ha utilizado como elementos de la naturaleza

y también como unos motores

que activaban los sonidos de una manera, también, muy aleatoria, ¿no?

Mi propuesta fue, precisamente,

como que el tapiz lo voy a deshacer,

o sea, se va a deshilar,

porque creo que es una manera también de mostrar la fragilidad

de lo que ahí se cuenta, ¿no?

de las personas con las que he estado trabajando,

no quería que se convirtiera como en un algo que se puede conservar,

y, entonces, deshilaré todo el tapiz

para que los hilos vuelvan a la madeja

y sean como material susceptible de formar parte de otro relato.

Desde el inicio de mi carrera me he dedicado, sobre todo,

a experimentar la noche en el mundo del cine.

Me interesa la oscuridad y el sonido de la noche

para trasladarla al mundo cinematográfico.

Siempre he estado enfocada, sobre todo, al cine documental,

sobre todo para convivir en otros espacios

o con otra gente que no tenía oportunidad

si fuese por mi cuenta,

para introducirme a nuevos mundos.

Pero, poco a poco, he ido introduciendo

la puesta en escena en el documental

y me he ido dando cuenta que, al final,

está aficionando el documental.

El proyecto de Generación 2020 en una película

que comenzó con una fascinación por un espacio,

que es la costa de Caparica en Portugal, cerca de Lisboa,

en la que suceden dos acciones simultáneas durante la noche,

una es la pesca de arrastre, llamada pesca de Xávega,

que consiste en una pesca bastante artesanal,

por otro lado, otros cuerpos tienen encuentros sexuales, ocasionales,

y estas dos acciones se relacionan a través de la luz,

ya que es por la noche,

los pescadores a través de los frontales

y la luz de los tractores

y en el cruising a través de la luz de los móviles,

de los teléfonos móviles.

Pues más que las acciones me interesa el espacio y el paisaje,

de tratar un paisaje a través de luces y de movimientos

y de... también de una espera, ¿no?

porque en las dos acciones está la espera por una cosa o por otra.

La película es bastante observacional

pero creo que tiene un punto narrativo

que es la voz en off que va hilando las dos acciones.

(Gritos)

Yo, considero que mi trabajo tiene que ver con la pintura.

Todo lo que he realizado hasta ahora, lo que me interesa

y lo que me preocupa parte y acaba en la pintura.

Pero, como se puede ver también en este proyecto,

hay cosas que ya se escapan de la lógica formal de lo pictórico,

del plano, de la superficie en lo vertical,

y atiende ya a otro materiales, a otras búsquedas,

a otras soluciones formales,

pero siempre mirando en un ejercicio de ida y vuelta

sobre cuestiones pictóricas como la escala, la luz, distancia,

la superficie, la masa...

Celada significa trampa,

pero yo no lo concebía como una trampa física

en la que se atrapa algo sino más bien como la idea de coger

no algo físico sino sobre todo algo temporal que encuentro en el paisaje

que es sobre todo en el campo que yo me muevo desde lo pictórico

para poder abarcar las cosas que me interesan,

miro mucho al paisaje.

Y esta idea de coger, de atrapar, me interesaba mucho en los materiales

pero sobre todo en el tiempo que hay en ellos

de elaboración, de construcción, de acoplamiento casi, de piezas,

tanto en la pintura como en los objetos.

La pintura que hay sobre papel, viene, como lo suelo trabajar yo,

desde un plano horizontal

en el que aplico veladuras con óleo con trementina,

y las propias manchas que van apareciendo,

las incisiones de color que meto, muchas veces se pierden.

Y en esta en concreto,

recuerda o tiene que ver con una serie de pinturas

que vine haciendo desde Roma,

en una experiencia que tuve en una residencia en la academia de España,

en la que me interesó mucho un texto de Ángel González

que hablaba de la sobre mesa de ese momento en el que el plano de la mesa

el mantel recoge la acción que ha sucedido

y los pequeños accidentes, los restos de la comida, la grasa,

al final muestran un lienzo interesante y en el que se ve

casi como una acción artística.

El proyecto, digamos, que parte un poco desde esa premisa,

de recoger esa acción y luego trasladarla con esos otros alimentos,

como las lentejas de los mosaicos o las mandarina de la columna

ya en un plano horizontal.

Y luego, en otros materiales, en otras formas

que rompen mucho con lo tradicional, como dos tallas en madera

que tienen que ver ya casi más con el dibujo,

con lo espacial, con trazo...

Una pintura muy pequeñita que está hecha con cera de abeja

que parte realmente de las tablillas clásicas de escritura

que usaban en la antigüedad en Grecia y en Roma,

y el último ejemplo es la varilla colgante de hierro

que al final, yo no lo considero escultura

estás piezas que hay son como variaciones desde lo pictórico

pero en estos últimos casos tienen que ver ya

casi ya con un dibujo en el espacio,

con una idea muy abstracta de signo, de trazo casi.

Desde pequeña siempre hemos hecho en casa cosas con las manos.

No se puede decir que era arte pero sí que había como...

como una relación de manipular el material con las manos.

Para mí es como muy natural esa relación con los objetos

o con los materiales por esta cuestión.

El proyecto comenzó,

bueno, estaba con los textos haiku en concreto con los de Kobayashi Issa

y seleccionaba como algunos haikus

que a mí me afectaban de alguna manera.

El haiku lo que tiene

es que de repente como todo el medio simbólico que le rodea,

o sea, toda la realidad entra al poema sin ningún tipo de filtro, ¿no?

Es una observación sutil y compleja y como muy precisa, de la realidad.

Lo que le interesaba del haiku a Karkowski

es que con tres elementos aislados

de repente aparecía una nueva cualidad.

Entonces me parece totalmente trasladable a la práctica,

por ejemplo, de la escultura, ¿no? que con tres elementos aislados

que son el metal, la escayola y la cinta o el celo,

de repente se ha generado como un nuevo cuerpo, una nueva entidad.

De repente, había una relación entre las esculturas y los dibujos,

lo primero plástica, ¿no?, a nivel de que estaba

como apoyándome en una cuestión como figurativa

aunque realmente a mí la figuración es una excusa

porque lo que me interesa tanto en los dibujos,

por un lado, es que ocurra como una cuestión

entre el color, entre las formas, entre la línea, ¿no?,

la masa y la línea y que de repente ahí

se construya algo

y por otro lado en las esculturas lo mismo, ¿no?

que ocurra algo como materialmente.

Lo de los dibujos comenzó con ceras, porque me...

Es un material que me gusta mucho a parte de que es como muy gozoso

como dibujarlo me resulta como muy rápido,

tomas decisiones muy rápidas y es como de gesto,

de repente es como muy gestual.

Como que hay una cosa del cuerpo que responde a ese gesto.

Utilizo siempre óleo en barra

porque hay una cuestión también de cuerpo

como el papel y en la pared que pasa lo mismo con el tamaño de A4

que quería que permaneciese en los tamaños más grandes.

Sí que es verdad que son otros tiempos

porque al ser otro material el tiempo es más lento,

o sea, quiero decir, tienes que esperar a que se seque,

no es una cosa como tan inmediata, vamos a decir,

como puede ser o dar la sensación que es la cera.

Es otro tiempoy también me gusta que sea otro tiempo, ¿no?

Yo primero empecé haciendo música o lo que se puede llamar

música experimental y bueno, empecé

a hacer ese tipo de música cuando era...

Bueno, adolescente

antes de entrar en los estudios de Bellas Artes.

Un poco por articular

qué es lo que me interesaba ahí, en la música,

y creo que todavía es lo que persigo cuando hago una escultura

bueno, o cualquier trabajo.

Intento colocar las cosas en un punto de ambigüedad

en la que sea difícil poner adjetivos.

El punto de partida son pinturas de otros artistas

que yo manipulo, corto y vuelvo a ensamblar,

y bueno, son pinturas que consigo,

bueno, las primeras las conseguí en la calle,

las encontré por casualidad en la calle

y luego la mayoría las he encontrado en rastros, ¿no?,

en rastros de secunda mano.

Para hacer las uniones utilicé grapas,

y bueno, empecé también a incluir plásticos,

entonces, era una manera de trabajar mucho más rápida, inmediata.

O sea, todo está también lleno de agujeros

porque hacía agujeros con las tijeras para poder meter la grapadora, ¿no?,

y bueno...

Es parte de la pieza también como ese carácter un poco

pues torpe, con una herramienta así como muy común

que puede tener cualquiera en casa o en la oficina

y que me obligara a hacer agujeros para poder trabajar así,

y que todo eso este...

Como ha sido el proceso de transparente,

la pieza enseña cómo está hecha.

El plástico lo que permite es trabajar como con veladuras

porque hay varias capas una detrás de otra

y luego las grapas al final no son solo una forma de unión

sino que se vuelve un material más y muy importante

porque bueno, al final casi...

Bueno, está muy presente y crean casi como una textura.

Es proceso siempre es un diálogo con el objeto,

con la pieza intento no imponerme demasiado.

Cuando lo vemos al fondo de la sala puede ser como un paisaje, una imagen

pero bueno, es muy muy muy escultórico,

también es muy objeto...

Tiene como muchas capas, por partes puede coger mucho grosos,

bueno, es muy objeto al final, como se podría considerar, escultura.

Como artista, soy artista de performance, de arte acción,

y lo que suelo hacer es trabajar problemáticas contemporáneas

o temas políticos.

A nivel de disciplina lo que suelo hacer

es crear instalaciones escultóricas que me sirven como de atrezo

para la coreografía de movimientos o la performance

entonces, la performance dialoga con esta instalación de obra

que luego se queda como reflejo de lo que ha pasado.

La pieza que está en "Generaciones" se llama No Fall Game,

el título hace referencia a los carteles de "No ball games",

"prohibido juegos de pelota" que hay distribuidos

en espacios públicos en Reino Unido que es donde yo vivo,

y que para mí refleja muy bien toda la institución de prevención y riesgo

o la institución de Health And Safety

que me parece ya llevado hasta lo absurdo.

Me gusta la cerámica en este caso porque es un material muy frágil

y entonces crea como una yuxtaposición de connotaciones,

un diálogo un poco paradójico entre el material muy frágil

y su supuesta función de proteger.

También hay una pintura que ilustra un plato de comida

que es como lo más orgánico, lo más sucio,

como si dijéramos así, sobre todo en un espacio pulcro y limpio,

como es la galería pero en la pintura se ilustra

la comida siendo envuelta con un papel de plástico,

como para proteger eso, que no llegue a ningún sitio,

que no manche nada.

Como toda la obra trata sobre la sobreprotección

y la hipervigilancia y todo esto,

pues el marco del cuadro es la caja donde yo la mandé

que está como superprotegida para el envío

pero ya se queda en ella, protegidas hasta lo absurdo ya.

(Música mecánica)

En la performance está compuesta de una serie de movimientos,

hacen referencia a una cultura de violencia

pero una violencia muy estetizada,

una violencia que está lista para ser retrasmitida en Instagram.

Me interesaba crear como una arquitectura de miedo y de estrés

a eso contribuye mucho el sonido, yo creo.

Hay mucha referencias al Health And Safety,

al prevención y riesgos, por ejemplo, con movimientos de primero auxilios,

pues un boca a boca, una reanimación cardiopulmonar...

También hay muchas acciones

que hacen referencia a la cultura de hipervigilancia

pero una hipervigilancia que además de ser por parte del gobierno,

de las instituciones, a través de cámaras de seguridad, "ectb",

es también por parte del individuo

y de manera voluntaria a través de las redes sociales.

(Música mecánica)

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Metrópolis - Generación 2020

07 jul 2020

Capítulo dedicado a la exposición que reúne en La Casa Encendida los trabajos ganadores de la última edición del certamen GENERACIONES, promovido por la Fundación Montemadrid, que en 2020 ha cumplido 20 años ofreciendo apoyo y promoción a los artistas emergentes de nuestro país.

Bajo el comisariado de Ignacio Cabrero, las ocho propuestas ganadoras en esta última edición están marcadas por la visión de un futuro distópico e impredecible, y la idea del presente y la práctica artística, como resistencia. En las piezas seleccionadas, se dejan ver algunas ideas y planteamientos comunes como es la visión de un futuro marcado por la oscuridad, la incertidumbre, y la obsesión por el control y la vigilancia. Ante esta situación en cierto modo catastrofista, los jóvenes creadores se muestran esperanzados y reaccionan con su práctica artística como resistencia. En unos casos, desde una visión crítica más o menos evidente; en otros, desde una reflexión y análisis del pasado, con la intención de comprender y reaccionar ante el presente.

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