Aprendemos en casa La 2

Aprendemos en casa

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Para todos los públicos Aprendemos en casa - De 12 a 14 años - Educación Artística/Educación Física: Música y Arte - ver ahora
Transcripción completa

(Música)

Hola a todos y a todas,

os presento lo que vais a ver a continuación.

Se trata de unos vídeos

que hablan sobre la historia de la música

y de la vida de grandes compositores como Mozart, Beethoven, Bach.

La serie está dividida en capítulos,

cada uno es un vídeo y le corresponde un tema

de un libro de texto. Si buscas estos vídeos en YouTube,

encontrarás que en la descripción hay un link a un test online

que puedes hacer en español o en inglés y que se autocorrige

para que puedas comprobar todo lo que has aprendido.

Mi nombre es Pablo Abarca, soy profesor de música en Primaria

y Secundaria en un colegio y escuela de música de Madrid:

Escuela Rock Camp. Pero más importante,

soy quien os va a acompañar en esta experiencia.

¿Estáis preparados?

Quizá alguno de vosotros

se haya preguntado alguna vez cuándo empezó la música,

¿cuándo la música empezó a existir en el mundo?

No es precisamente con la aparición del Bing Bang

o los primeros dinosaurios, no.

La música es algo que tiene que ver con los seres humanos,

aunque haya algunos animales

que tienen actitudes ciertamente musicales,

hoy en día no está comprobado que los animales sean tan musicales

como lo pueden los humanos y, ¿qué es ser musical?

Ser musical es entender lo que es la música,

es saber interpretar, oír,

identificar que lo que estás oyendo es música y no un sonido random.

Cuando vemos, por ejemplo, a esta ninfa cantar...

(SILBA)

(Música)

Es posible que esté imitando el sonido que está oyendo

y ella no sepa que está haciendo música.

La música comienza con los seres humanos

en la Prehistoria, al menos, hasta donde sabemos.

Hay más evidencias de lo que parece de la música en esa época,

solo tenéis que mirar a las pinturas rupestres

o investigar un poco.

Tengo un vídeo en mi canal en el que hablo

del primer instrumento prehistórico del que se tiene constancia:

una flauta de hueso bastante rara e irónicamente está construida

siguiendo algunos sistemas musicales que utilizamos hoy en día.

Os dejo el enlace.

El mundo va cambiando y con él las sociedades van evolucionando,

los egipcios fueron los primeros en definir los sonidos musicales

y tenían un motón de instrumentos raros que hoy en día no utilizamos.

Pero es en la civilización griega

cuando realmente damos con una persona y un hecho

que nos hace avanzar un montón en la historia de la música

y su desarrollo y es que menuda civilización.

La religión, la filosofía, matemáticas,

es en estas últimas en las que nos vamos a detener.

Vamos a hablar de un tipo que seguramente conozcáis

por su famoso teorema: Pitágoras.

Pitágoras utilizó las matemáticas para hallar los 12 sonidos

que utilizamos hoy en día en la música occidental,

en la que escuchamos la mayoría.

Construyó un instrumento al que llamó monocordio

que consistía en una cuerda atada

de un extremo a otro en un cacho de madera.

Descubrió que si ponía su dedo en la mitad de la cuerda,

obtenía la misma nota

que pulsando la cuerda sin ningún dedo, pero más aguda.

Eso le hizo pensar que tenía un recorrido entre...

(Sonido grave)

Y...

(Sonido agudo)

En el que podía hacer infinitas divisiones,

pero no íbamos a tener infinitas notas

porque sería poco práctico.

Él hizo sus cálculos y dividiendo esa mitad de cuerda

en otras mitades fue sacando estos 12 sonidos

de los que hablamos.

¿Por qué 12 y no 9 o 13 o 14.000?

Porque después de 11 divisiones,

a la doceava, Pitágoras se dio cuenta

que la nota que obtenía era prácticamente la misma

que con la que había empezado,

pero esto es muy complejo de explicar y entender,

no pretendo meterme de lleno a ello en este vídeo.

Los griegos también crearon los llamados modos,

la música modal que es la que usa esto, la podéis asociar a canciones

o piezas que hayáis oído en bandas sonoras,

pero irónicamente esta música es mucho más antigua

de lo que son las bandas sonoras, como podéis ver.

(BSO "Piratas del Caribe")

Los griegos usaban otros instrumentos como la lira

y otros tantos más,

pero no nos vamos a detener en eso porque hoy en día

nadie toca con instrumentos de ese tipo,

al menos, la mayoría de música que conocemos.

Si quieres hacer música griega y construirte una lira

o comprártela, guay.

Después de los griegos, los romanos,

pero la cosa se pone más seria en la Edad Media.

En este vídeo y en el siguiente

vamos a distinguir dos tipos de música,

la música religiosa y la música no religiosa.

¿Por qué?

Porque en estas dos épocas que vamos a ver,

la Edad Media y el Renacimiento

la religión era algo muy presente en la sociedad,

así que, o hacías música para la religión o no.

No creo que esto fuera así exactamente,

pero es como nos lo venden los libros de Historia,

así que, acojámonos a ese esquema.

A la música no religiosa también se la llama profana.

Dentro de la música religiosa

tenemos que hablar de un tipo bastante importante:

Guido d'Arezzo.

Güido, Guido, pronunciadlo como queráis,

el caso es que este monje italiano es responsable de inventar

el nombre para las siete notas que conocéis.

Pablo, ¿no habías dicho que había 12 sonidos

que los había sacado Pitágoras?

Sí, 12 sonidos, pero siete nombres para esos 12.

¿Entonces?

Sabes cuáles son los nombres, ¿no?

Do, Re, Mi, Fa...

Sí, sí.

Pues ahí tienes siete,

12 sonidos que hay, menos siete nombres que tienes,

te quedan cinco nombres que no conoces,

esos nombres para conocerlos tienen apellidos,

pero no nos vamos a meter en eso.

Aunque creo que ya los conocéis: sostenido, bemol, esas cosas.

¿Cómo hizo Guido d'Arezzo esto?

Se levantó un día como cualquier otro y dijo:

"Hoy voy a poner nombre a las notas musicales".

No. Simplemente él se dio cuenta de la necesidad

que había de poner una nomenclatura a estos sonidos

que iban cantando con los monjes en el coro del monasterio.

Era una forma de entenderse mejor.

Así que el tío no se complicó la vida.

Cogió los siete primeros versos de un poema en latín,

marcó las siete primeras sílabas de esos siete versos y voilà.

Ahí tienes tus notas musicales.

Vamos, que podríais hacer lo mismo

hoy con una canción de reggaetón, trap, heavy metal

o lo que os venga en gana

y crear vuestras propias notas musicales

igual que Guido d'Arezzo en la Edad Media.

También inventó un sistema para dirigir su coro bastante friki

que consistía en escribirse esas notas musicales en su mano,

señalar a las distintas falanges que eran las distintas notas

y según lo hacía, el coro cantaba una nota u otra.

(Música)

La llamada mano guidoniana.

Pero ¿para qué hizo Guido d'Arezzo esto? ¿Para qué música?

¿Qué música se estaba haciendo en esa época?

¿Habéis oído hablar del canto gregoriano?

(CANTAN)

El nombre le vino de un Papa llamado Gregorio,

un tipo que igual no era muy humilde,

pero que realizó una labor muy importante: recopilar

toda la música cristiana que se iba haciendo

para que no se perdiera. Como habéis podido observar,

se canta en latín y solo lo contaban hombres.

Obviamente,

la temática de la letra es religiosa

dado que seguimos dentro de la música religiosa

y se hacía solo a capella, sin instrumentos, solo con voces.

Pero lo más importante es que ese tipo de música era monofónica.

"Mono" significa uno.

"Fonía, fonos", sonido.

Un solo sonido.

Las piezas monofónicas

son todas aquellas en las que hay una melodía presente.

Vamos, lo mismo que sucede cuando cantamos cumpleaños feliz,

si lo afinarais.

No hay ningún otro instrumento,

no hay ninguna otra persona haciendo otra melodía, percusión,

lo que sea, nada. Solo hay una melodía.

No hay dos, ni tres, ni cuatro... No tengo cuatro brazos.

Hoy en día,

la mayoría de música que escuchamos es polifónica,

a nada que tengas a alguien rapeando sobre una base,

ya tienes dos cosas: una batería y alguien cantando sobre esa base,

así que ya tienes más de una cosa, por lo tanto, es "poli", polifonía.

Pero no vamos a explicar qué es eso hasta el siguiente vídeo

y es que el canto gregoriano es monofónico

porque la música está empezando en esta época,

¿cómo narices iba a ser si no?

Estaban investigando poco a poco,

ya llegaremos a más instrumentos y más voces.

¿Qué pasa con la música no religiosa?

Dentro de ella también vamos a hablar de dos cosas,

o mejor dicho, de dos figuras.

Los trovadores y los juglares. Empecemos por los segundos.

(CANTA EN INGLÉS)

Los juglares eran músicos de origen humilde

que no sabían ni leer ni escribir

y componían canciones de temática que llegara al pueblo, normalmente,

de noticias del reino o de cosas de gente famosa, vamos,

la prensa rosa casi.

Pero una de las funciones más importantes

que tenían era la de informar y es que no había Twitter,

ni periódico ni radio ni nada en esta época,

así que si tú querías saber qué pasaba en el mundo,

solo tenías que ir a la plaza a escuchar al juglar.

El juglar a veces cantaba, a veces recitaba noticias o hechos

y hazañas de personajes famosos como el Cid Campeador,

seguro que habéis oído hablar de él.

¿A que os suena el "Cantar del mio Cid"?

Pero eso es un documento escrito,

¿cómo ha podido llegar eso a nuestros días?

Alguien anónimo decidió escribir todo lo que escuchaba que contaba

el juglar sobre las hazañas de Rodrigo Díaz de Vivar,

el Cid Campeador, héroe de España.

Pero eso no era lo más habitual,

os estoy poniendo un ejemplo juglaresco famoso.

La otra figura de la que tenemos que hablar son los trovadores.

Los trovadores no eran más que juglares con pasta de origen noble,

en vez de cantar en las plazas de los pueblos para los campesinos

y los aldeanos, cantaban en la corte para doncellas,

reyes y el resto de nobles. Sabían leer y escribir y escribían

y componían sus propias canciones al igual que los juglares,

solo que ellos podían dejar constancia

de lo que hacían y esto es importante porque los juglares

pueden transmitir todo de boca a oreja

o de boca a boca,

pero no tiene el mismo efecto que si tú escribes algo

que da lugar a muchas menos malinterpretaciones.

(Música)

Uno de los trovadores más famosos

de la historia ha sido un rey de España

que seguro que conocéis,

Alfonso X el Sabio del que os invito

a que busquéis algunas canciones,

información porque su trabajo es increíble

y gracias a sus aptitudes trovadorescas,

hoy en día podemos disfrutar de música

de la Edad Media escrita en esa época

que ha llegado hasta el siglo XXI.

¡Alfonso X!

(APLAUDE)

# Alfonso X era un tío sabio # que usaba la brújula

# y usaba el astrolabio. #

Bienvenidos a una sesión más de "Flipped Classroom"

con vuestro profe de Música favorito

porque es el único que tenéis.

Vamos a ver la música en el Renacimiento.

En esta etapa, que se sitúa entre los siglos XV y XVI,

pasan un montón de cosas importantes para la música

y vamos a empezar por la más importante de todas.

Aunque empezará algo antes, concretamente, 300 años antes.

¿Qué es esta cosa?

¿Qué es esto tan llamativo que le pasó a la música

que va a protagonizar este vídeo? Hablamos de la polifonía.

En el vídeo anterior estudiamos lo que era la monofonía.

"Mono" significa uno.

"Fonía, fonos", sonido.

Un solo sonido.

Las piezas monofónicas

son todas en las que solo hay una melodía presente.

En la polifonía intervienen varias voces, aunque ojo,

voces no se refiere solo a gente cantando,

una voz puede ser alguien tocando un instrumento o alguien cantando.

La palabra voz sirve para ambas cosas en este contexto.

La polifonía tiene dos etapas de desarrollo primigenias:

el "ars antiqua" y el "ars nova".

En el "ars antiqua" la práctica más común

era coger una melodía que ya existía

y ponerle otra en paralelo por debajo o por encima,

haciendo el mismo ritmo, pero distintas notas.

En el "ars nova" la polifonía se desarrollan mucho más

y además de jugar con las notas,

también se juega con el ritmo y esto es muy importante, ¿por qué?

Porque esto nos define los dos tipos de polifonía que hay.

La inmensa mayoría de música que escuchamos es polifónica,

pero esta puede ser homofónica o contrapuntística.

La homofonía equivale al "órganum" del "ars antiqua",

se trata de dos o más voces que se mueven en paralelo.

Una es más aguda, otra más grave, otra está por el medio.

Pero todas se mueven a la vez con el mismo ritmo y esto,

aplicado al canto,

quiere decir que todas las voces tenían también la misma letra.

Entonces, pasa una cosa alucinante y es que cuando tú oyes homofonía,

escuchas un montón de voces entremezcladas

y no sabes muy bien a cuál seguir o siquiera a veces diferenciarla.

Y si te piden que cantes alguna, posiblemente no sepas.

No obstante,

vamos a hacer un pequeño experimento

y para ello vamos a utilizar una de mis piezas favoritas

de banda sonora "ever".

(BSO "Star Wars")

Los que conozcáis "Star Wars" o estéis familiarizados con la saga

seguro que conocéis esta canción.

Oído así, seguramente os pase lo que acabamos de mencionar,

que no sepáis diferenciar las voces,

pero voy a cantaros una de las que se oyen

y después vamos a volver a poner ese fragmento,

veréis cómo la identificáis rápidamente.

(CANTA)

(Música)

Y ahora lo mismo, pero con otra.

(CANTA MÁS AGUDO)

(Música)

¿Qué tal? ¿Lo diferenciáis?

Si no, rebobinad un poco el vídeo y volvedlo a intentar.

El segundo tipo de polifonía es el contrapunto

o la polifonía contrapuntística en el que intervienen dos

o más voces también, pero cada una haciendo un ritmo distinto.

(Música)

¿Qué tal? Menudo lío de voces, ¿eh?

Seguro que habéis notado

que hay algunas que podéis oír por el centro,

otras que están solo la derecha y otras solo a la izquierda.

Constantemente, los músicos y técnicos de sonido

que graban estas canciones están jugando con esto,

panoramizando todas esas voces

para que podamos oírlas con la mayor claridad posible.

En parte, porque no todas las voces tienen la misma importancia.

Hay veces que unas son más protagonistas

y veces que otras lo son más.

Y si ya esto lo haces en 8D pues, ni te cuento.

Y ahora sí, ya con la polifonía en el punto de mira

podemos hablar del Renacimiento que, obviamente,

significa volver a nacer.

En esta época,

en el arte y otras disciplinas se trata de imitar

los antiguos clásicos: los griegos y los romanos.

Nace una corriente llamada el humanismo que tiene al ser humano

como centro de todo.

Quizá por esto,

aunque ya tengamos algunos instrumentos musicales

bastante funcionales,

el instrumento que predomina en el Renacimiento es la voz,

la voz humana, cantar.

(CANTA)

Pero aun así, algo de música instrumental, o sea, sin voces, hay.

De hecho, es la época en la que empiezan a aparecer

las primeras obras instrumentales como tal.

Y aparece una cosa que no se vuelve a ver mucho

en la música clásica

pero que tenemos por norma en algunos estilos de música moderna

como el jazz: la improvisación.

O sea, tocar tu instrumento

sin prácticamente ninguna idea preestablecida,

sin una partitura, sin una guía como tal, hombre,

algo siguen todos los músicos, pero el músico que improvisa

está inventando sobre la marcha la música que está tocando.

Si le pidieras que volviera a tocar lo que acaba de interpretar,

no sería capaz de hacerlo.

(Música)

Dentro de la música del Renacimiento nuevamente

vamos a diferenciar entre música religiosa y música no religiosa.

Y vamos a empezar por la segunda.

La forma musical más usual dentro de la no religiosa

era el madrigal,

decir madrigal es como decir canción, sinfonía, sonata, ópera,

lo veréis mejor explicado en el próximo vídeo.

Un madrigal es una composición hecha a cuatro o cinco voces

que suele estar a capella,

pero hay veces que se añaden instrumentos.

Tienen que ver con los sentimientos del ser humano, como el amor.

(Música)

Dentro de la música no religiosa aparecen otras formas

como el "lied", la "chanson",

lo cual es muy gracioso porque "lied" en alemán significa canción

y "chanson" en francés significa canción, o sea que, vaya,

parece que hemos asistido al nacimiento de la canción.

Y hay otras como el romance,

la ensalada y el villancico, que tiene origen español y,

por supuesto,

en esta época no tenía nada que ver con la religión

ni con la Navidad ni con Papá Noel ni Rudolf, ni nada.

(Música)

Hablemos de la música religiosa que es lo más importante.

Estáis en la época en la que la voz humana

tiene su clímax como desarrollo en la música,

se componen las piezas más bonitas para voz que hemos oído jamás

y podemos encontrar este tipo de piezas

dentro de la música religiosa del Renacimiento.

Seguro que alguno habéis oído hablar de Lutero

y de su reforma protestante, bueno,

él consiguió un montón de cosas con esto,

pero para lo que atañe a la música y de lo que hablamos,

podemos decir que gracias a él algunos textos religiosos

se empezaron a cantar en alemán,

con lo cual era mucho más fácil de entender para mucha gente

y la aparición del coral como forma musical

que fue cada vez más habitual en las iglesias.

Además de corales,

un músico también podía componer una misa entera, sí,

con todas sus partes.

Pero la forma más popular es el motete

que ya existía la Edad Media, pero lo que ocurre en esta época

es que dejan de superponer textos entre sí

para que la letra se entienda más

y suele estar pensado para voces, sin acompañamiento de instrumentos.

(Música)

Y no podemos terminar este vídeo sin hablar de dos

de los compositores más importantes de esta época.

Tomás Luis de Victoria y Palestrina.

Giovanni Pierluigi da Palestrina.

Que como su propio nombre indica era escandinavo, no,

Palestrina es italiano y Tomás Luis de Victoria es español.

Vivió parte de su vida en la calle Arenal de Madrid,

que seguro que a muchos os suena por ser una de las calles

que sale de la famosa Plaza del Sol, que sepáis,

que en esta misma calle hay una iglesia llamada San Ginés, sí,

porque hace esquina con la calle de la chocolatería,

en la que hay una especie de lápida en la entrada en la que podéis leer

una serie de eventos que pasaron como el bautizo de Quevedo,

una de las bodas de Lope de Vega

y el funeral de Tomás Luis de Victoria que fue oficiado allí.

Vamos a escuchar algo de su música,

pero no de cualquier coro,

de un coro formado por alumnos de la ESO,

de Bachillerato y exalumnos de un instituto en el que estuve.

Por cierto, también salgo cantando yo,

solo que tenía el pelo por aquí.

(Música)

(CANTAN)

¿Oís cómo hay veces que las voces van juntas en homofonía

y otras veces que van separadas en contrapunto?

Pero todo es polifonía, tanto Tomás Luis de Victoria

como Palestrina fueron maestros de la polifonía vocal.

Sobre todo, Palestrina, que ha pasado a ser el más conocido.

Entre otras cosas,

porque cuando componía, no solo hacía sus piezas y ya está,

creaba un método y una forma de componer

que se sigue imitando en algunas creaciones musicales.

Y bueno, que su música es preciosa.

(Música)

Fijaos cómo se mueven las voces,

cómo unas van imitando a otras y cómo poco a poco dejan de ser

protagonistas para dejar paso a otra voz

que ahora es la importante. Y es verdaderamente relajante,

una auténtica medicina para esos días de agobio

que puedas tener.

Para que os hagáis una idea de lo importante que es

el desarrollo de la polifonía en esta época para la música

de hoy en día, quiero que penséis en esto:

prácticamente nada de lo que escucháis es monofónico,

todo es polifónico.

A nada que haya alguien cantando

o rapeando sobre una base rítmica ya es polifonía

y no solo eso,

la música de esta época es tan importante que hay muchos músicos

actuales que la conocen y admiran esta técnica

y que la imitan en sus composiciones o que,

literalmente, la copian.

En el penúltimo disco de Muse,

que es una banda de rock actual que es superfamosa

y llena estadios allá donde va,

podéis escuchar un coral de Palestrina,

en vez de grabado por un coro,

por el cantante del grupo haciéndose polifonía a sí mismo

en distintas tomas de grabación

y cambiando la letra a una en inglés

que tiene que ver con la temática del disco.

(Música)

Esto es todo por hoy.

Hola, bienvenidos a una clase más de "Flipped Classroom".

Vamos a terminar el tercer trimestre por todo lo alto,

con la época dorada de la música,

el Barroco que abarca los siglos XVII y la primera mitad del XVIII.

(Música)

¿Por qué es la época dorada de la música?

Pues por un montón de razones, la primera de ellas es por algo

que ya hemos visto en el vídeo anterior.

En el Renacimiento se crea la polifonía,

poder hacer música con varios instrumentos o voces

a la vez en vez de solo con uno que era la monofonía

y el canto gregoriano.

Con la polifonía se pueden hacer virguerías

y aunque lo hiciéramos mucho en el Renacimiento,

lo hacíamos con voces humanas.

En el Barroco con los instrumentos se desarrollan más

y empezamos a tener violines, flautas, clarinetes,

muchos instrumentos que hoy en día conocemos y,

aunque las versiones de estos instrumentos

aún no son las definitivas que usamos hoy en día,

se parecen a los instrumentos que conocéis.

Es como si hubiéramos estado pintando la música en blanco y negro

y con la polifonía y este nuevo desarrollo

de estos instrumentos, tuviéramos ahora una paleta llena de colores

con las que pintar nuestro cuadro que es la música.

En el Barroco, cogen la polifonía y la desarrollan hasta límites,

¿qué os voy a contar?

Si queréis más de información,

buscad en Wikipedia cómo está hecha y qué es una fuga, la de música,

no la de huir de la cárcel.

Durante el Barroco,

la música sigue teniendo una división religiosa

y no religiosa,

pero por el desarrollo de los nuevos instrumentos,

vamos a diferenciar entre música instrumental y vocal,

pero antes vamos a decir algunas características

que tenía toda la música barroca.

Uno, el bajo continuo, ¿qué es?

El bajo continuo es una base melódica

o armónica que hacía un instrumento como podría ser el violonchelo

o un clave, porque piano aún no teníamos, el clave

recordad que es el tatarabuelo del piano.

Sobre la que se hacía el resto de música,

los violines tocaban por encima, las flautas.

Y esto es muy importante porque eso asentó las bases

de cómo funciona la música pop hoy en día,

en la música pop hay un bajo continuo, de hecho,

se basa en un bajo continuo que se repite todo el rato.

(CANTA)

Dos, era muy usual también encontrar piezas

que consistían en melodías acompañadas, o sea,

literalmente coger una melodía ya existente y ponerle una base,

la que fuera y ya, para terminar,

os diría que es una música que tiene más contrastes

que la que venimos oyendo hasta ahora

y empezó a ser protagonista de algunos acontecimientos sociales.

Eso sí, estaba financiada por gente de dinero, los llamados mecenas,

que pagaban a los músicos por hacer sus composiciones

y poner su nombre al lado del del autor, ¿por qué?

Es una forma de ser recordado en la historia.

Ahora hablemos de la música instrumental.

Con instrumentos nuevos, se crean nuevas formas musicales,

aunque técnicamente se llame forma,

esto se refiere a tipos de piezas que pueda haber, tipos de obras.

La forma que todos conocemos más es la canción, pero no es la única.

En el vídeo pasado vimos el madrigal y hay más, sinfonía,

sonatas, suite, conciertos, "lied", "chanson", cantar de gesta,

cantiga, fantasía, ópera, musical.

Hasta hay una que se llama ensalada.

(Música)

Las más importantes del Barroco son la sonata,

la suite y el concierto.

En la música instrumental. Si sabes de qué va cada una,

cuando véase título "Sonata número no sé cuántos de Mozart

en Re mayor" sabrás que es un tipo de pieza compuesta para piano

y/o algún instrumento más.

Una suite es una composición larga hecha de cinco partes

inspiradas en antiguas danzas.

Y un concierto está hecho para una orquesta,

pero hay un instrumento que sobresale por los demás

y tiene una parte solista, protagonista.

A partir de ahora cuando veáis

estos nombres de estas formas escritas,

sabréis de qué va cada uno,

sin necesidad siquiera de escuchar la pieza.

Vamos con la música vocal.

De nuevo,

vamos a distinguir entre música religiosa y no religiosa.

En el Barroco,

se conservan las formas antiguas de música vocal religiosa

como el motete, pero se añaden otras nuevas como, por ejemplo,

el oratorio.

Un oratorio es una pieza narrativa basada en textos bíblicos,

cantaban sobre la Biblia, pero a diferencia de, por ejemplo,

la ópera no había ninguna representación,

simplemente cantaban los textos y ya.

El más famoso es "El Mesías" de Haendel que contiene la famosa...

(CANTAN)

Otro ejemplo es la cantata,

que también está basada en un texto religioso,

pero que al contrario que el oratorio,

no cuenta ninguna historia,

pero esto recordemos que es música vocal religiosa.

Ahora hablemos de lo más importante,

la música vocal no religiosa.

Lo más importante de la música vocal no religiosa del Barroco

es que en esta época en Venecia se inventa la ópera.

Hay muchos libros que consideran a Monteverdi el padre de la ópera,

su creador,

pero en realidad la primera pieza operística como tal

es de un tal Jacopo Peri.

Sí que es verdad que Monteverdi

con su obra "Orfeo" la dio conocer mucho más.

(Música)

¿En qué consiste una ópera exactamente?

Wagner, un compositor del que ya hablaremos,

decía que la ópera era el arte de las artes,

la obra de arte completa.

Una ópera cuenta una historia, ¿en qué idioma?

Suele estar en italiano, francés o alemán,

pero también existe ópera en otros idiomas, por supuesto,

en España tenemos ópera en castellano y se llama Zarzuela.

Hasta existe un teatro de la Zarzuela en Madrid.

Tiene varias partes,

algunas son cantadas y otras no y como las obras de teatro,

suelen estar divididas en actos.

Cuando veis cómo canta alguien que hace ópera,

seguramente a más de uno le entre la risa,

pero hay una razón muy buena por la que cantan así.

En la época, no había micrófonos y si tú, como cantante,

querías hacerte oír por encima de toda una orquesta de músicos,

necesitabas ser capaz de proyectar tu voz por encima de esa orquesta.

Esto se llama técnica lírica de canto y no solo es para esto,

también incluye cosas como el cuidado de la voz

para no quedarse disfónico.

Afónico está mal dicho, afónico significa sin voz,

cuando tú estás así,

que no puedes hablar casi es disfónico porque tienes voz, poca,

pero tienes.

Como pasa con los musicales,

la ópera suele ser algo bastante claro,

pero nuevamente tenemos una razón bastante lógica para ello.

Cuando tú haces una ópera, tienes que contar con el director,

orquesta, coro, cantantes, compositores, el de la taquilla,

director de teatro, un montón de gente.

Si es que,

si tú compones una ópera y consigues que se estrene en teatro

posiblemente estés dando trabajo a unas 150 personas.

Y no es como una película, que la grabas y ya está,

te la puedes llevar de un sitio a otro, no.

Una ópera se representa una y otra vez.

Así que, por eso es tan cara.

No obstante, hay un montón de descuentos, sobre todo,

si eres joven para poder ir a ver ópera a un precio asequible

e incluso existe una cosa llamada las entradas de última hora,

que consiste en que si empieza a las 18:00,

tú puedes acercarte al teatro un poco antes

y si tienes suerte y quedan entradas,

te las venderán a un precio mucho más barato.

Yo he ido a la ópera por tres euros, seis euros y 18 euros.

Nunca he pagado más.

Aunque no sean óperas barrocas,

quiero que conozcáis dos ejemplos de dos áreas de ópera muy famosas.

Un área es sinónimo de canción dentro de una ópera.

La primera, es "La reina de la noche" de Mozart.

(Música)

¿Habéis visto lo que es capaz de hacer con su voz?

Es alucinante, ¿cómo puede alcanzar esas notas tan agudas?

Pues con mucho entrenamiento,

mucha práctica y una buena técnica lírica de canto.

El segundo ejemplo es de una película, "El quinto elemento".

Hay una escena en la que los protagonistas

asisten a una ópera en el espacio

y ven cantar a una diva alien un aria de Donizetti.

De repente, la música cambia, pero la diva sigue cantando.

Esta vez un tono más rockero.

(Música)

Cuando se grabó esta pieza para la película,

tuvieron que usar moduladores de voz

como el autotune que conocéis para modificar la voz de la soprano

que la grabó.

Porque era una pieza imposible

de interpretar por un ser humano de los cambios que tenía,

de los saltos que hacia la voz, era físicamente imposible.

Hasta hace dos años, al parecer.

En YouTube nos encontramos una versión de una soprano

que es capaz de cantar este aria sin ayuda de un ordenador.

(CANTA)

Así que, por si no queda demostrado ya, id a la ópera,

al menos una vez en la vida,

es de estas experiencias vitales que hay que tener al menos una vez.

Si no te gusta, no vuelvas, pero tienes que verlo en directo

y si alguien teme no entender la trama o la letra

de las piezas que cantan, no os preocupéis,

bienvenidos al siglo XXI,

tenemos pantallas con subtítulos todo el rato.

Es como ver una película musical en directo, es para flipar.

Y ya que estamos,

id a ver algún musical que no deja de ser

el hijo de la ópera.

Para terminar,

vamos a hablar de cinco compositores de los que quiero

que os aprendáis sí o sí sus nombres y algunas piezas suyas.

El primero, ya hemos hablado, Monteverdi,

el que dio a conocer la ópera.

Eso es lo más importante, su primera ópera, "Orfeo".

Del segundo conocéis su música, hablamos de Vivaldi,

un cura pelirrojo que vivía en Venecia

y era un gran virtuoso del violín y un gran profesor, eso sí,

solo daba clases a chicas y mujeres jóvenes.

Él es responsable de que las sinfonías

para orquesta se dividan en tres movimientos

y estos sean muy distintos entre sí.

También compuso un montón de óperas.

"Tengo un secretismo, que me encanta la música de Vivaldi.

Es escucharlo..."

(Música)

El tercero que quiero que conozcáis es Haendel,

que lo podéis ver escrito con una diéresis encima

de la A o Haendel, ¿por qué?

Porque uno es su nombre alemán y otro es su nombre inglés

y esto es muy importante porque hasta ahora,

la mayoría de música clásica conocida

estaba o en latín o en alemán.

(Música)

Pachelbel se hizo famoso

por componer el canon más largo de la historia

y todo surgió por una apuesta en un bar.

Apostó con sus amigos que era capaz

de componer el canon más largo de la historia.

Un canon es un tipo de pieza musical que consiste en una melodía

que se puede leer de izquierda a derecha

y suena perfectamente,

pero que también puesta a la vez que sí misma

y trasladada unos compases puede cumplir

función de acompañamiento a esta primera melodía

e igualmente sonar bien.

Que tú tienes que componer una melodía pensando

que el segundo compás que está aquí

tiene que sonar bien si suena a la vez

que el primer compás que está aquí,

porque llegará un momento en que este segundo compás coincida

con este primer compás más abajo y esté todo desplazado.

Así que, a lo mejor alguno se pregunta,

¿cuándo termina un canon?

Porque si voy poniendo melodía más melodía desplazada,

más melodía desplazada, ¿cuándo termina?

Se hace un corte, una cadencia, no es un problema.

Lo conocéis seguro.

(Música)

Pero de todos los compositores que hay,

el más importante de todos es Johann Sebastian Bach.

(Música)

Bach fue un músico muy completo que tocaba y componía

para un montón de instrumentos,

fue una fuente de inspiración para muchísimos otros compositores

que vinieron después e inventó un montón de técnicas

y un montón de métodos

gracias a los cuales hoy en día la música suena como suena.

Hay gente que llama a Bach el padre de la música y con razón.

Bach venía de una familia de músicos

y la verdad es que parece que hizo todo lo posible por continuarla

porque tuvo 20 hijos con dos mujeres distintas.

Lamentablemente, presenció la muerte de 11 de esos 20 hijos.

La mayoría de ellos murieron a los pocos años, meses o días.

Pero aún con dos matrimonios y tantos niños en la casa,

le dio tiempo a componer un montón de música.

Esto es la integral de Bach, o sea, todas sus obras.

157 CD de música, todos llenos.

Hizo un montón de piezas, tanto instrumentales como corales.

Y en ellas dejó un montón de significados ocultos.

Bach eligió el número 14 como el número que lo identificaba,

si sumas las posiciones numéricas de las letras en el alfabeto

que conforman el nombre Bach, te da 14.

Y si haces lo mismo con J.S. Bach, sus iniciales,

con el alfabeto alemán te da 41,

que es el número capicúa de 14.

La imagen más famosa de Bach es él sosteniendo una partitura,

que es su cantata número 14 en la cual aparecen 14 notas

y ese retrato se pintó con motivo de su admisión a la sociedad

de las ciencias musicales como miembro número 14.

Y es que a Bach le encantaban las matemáticas,

sus obras son pura geometría.

Otro de los significados que dejó en su música es este.

Hay un sistema llamado americano

por el cual a cada nota le corresponde una letra.

En Alemania, en el Barroco también tenían un sistema parecido.

Si bemol es una B, La es un A, Do es una C y Si Becuadro es una H.

Así que cada vez que oyes en una pieza de Bach...

# Si, La, Do, Si. #

Estás oyendo su nombre en forma de música.

Tanto el número 14 como este motivo musical

aparecen por doquier en sus obras,

incluso se dice que lo último que aparece en la última pieza

que hay escrita por Bach es esto.

Como si firmara su despedida con el mundo.

Aunque esto en realidad no es así,

la última pieza de Bach no es realmente esa.

De todo, lo más conocido es su "Tocata y fuga en Re menor".

(Música)

Un preludio para piano.

(Música)

Y otro para chelo.

(Música)

No podemos terminar este vídeo sin mencionar una pieza

que no es tan conocida,

pero que representa muy bien cómo era él como compositor

y su obsesión por las matemáticas.

El "canon del cangrejo",

una partitura que se puede tocar de izquierda a derecha,

de derecha a izquierda,

de izquierda a derecha a la vez y lo mismo pero separado por mitades.

O sea, que de una sola partitura sacas cuatro piezas.

(Música)

"Conocida por todos, de ella se ha dicho de todo,

escribiendo miles de teorías que explican sus misterios.

Cuando la realidad es que sabemos mucho menos de lo que nos gustaría.

La realizó una de las personas más excepcionales

de la humanidad que,

por algún motivo, la custodió hasta el día de su muerte.

Hoy, no solo es el emblema de un museo y de un país,

también es patrimonio universal

y la embajadora de la historia del arte.

Nadie puede asegurar a ciencia cierta quién es,

qué paisaje se ve por su ventana

ni por qué Leonardo tardó tanto en acabarla.

Entonces,

¿cómo es posible que sabiendo tan poco

de esta obra sea tan importante y reconocida por todos?"

(Música)

Leonardo nació el 15 de abril del año 1452 en la pequeña ciudad

vecina a Florencia llamada Vinci de la que tomó su nombre

puesto que era el hijo ilegítimo del notario Piero

y de una bella campesina llamada Caterina.

A los pocos meses de nacer en Leonardo,

su padre se casó con la hija adolescente

de un rico mercader de Vinci

y su madre se casó con el repostero camorrista de la misma ciudad

llamado Antonio di Piero d'Andrea.

Leonardo estuvo viviendo con su madre biológica

hasta que cumplió los cinco años para pasar a vivir con su padre

como hijo único hasta los 24 años

y esto implicó que su padre,

al estar bien posicionado, le pagase una buenísima educación,

gracias también a la mentalidad abierta de la burguesía toscana y,

obviamente,

a una ligera discreción en todo el tema de su educación.

Giorgio Vasari, que fue un arquitecto,

pintor y escritor italiano

considerado uno de los primeros historiadores del arte

del que os hablé en mi vídeo de los mafiosos Medici,

que os lo dejo por aquí y en la descripción

para que lo vayáis a ver porque es...

Fue uno de los mayores biografistas de los artistas

italianos de la época con su mega libro

que es vital para la existencia de todo historiador del arte

que se llama "Las vidas de los más excelentísimos pintores,

escultores y arquitectos",

os dejo el enlace en la descripción.

Vasari aquí escribió sobre Leonardo que poseía un ingenio multiforme

e inestable porque comenzaba a estudiar muchas cosas

y una vez las había absorbido, corriendo pasaba a otras.

También dijo que Leonardo poseía una virtud

y una capacidad excepcional intelectual

para adquirir miles de conocimientos

y con una ligera inclinación hacia la música y las artes plásticas.

Parece ser que por esto el padre de Leonardo se dio cuenta

de que Leonardo no tenía mucho interés

en aprender las leyes para tener un oficio útil

y resulta que, cuando vio sus dibujos en el año 1469,

quedó absolutamente impresionado,

lo tuvo claro y decidió poner en marcha sus contactos

y se fue a hablar con el pintor y escultor más famoso

de la época que era Andrea Verrocchio

para que aceptase a su hijo en su taller como aprendiz.

Entre 1469 y 1476 Leonardo estuvo como aprendiz

en el taller de Verrocchio

donde aprendió a trabajar los metales, esculpir, a dibujar,

a la teoría del color,

la teoría de las perspectivas y observar la naturaleza en general

puesto que para Verrocchio era superimportante la observación

directa de la naturaleza,

puesto que la consideraban la mayor de las maestras.

Tanto Verrocchio como Leonardo consideraban a la experiencia

directa la madre de todos los conocimientos,

pensaban que no se puede aprender nada

si no lo has puesto en práctica primero.

Y por eso ponían todos sus sentidos al estudio de la naturaleza

a la que consideraban un sistema global y dinámico

de todas las fuerzas y energías de la tierra

que el hombre debía estudiar.

Esta es la base fundamental para comprender a Leonardo da Vinci,

él era un hombre de ciencia y de arte

y su vida y su obra reflejan perfectamente

que Leonardo fue un increíble investigador de campo,

obsesionado por comprobar artística

y mecánicamente absolutamente todo con la capacidad insuperable

y sin parangón.

Y un buen ejemplo es su tratado de la pintura en el que desarrolla

la ciencia de la pintura

con una exhaustiva investigación sobre óptica y física atmosférica.

Donde observa la modificación del color

y la nitidez de las formas en la visión a larga distancia,

dando lugar así a la perspectiva atmosférica.

La perspectiva atmosférica es el método con el que se produce

la sensación de profundidad dentro

de una pintura imitando el efecto de espacio

que hace que los objetos se vean más pálidos,

azules o nebulosos o menos distinguibles en larga

y media distancia.

Es conseguir con precisión científica la graduación

infinitesimal de la luz incidiendo sobre los elementos del paisaje

como las montañas,

bosques o fenómenos atmosféricos y a esto Leonardo lo llamo "sfumato".

Queda como resultado una pintura con un aspecto un poco cargado

como real, pero transfigurado.

La primera obra de Leonardo que podemos dar fecha exacta

es el paisaje toscano que pintó el 5 de agosto

de 1473 y que hoy en día se guarda en Uffizi.

Aquí Leonardo contaba con 21 años y ya se ve claramente su intención

de pintar con un sentido óptico

y topográfico nunca antes visto la atmósfera de un paisaje abierto.

La visión naturalista y la precisión óptica de este dibujo

ya le estaban diferenciando de sus compañeros porque recordaba

a los maestros más atrevidos como Giotto o Piero della Francesca.

Por cierto, si aún no conoces a Giotto,

te dejo aquí un vídeo que es mortal

y necesario para la vida y para comprender esto.

Cuando su maestro Verrocchio le pide que pinte

la mitad del paisaje del fondo

y uno de los ángeles de la obra del "Bautismo de Cristo",

Leonardo da otro salto adelante.

Era muy habitual en la época que los alumnos ayudasen a sus maestros

a pintar las partes menos relevantes

de las obras que les encargaban como prácticas,

pero en esta obra pintada por varias manos,

se distingue perfectamente

el estilo pictórico del joven Leonardo.

Para empezar, tenemos el paisaje dividido claramente en dos zonas,

la izquierda y la derecha donde podemos ver

que la derecha es un paisaje toscano clásico, nítido,

sin ningún tipo de complejidad y artificio.

Pero en el de la izquierda vemos mucha vaporosidad

y difusión de las formas creando una atmósfera mucho más cargada

y onírica donde Leonardo ya empezaba a sacar su poderío.

Por otro lado,

vemos la figura del ángel que destaca

por tener un aspecto mucho más suave y amable,

tanto en las carnaciones como en sus gestos

y tiene mucho más movimiento

aunque la figura esté arrodillada en el suelo,

pero tiene muchas partes de su cuerpo colocadas en distintas

direcciones aportando un montón de movimiento a la obra.

Esto Leonardo lo consiguió

gracias a un estudio anatómico muy exhaustivo.

El ángel parece tener una especie de luz en el rostro que parece

transmitir una cierta emoción porque Leonardo se preocupó

en el punto de vista psicológico del personaje.

A todo esto hay que sumarle la sensacional destreza

con la que Leonardo consigue cambiar a posteriori

toda la composición de la obra,

puesto que Verrocchio planteó una composición en bloque

con las dos figuras principales colocadas en paralelo

y Leonardo llega después metiendo la figura del ángel arrodillado

transformando toda la composición de bloque a triángulo.

Este punto de aquí Vasari lo pone como algo extraordinario

y de aquí parece ser que surge la leyenda

que cuando Verrocchio vio la obra, dejó de pintar,

pero esto no es más que un mito.

Verrocchio siguió pintando y esculpiendo, obviamente.

Leonardo al final estuvo nueve años en el taller de Verrocchio

donde aprendió con maestría ideas formales,

composición o los aspectos más científicos

y experimentales de la pintura,

superando a su maestro y a todos sus compañeros.

No pasaba nada,

porque Leonardo parecía ser que era un tipo muy majo donde ayudaba

y apoyaba siempre tanto a sus compañeros como a su maestro.

Esto parece ser un aspecto importante a remarcar

puesto que, pese a tener tantísima información

y tantísima obra de este maestro,

realmente sobre su vida privada

y sobre su personalidad sabemos muy poco,

salvo lo que escribieron otros sobre él que decían que era

un hombre increíblemente simpático y amable.

Nadie duda que Leonardo influyó positivamente en la escultura

más madura de Andrea Verrocchio como un naturalismo

y un estudio psicológico de los personajes

que podemos apreciar, por ejemplo,

en "La duda de Santo Tomás" o "En la dama de las prímulas" que,

a su vez, esta última escultura influirá 30 años más tarde

en la obra maestra del maestro.

El cuadro de "La anunciación" que,

tradicionalmente está atribuido a Ghirlandaio

y que hoy en día se guarda en el Louvre,

seguramente pertenezca al taller de Verrocchio,

puesto que tiene la misma composición

y los mismos colores que "La Anunciación" de Leonardo

y que hoy está en los Uffizi.

Ambas obras están realizadas cerca de 1475,

pero la perfección y la complejidad

con la que Leonardo pinta su obra hablan por sí solas.

Mientras que la pintura atribuida a Ghirlandaio

parece una "protoanunciación",

la de Leonardo es un tratado científico en sí mismo,

que no deja nada sin estudiar.

En "La Anunciación" de Leonardo,

la composición está matemáticamente calculada

y ya se ve una incipiente composición piramidal y, además,

el estudio de la perspectiva se ve reforzado con la pintura

de la arquitectura típicamente renacentista

que eso además enfatiza muchísimo la propia época y el naturalismo

con el que Leonardo pintaba.

Hay una clara emoción psicológica

en las caras de los personajes y casi podemos ver

lo que están sintiendo.

El estudio de los pliegues de las vestimentas

no les falta detalle

porque hay hasta transparencias y bordados.

El atril de la virgen está pintado con tanto detalle que actúa

como documento histórico para saber cómo era las artes decorativas

florentinos del momento.

Podemos sacar un tratado de botánica de los árboles

pintados por todo el cuadro con una exactitud naturalista

alucinante sin restar detalle a ninguna de ellas.

Y como colofón, tenemos el paisaje brumoso

del fondo donde la luz difumina las formas y los colores.

Su siguiente obra también es considerada una obra maestra

y es el primer retrato de los cuatro femeninos que hizo

a lo largo de toda su vida

y se trata de Ginebra de Benci pintada cerca de 1474-1476

y es una técnica mixta de temple y óleo sobre tabla de álamo.

Aquí, Leonardo vuelve a hacer un estudio científico

sobre las plantas

y el ambiente que forman parte del cuadro, pero sobre todo,

se enfrentó a la actitud psicológica del personaje.

El estudio psicológico que Leonardo hizo sobre el rostro de esta joven

presentará un prototipo tipológico que se extenderá a principio

de todo el siglo XVI desde Rafael hasta Parmigianino y, además,

abre camino al estudio emocional y psicológico de los rostros

que culminará con "La Gioconda".

Y siguiendo la misma línea de Leonardo de no pintar nada

que no haya sido exhaustivamente estudiado antes,

está "La Madonna del clavel",

pintada cerca de 1478 o 1480 y que hoy en día

se guarda en la pinacoteca de Múnich.

Teniendo en cuenta que el niño Jesús es un poco raro,

os doy la razón en eso,

el resto del cuadro es absolutamente impecable.

Aquí Leonardo consigue dos cosas importantes:

la primera es que consigue aunar con bastante acierto el estilo

pictórico flamenco típico de pintar una escena de interior

con las típicas madonnas italianas renacentistas.

Y lo segundo se consigue una luz bastante natural en toda la escena,

pese a ser una luz superartificial

ya que la figura monumental de la virgen sale desde la penumbra

y está en un fuerte contraluz que entra por la ventana del fondo.

Leonardo siembra su interés por plasmar la relación tan íntima

que existe entre las penumbras de interior

y la luz natural del exterior que se desarrollará un poquito más

en sus dos versiones de "Las vírgenes de las rocas"

y llegará a su máximo esplendor en "La Gioconda".

El patrimonio gráfico que conservamos de Leonardo

es absolutamente enorme.

Más de 4000 folios aislados o recopilados en sus códices que,

a pesar de la dispersión del estudio de su obra,

constituye una rama especializada, no solo de la historia del arte,

sino de la historia de la ciencia

y de la cultura en su más amplio sentido.

Los documentos de Leonardo

son la plasmación de una investigación experimental nueva

y según él, absolutamente insatisfecha.

Sobre la amplitud y complejidad del macrocosmos natural

que va desde el arte pictórico hasta la escultura,

la arquitectura, los artefactos para fiestas y ceremonias,

técnicas y mecánica militar, cartografía, topografía,

matemáticas y geografía,

mecánica motriz de cualquier fenómeno natural, zoología,

biología, botánica, anatomía, geología, ideología,

todo y en definitiva,

todos estos dibujos nos hablan de la experiencia de Leonardo

y que para él el arte y la ciencia eran indivisibles.

Así que llegados a ese punto,

hacer cualquier distinción formal o conceptual entre su obra pictórica

y sus dibujos científicos pierden absolutamente todo el valor

porque ni siquiera él los distinguía.

Es más, para él eran absolutamente inseparables.

La única distinción que llegó a hacer en su vida alguna vez es,

simplemente, por el tema del formato,

ya que los cuadernos y sus códices eran simplemente cuadernos

de apuntes o cuadernos de viaje que se llevaba por ahí

y obviamente una pintura llevaba muchísimo más proyecto logístico

porque tenía que transportar las pinturas, caballete.

En resumen, en su primer período llamado el florentino, sobre todo,

Leonardo desarrolló su faceta más artística

y cuando se mudó a Milán,

la compaginó con sus estudios científicos que, a menudo,

plasmaba en sus obras.

Esto daba como resultado que Leonardo

fuese muy conocido por pintar muy despacio,

pero es que claro,

hay que tener en cuenta que para Leonardo

se le juntaban miles de parámetros

y problemas dentro de una sola obra.

Ya que tenía en cuenta parámetros como la atmósfera, anatomía,

psicología, botánica, luces,

sombras y miles de parámetros que otros no tenían en cuenta.

Y esto hacía que su pintura se dilatase muchísimo en el tiempo,

tanto incluso que la mayoría de las veces no acababa sus obras

y a esto,

los historiadores del arte lo conocemos

como el "non finito" del genio que también sufría

su coetáneo Miguel Ángel Buonarroti.

En sus estudios sobre el ser humano,

Leonardo indagó sobre los aspectos psicológicos

y naturalistas de las personas, profundizando en el discurso mental

y eso le llevó a desarrollar sus dibujos anatómicos

y sus caricaturas más célebres.

En el año 1482,

bajo la petición por carta de Leonardo a Ludovico Sforza,

se mudó a Milán para trabajar para él como ingeniero hidráulico,

arquitecto y para construir instrumentos bélicos.

Leonardo se quedará en Milán 29 años coincidiendo con el auge

de las ciencias empíricas en el norte de Italia

y con la crisis religiosa y política de Florencia.

Durante este periodo, conocerá al arquitecto Bramante,

que será una figura muy importante para él

porque intercambiarán muchísimas ideas

y al final se influirán muchísimo el uno en el otro,

como podemos ver en su códice B.

De este periodo tenemos al Leonardo más futurista

y utópico gracias a sus diseños tecnológicos

más propios de nuestra época que de la suya,

porque diseñó máquinas voladoras o subacuáticas o, por ejemplo,

diseñó una ciudad enteramente navegable y fluvial que, además,

proponía un sistema de alcantarillado

revolucionario para la época.

Pero a la vez que Leonardo inventaba todas estas cosas,

también pintó las dos versiones de "La virgen de las rocas",

"La dama del armiño" y "La última cena".

"La virgen de las rocas" tiene dos versiones

y una se guarda en el National Gallery de Londres

y la otra está en el Louvre.

La versión del museo del Louvre se considera la versión original

y que la de Londres es posterior

porque tiene un estilo más maduro y los historiadores del arte

coinciden en que debió de ser pintada con ayuda de otros artistas.

A pesar del gran tamaño de las dos obras,

presenta una composición aparentemente sencilla de cuatro

figuras en un paisaje montañoso donde la virgen está sentada

en el suelo en un refugio rocoso acompañada de un ángel

y dos niños pequeños, que son Jesús y Juanito.

El ambiente es absolutamente innovador en el que las figuras

se agrupan formando una pirámide,

como podemos ver es la composición favorita de Leonardo.

La versión del Louvre destaca por el "sfumato" que deshace

los contornos de las figuras creando un ambiente misterioso

e irreal.

La precisión del dibujo de las plantas del primer plano

reproducen exactamente las variadas especies vegetales,

mientras que la versión londinense,

las plantas parecen ser descritas de forma repetitiva.

Leonardo eligió pintar un momento apócrifo cuando Juan Bautista

era un niño huérfano que se refugiaba en una cueva

protegida por un ángel

y lo encuentra la sagrada familia en su camino de huida a Egipto.

De acuerdo con la interpretación tradicional de las pinturas,

representan a la virgen María en el centro empujando a Juan

hacia Jesús que está sentado junto al arcángel Uriel.

Jesús está bendiciendo a Juan que extiende su mano

en un gesto de oración, pero es justo en este momento,

cuando las dos versiones de Leonardo son ligeramente distintas

porque en una el ángel nos mira a la vez que señala a Juan,

y en la otra lo señala solo con la mirada.

La otra diferencia es la falta de atributos

en la versión del Louvre como los halos

o la tradicional vara cruciforme de Juan

que ayuda a identificar los personajes.

Y que posiblemente fueran añadidos después

de la muerte de Leonardo en la versión londinense.

Todo esto ha traído un montón de teorías superlocas

y nada científicas, por ejemplo, las de Dan Brown.

En "La dama del armiño" podemos identificar a Cecilia Gallerani,

que era la amante de Ludovico Sforza

y una de las pocas amigas que tuvo Leonardo.

Parece pintada sobre un fondo oscuro acariciando un armiño

pintado con precisión y naturalidad

al que han dado numerosas interpretaciones simbólicas.

Porque los armenios estaban asociados con la aristocracia

y su pelo blanco es símbolo de pureza, así que intencionalmente,

Leonardo estaría transmitiendo esas virtudes a Cecilia.

Por otro lado, se cree que no es un armiño,

sino un hurón blanco porque son más dóciles.

El caso es que la composición es piramidal

como viene siendo habitual para Leonardo,

pero aquí da un paso más allá

en su obsesión por plasmar el movimiento.

Porque coloca el cuerpo de la chica hacia un lado

y la mirada mirando justo al contrario

y esto es absolutamente revolucionario e innovador.

Porque sienta el precedente

para los futuros retratos a lo largo de toda la historia,

porque si no recuerdo mal, a mí me fotografiaron así en la facultad.

Otro aspecto superimportante de este retrato

es el tratado de la carnación,

de la piel que parece traslúcida y que parece hasta emanar

propia luz,

pero a la vez podemos ver los músculos, tendones,

las venas y todos los detalles de lo que supone la carne.

Parece que está viva,

pero esto lo llevará a su máximo exponente en "La Gioconda".

Este retrato le abre el camino a maestros

como Rafael o Holbein porque Leonardo aquí,

aparte de hacer un estudio exhaustivo de composición

o de los aspectos físicos como las carnaciones, se centró

en la psicología y en las emociones del personaje

porque él quería plasmar en la cara

lo que estaba sintiendo y pensando la muchacha

y esto lo llevará a su máxima expresión en "La Monalisa".

(Música)

"Dedicó toda su vida a la búsqueda del conocimiento,

de la belleza y de la perfección,

de todos los aspectos de la vida y por eso sus logros

como artista están tan enmarañados.

Encarnó el espíritu del Renacimiento italiano como nadie,

pero a diferencia de sus coetáneos,

no buscaba inspiración ni en las enseñanzas cristianas

y en la filosofía clásica.

Leonardo era un científico y un artista

que confiaba en el ojo humano por encima de cualquier cosa

con el fin de desentrañar los secretos del hombre,

del arte y del universo y este es el motivo

por el que hoy su nombre es sinónimo de genio."

(Música)

En el capítulo anterior vimos el primer periodo vital de Leonardo

en el que se había formado como artista en el taller

de su maestro Andrea Verrocchio

y que con 21 años había pasado a formar parte

del gremio de pintores de San Lucas,

lo que significaba que ya era considerado un pintor profesional

e independiente.

También vimos cómo viaja hasta Milán para instalarse en la corte

de Ludovico Sforza para trabajar para él como ingeniero civil

y armamentístico entre otras muchas cosas.

Por ejemplo,

le encargará la construcción de una escultura ecuestre colosal

para recordar la memoria de su padre que supondrá un reto

tecnológico y artístico fascinante para Leonardo.

Da Vinci pondrá todos sus conocimientos al servicio

de la construcción de esta obra que para él supondrá un monumento

a su maestría científica y artística.

Pero justo antes de fundir el bronce para construir la estatua,

la ciudad de se vio atacada por el ejército francés

que superaba poderío armamentístico y, entonces,

se decidió destinar el bronce del monumento de Leonardo

a la construcción de nuevas armas.

El sueño de da Vinci de construir

un caballo gigantesco se esfumó para siempre.

Aun así, contaba solo con 42 años y le quedaba muchísimo por hacer

y por aprender y aunque se había planteado

varias veces abandonar la ciudad de Milán,

justo al año siguiente le encargaron la decoración

del refectorio del convento dominico de Santa María delle Grazie

y el tema era la última cena y los discípulos de Cristo.

Para este encargo, Leonardo dio una vez más todo de sí

porque desarrolló una composición jamás vista hasta entonces,

que la última cena era un tema que se había pintado muchas veces

en la pintura italiana.

Desde la primera y monumental pintada

por el gran Giotto en Padua,

donde todos los apóstoles se sientan alrededor de una mesa,

la mitad de ellos nos dan la espalda

y con el pequeño detalle de que Juanes se reclina sobre Cristo.

La de Andrea del Castaño pintada en Florencia

que sienta a la mesa todos los apóstoles en friso salvo a Judas

que lo sienta enfrente de espaldas a nosotros,

pero también repite el detalle de Juan y Jesús.

O los ejemplos de Francesco Botticini

y Domenico Ghirlandaio que repiten exactamente el mismo esquema,

incluyendo el detalle de Juan y Jesús,

solo que la mesa tiene forma de U.

Llega Leonardo realizando unos cambios compositivos pioneros

hasta la fecha colocando a todos en el mismo lado de la mesa

frente a nosotros, pero es que también

pintará las figuras a un tamaño natural

y juntas serán un compendio de emociones

y expresiones psicológicas de una fuerza inigualable.

Y también innovará y experimentará tanto en la factura

sin seguir los pasos de la realización tradicional,

que por eso hoy la pintura está

en un estado lamentable de conservación

y está desapareciendo.

Porque hoy el fresco de "La última cena" de Da Vinci

es un triste recuerdo de lo que fue en su día

y a pesar de las miles de restauraciones,

ha empezado un proceso imparable de deterioro y desaparición.

Aun así, en su día Vasari dijo de esta obra

que poseía una majestuosidad, nobleza y belleza pintada

en el más grandioso estilo nunca antes jamás realizado.

Lo pintó entre 1495 y 1498 y como ya hemos visto,

no se trata de un fresco tradicional,

sino que Leonardo se aventuró a pintar un mural al temple

y óleo sobre una compleja preparación de dos capas de yeso

extendidas sobre un enlucido,

pero parece ser que el exceso de yeso de la segunda capa

dejó filtrar la humedad

que está expulsando hoy la capa pictórica.

El fresco es una técnica pictórica especial para muros.

Para que los pigmentos no se desprendan,

lo primero se le da una capa de mortero de cal a la pared

y luego una segunda capa más fina de polvo de mármol,

cal apagada y agua y con esta capa húmeda,

se van aplicando los colores y de ahí viene su nombre de fresco.

Es superimportante que la parece esté húmeda

para que los pigmentos penetren en las capas de preparación

y así la pintura pasa a formar parte del propio muro

y por eso el fresco se hace por jornadas de trabajo de 8 horas,

porque la cal se seca en 24 horas y no admite más pigmentos.

Es una de las técnicas más complejas que hay

porque hay que pintar con rapidez

y seguridad, controlando las dimensiones a cubrir,

trabajando muy deprisa y sin errores antes de que se seque,

porque siempre se ven las diferencias de tono

de las jornadas.

Un ejemplo clarísimo de esto es la fabulosa Capilla Sixtina

donde se ven los grupos de figuras en los que Miguel Ángel

trabajó cada día, donde el pintor debe anticipar

y adivinar el resultado final.

Pero la principal dificultad de esta técnica

que más inconvenientes le causó el Leonardo

fue que no se puede corregir lo ya hecho,

porque una vez aplicado el color,

es inmediatamente absorbido por la base

y la única manera de hacer correcciones posteriores

es cuando el fresco ya se ha secado y mediante aplicaciones de temple

que obviamente se ven.

Como ya sabemos,

Leonardo pintaba muy lento por la cantidad de correcciones

que hacía, movidas por su autoexigencia

y perfeccionismo y esto nos hace pensar

que innovó en esta nueva técnica experimental

porque le permitía pintar mucho más despacio,

le aportaba unos colores mucho más brillantes

y le dejaba tener muchísima más precisión en los detalles

similares a los que se pueden hacer en la pintura al óleo tradicional.

Lo que pasa es que esta técnica nueva no era del todo perfecta,

ya que el deterioro de la obra comenzó

a los pocos meses de ser terminada.

"La última cena" en un principio se trataba de un encargo modesto

para el convento cercano al palacio,

donde Ludovico había mandado construir una Iglesia.

Leonardo hizo una perfecta integración en el espacio real

del refectorio siendo la culminación

de la ciencia florentina de la perspectiva.

La triple apertura del fondo le da una profundidad de infinito

y es un valiente contraluz,

mide cuatro metros y medio de alto por casi nueve de ancho,

donde Leonardo trabajó más rápido que nunca durante tres años.

Se dice que pintaba sin descanso

desde por la mañana hasta la noche sin descansar ni para comer.

Pero que después se quedaba

dos horas mirando la pintura muy quieto y, por el contrario,

otras veces se subía al andamio para dar una o dos pinceladas

y después se marchaba.

La obra muestra el momento en el que Jesús

se sentó a la mesa con los apóstoles

y anuncia que será traicionado por uno de ellos,

montando un revuelo de emociones

que Leonardo aprovecha para representar las distintas

reacciones individualizadas de cada uno de los 12 apóstoles.

Donde unos se asombran, otros no han oído bien,

otros se espantan y Judas se echa para atrás al sentirse aludido.

Leonardo crea una nueva formulación

apartándose de la iconografía tradicional,

agrupando las figuras de tres en tres,

formando triángulos aislados, más el triángulo central de Jesús,

que dan ritmo a la composición enmarcada en una arquitectura

clásica de perspectiva lineal perfecta

que parece ampliar el espacio refectorio

como si fuera trampantojo y ha bañado la escena por la luz

que entra a través de las ventanas del fondo

que es igual a la que entraría a través

de la ventana verdadera del propio refectorio.

Durante la realización de la obra, Leonardo sufrió múltiples quejas

por su tardanza por parte del duque y del prior

a lo que él respondía que los hombres de su genio

solían producir más cuando trabajaban menos

y que además no encontraba un modelo perfecto

para la figura de Judas y, entonces,

le ofreció al prior si quería posar para él.

Las quejas cesaron al instante.

Antes de pintar cada figura,

estudiaba su naturaleza y su aspecto porque quería pintar

perfectamente su anatomía y psicología y expresar por fuera

lo que tenía por dentro.

En 1497, el duque de Milán se acercó a Leonardo le dijo que,

por favor,

fuese terminando la obra que ya era hora

y parece ser que el año siguiente el eterno insatisfecho la dio más

o menos por terminada aunque dijo que tendría que pasarse más

adelante a hacer pequeños cambios y retoques.

Cuando la pintura fue presentada al público,

fue inmediatamente alabada como la obra maestra del diseño

y de la caracterización de los personajes

y Leonardo fue considerado

el primero de los maestros de Italia.

Los artistas iban de todas partes del país

para ver la pintura con detenimiento,

estudiarla y copiarla.

Leonardo da Vinci se marcó una "masterpiece" brutal a su rollo

en el que demostró que le interesaba mucho más el estudio

y el proceso de creación que la propia obra final

y su mantenimiento y su conservación,

ya que al poco tiempo de terminar la obra,

la pintura se empezó a caer de la pared.

Otro ejemplo muy bueno en el que podemos ver el gusto

que tenía por la experimentación en la composición

con las figuras es la obra de "Santa Ana, la virgen y el niño"

en la que representan las tres generaciones

del fruto de la Inmaculada Concepción.

En la National Gallery de Londres

se conserva un cartón preparatorio brutal

que nos permite ver el desarrollo gradual de la obra

hasta llegar al óleo final que se conserva en el Louvre.

Los cambios más evidentes del boceto a la obra original

son el cambio de la figura

de San Juan Bautista por el cordero místico de Dios

que era un símbolo en desuso, pero que al reutilizarlo,

Leonardo lo vuelve a poner de moda, también baja niño Jesús

de las rodillas de su madre al suelo,

pero para mí el cambio más significativo es el compositivo,

ya que pasa de una composición en bloque

a una composición piramidal.

En el boceto del cartón,

Santa Ana y su hija, la virgen María, son una.

Son un bloque en sí mismas como si fuesen siamesas,

porque cuesta distinguir dónde comienza el cuerpo de una

y dónde comienza el de la otra.

Sus cabezas están al mismo nivel y no se sabe bien

quién está sentada encima del quién.

Esta podría ser Santa Ana o esta otra, pero en la obra final,

esto se le debió hacer bola y decidió cambiar la composición

colocando la cabeza de Santa Ana en el vértice del triángulo

y definiendo mejor las dos figuras femeninas.

Por algún motivo a Leonardo le debió de parecer fantástico

que las dos figuras se confundiesen en algunos de los puntos

porque podemos ver que el brazo de María bien podía ser el de Ana.

El diseño no deja de ser muy novedoso, complejo y arriesgado,

ya que Leonardo consigue que las dos mujeres

parezcan un bloque monumental,

pero con movimiento en todas las direcciones

y esto lo conocemos como composición geométrica y dinámica.

Por supuesto, hay que sumarle más de lo mismo

que venimos viendo en Leonardo:

el estudio botánico, el estudio atmosférico, geológico,

compositivo anatómico, psicológico, un puto genio.

En definitiva,

esta obra emana un aura muy extraña entre su aspecto inacabado

y las expresiones sutiles de las mujeres que han dado pie

a un montón de interpretaciones

y la más extendida es que se sabe que, como Leonardo tuvo varias

figuras maternales entre las esposas de su padre

y su propia madre biológica,

aquí mezcla las dos figuras iconográficas de la maternidad

por excelencia en una sola persona.

(Música)

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Aprendemos en casa - De 12 a 14 años - Educación Artística/Educación Física: Música y Arte

01 abr 2020

Diversos contenidos de Música: comenzaremos con una explicación sobre el origen de la Música para adentrarnos posteriormente en la historia de la Música en la Edad Media y el Renacimiento. También se verán contenidos de Arte: nos acercaremos a la vida y obra de Leonardo Da Vinci.

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