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No recomendado para menores de 12 años Días de cine - 12/06/20 - ver ahora
Transcripción completa

Hola, ¿qué tal? Soy Santiago Zannou, director de "El truco del manco",

de "Alacrán enamorado",

apasionado del cine y esto es "Días de cine".

Bienvenidos.

"Un Spike Lee, tan reivindicativo como siempre,

estrena online su última película, 'Hermanos de armas'.

Dos series estupendas y distintas, 'ZeroZeroZero' y 'Hollywood'

Celebramos el centenario

de uno de los grandes bufones del cine italiano, Alberto Sordi.

'En Italia se baila agarrado'.

(Música)

Bueno, pues una claqueta.

La verdad es que tiene muchísimos recuerdos

porque siempre, de tus primeros rodajes,

lo que te quieres llevar es una claqueta.

La claqueta no solamente es para hacer el foco

o para sincronizar el sonido.

Es justo el momento previo,

es el momento previo a que la pelota empiece a jugar.

Es el momento previo a que el actor dé el más en sí.

Es el momento previo

a que haya una simbiosis entre el equipo técnico.

Por eso, justo antes de dar a la claqueta,

todos estamos muy serios y todos estamos deseando

que lo que vaya a ocurrir delante sea magia.

Soy Santiago Zannou.

"'ZeroZeroZero' es la denominación que se le da a la cocaína más pura.

Es también el título de una de las series

que quien les habla puede recomendarles

con mayor énfasis

y lo toma del libro firmado por Roberto Saviano,

nada menos.

Toda una autoridad y una garantía de calidad.

Saviano está pagando carísimo el doctorado en narcotráfico

que cristalizó primero en su novela 'Gomorra'

y después en el celebrado filme de Matteo Garrone.

Y en una serie de éxito.

Por si en el de Saviano fuera insuficiente,

otros nombres añaden prestigio y fiabilidad a la serie.

Los ocho capítulos de que consta

han sido dirigidos por Stefano Sollima,

los dos primeros,

y Janus Metz y Pablo Trapero, tres cada uno en este orden.

Antes de 'ZeroZeroZero',

Sollima había dirigido una obra maestra

del género mafioso italiano."

"Suerte.

-La suerte no existe a este lado de la frontera".

"Y una soberbia incursión en el narcotráfico

que asola la frontera méxico-estadounidense.

Janus Metz realizó documentales

y dirigió el relato metaficcional 'Borg / McEnroe'."

"La final que todos estábamos esperando".

"Anteriormente, había dirigido el episodio tres

de la segunda temporada de 'True Detective'.

En cuanto al argentino, Pablo Trapero,

que acumula un buen puñado de interesantes obras,

alcanzó su mayor éxito con la inquietante y perturbadora,

'El Clan'.

Con semejantes credenciales,

'ZeroZeroZero' tuvo su estreno mundial

en la Mostra de Venecia de 2019.

A estas alturas, nadie duda ya de que el mejor cine

tiene asiento también en formatos que antes se despreciaba."

"Para ellos es muy importante ese cargamento, ¿entiendes?

-México nos entrenó para ser los mejores.

Y lo somos".

"Según Saviano, la cocaína y el narcotráfico son,

en el fondo, pretextos en su libro.

Un modo de sintetizar lo que es el capitalismo.

La obtención del beneficio a cualquier precio,

una competición en la que cada interlocutor es tu enemigo

pero podría ser tu aliado o podría traicionarte.

O las tres cosas a la vez.

El esquema básico sustenta tres hilos narrativos

que se enredan como serpientes y navegan las aguas del océano

desde la Calabria italiana hasta Monterrey en México,

sobre un cargamento de polvo blanco camuflado en latas de jalapeños.

Compradores, distribuidores e intermediarios,

una triada unida por intereses comunes

en un delicado e inestable equilibrio."

"¿Tú crees en Dios?

-Nosotros no somos más que instrumentos en sus manos.

-Entonces, ¿por dónde nos está llevando?"

"El punto de vista oscila entre las tres historias

estrechamente conectadas

pero separadas en su desarrollo ocasional

y destilan en ellas tres vigorosos dramas.

El de la lucha por el poder

en la familia de la 'Ndrangheta calabresa.

El de la corrupción policial

y su ejército de sicarios en México."

"La única ley que realmente importa en la guerra

es que tus hermanos están a tu lado".

"Y el de la refinada familia Lynwood de Nueva Orleans

que se lucra con su negocio naviero basado en el transporte

de la mercancía ilegal.

Difícil establecer cuál de los tres escenarios

es más vibrante.

Aunque desde luego,

el menos convencional y más atractivo es el tercero,

cuyos intérpretes, Andrea Riseborough y Dane DeHaan,

hijos en la ficción de Gabriel Byrne,

encajan soberbias actuaciones.

La puesta en escena es impresionante por el manejo de la cámara,

la veracidad apabullante de los intérpretes

y la solidez de la construcción dramática."

"¡Eh, tranquilos! -¡Dispara, pendejo, dispara!

Toda la gente que has conocido en tu vida va a desaparecer

de la puta tierra, pendejo. -Despacito.

-Nosotros venimos aquí por el trabajo.

Todos nosotros.

"Una detallada radiografía de los entramados legales e ilegales

por los que transita el descomunal negocio

del narcotráfico erigido sobre la corrupción,

violencia y muerte al que, por ponerle una pega,

solo le falta una conexión del submundo retratado

con la superestructura política de la sociedad capitalista,

por el resto, chapó."

Una película que mí me gusta

y que creo que a la crítica no le gusta

o son estos placeres incompensables que a veces tenemos los directores,

es "La ciudad no es para mí"

porque yo creo que ese Paco Martínez Soria

como pez fuera del agua

me hace acordarme mucho de cómo son los inmigrantes,

y como el actor preferido de mi padre era Paco Martínez Soria,

es una película que he visto muchas veces.

Y ahora que le echo de menos, alguna vez la reviso.

"La ciudad no es para mí".

"Recientemente, el cine coreano ha cumplido 100 años.

No podían imaginar mejor celebración

que el éxito internacional de 'Parásitos' de Bong Joon-ho.

Esta maravillosa obra ha despertado la curiosidad

entre el público por indagar en una cinematografía

más que interesante.

Estamos de suerte.

Desde ayer podemos disfrutar online de la tercera edición

del festival de cine indie y documental coreano.

Y este año presta atención especial

a las películas realizadas por mujeres."

Esta edición no solo da visibilidad a grandes nuevas directoras

que han demostrado en muchos casos su valía como realizadoras,

sino que al ser un festival online,

permite encontrar un público mucho más amplio

al no estar limitado a una sola ciudad.

"Se podrán ver seis largos y tres cortos.

Destaca 'Our Body', ópera prima de Han Ka-ram,

cuya actriz principal ganó en el Festival de Cine de Busan

y que reflexiona sobre la presión social,

la búsqueda de la felicidad y el encuentro con una misma.

'A Boy and Sungreen' es otro trabajo digno de ver

dirigido por Ahn Ju Young.

Habla de una huida y una búsqueda,

una historia de amistad y de crecimiento personal

entre dos adolescentes

en las que se cambian los típicos roles de género.

El corto de animación 'Movements'

que ganó una Espiga de Plata en la SEMINCI,

expresa en diez minutos cómo caminamos,

trabajamos, corremos, miramos y nos paramos.

Otros cuatro largos y dos cortos completan este festival

que se celebra hasta el 21 de junio,

con mujeres delante y detrás de las cámaras,

hablando de una sociedad con un pasado que las oprime."

# Con otra chica, con otra chica,

# yo sé que siempre # voy a ser tu favorita. #

Para nosotros es un honor poder dar a conocer

la versatilidad del cine coreano.

En este caso, independiente.

"Cabe recordar que de las diez últimas películas

más taquilleras en Corea, cuatro están dirigidas por mujeres.

Una conquista que avanza y una mirada femenina

de la que podremos disfrutar con el festival coreano Indie&doc."

Santiago Zannou, toma tres.

La película de la historia del cine que me hubiese gustado dirigir

es "Barry Lyndon" porque no solamente

cada uno de los planos es una obra de arte

que cada uno de los fotogramas

podrían estar perfectamente puesto en el Prado,

sino que aparte, cuenta la historia de un miserable,

la historia de una persona que quiere crecer,

la historia de un inmigrante, en el fondo,

la historia de un pobre, la historia de un chico de barrio.

Veo a "Barry Lyndon" y miro a mis colegas de Carabanchel

con las ganas de tirar hacia delante

y veo en sus ojos reflejados ese Redmond Barry

que quiere, algún día, ser aristócrata.

"'Da 5 bloods: Hermanos de armas'

arroja un dato suficientemente elocuente

para entender la premisa de la película.

En los 60,

los negros representaban el 11% de la población americana y,

sin embargo, en Vietnam constituían el 32% de las tropas.

Una guerra injusta que pagaron con su vida

afroamericanos y vietnamitas inocentes.

Lee no entra en más detalles.

Un grupo de cuatro excombatientes y el hijo de uno de ellos

que vuelven a la selva donde quedaron truncadas

sus vidas en busca de un tesoro perdido

y del cadáver de su mejor amigo caído en combate.

La película rezuma urgencia revisionista.

Se nota la premura de Lee por aprovechar

su alcance internacional como artista

para hacer llegar mensajes que calen.

No es para menos si tenemos en cuenta la delicada situación

de los derechos de sus hermanos negros

de rabiosa y triste actualidad.

Hace solo dos años de 'Infiltrados en el KKKlan',

una película enérgica que, como esta,

venía motivada por la urgencia en la denuncia

del alzamiento de las fuerzas de ultraderecha en Estados Unidos.

Urgencia y valentía la de Lee

que rueda películas que hablan claro a sus interlocutores contemporáneos.

No se anda por las ramas

en una época en la que el presidente electo

se cuida muy mucho de desautorizar a esos grupos neonazis

cuando actúan.

Sin embargo, mientras que en aquella,

Lee destilaba borbotones de inspiración

e hipnótico dinamismo,

en esta le entorpece el pesar del aire de la jungla.

Sus pies parecen no moverse con idéntica agilidad en el barro.

Definitivamente,

Vietnam no es territorio prolífico para el neoyorquino.

'Hermanos de armas' resulta larga e inoperante,

como sus enloquecidos protagonistas que transitan,

como pollos sin cabeza, un guion flojo.

Rodado con poca convicción o acierto irregular.

El conflicto en Vietnam le queda grande

al director urbanista en un filme que tiene la loable intención

de ajustar cuentas y de prevenir un posible conflicto futuro.

Las intenciones y el diseño de producción

del que es capaz el cine americano salvan, en cierto modo, a su autor.

Pero destierra nuestro interés

apenas pasados los 20 primeros minutos

en los que ya hemos entendido el mensaje de fondo

y todo se repite hasta el infinito.

Spike Lee es un gran director, no hay duda,

y como todos ellos, alguna vez tropieza."

Bueno, ¿cuál es la película que todo el mundo dice

que es una obra maestra y a mí realmente no me llega?

Que la utilizo a veces como Valium para quedarme sobado,

y mira que la intento ver muchísimas veces.

Es "Fanny y Alexander" de Bergman.

Cada vez que la intento ver, que tiene un efecto sorprendente.

Me quedo sobado.

Incluso hay algunas veces que tengo que decir que la he visto,

pero juro por Dios que no he llegado hasta el final.

"Fanny y Alexander".

"El documental 'Antonio López, apuntes del natural',

coproducido por Televisión Española,

se estrenó como uno de los imprescindibles de La2.

Ahora, se puede recuperar en la plataforma digital educativa,

Platino Educa."

"La pintura es un oficio, como puede ser un médico,

puede ser cualquier actividad que pueda ser útil

a la tribu, a la gente".

"Antonio López es un hombre afable, sencillo y humilde

que empezó a pintar desde niño.

Y a sus 84 años, sigue en activo.

Ahora tiene el apoyo de su luz, su mujer,

María Moreno, también pintora."

Vamos a ver. -A ver.

-A ver. -Ahí está el estudio.

"Además de algunos paisajes de Sevilla,

trabaja en una escultura suya de bebé.

Este documental muestra el proceso de trabajo

como pintor, como escultor y como profesor de Antonio López."

"Esa sensación de que las cosas están donde deben estar.

La verdad que todos nosotros...

O sea, no tiene miedo de que se le salgan las cosas.

No tiene miedo.

Y por eso, eso da mucha sensación de que las cosas van a su sitio

pase lo que pase.

O sea, la verdad está antes que la estética".

"También asistimos a la preparación de las dos exposiciones

del Museo Thyssen,

una antológica y otra dedicada a los realistas madrileños."

"Pinto lo que me llama la atención y deseo poseer.

Con el tiempo, mi pintura se ha decantado por la realidad.

Me apasiona la realidad.

Es difícil ponerse de acuerdo en qué queremos decir con eso,

que es la cosa más confusa del mundo.

Ya me gustaría que me dijeran qué es la realidad".

"Su director, Nicolás Muñoz,

aporta un punto de vista cercano y personal al documental

como hijo de Lucio Muñoz y Amalia Avia, pintores realistas

pertenecientes a la misma generación de Antonio López."

Mi madre, mi padre fumando...

"La ciudad es donde el hombre vive,

pero en la casa es donde el hombre hace la vida,

donde hace la vida personal.

A mí me impresionaba el contemplar todo eso.

Si no te impresiona todo eso, no puedes ponerte a trabajar".

"Refleja lo real, lo cercano,

pero huye de la etiqueta hiperrealista

porque su obra busca la emoción,

la magia y el misterio que esconde lo que nos rodea."

"En la gran pintura y en la gran escultura

tiene que haber un elemento que llamamos abstracto,

por llamarlo de alguna manera, como lo hay en la música.

Unas formas que por sí tienen emoción.

Si no tiene eso,

y no es más que un mero reflejo del mundo real,

me parece que falta lo principal".

"'Apuntes del natural' es una lección de arte y vida.

Las obras de Antonio López

pertenecen ya a la historia de la pintura."

"Pero no me considero un pintor lento,

sino alguien que tiene una forma de trabajar muy compleja".

Terminando el programa de esta semana

nos ha llegado la triste noticia

del fallecimiento de Rosa María Sardá.

Gran actriz, gran cómica y una excelente persona

a quien dedicaremos la próxima semana,

ya esta no nos da tiempo, el homenaje que se merece.

Pero también, al comienzo de esta semana

teníamos la triste noticia del fallecimiento

de otro grande del cine español, Iván Aledo.

Quizás no le conocéis, pero era uno de los grandes montadores

de nuestro cine.

Además, fue compañero de esta casa, de RTVE, y este es nuestro homenaje.

Nuestra habitación verde para Iván Aledo.

"El pasado fin de semana falleció Iván Aledo,

uno de los más prestigiosos montadores del cine español.

Tenía 68 años."

El montaje es parte del equipo de una película

y parte del proceso de una película.

En ese concepto no existe ningún otro arte.

Quizá en la literatura, ahora puedes decir que se monta

a raíz de lo que se montaba en el cine.

Pero es algo propio del lenguaje cinematográfico.

"Iván Aledo era un maestro en ese arte en el que se concreta

todo el trabajo cinematográfico

y en el que cada plano asegura el anterior

confiriendo a la película de todo su sentido narrativo."

"La primera ventaja es que, cuando el cuento llega al final,

no se acaba".

"Empezó su periplo profesional como montador

en los servicios informativos de Televisión Española

y a lo largo de sus más de 30 años de carrera,

Iván Aledo desarrolló su labor, sobre todo,

en el campo de la ficción cinematográfica.

Pero también dio ritmo a documentales,

series de televisión,

publicidad y exploró el camino alternativo del videoarte

a través de su colaboración con el artista Santiago Sierra."

"¿Os gusta? Soy yo. -¿Tú eres esto?".

"Una dilatada trayectoria en la que montó películas,

entre otros muchos, de Joaquín Jordán,

Marcelo Piñeiro, Daniel Monzón o Luis García Berlanga."

"Si viene alguien, me llamáis al móvil de los moros.

Coño con la bici de Dani, siempre en medio, joder".

"Entre sus directores habituales

se encontraba Emilio Martínez Lázaro,

y, sobre todo, Julio Medem."

"Hola, soy Ana.

-Me llamo Otto".

"A quien Iván Aledo ayudó en la cimentación

de sus filmes más reconocidos."

Y el Goya es para...

¡Iván Aledo por "Los amantes del círculo polar"!

"Fruto de la colaboración Medem-Aledo,

llegó el primer Goya de las siete nominaciones

que tuvo en total."

Gracias, sobre todo, a Julio Medem por hacer películas tan hermosas.

"Enhorabuena, jefe. -¿Por qué?

-Porque le va a venir el Ratoncito Pérez".

Iván Aledo por "La gran aventura de Mortadelo y Filemón".

"Cinco años después, Iván Aledo recogió su segundo Goya

por el montaje de 'La gran aventura de Mortadelo y Filemón',

de Javier Fesser."

Quiero dedicarle este Goya a Jesús y María

de la librería Ocho y Medio porque, no sé,

siempre están ahí, al pie del cañón,

y tienen siempre a mano una cita,

un libro entero que nos recuerda la belleza

y la dignidad que a veces tiene nuestro oficio.

"Iván Aledo formaba parte de la Junta Directiva

de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas

como vocal en la especialidad de montaje.

Y, además, compaginaba su labor profesional

con la del profesor de montaje cinematográfico."

"Chicas, creo que deberíamos hablar lo del viaje a Grecia".

"Su último trabajo como montador cinematográfico

fue en la película 'Una ventana al mar'

de Miguel Ángel Jiménez

estrenada en el pasado Festival de Cine de San Sebastián."

Un placer estar aquí con vosotros por montón de razones.

-¿Qué es el cine para Santiago Zannou?

-Es, sin duda, una ventana para poder aportar

una visión de un hijo de un inmigrante

que creo que es para lo que he venido al cine.

Y luego, en general, ¿qué es el cine para Santiago Zannou?

Es emoción, es verdad,

y ese es el lugar donde me he podido proteger

y donde he podido crecer y donde ha podido, poco a poco,

ir saliendo una personalidad que, bueno,

por vivir en un país como el nuestro muchas veces estaba escondida.

Recuerdo que la primera vez que yo en la escuela de cine

dije que quería hacer un corto donde todos los chicos

fuesen negros, y donde, encima, hablasen el castellano

y también, en este caso, el wólof, que era el idioma de Senegal,

yo recuerdo que los profesores se quedaron como sorprendidos.

Sorprendidos para bien, porque en el fondo,

yo lo que me di cuenta es que venía a aportar.

Venía a traer una visión distinta

que es la visión de un chico europeo,

español, madrileño, de Carabanchel, pero distinto, diferente.

Con lo cual, donde un compañero mío pone el ojo,

a lo mejor yo lo pongo en otro lado.

donde a veces tú pones el foco,

a lo mejor yo lo pongo en otro lado.

O donde a veces tú consideras que las personas blancas

deben de ser los protagonistas de tus historias,

pues a veces yo pienso que también pueden ser las personas no blancas

y españolas, con lo cual,

lo que me da es que vengo al cine a aportar cosas,

a dar un matiz, un color más.

¿Te puedo hacer una pregunta a ti directamente?

Y me siete directores negros europeos que conozcas.

-Pocos, pocos. -Siete.

-Alguno hay, pero muy pocos. -Muy pocos.

Hay un vecino que se me ha muerto ahora hace poco,

que siempre me decía:

"Tú eres director de cine gracias a mí, Santiago".

Y yo como: "Pues, ¿por qué?". Y me dice:

"Porque siempre ibas a mi casa", que ellos tenían vídeo,

"siempre ibas a mi casa y me decías: '¿me dejas ver una película?'".

Y pues supongo que, como he dicho anteriormente,

una manera de evadirte, una manera de encontrar otras cosas.

Yo de pequeño era un chico travieso pero no era un chico peleón.

Y sí que era un tío que acumulaba mucho esto de:

"Chocolate, Chococrispis, Nestlé, Bombón, Kunta Kinte,

tu padre es un caníbal...".

Entonces yo sí que creo que era mejor estar delante

de una pantalla viendo las vidas de otros

que estar compartiendo mi vida con otros tíos

porque no me hacía mucho.

Bueno, hay un momento clave en mi vida

que siempre lo llamo el momento "Manu Chao",

porque yo recuerdo que Manu Chao estaba con la canción "Clandestino".

En paralelo, leí en un periódico que había unos niños

que había muerto en Bélgica con una nota,

porque eran unos niños de Nigeria que querían ir a Bélgica

a decirles a los hombres poderosos de Europa

que en su colegio no había balones, entonces yo junté el "Clandestino",

que era una canción que a mí me tocaba mucho con aquella carta

y dice: "Tengo que hacer algo, yo tengo que contar historias".

Bueno, yo es que me considero un poco enfermo,

con enfermo me refiero que me gusta, creo que soy de las pocas personas,

o no sé si lo han hecho,

recuerdo que lo hice con "La Loba" de William Wyler,

de analizar una película, todos los planos, 780 planos,

creo, todos los planos desde todos los puntos de vista,

una luz, el diálogo, el vestuario, el movimiento de cámara,

un poco una locura, pero aprendes un montón.

Sin duda alguna, un cineasta lo que tiene que hacer es...

Ver cine, lo hace un aficionado.

Un cineasta estudia el cine porque, como decía Godard,

un movimiento de cámara es una cuestión de ética.

Y eso está clarísimo.

Entonces, ¿dónde elijo poner el foco?

¿Dónde elijo poner la cámara? Se aprende.

Hay una cosa que tiene que ver con la intuición

y es muy importante.

Hay una intuición que supongo que ya estará trabajada

porque has estudiado las películas pero sí que hay un momento

donde la cámara y el guion de hablan.

Literalmente. Y la cámara de dice:

"Para contar esto, tío, lo tienes que contar al hombro".

-El mundo supo de ti,

el mundo del cine supo de ti o supimos de ti, mayoritariamente,

por "El truco del manco".

-A mí me gusta poner el foco en las personas que,

normalmente en las películas que están en tercera o cuarta línea.

Tú tienes a los dos protagonistas por aquí,

y de pronto tú tienes a un negro por atrás

o una persona con una minusvalía física,

o como sea.

Entonces a mí me gusta darle el foco y me gusta hablar de estas personas

porque yo creo que los barrios

están llenos de historias de superación,

de historias dramáticas increíbles, de comedia.

Juan Manuel "El Langui" estaba grabando su primer disco

en el estudio de mi hermano.

El estudio de mi hermano era todo lleno de hueveras,

de grafitis, olía a petas, a cerveza y a rabia.

Entonces, yo cada vez que venía de Barcelona de estudiar,

pues me iba allí al estudio y decía:

"Vamos a ver, pero este negro y este lisiado,

lo siento por Juan Manuel,

este negro y este lisiado no van a llegar a nada".

Y mientras tanto, Juan Manuel decía:

"Tú, en Barcelona, sí que te harás director de cine".

Durante mucho tiempo, nos contamos nuestros sueños,

el suyo, ser músico, y el mío, director de cine.

Con dos cojones y una gran película,

¡Santiago Zannou por "El truco del manco"!

Esa noche, yo creo que el hombre más importante de las 4.000,

3.000 personas o 2.000 y pico que estamos ahí,

era Alphonse Zannou.

Porque es el triunfo de un inmigrante.

(Aplausos)

Yo de "Alacrán enamorado"...

Uno hace película con un personaje,

que en este caso es el personaje de Javier Bardem,

que hace un discurso, jolín,

que es un discurso que es para ponerle a la gente y decir:

"Oye, por aquí no hay que ir".

-Santiago, gracias por hacer cine con alma

y por tener tanta vehemencia y ser tan emocional.

-Gracias, bueno, gracias a vosotros,

como os he dicho anteriormente,

para mí es muy importante estar aquí porque vuestro programa

han formado parte de mi crecimiento personal.

Eso es así de claro.

Y mi vida me ha cambiado gracias al cine,

así que "Días de cine" forma parte del cambio en mi vida.

Muchas gracias.

La verdad es que a la hora de elegir una secuencia favorita,

pueden ser decenas.

Pero, bueno, la primera,

cuando lo habéis dicho que me ha venido a la cabeza

es el arranque de "Él", de Luis Buñuel,

la vi en un ciclo en la filmoteca de Valencia

que era donde yo viví mi adolescencia, de Buñuel,

el arranque me llamó la atención, pero claro,

cuando vuelve sobre el principio una vez has visto la película,

acabas de desentrañar toda la maldad que contiene.

La película empieza, si mal no recuerdo,

con unas velas dentro de una catedral

que es el humo de las velas que acaban de apagarse

y unos monaguillos que acuden al altar,

ese humo que genera un ambiente como de, eso, de iglesia,

ya casi hueles hasta el incienso y demás,

y entonces entras directamente en un rito eclesiástico

que es el ungir los pies, el lavar los pies en Jueves Santo.

Todo esto está relatado, en principio,

de una forma casi documental

y dentro de este rito está

el que va a ser nuestro protagonista,

Francisco, este hombre recto,

muy celoso y seguidor de la Iglesia y demás,

un hombre como muy perfeccionista

y deseoso de que todo el mundo la vea como un gran hombre,

como una persona muy recta y tal.

Esas imágenes del público

sí son casi como robadas de documental

pero el primer movimiento de cámara, malvado donde los haya,

es cuando el cura ha acabado de lavarle los pies a un chico

que está ahí sentado, joven, y se acerca la cámara a ese pie,

y el cura besa el pie.

La forma de identificar ese beso,

luego seguido de un plano, si no recuerdo mal,

de este jovencito que está viendo entre estupefacto

y dejándose hacer cómo el cura le ha lavado los pies

y le besa, es un rostro de un chico joven, guapo,

de labios gruesos así que, bueno,

que contiene un erotismo velado

que nadie podría acusar a Buñuel en un juicio

de que está siendo morboso, pero lo que está siendo.

Luego hay otro plano general

de todos los pies descalzos de los novicios,

esperando a que les laven los pies, y el siguiente beso que da el cura,

ni siquiera corta, no llegamos a ver

cuando retira los labios del pie,

sino que permanece el beso

y corta la mirada de este hombre que, de alguna manera,

Francisco está embebido de este clima entre religioso,

morboso, erótico y tal, del ungir de pies, de los efebos

que están aquí,

y retira su mirada y mira a una bancada a su izquierda

y empieza a ver pies,

unos pies femeninos en zapatos, unos masculinos,

y se detiene en unos muy bonitos,

con unos zapatos así elegantes de una mujer.

Y todo ese erotismo, toda la carga que lleva, pum,

la proyecta sobre esos pies

y solo entonces mira arriba,

a la chica, que es la poseedora de esos zapatos y esos pies.

Y decide entonces su naturaleza paranoica y obsesiva,

como luego descubrimos en el personaje,

que a esa persona la va a conseguir sea como sea,

aunque sea la prometida de un amigo, como conocemos más tarde.

Buñuel dice que es la película en la que más de él hay en pantalla.

Creo que ese arranque contiene tanta sugerencia,

tanta maldad,

tanto morbo y tanto comentario sobre tantas cosas,

desde la Iglesia hasta la forma de ser de este hombre

y de él, del varón, por así decirlo,

que me parece fantástico.

La película toda en sí misma es digna de verse, no una,

sino 20 veces.

Y el final, que tampoco lo quiero contar,

pero también tiene una imagen de lo más retorcida,

y nunca mejor dicho,

que también es de esas para el recuerdo

y la tengo grabada en mi cabeza

desde la primera vez que la vi, con, no sé qué tendría,

16 años o así.

Una película extraordinaria como, por otro lado, prácticamente

toda la filmografía de Luis Buñuel.

¡Santiago Zannou!

Bueno, pues hay una actriz de siempre que,

cuando vi "Escrito sobre el viento",

se me quedó para siempre,

se me quedó su nombre,

se me quedó su belleza y su manera de comerse la cámara,

que es Dorothy Malone.

Me encantaría trabajar con Dorothy Malone.

Sería bonito.

En tu equipo, tal, tal y Dorothy Malone. Me encantaría.

Amo a esa mujer.

"Un grupo de jóvenes escalan, arropados por la luz del amanecer,

el totémico letrero de Hollywood.

En la cima, les espera el éxito

y una realización personal tan cegadora

que necesariamente queda oculta para los espectadores.

'Hollywood' es el nuevo proyecto de Ryan Murphy.

(Música)

Rey Midas televisivo,

incansable padre de series en las que la teatralidad

y fantasías 'gay friendly',

ya sea por militancia o por vampirización de sus divas,

campan a sus anchas en un universo de lentejuelas,

melodramas que sonrojarían a Douglas Sirk,

hechos históricos y torpedos en la línea de flotación

del ultraconservadurismo."

"Siempre controvertido,

comenzó a enlazar éxitos

con las desventuras de una pareja

de cirujanos en 'Nip/Tuck'."

"Transformó los grandes temas del pop

en un alocado musical de instituto en 'Glee'.

Y construyó enajenadas operetas valiéndose de los códigos

del cine de terror en la exitosa 'American Horror Story',

batió en duelo interpretativo a Jessica Lange con Susan Sarandon

encarnando a John Crawford y Bette Davis

en la sensacional 'Feud'.

Y se encuentra también

tras dos espléndidas crónicas negras:

el caso de O. J. Simpson y el asesinato de Versace,

ambos diseccionados en 'American Crime Story'.

Ryan Murphy deja, hasta el momento,

dos memorables títulos en los que ha plasmado

las terribles consecuencias

para varias generaciones del virus VIH.

'Pose', claroscuro retrato

de los albores del imperio Trump

y de la irrupción del sida en las comunidades gais

y travestis neoyorquinas

y sus famosas competiciones conocidas como 'ballrooms'..."

"Y 'The Normal Heart',

crónica del cataclismo que supuso el VIH

entre los activistas gais de finales de los 80."

"¿Puedo hacerte una pregunta, Jack?

¿Por qué quieres ser una estrella de cine?

-¿Quiere que sea sincero?

-Estamos a punto de desnudarnos y follar, ¿por qué no?"

"Todas estas señas de identidad vuelven a estar presentes

de forma hipertrofiada en 'Hollywood',

que cuenta con un excelente reparto,

la mayoría de ellos reincidente en las producciones de Murphy.

La miniserie transporta al espectador a las puertas

de la industria cinematográfica norteamericana

posterior a la Segunda Guerra Mundial,

contra cuyas rejas se agolpan personajes

que ansían formar parte de la maquinaria de los sueños."

"Tú y tú..."

"Pero como decía otra popular serie, la fama cuesta,

y el peaje para ser alguien en la meca del cine se antoja

como un tortuoso camino de vejación sexual..."

"Roy Fitzgerald no creo que funcione.

(SUSPIRA)."

"Y renuncia de principios."

"Rock Hudson.

Dejarás de ser homosexual cuando acabe contigo,

pero a cambio,

vas a bajarte los pantalones

y dejarás que te la chupe hasta quedarte seco, ¿entendido?

-Anna May era la única actriz asiática

de la ciudad y, por fin,

teníamos un papel para que brillase."

"No hay mayor mentira que una verdad a medias,

y la serie se vale de personajes y situaciones reales como pista

por la que despegar a un luminoso universo

de optimismo en el que los guionistas

y Murphy construyen una realidad paralela,

ejercicio de justicia poética que deja las licencias históricas

de Tarantino en 'Érase una vez en Hollywood'

a la altura del betún."

"Y aquí llega Anna May Wong, nominada a un Oscar.

Muchos creen que esta nominación llega un poco tarde."

"¿Qué hace un hombre negro escribiendo sobre una chica blanca

que salta desde el letrero de Hollywood?

-Cuando pienso en Peg Entwistle,

me veo a mí mismo.

Puedo entender su rabia.

Con talento para llegar muy lejos, pero nunca valorada."

"Que nadie espere un agridulce relato

del peaje de la fama.

El amor de los creadores a los personajes

les han traicionado en esta ocasión,

impidiendo las sombras necesarias para apreciar los volúmenes

de sus escenas."

"Me han dado 25 guiones para leer y solo hay uno bueno.

Se llama 'Peg', está basado en Peg Entwistle,

la chica que se tiró desde el letrero de Hollywood."

"Al igual que el rodaje de la película,

en torno a la que se trenzan todas las tramas de la serie,

lo que tendría que ser un drama se transforma

en un edulcorada ejercicio de optimismo,

no apto para diabéticos."

"Nuestro guionista, Archie Coleman.

-Es un placer conocerlas.

-¡Eres de color!

Me encanta."

"Un reflejo de la América que tendría que haber sido,

que se asfixia hoy en día con evidente violencia

bajo el conservadurismo cavernícola de la América más reaccionaria.

Bien pensado, solo por eso, 'Hollywood' ya merece la pena."

"Tú.

Muy bien, muchísimas gracias, es todo por hoy. Hasta mañana."

No tengo ninguna duda de que el actor

con el que me hubiese gustado trabajar es Gregory Peck,

porque "Matar a un ruiseñor" me parece una película valiente

y tremenda,

y ese Aticus lo tengo aquí dentro, parece mi padre.

"(HACE UNA PEDORRETA)

Esto para ti y para todos los del Lazio,

toma castaña. (RÍE)"

"Se cumplen cien años del nacimiento de Alberto Sordi,

el actor italiano que mejor ha encarnado al italiano medio,

al hombre de la calle,

a ese prototipo de latino vulgar incapaz de no volver la cabeza

al paso de una mujer e insinuarse con tanto entusiasmo

como ingenuidad,

en una galería de estereotipos característicos

de su país a lo largo de cuatro décadas."

"¿Cómo, así?

Yo no bailo minuet,

en Italia se baila agarrado, 'cheek to cheek'."

(HABLA EN ITALIANO)

El público italiano siempre me ha aceptado

y se ha reconocido en el italiano que yo he representado.

No era un italiano edificante, un héroe ni un santo.

Siempre he representado a un italiano lleno de defectos,

de tics, un italiano con el espíritu de reírse

de sí mismo y de enmendar sus defectos.

"Alberto Sordi, Albertone

para sus compatriotas contemporáneos,

nació un 15 de junio de 1920 en Roma.

Hijo de músico y de maestra, fue el menor de cuatro hermanos,

cantó en un coro en su niñez y quiso ser soprano.

Estudió Arte Dramático en Milán

y fue rechazado por su fuerte acento romano,

pero pronto se encaminó al teatro de marionetas, a la comedia musical,

a la radio y, finalmente, al cine,

donde además de en pequeños papeles,

fue contratado para doblar a Oliver Hardy."

(CANTA EN ITALIANO)

"Tras curtirse en una generosa lista de personajes secundarios,

alcanzó cierta notoriedad,

nada menos que de la mano de Federico Fellini,

primero en 'El jeque blanco',

en la que encarnaba a un popular actor de fotonovelas

que resultaba ser un sinvergüenza presuntuoso.

Un personaje que delataba ya la gozosa habilidad de Sordi

para la caricatura."

(HABLA EN ITALIANO)

Sabía que Fellini iba a ser un gran personaje,

genial en su observación de la vida,

en su mirada deformante sobre las personas,

era ya un artista antes de debutar.

"A continuación, saltaría Sordi al estrellato

por su trabajo en la muy coral 'Los inútiles',

brillando con luz propia

en medio del descarnado retrato del patriotismo y la desorientación

de los jóvenes italianos de posguerra."

"Sordi fue el mayor y el primero de un quinteto

que completaban Vittorio Gassman,

Marcello Mastroianni, Ugo Tognazzi y Nino Manfredi;

rostros habituales de esa etapa gloriosa

que dio en llamarse 'comedia a la italiana'."

(HABLA EN ITALIANO)

En Italia, existía el neorrealismo creado por De Sica y Rossellini.

Yo he continuado ese estilo, pero con un fondo satírico, irónico,

no serio-dramático, sino satírico.

Entre el 50 y el 60,

era el único en Italia que interpretaba

esas películas neorrealistas de fondo satírico.

Detrás, vinieron otros actores

que han interpretado muchos de esos personajes.

El cine italiano ya no es comedia a la italiana,

pero es una continuación de mi propuesta.

"Dino Risi, Luigi Comencini,

Mario Monicelli o Luigi Zampa, entre otros muchos,

encabezaron la nómina de inesperados directores

que acertaron a conectar con el público más popular

abordando todo tipo de temas,

serios, dramáticos, incluso políticos en clave de comedia,

caricaturizando con perspicacia y cariño al italiano medio

a lo largo de esa etapa marcada por el hambre de la posguerra

en un principio

y a la corrupción sistemática

del llamado desarrollismo

en el otro extremo."

(HABLA EN ITALIANO)

Nunca me ha preocupado si una escena hacía reír al público o no,

nunca, solo me preocupaba que fuese verdadera,

que el público la reconociese como algo cercano,

que se reconociera en esas relación de vida,

entre marido y mujer,

entre novios, entonces se reía.

Eso es cine cómico. Yo no hacía cine cómico,

yo hacía cine realista,

pero con ironía, mirando a la gente con cierta intención.

"Sordi encarnó a ese tipo de personaje

capaz de adaptarse a todo,

conviviendo con la amoralidad,

el arribismo y un machismo genuinamente latino,

una especie de pícaro con una gestualidad desmesurada

que surgía en su rostro con aparente espontaneidad."

"A mí me gusta la mujer difícil, a la fácil...

(SILBA) Le dejo vía libre.

Además, mire lo que le digo, de mí para usted:

no existen mujeres difíciles,

porque si les va constantemente detrás, a la zaga,

llega un momento, un segundo de debilidad

en el que ceden, aunque sean actrices.

Se lo aseguro, señor comisario."

Se nace actor o uno se convierte en actor en una academia,

se pueden aprender las nociones, pero si no se nace,

no se puede llegar a ser un actor de éxito.

"La filmografía de Alberto Sordi es abrumadora:

más de 150 títulos

a un ritmo de hasta cinco durante bastantes años.

Su dedicación profesional fue absoluta,

nunca estuvo casado

ni se le conocieron relaciones sentimentales.

Llegado a un punto, a mediados de los 60,

se decidió a ponerse también detrás de la cámara

y derivó en una especie de modelo popular equivalente

a lo que fue el landismo en España.

Firmó 19 títulos que también coescribió

y protagonizó con resultados desiguales

y, en general, menos inspirados

que los que le llevaron a la gloria."

(HABLA EN ITALIANO)

Siempre me he considerado autor, para mí,

la historia nace siempre de un personaje

que me ha interesado, por sus características,

por su manera de expresarse, caminar, relacionarse.

Siempre he intentado imaginar en torno al personaje una familia,

una relación con la mujer, con la madre, una vida,

una historia con un personaje dentro.

Características siempre ligadas a los vicios

y a las costumbres de un italiano medio,

y esto marca los límites de mis posibilidades,

pero es lo que sé hacer y siempre he hecho,

nunca he aspirado a algo que no sé interpretar.

"Póngase en medio y páreme el tráfico.

-Ahora mismo, señor. -Debo acabar la maniobra. ¡Vamos!"

"Sirva el centenario de Alberto Sordi,

que falleció en 2003, a los 82 años,

para reivindicar aquella época dorada

e irrepetible del cine italiano, divertido e inteligente,

de sólido valor en la taquilla, que, en general,

ya solo recuerdan los coetáneos o los muy cinéfilos."

Bueno, pues con una actriz de ahora

que me gustaría trabajar es con la maravillosísima,

increíble, talentosa

y mujer que adoro y que cada vez que la veo

en la pantalla me alucina que es Maribel Verdú.

Yo creo que tenemos en España una actriz que nos ha demostrado,

durante tantísimos años, que es muy buena,

que a mí me encantaría poder algún día trabajar con ella.

Maribel Verdú, te quiero en una peli.

Como podéis ver,

seguimos haciendo nuestro "Días de cine"

con todo el amor del mundo desde nuestras casas,

como debe ser. Y ahora vamos a recomendaros

una serie y una película que, en principio,

no tienen nada que ver, pero sí tienen mucho.

La serie es "Unorthodox", una miniserie de cuatro capítulos,

totalmente hablada en yiddish y algo en inglés y en alemán,

y que cuenta una historia de esas de una persona,

una mujer que trata de escapar de una sociedad opresora,

que es la sociedad

de los ultraortodoxos judíos en Nueva York.

La película es "Disobedience", de Sebastián Lelio,

el director chileno de "Gloria", por ejemplo,

y que cuenta la historia con dos Rachel,

Rachel McAdams y Rachel Weisz, muy parecida.

Dos mujeres, en una sociedad opresora

de judíos ortodoxos,

que tienen una historia entre ellas.

El festival de cine y sostenibilidad,

Another Way Film Festival, ha anunciado para octubre

su nueva edición, ya que no podido celebrarse

en esta primavera, como es habitual,

y ha anunciado que el plazo de inscripción

está abierto para las obras que quieran presentarse

hasta el 6 de julio.

Ya sabéis que es importante la sostenibilidad,

y más en estos tiempos.

Mientras tanto, aquí, en esta casa, en TVE,

ya sabéis que hay mucha oferta de cine.

Nosotros nos quedamos con "Días de cine clásico";

la próxima semana podréis ver "La chaqueta metálica",

esta película de Stanley Kubrick, rodada en el 87,

en un Londres que simula ser Vietnam,

muy bien por cierto, con ese sargento Hartman bestial,

con ese soldado patoso

y ese bufón que hacía Matthew Modine

que decía aquello tan importante de:

"Pero estoy vivo".

Y ahí teníamos a James Cagney

autoinmolándose al final de "Al rojo vivo",

evocando a su mamá.

Nos han dicho siempre que madre no hay más que una,

pero en el cine, hay muchas madres y de muy variados registros,

como nos demuestra este libro, editado por Alianza Editorial,

escrito a dos manos por Óscar López y Pablo Vilaboy,

"Madres de película".

La portada, como podéis ver, es de "La fuerza del cariño",

con Debra Winger y Shirley MacLaine

y hace un repaso por un montón de películas

donde la figura de la madre ha sido determinante,

desde "Tommy" a, por supuesto, "Psicosis", "La mala semilla",

"Chinatown"... en fin.

Todo un mundo ese de las madres, no olvidéis,

madre no hay más que una, por lo menos en la vida real.

# No te vayas mamá, # no te alejes de mí... #

No queremos dejar de rendir un pequeño homenaje a Pepe Martin,

que fue por siempre ese Conde de Montecristo

de 1969 de esta casa, RTVE,

dirigido por Pedro Amalio López.

Una obra que, para muchos,

nos marcó en nuestra infancia

y un excelente actor que nos ha dejado hace pocos días.

Ya nos vamos, pero recordad, "Somos cine",

tanto "Días de cine" como TVE,

a través de este portal donde podéis ver, de forma gratuita,

más de 60 títulos excelentes de cine español.

¡Mi película favorita!

Decir cuál es mi película preferida es muy difícil,

porque el cine está lleno de obras maravillosas,

emocionales y que te llegan al corazón,

pero sin duda alguna,

la película que más me ha llegado

y que más me ha hecho convertirme en cineasta

es "Imitación a la vida",

la búsqueda de la identidad, el racismo,

la lucha por intentar ser alguien en una profesión tan difícil

como el cine, el compañerismo entre dos amigas y, sobre todo,

esa secuencia horrible,

horrible donde Sarah Jane se acerca a hablar con Frankie,

a decirle: "Bueno, Frankie, vámonos tú y yo juntos,

mi madre es un poco pesada". Y Frankie, en ese callejón,

la mira y le dice: "Sí, sí, nos vamos a ir,

pero dime antes algo,

¿es verdad esto que cuentan que tu madre es negra?".

Y le da una paliza. Indudablemente, para una persona,

hijo de inmigrante como yo, negro,

esa secuencia me hizo saber que el cine es un arma muy poderosa.

(Música)

(Grito)

(Latidos)

Cuando hacemos una película,

primero pensamos en la historia que queremos contar

e intentamos desarrollar el tema a través de un cine

que nos entusiasma, que suele ser el cine de género italiano.

(Música)

Para nuestras dos primeras películas,

"Amer" y "El extraño color de las lágrimas de tu cuerpo",

usamos el lenguaje del Giallo,

y para "Dejad que los cadáveres se bronceen",

nos servimos de la iconografía del spaghetti western.

(Música)

(Grito)

Hay una película seminal para los dos,

"Rojo oscuro", de Dario Argento,

es la película que nos hizo conectar,

en la que pudimos mezclar nuestros dos universos,

porque es a la vez cine de género, algo que no gustaba mucho a mí,

y tiene un enfoque un tanto experimental,

en el que la puesta en escena tiene un peso enorme,

lo que le gustaba a Hélène. Así que fue una película que...

-Una película que nos unió.

Otra película que nos unió es "La Bouche de Jean-Pierre".

Es un mediometraje de Lucile Hadzihalilovic

que nos dio ganas de lanzarnos, pese a no tener dinero,

a hacer cine autoproducido,

con pocos recursos.

Aprendimos el oficio a base de hacer

pequeños cortometrajes autoproducidos.

Hay otro cortometraje de Maya Deren que es más experimental,

onírico-surrealista.

Esa es otra de nuestras ambiciones:

llegar al inconsciente a través de las imágenes,

del montaje.

-La animación japonesa ha tenido un gran impacto en nuestra obra,

tanto en términos gráficos, de composición, como de narración.

Nos gusta mucho "Belladonna of Sadness",

porque tiene estética art nouveau que nos chifla.

-Y psicodélica.

(Disparos)

Para los actores,

buscamos personas que desprendan algo muy fuerte,

que tengan mucho carisma,

porque nos gusta mucho que sean espontáneos.

A veces, incluso, no les dejamos leer el guion entero

para que haya un poco de sorpresa durante el rodaje.

Nos gusta que no piensen demasiado,

que se dejen llevar por sus pulsiones.

(GRITA)

Y como no hay mucho diálogo, buscamos personas muy gráficas,

que transmita una sensación de fuerza a través de la imagen.

Usamos su cuerpo, sus rostros como si fueran paisajes,

como el mapa de un territorio que queremos explorar.

Les pedimos algo más que encarnar un personaje.

Los usamos como decorado.

Es muy complejo trabajar juntos

porque son películas muy basadas en las sensaciones

y puede ocurrir que tengamos

sensaciones completamente diferentes.

(Respiración)

-Por eso, precisamente lo preparamos todo tanto.

Nos permite ver cómo expresar una idea de forma sensorial,

tratando de hablarle al público de manera visceral.

Es algo que te obliga a trabajar desde la subjetividad,

pero eso es lo bueno, que cada uno ve su propia película.

Yo hago la película a mi manera, Bruno a la suya,

a lo mejor no estamos viendo lo mismo y a lo mejor

lo que ve el público es otra cosa diferente.

(SILBA)

Lo más importante es la historia.

Contamos la historia a través de la puesta de escena

y el montaje, intentamos usar las imágenes

como si fueran palabras, no como una mera demostración.

(Latidos)

-Intentamos jugar, por ejemplo, con las asociaciones de ideas,

con el inconsciente del espectador y, en ese sentido,

el sonido es muy importante,

porque conseguimos hablarle al espectador sin que se dé cuenta.

Conseguimos hacerle sentir ciertas emociones,

llevarlo a donde lo queremos llevar.

-Hélène dice que si no quieres pasar miedo con una película,

es mejor taparse los oídos que cerrar los ojos,

porque el sonido crea una tensión muy fuerte, más que la imagen.

(Cuchillos)

(Grito)

Para mí, un momento irrepetible de la historia del cine

es el final de "Las noches de Cabiria",

otra de mis películas preferidas.

"Las noches de Cabiria" de Federico Fellini.

¿Por qué es irrepetible? Porque la búsqueda del amor,

en una sociedad tan complicada

y donde no pone el valor del amor como lo principal,

le genera a este personaje, al personaje de Cabiria,

una desazón tremenda. Y entonces ella se pone a llorar,

y a su alrededor hay una música preciosa de Nino Rota,

incluso un personaje hace: "¡Guau, guau!".

(IMITA UN LADRIDO)

"¿Que estás sola? ¿Qué eres, un perrito?".

Pero ella, cuando lo ve todo alrededor,

tiene un punto de esperanza y sonríe,

y creo que el final de esa película, creo que, ante el dolor,

ante una sociedad que te roba

intentar transmitir amor con una sonrisa,

¡guau!, es apoteósico.

Me parece una de las mejores secuencias

de la historia del cine.

(Música)

Pues hasta aquí ha llegado el programa de hoy de "Días de cine"

en el que me ha encantado estar.

Espero haber sido un cineasta simpático

y no un "cineplasta". Hasta el próximo día.

-Bueno, Santiago Zannou,

que creo que te vas a tomar un cocido, que aproveche.

-Por supuestísimo, un cocidazo ahora para que me dé

una energía tremenda para seguir pensando.

-De Madrid, en Carabanchel. -O para echarme una siesta,

nunca se sabe. (RÍE) Chao.

(Música)

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Días de cine - 12/06/20

12 jun 2020

Se cumplen los próximos días cien años del fallecimiento de uno de los actores italianos más célebres e internacionales: Alberto Sordi. 'Días de cine' recuerda su figura en una edición que cuenta con el cineasta Santiago Zannou como padrino y que sigue muy atento a la oferta cinematográfica que se consume en los hogares.

En el apartado de series, el espacio de cine de La 2 se fija en 
'ZeroZeroZero', basada en una novela de Roberto Saviano; y 'Hollywood', creada por Ryan Murphy e Ian Brennan y ambientada en los años 40.

Además, el estreno en plataformas de la nueva película de Spike Lee, 
'Da 5 bloods: Hermanos de armas', un drama bélico en torno a la Guerra de Vietnam; el documental 'Antonio López: apuntes del natural'; el Indie & Doc Festival de Cine Coreano, que este año se celebra online; y una mirada a la inclasificable pareja de cineastas belgas Hèlène Cattet y Bruno Forzani.

Las recomendaciones de 'Días de cine'; la secuencia favorita del cineasta 
Daniel Monzón; y la despedida al montador Iván Aledo, recientemente fallecido, completan los contenidos de esta semana.

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