Aprendemos en casa La 2

Aprendemos en casa

Lunes a viernes a las 12.00 horas

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Para todos los públicos Aprendemos en casa - De 12 a 14 años - Educación Artística/Educación Física
Transcripción completa

Hola soy Camino López

vuestra profe de educación artística.

Hoy miércoles es un día con mucho arte.

Tenemos unos vídeos

de educación física, musical y artística,

para chicos y chicas de entre 12 y 14 años.

Descubriremos como la voz

juega un papel importante en la música.

Conoceremos nuevos instrumentos de cuerda

y escucharemos a un artista flamenco interpretar una pieza clásica.

¿Sabíais que una vez un artista

mantenía ocultas sus obras de arte

durante veinte años?

¿Y por qué?

Ella creía que su obra

solo podría entenderse en el futuro.

Una historia apasionante, ¿verdad?

Pues más si te digo

que en vez de estar ocultas veinte años

estas obras de arte,

¡estuvieron un total de cuarenta años!

Eso es imposible hoy día

que nos encanta enseñar lo que hacemos

a nuestros amigos.

Atentos a los contenidos de hoy.

Descubriremos más cosas acerca de esta artista.

¿Sabíais que estamos en proceso de desescalada?

Y eso es gracias a que nos estamos portando bien.

Hay que ser responsables

estando en casa,

cuando salimos a pasear,

los esfuerzos que hemos hecho hasta ahora

tienen que seguir adelante.

Lo estamos haciendo genial.

A la vuelta os lanzaré un súper reto.

Una pista ...

Vais a diseñar vuestro salón de nuevo

pero sin mover ni un mueble.

Solo necesitáis un lápiz y un papel.

Atentos y disfrutar de las clases. Hasta luego.

Buenos días y un saludo a todos.

Vengo a enseñaros algo precioso

sobre el libro fuerte, suave y murmurado

de Barbara Piolet.

Vamos a ver las diferentes voces humanas.

Voces masculinas y voces femeninas.

También podemos encontrar las voces de los niños,

son las voces blancas.

Para mí son importantes

porque trabajo con ellas casi todos los días,

os dejaré que veáis la página

para que veáis lo chula que es.

Disfrutarla.

Las voces

tanto masculinas como femeninas,

son realmente chulas,

todos tenemos nuestro propio sonido, es la voz.

Con ella nos comunicamos y entendemos a quienes nos rodean.

Con la voz podemos hacer el milagro de cantar.

En el vídeo vamos a escuchar diferentes obras

sobre diferentes voces humanas

que podemos encontrar.

Estoy preparado para leer

y para enseñaros

que podéis escuchar obras diferentes con diferentes tipos de voces.

Voy a comenzar con las voces femeninas,

muy utilizadas en la música desde hace tiempo

por su color, por su dulzura ...

Voy a empezar por la más grave hasta la más aguda.

La más grave es la voz contralto

voy a dejarte una obra lírica

para que puedas escuchar.

Si hemos escuchado la más grave,

subimos a la media, la mezzosoprano.

Te va a gustar.

Me encantaría cantar así

pero con mi voz ni de broma ...

La voz soprano, la más aguda de todas.

Es increíble escuchar esto

en esta obra también lírica que vais a flipar ...

Acabáis de flipar, ¿verdad?

Yo también

aunque la conozco desde hace mucho tiempo,

cada vez que la escucho sigo flipando.

Pasamos a las masculinas.

Grave, media ...

para llegar hasta la más aguda,

una voz que muy pocos pueden tener ...

La más grave es el bajo,

una voz muy característica

que es muy importante, escucha ...

Voz media de las masculinas,

es muy bonita y potente, la voz del barítono,

te va a encantar.

Que envida no poder cantar así ...

Hay una última voz aguda para los hombres,

es la voz de tenor,

supuestamente yo tengo una voz de tenor,

pero no está del todo trabajada.

Sería la más aguda,

pero el libro se queda un poco corto,

vamos a escuchar primero la voz tenor ...

Conocidísimos los tres tenores,

un grupo increíble de canto lírico

que todos deberíais conocer,

¿creéis que no hay más agudas?

Pues sí.

Flipar con esto.

Un chico es capaz de hacer una voz tan aguda

como cualquiera de las voces femeninas,

incluso más aguda

que la mezzosoprano y contralto.

Vais a verlo ...

Es realmente aguda,

flipante que un chico

pueda tener el control de su voz para llegar hasta ahí.

¿Cómo se llama esta voz?

¿Crees que puedes resolverlo?

¿Encontrarlo en internet?

en las páginas webs donde buscas,

¿cómo se llama esa voz tan aguda masculina?

Somos docentes de música de secundaria.

Venimos a hablaros de los instrumentos de cuerda.

¿Por qué se llaman instrumentos de cuerda?

¿Cómo producen sus sonidos?

¿Cuántos tipos de instrumentos de cuerda hay?

¿Qué instrumentos de cuerda forman parte de la orquesta?

Estos instrumentos

producen sus sonidos por la vibración de sus cuerdas.

Están fabricadas de diversos materiales.

Normalmente de metal o nylon.

En el sonido de las cuerdas

también influyen otros factores,

la longitud,

la tensión y el grosor.

Cuanta más longitud y más grosor tenga una cuerda

más grave será su sonido.

Cuanto más corta y más fina,

la vibración será más rápida y el sonido más agudo.

Un ejemplo sencillo.

Si cogemos una cuerda de 1,50 cms.

y la dividimos en dos,

el sonido resultante será

una octava más aguda del que tenía en origen.

Si observáis el mecanismo de un piano de cola,

sus sonidos graves

se corresponden con cuerdas más largas y gruesas.

Los sonidos más agudos

se corresponden con cuerdas más cortas y finas.

Una cuerda por si sola

tiene una sonoridad débil que apenas se percibe.

Por eso los instrumentos de cuerda

tienen una caja de resonancia.

Es el espacio del instrumento

que hace que el sonido de la cuerda

se amplifique y de mayor sonoridad.

Otro factor que incide en la sonoridad

es el material con el que se fabrica.

¿Cómo se clasifican los instrumentos de cuerda?

Se dividen en tres grupos,

de acuerdo con la forma de hacer vibrar sus cuerdas.

Uno

Instrumentos de cuerda frotada,

dos

de cuerda pulsada o punteada,

y tres

instrumentos de cuerda percutida.

Los instrumentos de cuerda frotada

se caracterizan

porque se produce el sonido

al frotar una vara contra las cuerdas del instrumento.

Esa vara es el arco.

Formado por una vara de madera

y unas cerdas de caballo.

Los de cuerda frotada más famosos

de agudo a grave son

el violín y la viola

se tocan apoyándolos en el hombro contra la barbilla.

El violonchelo y el contrabajo

por su gran tamaño se apoyan en el suelo.

Estos cuatro instrumentos de cuerda frotada tienen ...

En la caja de resonancia poseen dos eses por donde sale el sonido.

Los instrumentos de cuerda frotada

también pueden tocarse de distintas maneras,

como por ejemplo ...

consiste en pellizcar las cuerdas con los dedos.

La fabricación de los instrumentos de cuerda frotada,

por alguna familia en Italia s XVII y XVIII

entre ellas destacan ...

Hoy en día

esos instrumentos tienen un valor incalculable.

En los instrumentos de cuerda pulsada

el sonido se produce

pulsando con los dedos o con una púa.

Por ejemplo ...

El más popular es la guitarra.

Otro instrumento de esta familia es el arpa.

Es un instrumento de gran tamaño.

organizadas de agudo a grave

y no posee trastes.

para modificar el sonido.

Parecido al piano

pero su mecanismo es de cuerda pulsada.

El mecanismo es el siguiente:

al pulsar una tecla

se acciona un sistema de púas

que pinzan la cuerda y producen el sonido.

Los instrumentos de cuerda percutida

se caracteriza

porque su sonido se produce al golpear las cuerdas.

Uno de los primeros músicos con piano en casa fue ...

de pared,

de cola,

de gran cola,

o colines.

El mecanismo consiste

en que al tocar una tecla

está conectada con un martillo de madera

recubierto de fieltro

que golpea la cuerda.

En el piano de cola

los martillos están debajo de las cuerdas.

En el de pared,

los martillos están delante de las cuerdas.

Esperamos que hayas entendido

la clasificación de los instrumentos de cuerda.

Y para asegurarnos

queremos proponerte esta pequeña actividad.

¿A qué familia pertenece este instrumento de cuerda?

Cinco segundos.

¿Y este?

Genial, muy bien.

¿Y este otro?

Estupendo.

A partir de hoy

ya tenéis trabajo que hacer.

Os proponemos

que cuando escuchéis algún instrumento de cuerda,

los ubiquéis en sus respectivas familias.

Que sepáis clasificarlos

si es de cuerda frotada,

de cuerda pulsada

o de cuerda percutida.

Eso es complicado.

Tienen que sonar las dos voces muy claras,

cómo se van respondiendo una a otra,

lo hacemos despacio ...

Eso será como empezar otra vez la frase.

Yo me empeñé en aprender

y por eso lo llamé a él,

como yo no puedo ir a la partitura,

es lo primero que me dice él,

no dejes de tocar que se te olvida,

es como una cadena,

vas encadenando las frases ...

un poco más difícil para mí,

pero sin trabajo no viene nada,

y nos pusimos de acuerdo

y con amabilidad ha venido a casa

y estamos en ello ...

Yo soy el intermediario

entre la partitura y el músico.

Voy traduciendo,

explicándole posiciones,

el va captando y memorizando,

es bastante difícil,

le encuentro mucho mérito, más incluso que leer,

es mucha cantidad de información

la que tiene que ir absorbiendo y fijando ...

Como tú lo estás haciendo.

El concierto de Aranjuez

para los guitarristas

es el gran concierto en todos los sentidos.

Porque es el más famoso

y técnicamente

es muy comprometido.

Nosotros que venimos del flamenco,

no leemos música

y enfrentarnos a una orquesta sinfónica

y esa obra tan difícil técnicamente

es querer sacrificarte tu solo, pero bueno.

Hace un año empezamos con este proyecto,

para hacer un disco.

Grabamos toda la parte orquestal

con él de fondo,

y luego ha ido editando.

Es dificilísima la obra

es preciosa

porque el adagio

ya no se puede hacer música más linda

más emocionante y más del alma.

El concierto de Aranjuez tiene un segundo movimiento

que es mágico, simplemente.

Son tres notas ...

A partir de aquí todo el mundo se estremece,

¿por qué algo, de repente, se convierte en mágico?

Eso es un misterio.

Ni los ordenadores son capaces de poder analizarlo.

Solo los seres humanos.

Un concierto donde todo está reglado,

todo colocado, todo está escrito,

todo debe ser respetado.

Según cómo lo vean los clásicos.

Nosotros lo hacemos

con el máximo respeto y cariño máximo.

Con Tomatito las sensaciones son de un músico grande,

un gran músico,

que cuando tiene la oportunidad en el segundo movimiento,

de tocar

y se le deja tocar con cierta libertad,

como quien está improvisando en un recitativo,

en una ópera,

está libre a la hora de expresarse,

es maravilloso.

Somos diferentes

pero haciendo lo mismo

no hay que faltarle a la música,

porque lo que está escrito no se puede modificar

porque está ya bien hecho.

No hay nada roto.

Hay un toque,

un tipo de vibrato, un tipo de fraseo,

que viene del mundo gitano,

bueno, esto está abierto a todos.

Nosotros venimos de un género de música

de un sentir del pueblo

y a lo mejor

las melodías

las expresas tú de una manera,

sin faltarle el respeto a la música,

que compuso el maestro Rodrigo,

pero claro que sí, por supuesto,

la pulsación nuestra flamenca

es diferente.

Es un músico excepcional

que yo creo que

la clave

cuando se toca con músicos profesionales,

es dejarle libertad.

Darle aire,

la sensación

de que no le estamos midiendo al milímetro.

La sensación que tengo

que no les doy problemas,

por lo menos

no les doy problemas rítmicos

ni así, no.

No me tienen que esperar,

por ahí están cómodos.

El director se tiene que encargar de la orquesta

y a mí prácticamente

me deja que vaya a mi aire un poquito y ... muy bien.

Porque una interpretación de un músico clásico,

sin pianista,

de un trompetista ...

solo traspasa el umbral de lo muy bueno

hacia lo trascendente,

en el momento que hay ese grado de libertad.

Está por encima de las notas, ya.

Como decía Mozart

¿dónde está la música?

La música está entre una nota y otra.

No en las notas,

sino entre una y otra.

Ahí está la libertad.

Hace cien años

hubo una mujer

que pintó una obra radical, enigmática,

abstracta y secreta.

En enormes formatos con innovadores colores,

nunca se había visto nada igual antes.

Pionera antes que Kandinsky, Malevick o Mondrian,

Ella se ocultó

haciendo de su obra un gran secreto.

Sabía que el público no la entendería.

El mundo no estaba preparado

y su voluntad fue

esperar 20 años después de su muerte,

estábamos lejos

de saber algo de una mujer adelantada a su tiempo,

pintó para el futuro

y el futuro es ahora.

Como si de una película de misterio se tratara,

Hilma Af Klint dejó en su testamento

que toda su obra abstracta

aguardaría en unos cajones gigantescos

en el granero de su granja

y la persona que los sacaría a la luz veinte años más tarde

sería su sobrino.

Pasado un tiempo,

el dueño de la granja le comentó a su sobrino

que o lo sacaba de allí

porque quería alquilar la propiedad

o lo quemaría todo.

Los cajones se trasladaron a un almacén

y en silencio esperaron su momento

durante más de cuatro décadas.

Y hasta los años 80

los cajones llegaron hasta los almacenes

del museo de arte moderno de Estocolmo.

Y aunque la historia del arte esté plagada de misterios,

esto lo superaba todo.

1200 pinturas, centenares de escritos,

15 mil anotaciones

creadas a principios del siglo XX

por una artista pionera

intentando explicar

que hay en las esferas más elevadas de la conciencia.

el 26 de octubre de 1862 nació Hilma Af Klint

nació en un área metropolitana de Estocolmo.

Su padre un almirante,

fue la tercera de cuatro hermanos.

Su familia estaba bien posicionada

y con fuerte interés

por los avances científicos y matemáticos.

Su padre tenía una gran biblioteca

y gracias a ella

descubrió los temas que más tarde la influirían.

Hilma pasaba los veranos

en pleno contacto con la naturaleza que tanto admiraba.

Pero en 1880

con 18 años le llegó la tragedia

vio morir a su hermana de 10 años por una gripe.

Le supuso un fuerte choque emocional

que le llevó a buscar respuestas

en las creencia alternativas que venían de EEUU

y que se habían propagado por Europa

poniéndose de moda.

Hilma vivió en una época

en la que la Iglesia Luterana

no creía en la teoría de la evolución de Darwin

y salían nuevas creencias alternativas

el espiritismo y el ocultismo,

que se pusieron de moda.

En 1888

Hilma ingresa en la real academia sueca

de técnicas y bellas artes

uno de los pocos centros que admitían mujeres,

para formarse como artista

con una sólida base artística

formada en el retrato

y en el paisaje naturalista predominante de la época.

Suecia siempre ha estado más adelantado

que el resto de países europeos, hay que aprender de ella.

Fue tan buena alumna

que la academia le concedió

un estudio en el centro del barrio bohemio y artístico de Estocolmo,

donde tuvo contacto con pintores de su época

asistió a sus exposiciones

y participó del medio artístico del momento,

también en los círculos feministas.

Perteneció a la primera generación de mujeres artistas de Europa,

que se había formado

y vivió de su arte

considerada pintora de éxito

gracias a sus retratos y paisajes.

Al finalizar sus estudios, 1887,

no fue bien recibida

en los círculos artísticos del momento,

porque eran mayoritariamente masculinos

e imperaba la idea de que las mujeres no estaban capacitadas para crear ...

y que si pintaban era un mero pasatiempo

hasta llegar a casarse y tener hijos.

La creación estaba reservada para los hombres,

ellas podía adquirir destreza

para reproducir las obras de ellos.

Hilma observaba el mundo

y lo pintaba en sus retratos paisajes y acuarelas

en su estilo naturalista

sin idealizar nada

porque para ella la naturaleza era perfecta.

Hacía estudios botánicos en acuarelas

que se expusieron en 1890 junto a otros artistas.

Hilma intentaba entender el mundo a través de su pintura,

y estaba interesada en los acontecimientos de su época

como los avances científicos ...

El 8 de novienbre de 1895

Este ingeniero alemán

produjo la radicación electromagnética

en las longitudes de onda,

los rayos x.

La gente podía ver qué había dento

del mundo que conocían.

Descubrió la producción y propagación de las ondas electromagnéticas

que transportaban información a través del aire y del vacío

demostrando que habían un mundo parlelo al nuestro

que era invisible.

A finales de 1800

había que dar un salto mental

para comprender la nueva noción del mundo

que implicaba

que existiesen otros mundos paralelos.

La gente no captaba

todos los sentidos que tenían a su alrededor,

las ciencias ocultas en Europa

encontraban muchas formas de manifestarse

y la ciencia, el arte y el ocultismo,

tenían fronteras difusas.

Si sumamos el desplazamiento que sufría por se mujer,

su interés por la naturaleza

y este mundo oculto y paralelo,

en busca del contacto con su hermana fallecida,

la llevaron a frecuentar grupos espirituales,

con sus amigas y juntas formaron un grupo,

el de las cinco.

Se juntaban los viernes

para practicar la escritura y la pintura automática

y se ponían en contacto con entes espirituales

de otras dimensiones.

Más tarde sería la escritura automática subrealísta de Dali.

Se ponían en contacto

con los niveles más altos de conciencia

Hilma era la medium

porque transmitía los mensajes estando consciente

eso la hacía distinta a los demás

y fue la que más veces hizo de medium para el grupo.

Toda esa experiencia transformó su obra futura,

comenzó a pintar con los estados de cociencia alterados,

y en base a su experiencia como medium.

Vivió una doble vida

firmaba cuadros normales para vivir,

y los espirituales los pintaba de forma secreta.

Poco a poco se liberó de su formación académica

embarcándose en un nuevo mundo artístico

basándose en símbolos

que le llevaban a otra dimensión.

En sus sesiones de contacto con otras entidades,

accedía a dimensiones que el ojo no podía ver.

Cuando ella pintaba entraba en trance

y se comunicaba con un ente superior

que le transmitía un mensaje

y le guiaba la mano por encima del lienzo.

Intentó entender en un lenguaje visual nuevo y experimental.

mucho antes de las obras de Kandinsky, Malevik o Mondrian,

que aun son tratados

como los precursores del arte abstracto del s XX.

En 1906 cambia su rumbo artístico

abandonando el lenguaje figurativo y naturalista

de sus primeras obras

para embarcarse en la nueva aventura abstracta

creando las primeras obras abstractas de la historia

llamadas las pinturas para el templo.

Son 193 pinturas

divididas en series y en grupos,

realizadas entre 1906-1915

desarrolladas en dos fases.

La primera fase desde noviembre 1906

hasta abril de 1908

en la que Hilma en poco más de un año

pintó 111 obras de distintos formatos.

La segunda fase comenzó en 1912-1915

realizó 82 obras.

Una serie de cuadros emblemáticos

ella misma dice

que es un trabajo encargado por uno de sus guías "Amaliel"

la misma serie

que dejó estipulada en su testamento

que no mostraría al público

hasta que no hubiera transcurrido

el tiempo suficiente de su fallecimiento.

Estaba convencida que sus coetáneos

no estaban preparados para entender el significado

de las obras más innovadoras.

La abstracción de Hilma no nace de la noche a la mañana

de 1906

sino que surge años antes

gracias a las investigaciones ocultistas

que ella realizaba.

Las pinturas para el templo

son la obra central

donde desarrolló su lenguaje abstracto

partiendo de la base

de que existe una dimensión espiritual

en la existencia.

Quería hacer visible lo que existe

más allá de lo que el ojo puede ver.

Igual que sus contemporáneos

estaba influida

por las corrientes espirituales de la época.

Espiritismo, teosofía y antroposofía.

Su obra no es una abstracción de la forma y del color

en sí mismos

como la de Kandisnky, Malevick o Moldrian,

sino que trata de modelar y pintar lo invisible.

Hacerlo tangible,

a través de símbolos geométricos

que serán una constante en su obra.

Transmite el conocimiento

de cómo todo es uno

más allá del mundo dualista visible

en el intento de una evolución espiritual

Su obra abstracta destaca

por su radicalmente novedoso que es

su contenido temático

referente a temas metafísicos

que nunca se habían utilizado como tema de pintura

trataba temas de la dualidad universal

como puede ser

el macrocosmos el microcosmos,

la materia y espiritualidad,

lo masculino y lo femenino,

el origen y el fin del mundo.

Utilizó formas y elementos recurrentes

visualmente potentes

como círculos concéntricos, óvalos, espirales y líneas

para conformar su lenguaje abstracto.

El uso del color era totalmente innovador

pues antes no se habían utilizado los colores planos

y menos los tonos pastel.

Importante el gran formato que utilizó

que nos habla

de la importancia de su trabajo donde plasmó su energía

y su atrevimiento.

En 1907

comienza una serie titulada los diez mayores

obras de unos 3 x 2 m aprox.

en la que representa las cuatro etapas de la vida,

desde la infancia a la vejez

con lenguaje abstracto y simbólico.

Desde 1908-1912

abandona la actividad artística

para cuidar a su madre invidente

y abandona el barrio bohemio.

Estudiará la cristiandad exotérica y literatura de Steiner

miembro más destacado de la sociedad teosófica

y fundador de la antroposofía.

Influirá en su nueva serie titulada "el cisne y la paloma".

Los símbolos cristianos son más reconocibles.

Inicia un camino hacia la geometría sagrada.

Recupera el control de su obra

y no siente ya

que su mano estaba siendo guiada por otras entidades.

Comienza a controlar y unir en ella misma

la dualidad entre mente y emoción

expresando la tan buscada y anhelada unidad.

¿Esta obra del Hilma de 1915 no os recuerda a alguien?

Vivía en un barrio bohemio con un bullicio artístico bestial

y no tengo nada que Mc Escher no conocía ya la obra de Hilma

y aprovechó un poquito las circunstancias.

En 1912 retomó su actividad pictórica

volviendo a las pinturas para el templo

que no las finalizó hasta 1915.

La primera serie que realiza en esta segunda fase

se llama "altar pieces"

y hace un resumen de los conceptos anteriores.

Es donde mejor plasma sus conocimientos exotéricos.

El triángulo equilátero domina la composición

como el viaje espiritual

y el ciclo ascendente y descendente de la vida en la materia.

Un año después comenzó a pintar

bajo la alineación de la geometría abstracta

en la serie "pasifale"

en la búsqueda del conocimiento.

La primera obra de esta serie

representa un viaje en espiral desde la obscuridad a la luz

y nos recuerda

a la "Divina comedia de Dante".

En 1917 realizará la serie "Átomo"

1917-1918

intentó comprender lo que había pintado

en las pinturas para el templo,

un libro de 1200 páginas "Estudios de la vida espiritual".

En 1920 fallece su madre

y comienza un viaje a Suiza

Reunirse con Steiner a la comunidad teosófica

y comenzar a estudiar sus textos.

Realizó una gran serie

dedicada a las religiones del mundo.

Exploró las grandes religiones

intentando comprender

que esa dualidad se podía unir en una sola.

Más tarde se dio cuenta que con la religión no iba a pasar.

También realizará la serie "Las flores y árboles"

basada en la antroposofía de Steiner y abandona la simbología geométrica.

Estaba buscando la espiritualidad de los seres.

Retrata en sus acuarelas

la dimensión espiritual de la naturaleza,

contrastando la apariencia de las plantas

con su esencia geométrica.

A quien no le recuerde a los árboles de Mondrian ...

está loco ¿eh?

Estudiaba obsesionada la dualidad de las cosas,

y con más de 60 años

estaba lista para darle un vuelco a su obra.

Comenzó a estudiar el macrocosmos y el microcosmos.

En 1925 abandonó la pintura

para dedicarse a los estudios teosóficos.

En 1944 tras un accidente,

fallece con 81 años

el mismo año que Kandinsky, Mondiran y Munch

solo que la diferencia

es que éstos son recordados,

son pilares de artistas del siglo XX,

Hilma bajo su petición, ocultar su obra,

pero pidió 20 años no 40.

Hace más de cien años

una visionaria creó una obra para el futuro,

y no fue hasta el año 2013

en el que se le hizo

su primera exposición

en el museo de arte moderno de Estocolmo, su ciudad natal.

Hilma irrumpe en el arte abstracto

unos años antes que los consagrados,

pero a diferencia de ellos, que intentaron disolver la realidad,

ella intentó pintar en su lenguaje propio

lo que había en otros planos supraterrenales.

En aquella época los artistas se afanaban en redactar manifiestos

que sustentasen sus estilos pictóricos,

e impartir su dogma en las escuelas que creaban.

Hilma decidió ocultar sus obras más destacadas.

Rudolf Steiner era una eminencia teosófica

que todo el mundo quería conocer

Mondrian no lo consiguió

pero Steiner estaba enamorado de las pinturas de Klint

y tenía muy buena relación con ella

fue el que le aconsejó que ocultase esas pinturas

porque el mundo no las iba a comprender.

Permaneció fiel a su consejo

y así fue su última voluntad.

El hecho de que fuese mujer puede haber influido un poquito.

Esta artista que nunca se casó ni tuvo hijos

porque se dedicó a la pintura y sus estudios,

expuso en vida su obra más figurativa

pero toda su obra se mantuvo en secreto

porque estaba convencida

de que no iba a gustar ni ser comprendida,

cuando se hizo una exposición de una parte de su obra

en 1986 en Los Ángeles,

no se la quiso incluir con los pintores abstractos

bajo el estigma de que era espiritista y ocultista

o por ser mujer.

Tenemos que cambiar la historia del arte

porque es una mujer fascinante

su obra es inconmensurable,

no solo por la obra que generó en vida

sino por los estudios que avalan su visión su obra.

Espero que os haya gustado

que halláis aprendido algo,

Y que a partir de hoy

integréis a Hilma Af Klint

en vuestro imaginario de historia del arte

porque no puede volver a esconderse en unas cajas.

Ya estoy de vuelta mis artistas.

¿Qué tal han ido las clases?

Hoy hemos aprendido

que las voces humanas

juegan un papel importante en la música.

Ya no te parecerá raro

cuando alguien te diga

que tienes voz de tenor, o de soprano.

Eso no significa

que tengas la voz magistral de una solista de ópera

que también podría ser,

sino que tu voz es muy aguda.

También hemos conocido

nuevos intrumentos de cuerda y "El concierto de Aranjuez".

Recuerda muy bien la música del maestro Narciso Yepes,

porque volveremos sobre ella.

Y de arte ...

ni más ni menos

que nos hemos metido en la abstracción,

el reto de hoy irá sobre ello.

¿Recordáis al artista que mantuvo ocultas sus obras?

Eso es, Hilma.

Pues como ella,

nosotros vamos a crear nuestro lenguaje visual.

Hilma trabaja sus obras desde la abstracción.

Para ella

es el modo de encontrar la forma

y el color original de lo que va a representar.

Lo hacía con su propio lenguaje de formas y color.

Ella usaba la geometría para expresarse.

Triángulos, óvalos, círculos concentricos,

espirales ...

Otros artistas abstractos en cambio como Kandinski,

usaban líneas y cuadrados.

Algo curioso de este artista

es que trataba de entender el sonido a través del arte.

Como nosotros, ¿os acordáis? ...

Otro artista que destaca

por la estructuración de la forma en la música es Paul Klee.

Y hablando de música y abstracción

te reto a convertir tu salón en abstracto.

En uno de los videos

se habla de "El concierto de Aranjuez".

Existen muchas composiciones musicales

basadas en la guitarra.

En este reto

vamos a escuchar una música que nos inspire

la simplicidad y la esencia de una guitarra

a través de una forma musical simple.

Esto nos ayudará

a representar pictóricamente

la esencia de las cosas a través de la abstracción.

Ahora vamos a hablar de color.

La artista Hilma

pintaba sus obras con colores pastel,

es decir,

con colores poco saturados.

Esos van a ser nuestros condicionantes.

Por un lado,

los colores pastel

y por otro,

las figuras geométricas.

Este es mi salón y es el que voy a dibujar.

Bueno, por las caras que ponéis, me da la sensación que tenéis dudas,

¿verdad?

Es muy normal.

Os voy a enseñar el dibujo que he hecho,

a ver qué os parece.

Aquí está.

Pues no me ha quedado nada mal, ¿verdad?

El problema es el siguiente,

que me he equivocado de estilo.

Acostumbrada a dibujar siempre igual,

pues claro, me he ido al figurativo.

Estamos buscando dibujar en abstracto.

Vamos a volver a intentarlo.

Ahí va una pista ...

Debéis pensar

en cada uno de los objetos

como si fuesen figuras geométricas simples.

Entonces una mesa puede ser una espiral, claro,

necesitamos una parte de arriba muy grande con un gran círculo,

que vaya bajando cada vez más pequeño

para que se conforme la pata.

Venga que ya lo tenemos.

Recuerda moverte por toda la habitación

porque así podrás entender las diferentes formas

y tener nuevas perspectivas del mismo objeto

y así comprender en su totalidad el volumen.

¿Qué tal el segundo intento?

Yo he hecho mi dibujo,

os lo voy a enseñar a ver qué opináis.

Vaya, mucho mejor, ¿no?

Por lo menos

ya no me he equivocado de estilo.

Ahora sí que es

una representación del salón en abstracto.

Como podéis ver

se pueden seguir identificando los elementos del salón

pero nos hemos ido a su esencia

por eso se ve en diferentes figuras geométricas.

Cómo es difícil diferenciar

entre los diferentes estilos artísticos,

vamos a poner las dos imágenes en pantalla,

la primera,

que nos habíamos equivocado de estilo artístico,

la habíamos hecho en figurativo, ¿no?

quedó muy chula.

La comparamos con el segundo dibujo

que ahora lo tenemos aquí abajo.

Es la misma representación del mismo salón

pero cambiando de estilo, en abstracto.

Son dos estilos artísticos igualmente válidos,

pero hoy nos vamos a centrar en el abstracto.

Ahora solo faltaría ponerle color.

Voy a utilizar las acuarelas

porque con el agua se puede diluir el color

y así se le baja la saturación.

Pero si no tienes acuarelas no pasa nada,

puedes utilizar tizas de colores

o lápices de colores normales.

Eso sí,

acuérdate de no apretar mucho, ¿vale?

¡Ya está!

Dibujo conseguido.

Pero el reto todavía no está superado.

¿Os acordáis de que Hilma, la artista abstracta,

escondió sus obras durante veinte años?

Nosotros no vamos a esperar tanto.

Pero vamos a guardarlas de forma muy segura

porque las vamos a abrir en 2025,

vamos a coger nuestro dibujo

y una nota que diga:

Y los vamos a meter

en una caja que esconderemos al fondo del armario.

Dentro de cinco años la volveremos a abrir.

A ver si somos capaces

de identificar qué habíamos dibuajdo en lo abstracto.

Para alargar la diversión,

podéis enseñarle esta pintura a vuestros familiares,

no le digáis qué es, a ver si son capaces de adivinarlo.

Ahora el reto sí que estaría superado.

Hemos aprendido muchísimo.

Ya sabes que puedes volver a ver todos los vídeos

en rtve a la carta.

Disfrutar del día y ... ¡Nos vemos!

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Aprendemos en casa - De 12 a 14 años - Educación Artística/Educación Física

13 may 2020

Comenzamos conociendo la clasificación de las voces humanas en función de su altura musical. Posteriormente, haremos un recorrido por unos instrumentos de la familia de la cuerda muy especiales con Vibra-Tó y nos deleitaremos con fragmentos del Concierto de Aranjuez, del maestro Rodrigo, de la mano del guitarrista flamenco Tomatito. Seguidamente, descubriremos a Hilma af Klint, una pintora adelantada a su tiempo.

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