Dirigido por: Ana María Peláez

Serie de documentales sobre los personajes más destacados de la cultura española del siglo XX cada semana en La 2 y en RTVE.es. Dirigido por Ana María Peláez

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Para todos los públicos Imprescindibles - Josep Renau. El arte en peligro - ver ahora
Transcripción completa

Muchas gracias.

Necesito pedirles excusas.

Porque traigo la corbata en el bolsillo

y no me han dejado ni ponérmela.

Yo quiero empezar diciendo,

que estoy seguro que nadie queremos que vuelva a pasar de nuevo aquello.

Que pasó.

Ni nosotros lo queríamos entonces

ni lo queremos ahora.

Pero justamente,

para que no vuelva a pasar.

Hay que tenerlo en cuenta en la memoria y no olvidarlo.

Renau cambió mi vida, mucho, mucho.

Primero aprendí a dibujar y a pintar,

con él.

Además lo admiraba mucho porque era un comunista

de todo corazón y quería cambiar el mundo.

Eso me entusiasmó.

A Renau lo conocí de la siguiente manera:

en la casa de Renau había dos chicos que dibujaban los sábados.

Me dijo: "si quieres aprender a dibujar vente los sábados".

Allí fui y Renau enseguida.

Empezó a contarme cosas.

Era seductor.

Tenía un aura.

Un aura tremenda.

Empezó a hablarme de pintura.

Cómo pintaba Velázquez.

Del contenido y de la forma del arte.

Lo que todos los profesores no hablaban.

Me fui a vivir a la casa enseguidita.

Yo estaba entusiasmada era el mundo del arte al completo.

Me dio un cuarto al lado de su biblioteca.

Vivir en ese mundo era un paraíso.

Todo estaba lleno de imágenes.

Cada cosa te abría a la fantasía.

Todo estaba lleno de imágenes.

Y ese mundo me encantaba a mí.

Renau fue uno de los mayores intelectuales

de la década de los años 30 en este país.

Si te fijas, Renau hizo collages, fotomontajes, carteles, etc, etc,.

Pero hizo innovaciones técnicas muy importantes.

La utilización de las amilinas

fue un elemento fundamental.

Para dar mayor fuerza, potencia, claridad a la obra.

Pero fue una persona que escribió libros

como "La teoría social del cartel publicitario"

en los años 30, realmente significativos.

Fue director general de Bellas Artes

que encargó a Picasso que hiciera el Guernica

para el pabellón español de la Feria de París.

Se encargó de poner a salvo los tesoros del Museo del Prado.

¿Qué quiero decir con ello?

Que estudiar a Renau

es estudiar múltiples facetas que no son autónomas

sino que se van complementando con un puzzle

y lo que nos dan es una persona de primer rango.

Un intelectual.

Una persona que puso su arte, su vida, sus conocimientos

al servicio de una causa, la que él creía que era la más justa.

La causa de la República, la causa de los trabajadores

la causa por un arte.

Que no estuviera alejado de las necesidades sociales,

políticas y culturales de España.

Creo que su obra

casa perfectamente bien

con lo que podemos denominar la vanguardia de principios de siglo.

En la década de los años 20, 30, 40

En su producción artística estuvo muy influenciado

por dos elementos fundamentales.

Uno, la tendencia del dadaísmo alemán

John Heartfield, Raoul Hausmann...

Y la otra la línea rusa.

Su obra se desarrolla en unos períodos realmente aciagos.

Para nuestro país y para Europa.

Estamos en unas décadas de las más dolorosas, violentas

de lo que significa España y Europa.

Renau tiene un compromiso muy claro.

Se posiciona muy claramente.

No solo es que cuadra muy bien con todos estos sectores

sino que es un elemento destacado

de producción artística y de ética personal en toda Europa.

Yo creo que Renau tiene mucha vigencia

porque esto del arte por el arte pues sigue existiendo

pero en definitiva el arte tiene un componente subversivo.

Este componente subversivo puede ser una fuente de inspiración

y una conexión con el arte que se hace en la actualidad.

Si pudiera ahora mismo preguntarle a Renau

Primero tendría una conversación no solo tener una pregunta

y lanzar una respuesta.

Si pudiera, supongo que sería en qué momento decidió

tomar partido.

Creo que es algo muy valiente por parte de un artista.

Tomar partido.

No solo él sino todos los artistas

en un momento en el que la sociedad se fracciona en dos

tienes que elegir bando.

Podría haber elegido el otro bando.

Podría haber sido el cartelista del franquismo.

Podría haber sido el cartelista de los ricos.

Pero en qué momento te la juegas

y eliges el otro bando.

También podría haber estado en los dos.

Podría haber estado al margen.

Pero no, es una persona que se involucró.

Y eso es algo que siempre me ha llamado la atención

de muchos artistas.

Hay un punto en la vida del artista en que se la tiene que jugar.

¿Qué momento fue ese?

¿Cómo lo hiciste?, ¿por qué?

Yo creo por lo que he visto de su obra,

que era un hombre de profundas convicciones.

Y él creía en lo que hacía.

Josep Renau nació en 1907

en una céntrica casa de la ciudad de Valencia.

Su padre, profesor de la escuela de Bellas Artes

San Carlos de Valencia

pronto introdujo a sus hijos en un mundo lleno de imágenes.

Renau recordará siempre las largas horas de taller

en las que su padre restauraba importantes cuadros

propiedad de la iglesia o de la aristocracia del momento.

Pronto y por razones de salud,

la familia Renau se traslada al barrio marinero del Cabañal.

Allí estableció el paraíso de su infancia.

Animales fascinantes, veleros y una playa salvaje

hicieron que deseara ser marinero.

Pero entre mástiles y caballetes

su destino estaba decidido.

El padre cogió a todos los hijos, varones, en un momento determinado,

los sienta en una mesa y dice:

"dibujadme esta pataqueta".

Entonces el padre consiguió que Renau, el primogénito

podía ser una persona que podía dedicarse al oficio.

Le puso a trabajar, a hacer ejercicios.

Le hacía pintar a sus hermanos, que estaban hasta las narices

de posar para él.

Le hacía naturalezas muertas.

Le hacía pintar paisajes.

Todo esto le valió para que luego

cuando entra en la escuela de Bellas Artes,

le hacen un examen, lo pasó con la gorra.

La enseñanza aquí era clásica por decirlo de alguna forma.

Sorollista.

Eso le parecía inmoral.

Tomó la decisión de protestar.

Un día que un señor mayor hacía de modelo

Renau lo pintó de color violeta y verde puros.

En la escuela todos se escandalizaron empezando por sus compañeros,

luego los profesores e inmediatamente el padre le llamó la atención.

Aprovechó la circunstancia para ponerle a trabajar.

En Gráficas Ortega.

Empezó a ganar hasta premios.

Llegó un momento en el que él ganaba más que su padre.

Aquí vuelve a aparecer la figura del padre.

Que tiene muy buena amistad con José Francés

un crítico de arte muy influyente que le permite hacer

su primera exposición.

Donde había bodegones.

Había retratos de la familia.

Y había dibujos que de alguna manera daba ya un perfil

de lo que podía ser el futuro ilustrador Josep Renau.

Dice que no le gustó el ambiente que había en Madrid.

Las señoritas finas que iban a las exposiciones.

El aspecto académico reinante en la capital.

Toma la decisión de no hacer más exposiciones en su vida.

Vuelve de Madrid y durante un año está padeciendo una crisis interior.

Producto de esto es el primer fotomontaje que él hace.

Que es "El hombre ártico".

Que es un prodigio.

En el que es un autorretrato de su estado anímico.

Ahí descubre que el arte tiene una función social.

Puesto que a él le está utilizando la alta burguesía burdamente.

Le parece inmoral y va a dedicar su arte a la clase obrera,

a la lucha obrera y al proletariado.

Encuentra en un entorno anarquista muy activo en el país valenciano.

En el cartel, la ilustración, en el fotomontaje

una manera de expresarse y ganarse la vida.

Estamos hablando de una revista anarquista como Estudios

que tiraba 75.000 ejemplares

en la II República española.

Y se distribuía en América Latina.

No es ninguna broma.

Estudios, Orto, hasta que nace Nueva Cultura

como proyecto propio de un artista de izquierdas

en aquellos momentos que ya llevaba unos años

militando en el Partido Comunista de España.

De su obra me conmueven facetas muy diferentes.

Tiene un aspecto más popular vinculado al cartel de "Las Arenas"

que estuvo en todas partes.

Resultaba atractivo.

Luego su parte de compromiso político provocativo y comprometido

es muy fuerte.

Incluso visto ahora, unos fotomontajes

que tenía sobre el aborto legal en los años 30.

Quería cambiar el mundo,

mucha gente con poder que no quiere cambiar el mundo.

Todo lo contrario.

Los mismos comunistas había gente que lo único que tenían

eran dogmas en la cabeza.

No sé cómo explicarlo eso ahora en dos palabras no se puede.

Él hablaba de solidaridad.

De trabajar para todos.

Cosas que a los jóvenes no nos interesaba mucho.

No pensaba en el dinero.

La sociedad de hoy siempre está pensando en el dinero.

Todo cuesta dinero, no se hace más nada.

Los murales en México lo hicieron por los suelos de un electricista.

El hombre vivía como pensaba.

Eso sí que es raro.

¿Debe la gente buscar el arte?

¿O debe el arte buscar a la gente?

Esa cosa me la planteé a los 20 años.

A la edad de jugar al fútbol.

Después de unos éxitos que tuve aquí en Madrid.

Inesperados, no.

El arte tiene que buscar a la gente.

Y cuando la gente buscaba el arte,

estaba en la calle, el México azteca,

Egipto, la Italia renacentista.

No se llamaba arte.

Estaba integrado en la vida.

Una escultura era igual que un árbol, un edificio.

La gente no le daba categoría de arte.

Vivía dentro de un ambiente artístico.

Ahora cuando hablamos del arte

no está en la calle, está encerrado.

De sus primeros trabajos,

apenas tenemos muestras.

Pero en la tercera planta de un edificio señorial

deshabitado desde hace años

permanece oculta y en silencio

en pleno corazón del bullicioso barrio del Carmen

una auténtica joya del artista valenciano.

Muchos de sus murales ya han desaparecido.

En España tan solo se malconserva una muestra que nos recuerda

sus inicios como artista Decó.

Mientras en Alemania,

muchos de sus trabajos de madurez ya han desaparecido.

"La conquista del cosmos", realizado para la televisión

de la extinta RDA

o su espectacular "Marcha de la juventud hacia el futuro"

solo las podemos disfrutar ya a través de bocetos y fotografías.

Conservo muchos recuerdos suyos.

Como dibujos, libros, cintas magnetofónicas.

En el punto de la obra de calle sí que estoy de acuerdo con Renau.

Creo que la manera más directa y accesible al público

de llegar al arte es a través de la calle.

Es comunicación directa.

Es un mensaje que dura lo mismo que el impacto.

Reacciones de segundo.

A la gente, le gusta y le llega.

Y quiere comprar ese tipo de arte.

Se transforma después en ilustraciones, serigrafías,

dibujos, cuadros.

Estamos consiguiendo conectar con la sociedad.

Ese es el punto de confluencia con Renau.

Creo que él quería conectar con el mayor número de público.

No hacía un arte para las élites,

para los museos o para la casa de un burgués.

O para una colección privada.

Ya sea a través de la obra de calle, o de los carteles

es un arte que llega a las masas.

La relevancia de Renau durante la guerra

creo que pocos tuvieron tanto, sobre todo en relación

a la defensa del patrimonio.

Eso está en manos de la Dirección General de Bellas Artes

y le nombran director en septiembre el 9, exactamente.

Del año 36.

Va a tener una medida estrella.

Va a ser la evacuación del patrimonio para quitarlo de los sitios

con conflicto.

Y él va a decidir trasladarlo a Valencia.

Es el Museo del Prado, la Biblioteca Nacional

El Escorial, la catedral de Toledo, la de Teruel, etc.

Todos los sitios de conflicto leal a la República.

Cuando se llega a Valencia,

se acondicionan las Torres de Serrano y el Colegio del Patriarca.

Con unas condiciones que no tenían en el Prado ni otros sitios.

Las distintas exposiciones que se han hecho sobre el patrimonio

recuperado del 39.

Sin que Renau tenga una placa en el Museo del Prado

es una deuda histórica que el gobierno español

y sus autoridades culturales no le hayan reconocido

el papel histórico que jugó Renau.

Se habla de otros responsables de la Junta del Tesoro

pero por encima de ellos, la autoridad política era Renau.

A pesar de las disfunciones que hubo al principio

de toda revolución, guerra hay destrucciones.

Se paró y se controló.

Se salvó la parte sustancial del tesoro artístico.

Es el trabajo que más me satisface de los que he hecho yo.

Y es el que menos tiene que ver

con mis principios.

Sin embargo, ahí está.

Las obras del Museo del Prado están en su sitio.

Y podrían no haberlo estado.

Y no existir esas obras.

Ese tesoro es del pueblo español sea cual sea el signo político

que lo dirija.

Y eso éramos muy conscientes.

En esa época.

Por eso se dedicó un esfuerzo que no se conoce.

Me contó la historia de que en Barcelona,

trabajando en su taller,

vino su hermano con un camión y le dijo

vente que están los fascistas en la frontera de la ciudad.

Se agarró una cajita con negativos y se fue con él.

Dejaron todo allí, por eso se destruyeron tantos trabajos.

El hermano lo metió en su camión y se fueron para Francia.

Se salvó por un momento, a lo mejor lo hubieran colgado.

Lo condenaron a muerte.

Cuando él sale de Burdeos va para Nueva York

y le buscan publicistas americanos que conocen su obra

y le quieren dar trabajo.

Muy bien pagado.

Y él dice que no, que se va a México con Siqueiros.

Llega a un país, de los tres más grandes muralistas

de América Latina.

Siqueiros, Orozco y Ribera.

Eso abría muchas perspectivas.

Siqueiros quiere formar dos grandes equipos,

por un lado uno de españoles y otro de mexicanos.

Le invita en el proyecto del "Retrato de la burguesía".

Se va a encargar del tema de la iconografía, de los temas,

de lo que se va a hablar.

El resultado, es el mural más europeo

que uno se encuentre en México.

Con mucho.

Es un tema muy actual.

Hablando casi de la guerra, de lo que está pasando.

Y mucho de la experiencia española.

Se dio cuenta de que él no podía ser un exiliado.

No podría creerse un exiliado.

Era un señor que se había ido a otro país

por las razones que fueran.

A buscarse la vida.

Empezó a hacer carteles de cine

de Cifesa, algunos de ellos.

Fueron películas producidas en España

El trabajo de Renau entre el 39 y el 58

como cartelista de cine

hay que considerarlo un trabajo de supervivencia.

Hasta tal punto,

que yo en el encuentro que tuve con Renau en Berlín

en el verano del 75,

nunca me habló de su obra como cartelista de cine.

Fotomontajes es el único medio visual que puede expresar el absurdo,

la paradoja de hoy.

Nuestro mundo es paradójico y es contradictorio.

Es un medio que no se puede expresar con los medios clásicos.

A través de un temperamento crítico de un hombre que analiza

y que pone juntas cosas que nunca lo están.

Un témpano de Groenlandia y negritos desnudos del Congo.

La gente se constipa de ver fotomontaje.

Porque es absurdo eso.

Eso transportado

a un complejo de categorías políticas

eso es explosivo.

"American way of life", es la obra cumbre de Renau.

Estuvo más de 27 años para hacerla.

La empieza en el 49.

Es una crítica feroz a la Guerra Fría.

Y sobre todo al sistema de vida americano.

Fue su gran trabajo.

A él lo que le distraía era esto.

El fotomontaje a través de su imaginación.

La conexión pop, sí está clara.

Es un repaso a toda la iconografía de la cultura de masas americana.

Aún subvertida mirada críticamente está muy bien planteado.

Yo estoy de acuerdo de que es un trabajo de pop

Es una ficción publicitaria.

El "American way of life".

Y eso es lo que hago yo.

No un ataque a los americanos.

Estos hombres,

los americanos,

han inventado un lenguaje universal.

Que se entiende en todos lados.

Para vender Coca-Colas, refrescos

y lo entienden en todos lados.

Porqué no utilizarlo para decir otras cosas.

Aprovecho esa oportunidad

para decir que yo no soy un antiamericano.

Yo tengo mucha simpatía

por los americanos

como nación.

Como pueblo.

Pero, yo soy antiimperialista.

Los aspectos imperialistas de Estados como antes de los ingleses

yo lo combato con todas mis fuerzas.

Él se va de México porque está harto de trabajar para la industria.

Para el capitalismo.

Se le ofrece la posibilidad de trabajar para el socialismo

en el que él creía.

No un socialismo perfecto porque era consciente

de dónde se metía.

Sino el socialismo real.

Por lo tanto él se va allí y se pone a trabajar

para el socialismo con todas las de la ley.

Renau llegó a Berlín un oscuro marzo de 1958

en plena Guerra Fría y a escasos 3 años

de que se levantara un muro que dividiría la ciudad.

Allí llegó pensando que por fin su polémica serie

de "American way of life" sería publicada

pues así se lo había prometido el redactor jefe

de una popular revista satírica alemana.

Renau dejó atrás el cálido México

y se instaló en un caserón a escasos metros

de una fábrica de electricidad que provocaba una neblina de hollín

que inundaba todo el barrio.

Estaba desconcertado

nadie fue a recogerlo al aeropuerto.

Nadie le enseñó la ciudad.

Y 24 horas después de su llegada

un coche lo recogió en su casa

y lo llevó a través de un paisaje nevado

a la sede de la televisión de la Alemania oriental.

En pleno corazón del socialismo real

Renau estaba a punto de emprender una nueva aventura.

Cuando llegó a Berlín Walter, ya no era el director

de la revista y trabaja para la televisión alemana.

Y le propone que intervenga en un programa de caricaturas

que hacían en la televisión.

Aquello de hacer caricaturas confiesa que le sentó mal.

Pero por otro lado era una persona disciplinada

a pesar de su anarquismo y aceptó que tenía que ganarse la vida.

Lo hizo durante un tiempo participando en estas caricaturas

que hacía sobre un cristal

hasta que conoció el mundo de la televisión

y entiende que puede hacer dibujos animados.

Una animación paralela a la de Disney.

Pero es exactamente lo opuesto a Disney.

Habla del capitalismo, los valores de la sociedad burguesa.

Él hace lo mismo sin edulcorar las imágenes,

las hace impactantes.

Se lo propone a la televisión la aceptan y hace películas.

Estaba feliz de estar en el socialismo.

Porque los murales que hizo aquí no podría haberlos hecho.

Quizá en México en el tiempo grande del muralismo,

pero se había ido.

Aquí sí se interesaba por la pintura mural

porque tiene más influencia que la pintura de caballete.

Que está hecha para colgar en el cuarto de una persona.

Persona con dinero.

Ese es el mercado de arte.

Él era enemigo de ese arte, toda la vida.

Nunca ha vendido un cuadro, todos los ha regalado.

Por eso estaba contento con lo que hacía de murales.

La pintura mural al exterior,

he encontrado allí el público ideal

que yo he buscado siempre.

Es la forma de la pintura de todas la más democrática

que se dirige a un público indeterminado.

En la calle no hay ya

jerarquías, clases, ni hay nada.

Es la gente que circula por las calles.

Tanto la ama de casa, el niño, el sacerdote, el militar, el profesor

el analfabeto y todos ven quieran o no

una gran pintura mural situada en un sitio estratégico de una ciudad.

De un barrio populoso.

Ahora van a ver lo que les hago.

El otro mural que está a la derecha que se ve la cabeza de Marx.

Ahora les meto todo lo que quieren.

Banderas rojas, palomas,

todo metido en el cuadro ese.

Para que lo aceptaran.

Pero lo hizo a regañadientes.

Porque Renau sabía muy bien que eso era contraproductivo.

Es contra Marx y contra los ideales.

Pero la gente tonta sí es.

La gente que le falta cultura.

Renau utilizaba todas las chicas así como me utilizaba a mi

para todo tipo de trabajos.

Para fotografía.

En Alemania no había complejos.

En España en ese tiempo esto no era posible.

Que andaban las chicas desnuditas por el jardín.

Nadie lo tomaba muy en serio.

Uno de los vecinos un día me dice: "Marta que lindo que estabas

en el jardín el otro día".

Estábamos todos dibujando un modelo desnudo.

Que vino su mujer y que fuera a trabajar al sótano.

A pesar de su avanzada edad,

y de los numerosos reveses de la vida

Renau conservaba la suficiente vitalidad

como para encarar nuevos desafíos.

Y por fin, en la Bienal de Venecia de 1976

Renau pudo por fin exhibir su serie maldita

de "American way of life" cosechando un enorme éxito.

Desde ese momento, Renau el viejo artista exiliado

comienza a recibir ofertas que pretenden su vuelta a España.

A su Valencia natal.

Renau seducido por la oportunidad de vivir sus últimos años

junto al mar de su infancia realiza numerosas visitas a la ciudad

con la intención de continuar allí su trabajo iniciado en Berlín.

Hay un chiste que dice que cuando estás en una exposición

con muchos coleccionistas y artistas

es el único sitio donde puedes ver a los banqueros hablando de arte

y a los artistas hablando de dinero.

Siempre va a estar junto.

El arte y el dinero.

La sociedad en general hay miedo al enfrentamiento.

Existen redes sociales donde cada uno es libre de decir lo que quiere

e insultarse.

Pero nadie se va a partir la cara.

Nadie va a morir por un ideal.

Nadie va a hacer la revolución.

A costa de qué, ojo.

Y Renau es una persona que puso su vida en peligro.

La otra opción es callar.

Para mi no es una opción.

Tuvo suerte de morir en el 82.

Podría haber vivido hasta el 88.

Pero ahí ya hubiera visto mucho antes lo que pasaba.

Era un hombre de la República democrática española.

Era un anarco estalinista de acero.

De café, copa y puro.

Eso en lo político.

En lo profesional.

Era un técnico muy cualificado.

Y muy versátil.

En lo personal y familiar

era una persona seductora

pero despótica e inaguantable.

Yo no sé, ustedes dirán.

Yo solo hago la mitad de la obra.

La otra la hacen ustedes.

Yo me libro de explicaciones porque en realidad no hay ninguna.

Imprescindibles - Josep Renau. El arte en peligro

54:24 14 may 2018

Josep Renau (1907-1982), multifacético artista valenciano, activista político e intelectual comprometido fue nombrado Director General de Bellas Artes del Ministerio de Instrucción Pública y Bellas Artes en 1936, jugó un gran papel en la salvaguarda y evacuación de las colecciones artísticas antes de los bombardeos y su encargo a Picasso, derivó en la realización del “Guernica” para el pabellón español de la Exposición Internacional de París de 1937.

Debido a su compromiso político tuvo que huir de España tras la Guerra Civil, recalando primero en México, donde se desarrolló como cartelista antes de asentarse en Alemania, país en el que continuó con su carrera artística.

Filmado entre Valencia y Alemania, “Josep Renau. El arte en peligro” pasea por la infancia del artista en las calles del Cabañal para luego viajar hasta lo que era la República Democrática Alemana, donde desarrolló los murales que todavía se encuentran en la ciudad de Halle-Neustandt.

El trabajo recoge las voces y testimonios de Marta Hoffman, artista y amiga del creador; José Miguel G. Cortés, director del Instituto Valenciano de Arte Moderno; Fernando Bellón, biógrafo de Renau; Manuel García, crítico de arte y Doro Balaguer, amigo y fundador de la Fundación Josep Renau, entre otros.

Josep Renau (1907-1982), multifacético artista valenciano, activista político e intelectual comprometido fue nombrado Director General de Bellas Artes del Ministerio de Instrucción Pública y Bellas Artes en 1936, jugó un gran papel en la salvaguarda y evacuación de las colecciones artísticas antes de los bombardeos y su encargo a Picasso, derivó en la realización del “Guernica” para el pabellón español de la Exposición Internacional de París de 1937.

Debido a su compromiso político tuvo que huir de España tras la Guerra Civil, recalando primero en México, donde se desarrolló como cartelista antes de asentarse en Alemania, país en el que continuó con su carrera artística.

Filmado entre Valencia y Alemania, “Josep Renau. El arte en peligro” pasea por la infancia del artista en las calles del Cabañal para luego viajar hasta lo que era la República Democrática Alemana, donde desarrolló los murales que todavía se encuentran en la ciudad de Halle-Neustandt.

El trabajo recoge las voces y testimonios de Marta Hoffman, artista y amiga del creador; José Miguel G. Cortés, director del Instituto Valenciano de Arte Moderno; Fernando Bellón, biógrafo de Renau; Manuel García, crítico de arte y Doro Balaguer, amigo y fundador de la Fundación Josep Renau, entre otros.

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  • 2:19 08 nov 2020 Chicho Ibáñez fue a ver al Tricicle a la Sala Cadarso y, después del espectáculo, les propuso que participaran en su programa. “Nosotros, evidentemente le dijimos que no. ¿Cómo íbamos nosotros, gente de teatro, de la cultura, participar en un programa tan comercial?”, explica Carles Sans. El creador del ‘Un, Dos, Tres…’ fue tan persuasivo e insistente que invitó a los actores a cenar a su casa y les dice que les verán 22 millones de personas y dijeron “Quizás sí valga la pena”, recuerda Paco Mir.

  • 3:17 08 nov 2020 Paco Mir tuvo claro que se quería dedicar al mimo porque no se le daba bien hablar en público. Joan y Carles se conocieron en la escuela de teatro El Timbal ya que ambos querían mejorar su expresión corporal. Los tres se presentaron a las pruebas de acceso para entrar en el Institut del Teatre. Carles propuso a Joan formar una compañía de teatro gestual: “esto fue el primer germen de lo que después sería el Tricicle”, explica el actor en Imprescindibles. En noviembre de 1979 Carles, Joan y, otro compañero, Miquel Rimbau montaron la compañía pero Miquel se dio de baja una semana antes del Festival de Mimo de Barcelona así que tuvieron que buscar un sustituto: Paco.

  • 57:41 01 nov 2020 El nombre de Javier Reverte va unido inevitablemente a la idea de viaje, a la literatura de viaje, a la literatura en general. Visitar los lugares en los que nacieron o vivieron los escritores que admira es el motor de los relatos del escritor. Por esa razón, el documental 'Javier Reverte, el amigo de Ulises' se estructura en torno a un viaje. El documental está rodado en Madrid y en Valsaín, escenario de sus veranos de infancia, donde sigue refugiándose para dar forma al material previamente recopilado en sus viajes. También en Grecia, primero en Atenas, cuna de la cultura occidental, después en Missolonghi, donde se instaló y murió Lord Byron, en Lepanto, para evocar la figura de Cervantes y de otros poetas soldados y, finalmente, en Patras, para embarcar hacia Ítaca. El viaje es el envoltorio de sus reflexiones sobre la literatura y el oficio de escritor, de sus recuerdos como periodista primero y corresponsal después, de enviado especial al Bloody Sunday en Irlanda y a la guerra de los Balcanes, antecedentes de su plena dedicación a la escritura, que hizo posible el éxito de su libro 'El sueño de África'.

  • 2:03 25 oct 2020 Alberto Schommer aprovechó los diferentes viajes en los que acompañaba al rey Juan Carlos I haciendo fotografías oficiales. Creó 30 libros de autor sobre las diferentes ciudades que visitaba. “Yo no era un fotógrafo de retratos sino que había hecho todo tipo de fotografía”, dice en Imprescindibles, y lo quiso demostrar con paísajes para que no se le encasillara.

  • 2:20 25 oct 2020 En los años 80 en Madrid, Alberto Schommer retrató a Andy Warhol envuelto con una bandera americana. Según palabras del fotógrafo Gorka Lejarcegi en Imprescindibles, en esa sesión hubo cierta tensión: “debió ser como una pequeña batalla de gallos”. Cuando Schommer colocó a Warhol para hacer la instantánea el americano se quedó confundido: “¿Qué me está usted proponiendo?”, preguntó. El fotógrafo le explicó que se tenía que envolver con la bandera y pintarla. A la cuarta foto, Warhol dijo que ya era suficiente.

  • 2:15 25 oct 2020 En Imprescindibles, Alberto Schommer relata que fue a Barcelona a hacer una fotografía a Antoni Tàpies pero que el pintor quería una foto muy sencilla que al fotógrafo no le gustó. Así que arrugó la foto antes de revelarla. “Fue sorprendente lo que apareció allá y eso ya me dio una idea de una nueva forma de desarrollar la fotografía”, explica. Acabó haciendo escultura volumétrica con las imágenes: cascografías.

  • 00:40 25 oct 2020 ¿Cómo sería el propio retrato psicológico de Alberto Schommer? En Imprescindibles el fotógrafo explica que si se tuviera que retratar a sí mismo, se pondría “unas alitas de ángel bueno” y “con los pies metidos en un barro como queriendo salir de él pero no sabiendo cómo", y con muchos elementos en la mano “no precisamente una cámara fotográfica”, pondría algunos pinceles, también le gustaba escribir…

  • 3:04 25 oct 2020 Alberto Schommer convenció a Gregorio López Bravo, ministro de Industria y Asuntos Exteriores durante la dictadura franquista, para que posara ante su cámara con un niño recién nacido desnudo en brazos. Sus retratos psicológicos tenían un gran fuerza simbólica. En esa fotografía, que no era un montaje, el bebé significaba una España del futuro. En Imprescindibles, se explica como López Bravo reconoció que esa imagen fue un revulsivo impresionante en el gobierno del momento y que en un Consejo de Ministros el dictador Francisco Franco ordenó que ningún ministro en ejercicio posase para Schommer.

  • 58:30 25 oct 2020 ¿Quién es Alberto Schommer? ¿El fotógrafo que inmortalizó a los políticos de la Transición? ¿El artista irreverente que se atrevió a retratar a los obispos levitando? ¿El que supo convencer a poetas, filósofos, cineastas y empresarios más influyentes del siglo XX para que posaran en escenarios surrealistas frente a su cámara? El retrato de Albert Schommer se completa a través de entrevistas a Rafael Moneo, Rafael Canogar, Luis María Ansón, Iñaki Gabilondo, Juan Luis Cebrián, Enrique Rayon, Luis Malibrán, José María Díaz-Maroto, Carlos Pérez Siquier o Miguel Zugaza que ayudan a entender la personalidad de uno de los fotógrafos más famosos y singulares del siglo XX.

  • Delibes, la X de Max

    Delibes, la X de Max

    59:00 18 oct 2020

    59:00 18 oct 2020 Cuando Miguel Delibes conoció al amor de su vida, Ángeles de Castro, empezó a firmar sus primeras obras con el acrónimo MAX. En realidad, era una simple y romántica ecuación donde M era Miguel, A era Ángeles y X era la incógnita que el futuro podía deparar a la joven pareja. Décadas después la incógnita estaba totalmente despejada. Una exitosa y prolífica carrera literaria y una estirpe de 7 hijos, hasta que en 1974 la enfermedad se llevó a Ángeles y desequilibró para siempre la ecuación. La "Señora de rojo sobre fondo gris" es una de las novelas más personales y descarnadas de Miguel Delibes donde, en un ejercicio de sinceridad, expuso toda la tristeza y vacío que le sumió la muerte de su esposa. La figura de Ángeles de Castro es el hilo conductor del documental que cuenta con el privilegio añadido de la participación del actor José Sacristán, amigo personal del escritor, y que pone en escena en estos momentos la adaptación teatral de la obra.

  • 3:04 11 oct 2020 En 'Imprescindibles' Víctor Manuel afirma no tener apego por ninguna bandera pero, tal como explica Joaquín Sabina, “participa de esa izquierda que no tiene partido”, abierta y tolerante. Joan Manuel Serrat también apunta a que el artista siempre ha estado implicado en los problemas de la calle. El director de cine José Luís García Sánchez destaca que Víctor Manuel tiene una gran importancia sociopolítica y que ha apoyado a opciones progresistas “sin sacar nada a cambio”. Incluso Miguel Ríos dice que cuando conoció a Víctor Manuel desconocía de su vinculación con el Partido Comunista ya que no “alardeaba” de ello. Lo que deja claro el asturiano es que a través de algunas de sus canciones, transmite mensajes y “eso es política”.

  • 1:50 11 oct 2020 En 1971 Ana Belén y Víctor Manuel se conocieron en La Coruña cuando el cantautor estaba de gira con Julio Iglesias en las cuatro capitales gallegas. En 'Imprescindibles', el artista explica que una amiga suya, Trini Alonso, que estaba trabajando con Ana les presentó. Semanas más tarde rodó con ella la película ‘Morbo’ en la Costa Brava, surgió el amor entre ellos y ya no se han vuelto a separar.

  • 1:49 11 oct 2020 Víctor Manuel produjo 11 películas en cuatro años, como ‘Bajarse al Moro’ o ‘El vuelo de la paloma’, lo que le llevó a la ruina ya que perdió todo el dinero que tenía y se endeudó. Pese a eso, el cantautor recuerda en 'Imprescindibles' que disfrutó mucho esa etapa como productor. El director de cine, que trabajó con Víctor Manuel en ‘Divinas palabras’, José Luís García Sánchez, añade que tiene un defecto: paga a los actores y actrices lo que le piden, lo que hace que las películas no sean sostenibles económicamente.

  • 1:52 11 oct 2020 En 'Imprescindibles' Víctor Manuel explica que se encontró con Joan Manuel Serrat por primera vez el en año 1969 en una revista que se llamaba ‘Mundo Joven’ que reunió también a otras jóvenes promesas nacionales del momento como Miguel Ríos. Desde entonces, el cantautor empezó a tratarles hasta que surgió una amistad que perdura en la actualidad.

  • 1:21 11 oct 2020 En 1972 Víctor Manuel escribió ‘No quiero ser militar’ y, aunque es una de sus canciones menos conocida, fue la que más problemas les dio. “Es un vómito de rabia por el país en el que estábamos viviendo”, afirma en 'Imprescindibles'. Envió la canción a censura y ni siquiera le contestaron. Estuvo tres años sin poder publicar canciones nuevas porque le aplicaron silencio administrativo. Además, le ocasionó también problemas personales que, junto a otros, le llevaron al fondo del abismo.

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