Aprendemos en casa La 2

Aprendemos en casa

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Para todos los públicos Aprendemos en casa - De 14 a 16 años - Educación Artística/Educación Física - ver ahora
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Buenos días, mis artistas, hoy es miércoles

y eso significa una mañanita repleta de educación física,

educación musical y educación artística.

Yo soy Camino López García

y soy tu profe de educación artística.

Hoy tenemos una clase genial para chicos y chicas

de entre 14 y 16 años.

Espero que os encante.

En arte, ni más ni menos que conoceremos todo el misterio

de la simbología de "El matrimonio Arnolfini"

y muchísimas cosas más.

Yo ya no puedo aguantar, pero antes de empezar,

¿cómo estáis llevando el confinamiento?

Bueno, parece que cada vez estamos más cerca del final,

pero hay que seguir portándose tan bien como hasta ahora,

lo estáis haciendo genial, desde la tele os mandamos ánimos,

lo estamos consiguiendo.

Como sabéis, a continuación vamos a ver unos vídeos superchulos

en los cuales yo quiero que estéis superatentos y atentas

porque después nos vamos a volver a ver

y yo os voy a lanzar un reto que os encantará.

Una pista, a ver si lo adivináis,

tiene que ver con uno de mis cuadros preferidos.

Misterio, a ver quién lo adivina.

Disfrutad de las clases, hasta luego.

El Romanticismo, que es la etapa de la historia de la música

que va después del Clasicismo.

Abarca la mayor parte del siglo XIX pero ojo, no penséis que esto

de las etapas históricas es tal cual,

que ocupan siglo por siglo,

ni tampoco que un día un señor se levantó y dijo:

"Hoy empieza el Romanticismo". No, no funciona así.

En este caso, por ejemplo, el Romanticismo abarcaría

desde 1820 hasta 1910,

aproximadamente y dependiendo de la fuente.

Como podéis ver,

es una época bien larga y con muy diversa también.

Si en vídeos anteriores hemos mencionado tres, cuatro,

o cinco compositores,

en este vídeo vamos a hablar de un montón más.

Pero hablemos del Romanticismo "itself",

¿de qué va el Romanticismo?

En el Romanticismo se da muchísima importancia

a las emociones de los artistas.

No solo los músicos, también pintores, escritores...

Al contrario que en el Clasicismo,

se piensa que los sentimientos pueden responder a cuestiones

que la razón no.

Y la música de esta época intenta expresar esos sentimientos.

Recordad que venimos de una época en la que la Ilustración,

que daba mucha importancia a la razón,

estaba muy presente en la sociedad,

pero ahora lo que se busca

es romper con las normas establecidas

y también la propia originalidad de cada artista o sea,

que el músico, el pintor, el escritor o quien fuera,

se preguntaba a sí mismo:

"¿Qué aporta mi obra que no aporta el resto de obras

que se están componiendo o se están haciendo en esta época?".

Entonces, con todo esto, ¿cómo es la música del Romanticismo?

(TARAREA)

Pues es una música llena de expresividad

hecha por músicos que tienen más libertad que nunca

a la hora de componer,

y aunque se conservan las formas musicales

que hemos visto anteriormente

como la sinfonía, la sonata o el concierto,

de la ópera ya hablaremos después, esta expresividad y esta libertad

prevalecen por encima de todo, lo cual, en parte,

lleva a que se creen nuevas músicas como la música programática

y nuevas formas musicales como el poema sinfónico

que es un tipo de pieza en la que la música por sí sola

te cuenta una historia y tú tienes que imaginar

todo lo que va sucediendo en tu cabeza,

con la ayuda de un programa escrito donde te dice de qué va la cosa.

Las orquestas son cada vez más grandes, o sea, con más músicos,

y las obras son de más duración.

Una sinfonía de Mozart o Hayden podía durar media hora,

más o menos, y una de Mahler hasta más de una hora.

Los instrumentos también evolucionan

y se empiezan a incluir algunos con los que solo se contaba

de forma puntual antes en las orquestas de forma habitual,

como el piccolo, una flauta travesera en pequeño

o el corno inglés, un oboe en grande.

Otra forma musical muy popular de esta época es el lied

que literalmente significa "canción" en alemán.

Eran piezas generalmente breves

compuestas para piano o para piano y voz,

y otra cosa muy importante de esta época es la popularización

de los músicos virtuosos,

aquellos con un dominio absoluto de su instrumento,

que tocan muy bien, vamos.

Se creaban auténticas colas de fans en los conciertos

de algunos músicos virtuosos como Liszt o Paganini.

Todo ese fanatismo loco que conocéis que había por los Beatles

o por Justin Bieber, en esta época ya existía.

(Música)

(GRITAN)

Y no es para menos, escuchad, por ejemplo,

cómo era una obra para piano de Liszt.

(Música)

O para violín, de Paganini.

(Música)

Vale, bien, pero los virtuosos,

por lo que sobre todo destacaban era por tocar, no por componer,

a pesar de que algunos de ellos componían también.

¿Quiénes son los compositores más conocidos del Romanticismo?

El primero de todos, el que da pie a este tipo de música,

ya lo conocéis, Beethoven.

Muchos quisieron imitar cómo era su música

en sus últimos años de vida.

No nos va a dar tiempo a hablar largo y tendido de cada uno

pero sí a mencionar un par de cosas y obras de ellos.

Hay algunos de los que me gustaría hablar mucho cómo Schumann

o Berlioz, que fueron muy importantes en su época,

pero prefiero que os aprendáis unos pocos bien a muchos mal.

El primero de todos es Schubert,

que si bien no fue muy conocido en vida,

sus obras han trascendido hasta hoy.

Compuso más de 600 lieder.

"Lieder" es el plural de "lied" en alemán.

Y antes de morir por diversas enfermedades,

entre ellas alguna de transmisión sexual,

dejó compuesta una sinfonía algo misteriosa

a la que se la conoce como "La incompleta"

porque no la llegó a terminar,

pero ojo, esto no significa que tú vas escuchando la sinfonía

y de repente se corta y se acaba.

Es que en vez de cuatro movimientos, Schubert compuso solo dos.

¿Por qué la dejó así? Pues...

(Música)

Aun así, de todo lo que compuso, lo más conocido es...

(Música)

Segundo compositor, uno de mis compositores preferidos.

Mendelssohn, que al igual que Mozart,

fue un niño prodigio.

Ya a muy temprana edad, componía y tocaba como un pro.

Era hijo de un banquero muy adinerado

y por su cumpleaños su padre le regaló

lo que le regala todo padre a un niño: una orquesta

para que tocaran las obras

que el joven Mendelssohn iba componiendo.

Tenía una hermana llamada Fanny que al igual que la de Mozart

tenía mucho talento por la música, pero igual que Maria Anna,

no desarrolló carrera como compositora

por lo difícil que era ser mujer y músico en la época.

Su hermano pasó a la historia

por crear el Conservatorio de Leipzig

y resucitar las obras de Johann Sebastian Bach

del que ya hemos hablado en el vídeo del Barroco.

Si no fuera por Mendelssohn, posiblemente hoy no conoceríamos

a Bach como le conocemos, su concierto para violín

es de las piezas más conocidas que tiene.

(Música)

Y ahora hablemos de Chopin, por favor,

no "chopín", ni "shopin" ni "choped".

No. "Chopin".

Ya sé que se escribe "chopín", pero Chopin.

Es uno de los compositores más expresivos del Romanticismo.

Seguramente porque vivió en la etapa más plena del mismo,

aunque vivió la mayor parte de su vida en París

es un compositor polaco.

Cuando murió, su cuerpo fue enterrado en París,

pero su corazón está enterrado en Varsovia.

Fue conocido sobre todo por sus obras para piano.

Habéis oído alguno de sus Nocturnos en películas,

series o videojuegos seguro.

(Música)

Otro más, Tchaikovsky, que seguro que os suena.

Aunque según muchos pertenece a una cosa

llamada "los nacionalismos", no vamos a hablar de eso

en este vídeo pero sí de Tchaikovsky.

Ya que es uno de los compositores rusos

más importantes de la historia y más importante del Romanticismo.

Tchaikovsky era homosexual

y eso le llevó a tener muchos problemas sociales

y consigo mismo, no era fácil ser gay en el siglo XIX,

tenía que estar ocultándolo constantemente.

Fue un gran compositor, sobre todo de ballet,

seguro que conocéis algún ballet suyo como "El cascanueces"

o "El lago de los cisnes".

Entre otras cosas porque Barbie tiene dos películas llamadas así.

(Música)

(Música)

Y nos hemos dejado

a uno de los compositores más importantes para el final.

Wagner. Ahora sí que sí.

Ha llegado el momento de hablar de la ópera en el Romanticismo.

La ópera sigue gozando de cada vez más popularidad

y compositores como Verdi o Rossini en Italia o Bizet en Francia,

logran una gran fama pero es Wagner el Alemania el que eleva

la ópera a su máximo nivel.

Él creía en un concepto llamado la "Gesamtkunstwerk",

o sea, "la obra de arte total".

Una obra artística que incluyeran las seis artes

que se conocían por entonces.

La música, la danza, la poesía, la pintura, la escultura

y la arquitectura.

Y creía que con sus óperas, al menos con algunas de ellas,

podía lograr algo así.

Dio a conocer varias técnicas operísticas,

como el leitmotiv, pero en vez de explicarlo yo,

que lo explique el Pablo que habló de esto

en su vídeo de "Bohemian Rhapsody" en su canal principal.

Un leitmotiv es una melodía que acompaña a un personaje

o a una situación en una obra musical.

Los leitmotivs tienen una función superimportante

que es la de crear unidad en una pieza musical.

Cuando las obras son muy largas tienes que tener algo

que te recuerde ciertos aspectos de la trama

que son fundamentales para entender la historia

y no perderte entre tanta variedad.

Mediante la repetición,

acabas asociando esa melodía al personaje o a la situación,

tal como sucede en "El imperio contraataca"

con "la Marcha imperial" y Darth Vader.

(Música)

Las óperas de Wagner son bastante largas y densas,

pero su pieza más conocida,

"La cabalgata de las valquirias" está contenida en una megaópera

que compuso que se llama "El anillo del Nibelungo".

Esta ópera, en realidad,

son cuatro óperas dentro de una y dura unas 15-16 horas.

Para su estreno, Wagner encargó que se construyera un teatro

en la localidad de Bayreuth, en Alemania.

Y él mismo supervisó todo el proceso de construcción,

composición de las danzas, de la música, todo.

Era un tipo muy completo. Hoy en día, en agosto,

se sigue celebrando el festival de Bayreuth,

en el cual se interpretan un montón de óperas de Wagner.

Y ahora escuchad el poderío de "La cabalgata de las valquirias".

(Música)

Por cierto, si alguno se pregunta qué es una valquiria,

solo tenéis que ver "Thor Ragnarok".

Esto es una valquiria.

Y hasta aquí el vídeo de hoy, hasta la próxima.

(Música)

Hola, soy Zoraida Pérez.

-Y yo soy Antonio Jesús Calvillo.

Somos docentes de música de secundaria.

-Hoy vamos a hablaros de la música en los videojuegos.

(Música)

¿Os habéis fijado alguna vez en la música

que acompaña vuestro videojuego?

-¿Sabéis que esas músicas tienen un compositor?

-¿Qué función tiene?

-¿Para qué sirve?

-¿Te has parado a escucharla con atención alguna vez?

-¿Conoces algo de la historia de la música de los videojuegos?

-¿Serías capaz de tararear alguna melodía?

-¿Sabes cuál fue el primer sonido que se utilizó en un videojuego?

-¿Sabíais que existen premios exclusivos para esta categoría?

(Música)

Dicen que cine y videojuegos

comparten muchas características comunes.

Así hacen uso de la fotografía y de las narrativas.

De mundos ficticios y realistas.

Del personaje y de la banda sonora propia.

Como en el cine,

la música de los videojuegos puede tener un papel crucial.

Así, a medida que las técnicas narrativas

y tecnológicas de los videojuegos ha evolucionado,

también lo han hecho sus composiciones musicales.

Entonces, ¿en qué se diferencia la música de los videojuegos

de la cinematográfica?

La música en el cine es pasiva,

es decir, acompaña a un guion y tiene un principio y un fin.

Sin embargo, la música en los videojuegos es activa.

Se adapta a las distintas situaciones de los personajes

o a la propia trama.

Cada vez se reconoce más

la importancia de la banda sonora de los videojuegos.

Así la música ha ido ganando protagonismo

más allá de sus funciones de apoyo.

Algunas composiciones han llegado a ser más famosas

que el juego para el que fueron ideadas.

¿Pero para qué sirve la música en los videojuegos?

(Música)

La música puede comunicar algo tan simple como pasar de nivel

o de juego.

(Música)

Estos sonidos pueden llegar a ser tan memorables

como el propio juego en sí.

También se utiliza para crear una atmósfera

o un ambiente específico.

(Música)

Puede apoyar la acción del juego y facilitar su comprensión.

(Música)

También puede influir en las emociones

de quien está jugando.

(Música)

La música en los videojuegos

también puede tener una función diegética,

¿y eso qué es?

Es decir,

que la música puede ser interpretada por los propios protagonistas

dentro del juego.

(Música)

Bueno, ahora toca empezar

con un poco de historia de la música en los videojuegos.

Los videojuegos, tal y como los conocemos,

comenzaron en la década de los 70.

Los primeros juegos eran juegos de arcade

que casi no tenían ningún sonido.

En el año 1972 se crea el videojuego "Pong".

"Pong" es un juego de ping pong y solo tiene tres sonidos.

El choque con la paleta. El choque contra la pared.

O el fallo cuando algún jugador no es capaz de darle a la pelota.

Al principio los sonidos son muy rudimentarios

y es producto de que las consolas eran muy básicas.

En el año 1975 nació "Gun Fight",

un juego en el que se escuchaban los disparos.

(Música)

El sonido en esta época era accesorio.

Al principio, los sonidos eran monofónicos,

es decir, sonaban de uno en uno.

Tendríamos que esperar al año 1977

cuando Atari inventó su famoso juego "Asteroids".

En este juego se ve por primera vez

un amago de lo que podría ser una banda sonora.

(Música)

Con el tiempo,

la capacidad de las memorias de estas consolas fue en aumento

y con ella la música.

A comienzos de los 80, nace el famoso juego "Pac man".

(Música)

"Pac man", además de ser un gran videojuego

que impactó en la época en la que nació

también lo hizo por su banda sonora musical.

Muchas de las melodías de "Pac man", hoy en día,

siguen reconociéndose.

(Música)

En el año 82 surge el ordenador Commodore,

y en el 85, la famosa Nintendo.

Con estos avances también avanzará la música de los videojuegos.

Una de las bandas sonoras más famosas de estos años 80

es la de "Mario Bros.".

(Música)

Fue la primera vez que un videojuego contaba con una banda sonora

de un compositor profesional.

A finales de los 80, un videojuego, el "RBI Baseball",

reflejaba las acciones de los jugadores

a través de la música.

Con esto llegamos a los años 90

con la inclusión de nuevos procesadores

mucho más potentes tanto en ordenadores

como en consolas.

Que hacen que el sonido sea cada vez mejor.

Así nacen, por ejemplo, el Commodore Amiga

o la Sega MegaDrive.

Así los compositores

cada vez eran más ambiciosos en las composiciones

que utilizaban en esos videojuegos.

Da esta época son las famosas bandas sonoras, por ejemplo,

de "Sonic".

(Música)

"The legend Of Zelda".

(Música)

O de "Final Fantasy".

(Música)

Son cada vez más los compositores

que se dedican en parte de su trabajo

a las bandas sonoras para videojuegos.

Con la década de los 2000 llegó el Dolby Digital

y el Dolby Surround.

Y con él, toda una revolución dentro de las bandas sonoras

también para videojuegos.

De esta época son, por ejemplo, la banda sonora de "DOOM".

(Música)

O de "Halo".

(Música)

En los últimos tiempos hemos visto cómo las consolas

se equipaban con Compact Disc,

con Blue Ray, con discos duros internos

o incluso con almacenamiento en la nube.

Y ello ha provocado que cada vez tengamos

mayor capacidad para el almacenamiento

y la reproducción de la música que se utiliza en los videojuegos.

Estamos hablando de consolas

de quinta, de sexta o de séptima generación.

Y en relación a la música de los videojuegos

también se han creado premios

específicamente para sus bandas sonoras.

Es el caso de los premios BAFTA Videogames Awards

desde el 2014.

O de los famosos Grammy que también tienen premios

exclusivamente dedicados a bandas sonoras de videojuegos.

Son muchos los compositores famosos que podríamos nombrar

y son muchas las bandas sonoras que han sido y se han hecho míticas.

"Harry Potter"...

(Música)

"Príncipe de Persia".

(Música)

(HABLA EN OTRO IDIOMA)

"Resident Evil".

(Música)

"Street Fighter".

(Música)

O videojuegos que han utilizado la banda sonora de su película,

es el caso, por ejemplo, de "La guerra de las galaxias"

cuyo compositor de su banda sonora, John Williams,

ha sido adaptado para incluirlo en algunos videojuegos.

(Música)

"Confía solo en la fuerza..."

(Música)

Hoy en día hablamos

de bandas sonoras de videojuegos personalizadas.

Como sabéis, esto es posible porque las consolas cuentan

con discos duros internos

donde podemos almacenar nuestra propia banda sonora.

Actualmente están de moda los videojuegos online.

(Música)

Pero a mí los que más me molan son los videojuegos musicales.

(Música)

Esperamos que os haya gustado, pero esto no es un "game over".

Ahora viene el reto.

(Música)

Bueno, antes de despedirnos queremos plantearos un reto.

Sabemos que todos jugáis.

La próxima vez que os pongáis delante de vuestra consola,

de vuestro ordenador o de vuestro dispositivo móvil,

queremos que penséis en la banda sonora

que ha utilizado ese videojuego.

Y os vamos a pedir que hagáis una pequeña investigación.

-Queremos que busquéis el compositor o la compositora de su banda sonora.

-Quizás también encontréis información

sobre otras bandas sonoras

compuestas por ese mismo compositor o compositora.

-Y lo más importante, queremos que os fijéis en la emoción

que os provoca la música que estáis escuchando

a la vez que estáis jugando.

(Música)

Saludos, damas y caballeros,

hoy os traigo esta conocidísima obra de arte que seguro

que todos sabéis que esconde un montón de significados ocultos

pero no tenéis ni idea de cuáles son,

así que yo os los voy a desvelar.

A ver cómo me las apaño para meter toda la chicha en poco tiempo.

El caso es que esta es una de las obras más discutidas

y obra maestra por excelencia del simbolismo natural

porque todos los elementos que aparecen en la escena

son apropiados en sí mismos,

lo que pasa es que han ido cogiendo además otros significados.

Lo primero de todo, decir que esto es una obra tardogótica,

casi ya renacentista,

que la pintó el flamenco Jan Van Eyck en el año 1434.

Y utilizando una técnica

por aquel entonces bastante nueva que era el óleo.

Porque normalmente,

todas las pinturas se hacían en temple sobre tablas.

Así que Jan Van Eyck utilizó la técnica del óleo

sobre una tabla de roble

de unos 82 centímetros de alto por unos 60 de ancho.

La pinta en la ciudad de Brujas,

que era la ciudad comercial más importante del norte de Europa,

así que lo que estamos viendo en esta obra es al rico comerciante,

comerciante Giovanni Arnolfini acompañado de su esposa,

Jeani Cenani en su habitación rodeado de objetos cotidianos.

La pareja aparece elegantemente vestida con ropas carísimas

como el abrigo de visón que lleva él o el traje de terciopelo

con mangas de anillo blanco y encaje de hilo de oro

que lleva ella.

Jan Van Eyck no dijo en ningún momento

de quién se trataba la pareja retratada,

lo que pasa es que 100 años más tarde

este cuadro apareció en un inventario

donde parecía que pertenecía a la familia de Arnolfini.

La familia Arnolfini era una familia de barqueros y comerciantes

que tenían varias delegaciones por toda Europa,

así que aquí vemos a un hombre de negocios extranjero

que se había venido a la otra ciudad rodeado de todos sus lujos.

Darse la mano y hacer un juramento es un claro indicio de boda.

Van Eyck coloca la cogida de manos justo en el centro del cuadro,

en el lugar más especial,

así que a mí me parece que aquí estamos asistiendo a una boda.

En el siglo XV no era necesario ni un sacerdote ni unos testigos

para formar un matrimonio ya fuese civil o religioso,

y el acto podría realizarse en cualquier estancia o lugar.

Hasta el Concilio de Trento, 100 años más tarde,

la Iglesia no impuso la presencia de un sacerdote

y dos testigos.

Esto no lo hizo por motivos religiosos,

lo hizo para que no hubiese fraude ni trampa con los matrimonios.

Estamos asistiendo a un matrimonio por amor

y esto lo sabemos gracias a dos cosas.

Una, que las alianzas de ambos están en las manos contrarias

que no se están entrelazando, y dos,

está haciendo lo que se llama "enlace de mano izquierda",

en la que él está tendiendo su mano izquierda

haciendo el juramento a ella.

Esto normalmente quiere significar que él proviene de una clase social

un poco más alta que ella.

Esto asegura que en caso de no haber descendencia,

ella tiene asegurada su pensión de viudedad.

Ella no va de blanco

porque esta tradición se impuso 400 años más tarde.

Lo normal era coger el traje de fiesta

más ostentoso que tuvieses

y como ya sabemos, el color verde significa

"juventud, naturalidad y fertilidad".

Puede parecer que está embarazada, pero los documentos indican

que el matrimonio Arnolfini no tuvo descendencia.

Así que para el abultamiento del vientre hay varias teorías.

La mía personal es que en ese momento

sí que estaba embarazada pero pudo haber perdido al bebé.

La otra teoría es que ella está representada al gusto

de la belleza ideal del momento,

con vientres abultados, pechos muy pequeños y aplastados,

la frente muy despejada y alta, cejas muy finas y piel hiperblanca.

Las modas, por lo general a lo largo de la historia

corresponden a un estereotipo casi siempre basado en el poder,

el dinero y la fertilidad.

Me voy a explicar.

En esa época gustaban mucho los vientres abultados

porque implicaban fertilidad

y buen comer, así que, que había dinero.

También gustaban los pechos pequeños

porque implicaban que la mujer no amamantaba,

porque tenía de esto para pagarse una nodriza.

Las cejas finas y la piel hiperblanca

indicaban que la dama no era campesina.

Y si no era campesina, no tenía que currar,

y si no tenía que currar, era porque, otra vez, tenía de esto.

Y la frente ancha indicaba que era una mujer cultivada

en la lectura o la música.

Una vez más, tenía tiempo para cultivar su mente

en vez de cultivar patatas.

Pero ojo, que los hombres tampoco se quedan atrás

en modas extravagantes y cargadas de significado.

De poder y de dinero.

Ellos usaban unos turbantes y sombreros gigantescos

como para decir:

"Aquí estoy yo y me he gastado 1.000 pesetas en esto".

Felipe, el Bueno,

un tío este conocido por sus extensiones de terreno,

no porque fuese un guaperas,

siempre vestía de negro en los actos oficiales,

así que lo puso de moda incluso hasta de la corte española.

Observar que Giovanni Arnolfini tiene las manos tan finas,

blancas y delicadas como las de su mujer.

Esto implicaba que trabajar en la tierra, ni hablar.

Sus estrechos hombros indican que Giovanni no necesitaba imponerse

en la sociedad con la fuerza bruta.

Tenía un buen intelecto y mucho dinero.

Incluso podemos observar en Giovanni

el gesto frío y calculador que tiene.

Y recordemos que está viviendo

el momento más importante de su vida, se está casando,

y encima lo hace por amor.

Bien, y ahora vamos a hacer el recorrido del lenguaje secreto

por los elementos cotidianos esparcidos por el cuadro.

No sin antes recordar que el lenguaje simbólico

surgió en las iglesias medievales

porque el pueblo llano no sabía leer, era analfabeto,

y necesitaba el apoyo de las imágenes

para aprenderse los salmos.

Vamos a comenzar el recorrido por la cama

porque es que estamos en su dormitorio

y como podemos ver es rojo, rojo pasión.

Esto habla por sí solo.

Se pueden ver unas cortinas colgantes recogidas.

Por la noche se extendían y quedaba un cubículo bastante íntimo

donde ahí cada uno hacía lo que quería,

pero estas cortinas por el día se recogían porque era muy típico

y normal que el señorito de turno

atendiese a sus visitas tumbado en la cama

o sentado en el borde.

A modo de despacho, vamos.

A la izquierda de la cama podemos ver un respaldo muy alto

de una silla ricamente tallada de madera

donde podemos ver una figura orante aplastando un dragón.

Esto puede significar dos cosas:

una, que es la figura del bien que prevalece sobre el mal

o dos, que es Santa Margarita, la Patrona de las Parturientas.

Justo al lado podemos ver una escobilla hecha de retama.

Las escobas, desde la antigüedad,

tienen un significado asociado a la magia y a la fertilidad.

En Europa se decía que si una mujer se sentaba encima de una escoba,

esta se podía quedar embarazada.

Además se decía que la retama tenía poderes mágicos y sexuales.

El espejo está situado justo en el centro del cuadro,

en un lugar superimportante.

Su marco está decorado con diez medallones

que representan escenas del viacrucis.

Los espejos de cristal eran objetos muy raros

y muy valorados y estaban reservados solo a los monarcas.

Este que vemos aquí es una media esfera

bañada en una mezcla de mercurio y estaño.

Aun así este objeto indica que Giovanni tenía mucho dinero.

En él podemos ver reflejadas las espaldas del matrimonio

y a los dos testigos.

Esto es lo que en arte llamamos la cuarta dimensión

y es un recurso que utilizará nuestro paisano Diego de Velázquez

200 años más tarde

en su archiconocido cuadro de "Las Meninas".

Este cuadro perteneció a la corte española

durante un montón de años.

Y Diego de Velázquez era el conservador

de las colecciones reales.

Así que pudo ver el cuadro y, más tarde, inspirarse en él.

Justo encima de la pareja hay una enorme lámpara de araña

con una sola vela encendida.

Esto de práctico no tiene nada, pero es que está aludiendo

a la presencia de Cristo en un momento sacro.

También hace referencia a una tradición medieval

en la que los votos se pronunciaban con una vela encendida.

Entre la lámpara y el espejo aparece el grafiti

de Jan Van Eyck a lo más estilo puro "Barto",

donde pone: "Johannes van Eyck fuit hic",

que significa: "Jan Van Eyck estuvo aquí".

Es una firma que de modesta no tiene absolutamente nada

porque está en el centro del cuadro

y lo normal era ponerla en una esquinita

el caso es que esta afirmación transforma el cuadro

en un documento histórico donde el pintor no solamente firma

como autor, sino como testigo de la acción.

Con ese pedazo de ego seguro que Jan Van Eyck

se autorretrató en en el reflejo del espejo

y quizás sea la figurilla esa de azul claro.

¿Quién sabe?

Lo siguiente que podemos observar son las naranjas de la ventana

que tienen varios significados.

Lo primero es que son frutas y ayudan a la fertilidad.

Lo segundo, que son frutas traídas desde muy lejos,

desde España, nada menos,

y entonces eso significa que esta pareja tenía mucho dinerito

para pagar frutas exóticas.

Y lo siguiente es que son frutas típicas de la zona del Mediterráneo,

lo que aluden al origen de la pareja.

También observamos dos pares de zapatos

esparcidos por la habitación y que ellos están descalzos.

Aquí he leído infinidad de teorías que, bueno,

yo os las cuento y vosotros opináis.

Que si tienen un significado sacro porque aluden a un texto bíblico

en el que Dios le dijo a Moisés que tenía que descalzarse

para pisar la Tierra Santa.

Que si están formando los zapatos, los pies de él y el perro

un triángulo que simboliza la estabilidad

y la fidelidad doméstica...

Otra teoría que he encontrado es que al ser zapatos de madera

y no de terciopelo,

aluden a que era una pareja con mucho dinero pero eran burgueses

y no aristócratas, porque si fuesen aristócratas,

llevaría zapatos de terciopelo

y no pisarían el barro porque irían a caballo o en coche.

Para mí, al final,

me quedo con la teoría de que eran una pareja un poco desordenadilla

y que en un momento dado están realizando un acto sacro

y que por eso se han descalzado.

Hablando del perrillo, por cierto,

los que habéis visto mi vídeo de "El Quitasol"

ya sabéis lo que significa, ¿verdad?

Y los que no, estáis tardando en ir a ver ese vídeo.

Yo por mi parte ya sabéis que solo puedo daros las gracias

por seguirme y por verme y que nos vemos en el próximo vídeo.

Chao.

Saludos damas y caballeros,

hoy os traigo una obra del famosísimo y enigmático pintor

de finales del Medievo y principios del Renacimiento,

El Bosco.

Un artista que nos atrapa con cada una de sus pinturas

por tenerlas repletas de figuras superlocas

haciendo actividades de lo más variopinto.

Al Bosco, sobre todo,

le conocemos por su grandísimo "Jardín de las delicias",

pero hoy os traigo otro de sus grandes trípticos:

"El Carro de heno".

Una obra que a simple vista podemos ver a un montón de objetos

y figuras alrededor de una montaña de paja.

Esto es un tema de género, la verdad, bastante novedoso

que El Bosco se embarcó en hacerlo

porque lo normal era hacer pinturas sacras

porque era la Iglesia la que pagaba.

Como siempre, si nos detenemos un poquito

en fijarnos en los detalles de la obra

y en conocer un poquito más el contexto histórico,

desvelaremos los misterios y entenderemos y conoceremos

mucho mejor la obra.

Lo primero, saber que de este artista

se conoce bastante poco puesto que las fuentes

son bastante escasas.

Llamado realmente Hieronymus van Aken,

nació posiblemente en 1450 aunque no se puede asegurar

en la ciudad holandesa de Hertogebosh

y que de ahí sacó su mote.

Los historiadores del arte no se ponen de acuerdo

porque no existe mucha documentación acerca de este pintor,

además, él se encargó de no fechar ninguna de sus obras, por lo tanto,

sí, estamos hablando de un tío enigmático

de principio a fin.

En su época, cerca de 1500,

alrededor del 90% de la población trabajaba en el campo

y sabían perfectamente lo valioso que era el heno,

y sobre todo en invierno.

La acumulación de riqueza ya era un tema de rabiosa actualidad

para El Bosco puesto que los soberanos, los papas,

los clérigos, los monjes y los campesinos

se preocupaban mucho más de los bienes materiales

que de llevar una vida piadosa.

Las crónicas de la época

están plagadas de anécdotas sobre este tema.

De ahí que a 30 años llegase Martín Lutero metiendo caña.

Así que El Bosco coge al heno para simbolizar

todo aquello por lo que los hombres luchan en vida

sin importar los que les va a pasar en el Más Allá.

Lo primero, decir que nadie se pone de acuerdo

en qué año se pintó esta obra porque he encontrado,

nada más y nada menos que cinco posibles fechas:

1485, 1490, 1500, 1502 y 1516.

¿Cuál será la verdadera?

Se trata de un gran óleo pintado sobre tres tablas de roble

que forman un gran tríptico.

La tabla central mide 1,35 de alto por 1 metro de ancho.

Y las dos tablas que hacen de postigos

miden 1,35 de alto por 45 de ancho.

Resulta curioso ver cómo El Bosco

utiliza un formato clásicamente religioso

para transformarlo en una obra de género.

Aunque ya veremos que subyace el tema religioso por debajo.

El rey español, Felipe II,

compró esta obra en 1570 y la tuvo en el monasterio del Escorial

durante un montón de años

hasta que durante un tiempo pasó a la casa de campo para,

finalmente, en 1936,

cuando se inició la Guerra Civil española,

la llevaron al Museo del Prado para una mejor conservación.

Cuando este tríptico está cerrado podemos ver a un gran ermitaño

pasando por un camino lleno de peligros y tentaciones

que representa a la vida misma.

La pareja que está bailando al fondo representa la tentación

y todo lo demás se puede ver que son peligros obvios.

Ahí está el peregrino con su fuerza y su bastón para librarse de todo

y seguir adelante con una vida piadosa.

Una vez abierta podemos ver claramente

que el tema central de la obra, incluidos los paneles laterales,

es el pecado.

El pecado desde su creación en el paraíso terrenal,

el pecado en vida en la misma tierra

y el pecado en el infierno que es a donde vas a ir

si cumples muchos.

Vamos a empezar por el panel izquierdo

que es el paraíso terrenal donde la parte superior podemos ver

al Dios Todopoderoso Creador que está como empujando de la nube

a los ángeles rebeldes

que se están transformando en bichos-demonios,

a la vez que caen a la Tierra.

De El Bosco es muy interesante ver su capacidad artística

y genial para reproducir los sentimientos humanos

más honestos y sinceros con una manera excepcional.

Vemos que Dios está creando a Eva de la costilla de Adán

que parece bastante aburridillo antes de que ella llegara.

Más abajo podemos ver cómo Adán y Eva discuten

entre si cogen o no cogen la manzana del pecado

que le está ofreciendo la serpiente y...

¿Es una mujer? ¿Por qué es una mujer?

Y en un primer plano podemos ver cómo el ángel,

con cara de resignación pero empuñando una gran espada

para acometer la misión que Dios le ha encomendado

que es echar a la pareja del paraíso,

mientras que Adán le está como espetando alguna excusa de:

"Pero si he hecho lo que esta me ha dicho",

y mientras, Eva está absolutamente muerta de la vergüenza.

Bien, en la tabla central jamás se había puesto

como protagonista a una montaña de paja.

Esto resultó, imagino, bastante curioso en la misma época.

Y El Bosco va y lo hace.

El heno simboliza todo aquello por lo que hombres y mujeres

lucharán con muchísimo esfuerzo durante toda la vida,

pero que luego al final no es nada, es paja seca.

Y la montaña simboliza eso, precisamente, la montaña,

la acumulación, el todo por el todo que luego no es nada

porque cuando te mueres, ¿qué?

¿Dónde te llevas eso y para qué te sirve?

El carro también simboliza algo, no vayáis a creer que no.

El hombre del medioevo creía que andaba por la vida

para llegar a un fin último, a su juicio final,

y el carro simboliza este camino.

Si tú no andas o estás perdido por la vida sin una meta fija,

al final acabas en el infierno.

Además, que desde tiempos egipcios,

los carros y las carretas están íntimamente relacionados

con los eventos carnavalescos o religiosos.

También tenemos un dicho flamenco que decía:

"La vida es como un enorme carro de heno,

así que pilla toda la paja que puedas

porque luego en el infierno no sabrás lo que tendrás".

Aquí lo que tenemos

es una representación casi literal de este refrán.

Por no hablar de los salmos que me he encontrado en la Biblia

hablando de que el heno es una riqueza totalmente efímera.

¿Recordáis a los ángeles

que se transformaban en demonios-bichos

del postigo del paraíso terrenal?

Bien, pues aquí están tirando del carro.

En estos personajes El Bosco da absoluta rienda suelta

a toda su imaginación haciendo híbridos superpintorescos

entre hombres y bestias.

Están representando el desorden divino,

no olvidemos que las gentes del medievo

creían fielmente en los habitantes del cielo y del infierno

y además les hacían culpables

de todos los bienes y males terrenales.

En la obra podemos ver también

cómo aparte de un montón de monstruos

vemos que la gente se pega a torta limpia

por coger un puñado de pajillas.

Ayudados de herramientas como escaleras para subirse, hoces,

horcas, palos, para eso, para coger un puñado de botín.

Además, fijaos que en estas gentes no queda un estatus social

que no esté representado.

La gitana leyendo la buenaventura en un primer plano

al lado de un titiritero que parece haber raptado niños.

¿No os suena a "Pinocho"?

El dentista sacamuelas, los clérigos, las monjas,

que ya tienen un gran botín,

los granjeros y campesinos parecen matarse alrededor

y debajo del carro como locos,

pero las figuras que más me llaman la atención

y más gracia me hacen son esos tres caballeros

que van justo detrás del carro.

De los que podemos distinguir al emperador,

porque lleva su bandera de imperio bicéfala,

al rey y al Papa.

Que parece que están escoltando el carro

como si lo hiciesen habitualmente toda la vida y además,

¿veis que no se están pegando por la paja?

Eso es porque consideran que eso es suyo por derecho divino.

En lo alto del montón de paja podemos ver un montón de figuras

que son bastante curiosas.

Una pareja que ya está allí consolidada en su magreo,

a dos artistas, un poeta y un músico

que están ahí como luchando con sus artes

a ver quién se lleva a la bella dama de rosa.

A un "voyeur" que está escondidillo detrás del matorral,

que parece nacer del propio montón de paja

y a un ángel que está rezando diciendo:

"Por favor, Dios, échame una mano que es que esta gente se me va"

del lado del demonio

que está tocando su nariz-flauta-trompeta diciendo:

"Venga, chavales, anímense a la lujuria

que nos vamos para el infierno".

Y coronando la escena en lo alto del cuadro

podemos ver al señor Dios montado en su nube

con una expresión de angustia y de desesperación

con los brazos así como diciendo:

"Pero señores, ¿qué estáis haciendo? Controlados un poco.

¿Para esto me he dejado yo lancear y crucificar por todos vosotros?".

Pobrecillo.

En el postigo derecho podemos ver representado el infierno

que parece la meta final a la que el carro

llegará tarde o temprano.

Estos temas infernales en El Bosco son bastante famosos

porque los representaba con una paleta de color tan vibrante

y tan llamativa con esos monstruos tan horrorosos

que la gente tenía que morirse de miedo

cuando los veía en persona.

Aquí podemos ver cómo unos monstruos albañiles

están construyendo como unas torretas

donde acumular la cantidad de gente que va a llegar tarde o temprano.

Y bueno, como podemos ver,

en las obras del Bosco hay tantísimas escenas individuales,

tantos grupos de personajes, tantas expresiones,

anécdotas y objetos que podemos tirarnos lucubrando

y sacando teorías toda la vida.

Lo que está muy claro es la intención dogmática

que tenía el Bosco con sus cuadros.

Como curiosidad añadir que esta obra,

ya que ha pertenecido tantísimos años

a las colecciones reales españolas,

los pintores de cámaras la han utilizado infinidad de veces

como una inspiración, por ejemplo,

la figura que tiene las piernas metidas en los ejes de la rueda

de atrás del carro la utilizó Pieter Brueghel el Viejo

en su "Triunfo de la muerte".

O el personaje que está siendo degollado

en el centro del cuadro

que tiene los brazos en cruz fue figura inspiradora

para mi queridísimo Francisco de Goya y Lucientes

para el cuadro de "Los fusilamientos del 3 de mayo".

Bueno, la verdad es que yo podría tirarme horas hablando

sobre cada detalle de esta obra pero mi turno ha terminado

y ahora comienza el tuyo.

(Música)

Yo iba enfocada para ser sastre, me encantaba coser,

pero a la vez empecé a colgar unas pequeñas ilustraciones

en las primeras redes sociales

y el proyecto final de carrera lo enfoqué a la influencia

que tenían los grupos de música

en la manera de vestir de sus seguidores.

Me apetecía como incorporar el dibujo en disciplinas

que en ese momento no estaban tan vistas,

y una de ellas era la música,

me faltaba siempre portadas

en las tiendas con que fueran más plásticas

o que no fuera la foto del músico o del grupo, y entonces,

empecé en aquellos años a colaborar con Polock

y me encargué de su imagen.

Entonces, claro,

la imagen de un grupo es muy completa.

O sea, puede ser desde las portadas,

las fotografías o incluso la ropa.

Hicimos las entradas de los conciertos

que eran especiales, que a la vez eran unas máscaras,

que se ponían, o sea, estaba todo como mezclado.

Y de Russian Red, pues lo mismo,

se conocieron ellos en un concierto

y ella buscaba una diseñadora de "merchandising"

y le dice las primeras camisetas

de esto un montón de años ya, por lo menos, 11 años o así.

Ahora mismo es muy amplio el abanico de artistas

o de ilustradores, o dibujantes que hay en España.

Y es como muy específico, y nos buscan a cada uno, yo creo,

un poco, con una intención.

Y yo suelo hacer siempre retrato.

Creo que me buscan por esto,

porque son diferentes o porque generan, al principio,

rareza, estamos muy acostumbrados a ver caras bonitas

y a mí me gusta jugar con esa... Deformar los rostros,

y creo que es por eso que llaman tanto la atención

o que gustan, porque inquietan.

Un día probando en un papel negro vi que, no sé,

que el resultado era como muy extraño,

muy inquietante, y entonces dije:

"¿Por qué no voy a hacer una colección así rara?".

Y me decían:

"Son un poco zombis, parece que están muertos",

y entonces le pusimos "Las almas oscuras".

Ahora estoy haciendo mucho retrato de familia.

Estoy como dándole vueltas a la idea de familia,

qué es la familia,

las cosas oscuras que pueden pasar dentro de las familias,

van un poco por ahí las nuevas colecciones.

Antes era muy complejo, creo, llegar a una editorial

y ahora muchas de esas empresas buscan a través de Instagram.

Entonces te guardan en una base y luego te escriben.

Yo creo que es una evolución y que se va a quedar establecido.

No sé, por ejemplo, en Escandinavia y en los países nórdicos

la ilustración está muy arraigada en su cultura

y desde hace un montón de años en la literatura,

libros de culto, tienen páginas ilustradas,

yo creo que ha tardado en llegar aquí a España

pero se va a quedar.

Por ejemplo, ahora estoy haciendo para el New York Times,

para una sección que se llama "Stylo" y hablan,

pues sobre temas muy de actualidad.

El último que he hecho era que los chicos y las chicas

que empiezan el primer año de universidad

encuentran sus compañeros de habitación a través de Instagram.

Luego, para editorial, para las cubiertas de los libros,

pues siempre me centro en los personajes, ¿no?

Que aparecen, que es lo que más me interesa,

el personaje o el protagonista de la historia.

Muchos de los ilustradores,

aparte de nuestro trabajo para agencias o para editoriales,

tenemos otro camino más personal, más creativo, más artístico.

Yo a veces hago un trabajo de ilustrar

que sí que sé esa ilustración refleja totalmente

el contenido de ese artículo,

pero hay veces que me piden un retrato

para acompañar ese artículo

que no refleja el texto, entonces, ¿dónde está el límite?

¿Cómo me ponen?

¿"Carla Fuentes, ilustradora", "Carla Fuentes, artista",

o "Carla Fuentes, dibujante" o retratista...?

Es que están cambiando mucho los límites en esto.

Es maravilloso,

pintar en espacios inmensos es genial, es como un gusto.

Los dos últimos que he pintado uno fue para Google,

en el campus que hay en Madrid,

y fue curioso porque es una planta que está todo llena de hombres

y los programadores suelen ser hombres,

entonces pinté un mural que eran todo chicas

para acompañarlos en su día a día.

Y el anterior que pinté fue en Miami,

en el Centro cultural español de Miami.

La verdad es que en general las marcas te suelen dar

bastante libertad y yo siempre he tenido muy buena experiencia

con todas las marcas con las que he trabajado

y sí que creo que está cambiando,

porque yo antes trabajaba mucho con marcas superimportantes

que hacían cosas a través de la ilustración

y entonces ahora casi todas las propuestas que yo recibo

es como plataforma, no como ilustradora.

Como: "No, pon esta chaqueta en tu Instagram", o:

"Por estas zapatillas en tu Instagram".

Ya no está la ilustración ahí,

esto me está empezando a dar un poco de rabia ya.

Ahora mismo,

es superversátil la tecnología y cómo lo puedes aplicar al arte.

Me parece que es un mundo entero y que da mucha versatilidad,

me apetecía darle vida a esos retratos

y el que a tu público le llegue todo a través de una pantalla,

da esa oportunidad que puedes

no llegar solamente a través de un papel,

sino del vídeo o los gifs de la foto fija que se anima

o este tipo de nuevo lenguaje que te dan las redes.

(Música)

Hola de nuevo, mis artistas.

Habéis estado superpendientes

de todos estos contenidos tan interesantes, sois unos cracks.

Ahora sabemos más sobre esos grandes compositores,

Schubert, Tchaikovsky, Wagner...

Me he quedado toda loca cuando Pablo Barca ha explicado

que hay una ópera de Wagner que dura 15 horas.

15 horas, ¿os imagináis estar ahí durante tanto tiempo?

¿Qué harían, paradas para comer, para ir al baño?

¿Para estirar un poco las piernas?

Bueno, creo que nosotros ahora mismo ya hoy por hoy

no tendríamos paciencia, ¿verdad?

Pero en cambio sí que somos capaces de ver ocho temporadas de una serie.

Somos así.

Anda, y he olvidado algo que hemos aprendido superchulo.

Ahora sabemos averiguar la vida de las personas sin conocerlas.

Anda, ¿y cómo hemos desarrollado este superpoder?

¿Os acordáis?

Hemos visto "El matrimonio Arnolfini".

Esta obra de arte

es una de las más representativas de la simbología.

No hay nada,

ningún elemento que esté pintado por estarlo en este cuadro.

Todos estos elementos

nos cuentan la historia del matrimonio.

Su ropa nos habla de su estatus social y económico.

Sus características físicas también y su ropa, además,

acerca de su estatus cultural.

Por otro lado el color nos da pistas sobre cómo viven sus vidas.

Y las frutas y animales que hay en el cuadro,

nos desvelan cómo era la relación entre los dos.

Además, tenemos uno de los grafitis más antiguos,

la firma del autor en medio del cuadro.

Pero como habéis visto, no es necesario solo conocer

el significado de la simbología,

sino que también hay que contextualizarla.

Por ejemplo,

el vestido de novia de aquella época no tenía por qué ser blanco.

Sino que era simplemente un vestido de fiesta.

El mejor que hubiese.

Anda, esto me recuerda a uno de mis vestidos de boda

que sirve tanto para irme de fiesta como para la boda.

¿Sabéis el significado de los colores?

El color blanco significa pureza, el verde, naturalidad,

calma y juventud,

y sabemos que ellos tenían un matrimonio con pasión,

un matrimonio con amor, por el color de su cama.

Exacto, el rojo.

Tenían mucha pasión en sus vidas.

La psicología del color es una rama del arte realmente interesante.

Toda la publicidad y los anuncios de la tele

están hechos en base a ella.

¿Qué tal tu competencia mediática?

Si aprendes psicología del color y simbología

serás capaz de descifrar todos esos contenidos ocultos

que transmite la publicidad

y así desvelar el mensaje real que te quieren transmitir.

Si es que el conocimiento es poder, amigos y amigas.

En la música también es importante el color.

Anda, ¿y eso?

Paul Klee fue un pintor abstracto, y músico además,

que hizo muchos estudios importantes del color como,

por ejemplo, su obra "Nueva armonía" de 1936

en la cual utilizó 12 tonos de color

que son exactamente los mismos que las notas musicales

que integra la escala cromática.

¿Os acordáis que os dije que hoy íbamos a plantear un reto superchulo

basado en mi cuadro preferido?

¿Cuál era, a ver, a ver?

Eso es, "El matrimonio Arnolfini".

Venga, vamos a ello.

Os reto a crear la simbología de vuestra vida, es decir,

a partir de una composición escrita

vais a reunir todos los símbolos que os representen.

Ahora, en un folio aparte,

dibújate a ti en el centro de ese folio.

Porque eres el autor de la obra,

como hizo Jan Van Eyck en "El matrimonio Arnolfini".

Pero, ¿así de fácil?

No, no, no.

Tenéis que usar la técnica de la ilustradora Carla Fuentes.

Fijaos, ella utiliza en algunas de sus obras

diferentes colores para trazar la línea, ¿veis?

Así, vaya, estoy viendo muchas caras de dudas,

os voy a echar un cable con una pista.

¿Cómo sabes qué es un símbolo?

El símbolo es una representación perceptible de una idea.

En los juegos se utilizan muchísimo los símbolos

como representación de algún poder o medalla.

Anda, bueno, aquí tenéis un ejemplo muy sencillo

con el que podréis comprender esto.

Aquí el perrito, que lo habéis agotado

porque ha trabajado un montón, se ha puesto las pilas

y él ya ha dibujado todos sus símbolos preferidos.

Que son el calcetín, el comedero, el palo,

su cama y sus familiares, las personas que viven con él.

El calcetín para el perrito representa el juego.

Cuando el perrito tiene un calcetín... ¡Mira!

Siempre quiere jugar, ¿a que sí? ¿Ves? ¡Venga!

Ahora os toca a vosotros y a vosotras.

¿Os gusta leer y eso os representa? ¿Os gustan los videojuegos?

¿A qué soléis dedicar el día? ¿Qué cosas os gustan hacer?

De todo esto que os gusta,

elegid cuatro o cinco símbolos como máximo.

¿Mejor? Claro que sí. Ahora comienza el misterio.

Tenéis que coger todas vuestras habilidades detectivescas

porque vais a tener que descifrar sobre mí.

A ver, a ver, ¿qué averiguáis?

¿Sabríais descifrarlo?

Cuando finalicéis el reto,

podéis entregárselo a vuestros familiares

a ver si son capaces de descifrar lo que viene ahí.

Yo me despido por el momento, hasta la próxima, artistas.

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Aprendemos en casa - De 14 a 16 años - Educación Artística/Educación Física

13 may 2020

Esta franja horaria la comenzamos con un recorrido por la historia musical del período conocido como Romanticismo (siglo XIX). Después aprenderemos cómo se utiliza la música en los videojuegos. A continuación, disfrutaremos con la pintura de los siglos XV y XVI, para posteriormente dar un salto hasta el mundo de la ilustración en nuestros días.

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