Metrópolis La 2

Metrópolis

Miércoles a la 01.00 horas

Dirigido por: Maria Pallier

Espacio de cultura que se ha convertido en un punto de referencia obligado para todos aquellos inquietos por seguir las últimas tendencias en el campo de la creación artística. Temporada tras temporada, el programa ha sabido crear su propio lenguaje televisivo.

Metrópolis, es un programa semanal sobre cultura y arte contemporáneo que, desde el 21 de abril de 1985, se emite por La 2 de TVE. A lo largo de sus más de 1000 capítulos ha mantenido el formato original, un programa temático sin presentador de 25 minutos de duración. Si bien en algunos momentos de su trayectoria experimentó alteraciones de su formato, es precisamente éste el que ha convertido a Metrópolis en un programa televisivo de culto y objeto de coleccionismo. También se suele utilizar como material educativo en Facultades de Bellas Artes y Ciencia de la Imagen.

Metrópolis debe su creación a la llegada e inmediato 'boom' del vÍdeo arte en España a mediados de los 80. Los creadores del programa apostaron por el vídeo como un lenguaje artístico muy apto para ser mostrado en televisión. En un principio fue concebido como un escaparate para artistas emergentes, de todos los campos de la creación.

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No recomendado para menores de 16 años Metrópolis - Generación 2017 - ver ahora
Transcripción completa

(Música cabecera)

La fundación Montemadrid presenta una nueva edición de la convocatoria

de arte joven Generaciones,

certamen que se ha ido consolidando como plataforma de difusión y apoyo

al trabajo de nuestros jóvenes creadores,

en su camino hacia una trayectoria más afianzada y madura.

Comisariada por Ignacio Cabrero, la exposición que reúne

en La Casa Encendida los diez proyectos ganadores,

incluye instalaciones, fotografía, dibujo, escultura,

vídeo o performance,

un claro reflejo de la multiplicidad de la escena artística actual,

y la mayor profesionalización del arte emergente de nuestro país.

Esta noche, en "Metrópolis", "Generación 2017".

(Música)

Los artistas actualmente, están mucho más preparados,

a nivel de formación, han pasado por escuelas internacionales,

y además, su grado de profesionalización es mucho mayor,

porque ya están acostumbrados a tener galería,

han hecho exposiciones tanto colectivas como individuales,

y tienen experiencia internacional. Para mí es...

personalmente muy enriquecedor las conversaciones con los artistas,

y que me vayan transmitiendo cómo van componiendo sus obras,

para al final, aquí, entre todos, terminar de componer

el proyecto final, que es la exposición, ¿no?

-En general, más que como artista con el campo del arte,

lo que me interesa es la versatilidad que tiene.

-Con Lorenzo Sandoval sí que ha habido un proceso,

de mucho hablar con Lorenzo, Lorenzo vive en Berlín,

hemos hablado bastante, porque su proceso parte de otra obra suya,

el título no estaba cerrado, todavía no sabía cómo cerrar el título,

y todas las piezas que iban a componer su proyecto.

-La pieza se llama "Shadowwriting Talbot/Babbage",

Shadowwriting lo tomo de Henry Fox Talbot,

uno de los pioneros de la fotografía, y el nombre que le puso

al proceso de la fotografía era esquiagrafía,

que significaba escritura o dibujo con sombras.

Tanto Talbot como Babbage pensaban que el mundo era matemáticas,

y esto es importante en el sentido de que lo que hace la computación,

es transformar elementos de la vida en números.

(Música electrónica)

-El proyecto de Lorenzo ha estado muy en proceso hasta el final,

hasta que ha decidido lo que poner, y él me iba contando algo,

pero era un proyecto...

que hasta el último momento, y todos los materiales que iba a utilizar,

partiendo de un vídeo que tenía que hacer,

hasta que el vídeo no ha estado hecho,

no ha definido completamente la obra.

-Partía un poco de la relación entre computación, fotografía

y proceso de interiorización,

para pensar cómo hoy en día hay una serie de procesos

que tienen que ver con la imagen y la computación,

y un poco, definen nuestros deseos, nuestra formas de pensamiento, ¿no?

(Música electrónica)

-Rosana Antolí me habla de su idea, de su idea del juego, también,

de su idea del movimiento, y de su idea de llegar a ese momento

de oscilación, de ir para adelante y para atrás,

y ese momento que en un momento dado nos reímos,

y llamamos momento absurdo, ¿no?

(Música electrónica)

-Suelo trabajar hace años en el campo de la coreografía y la danza,

en relación con las artes visuales, y podríamos decir, nuestro día a día.

-Rosana es una artista que está muy ligada a la performance,

y me gusta mucho hablar con ella de qué le inspira en su trabajo.

El trabajo de Pina Bausch, por ejemplo,

cómo a ella también le afecta en su pieza,

y cómo performances escénicas afectan a su pieza, ¿no?

-He hecho una pieza que se llama "F=E·P/L", es una fórmula matemática

sobre el peso de los objetos suspendidos en el aire,

está basada en un principio casi pendular.

He dispuesto del espacio expositivo en el que he suspendido del techo

diferentes esculturas, en diálogo con un vídeo,

y con el cuerpo de los performers, y estas formas geométricas

son el resultado de hacer un análisis de los movimientos y acciones

de los objetos que nos rodean en nuestro día a día.

Me baso mucho en las teorías de Lefebvre y el ritmoanálisis,

y es ver cómo tenemos a nuestro alrededor constantemente

una coreografía de elementos, bailes de los que no somos conscientes

muchas veces, cómo se mueve el ordenador, nuestros zapatos,

las llaves... Todo es una danza nuestro alrededor,

y qué pasa si descontextualizamos esos movimientos,

los repetimos, acentuándolos o incrementando esa intención.

Y cuando ves el conjunto, cuando vas componiéndolo,

es como una pintura, y una pintura también...

Esta instalación es como una melodía musical,

en las que tienes diferentes notas de diferentes intensidades.

En definitiva, es como crear una melodía musical,

¿qué ritmo tendrá toda nuestra coreografía cotidiana?

(Música electrónica)

-Cuando voy a hablar con Rosana, aprovecho y me voy a conocer a Fito,

y que me cuente por qué quiere hacer esto,

que me cuente un poco su obra,

y descubro en él también algo que veía en el aire,

ese interés también por las fuerzas cósmicas, las conexiones...

Descubro que Fito tiene un interés por las estructuras matemáticas,

las estructuras que de alguna forma hacer entender lo universal,

las relaciones de lo universal con su biografía, y eso me intriga.

-Es un vídeo con un plano honesto, es un plano frontal,

hay nueve personas que están cantando.

Ya tenemos un coro, pero es un coro compuesto por elementos

con un factor sorpresa, casi mágico, que en principio,

cuando lo ves de lejos, no sabes o no intuyes,

y es que son chicos en proceso de cambio de voz.

Me interesaba hablar de este momento de cambio, que afecta realmente.

Son chicos que llevan estudiando música desde pequeños, de repente

se ven en una situación en la que su voz es un elemento complejo,

porque está en cambio, porque no lo sitúa donde estaban,

y esto, evidentemente, es extensible a más aspectos de la vida, incluso.

Si pensamos en la voz, la voz es un elemento primordial

a la hora de ubicarte, incluso socialmente.

Al final, es una composición de ejercicios de calentamiento de voz,

sin ir a ningún lugar concreto.

Hay un punto en el que se da prioridad a la expresividad,

más que a lo que es técnica musical.

(Ejercicios de voz)

(Música)

-Me interesa bastante la idea de memoria, y memoria subjetiva,

y cómo se construyen los saberes, y cómo se transmite el conocimiento.

Quizá por eso me atrae la idea del ornamento,

porque está muy relacionado con contar historias.

-Su proyecto también tiene que ver con una cierta experiencia,

llamémoslo alquímica, o no, de ir buscando,

a través de un viaje por la ribera del Duero,

ir buscando motivos ornamentales de ese patrimonio olvidado,

un patrimonio que no esté catalogado.

-"20 000 toneladas de piedra", toma como punto de partida

una frase de "Ciudadano Kane",

hace referencia al castillo de Xanadú,

"Ciudadano Kane" está inspirado en la figura de Randolph Hearst.

-Quiere simular lo que Hearst hizo,

este americano, que se llevó un montón de patrimonio de Castilla

para hacer el castillo en Estados Unidos,

que inspira en "Ciudadano Kane" el castillo de Xanadú.

-"Ciudadano Kane" está inspirado en la figura de Randolph Hearst,

él se construyó un castillo gigante en el rancho de Piedrablanca,

acaparó muchísimo patrimonio, parte era expolios,

otros extravíos, ventas o robos.

Él lo que hace es un pastiche de pastiche, un museo de museos,

un lugar donde piezas de distinto tiempo y espacio se alinean.

Partiendo de esa premisa, del castillo que Hearst

se hace a sí mismo con fragmentos de distinto tiempo y espacio,

pensé que se podría armar una instalación que,

aunque utilizando técnicas locales, inspirado en la arquitectura popular

y tal, buscase el patrimonio no en los sitios donde ha sido desplazado,

ni donde el patrimonio acaba, sino los restos, las resonancias,

los posos que haya podido dejar en la arquitectura popular,

en las artes y oficios...

-Y en eso él representa, en su pieza,

por ejemplo, los bocallaves, o diseños de verjas.

-Al final son símbolos y signos que se alinean, no solo por una cuestión

intelectual, ni porque yo solo quiera hablar de patrimonio,

artes y oficios, o culturas de lo colectivo,

sino porque también hay un tema de superstición,

y de otras maneras de contar.

-Están ligados a ciertas supersticiones o hechizos

que la cultura popular ha ido pasando.

Me interesa esa historia, lo que me cuentan esos momentos mágicos,

que él también busca.

(Música electrónica)

(Música)

-Mi trabajo se centra sobre todo en la escultura, en la instalación,

pero digamos que uno de mis intereses es la propia escultura,

pero hay un sustrato, una serie de temas o de aproximaciones

que se mantienen, tiene que ver con un interés con...

con la escultura exenta.

-Para mí es muy importante que el artista visite el espacio,

vivencie el espacio, y que hablemos de la mejor manera

de exponer su proyecto.

-Tengo una especie de intuición,

había un deseo de partida, como una idea motor,

situado en el terreno de la intuición,

tenía que ver con unir fenómenos contrarios,

en este caso, elementos abyectos, una cualidad abyecta,

con dinámicas de estilo de vida contemporáneo.

-Ella va a realizar algo nuevo aquí, que no sabe exactamente lo que es,

lo que me gustó de June es su honestidad,

y sobre todo, es una persona que trabaja mucho con la conexión

y la emoción de ella con lo que está haciendo en el momento presente.

-En la colocación de los objetos,

normalmente intento no hacer énfasis

en generar un discurso, una narrativa entre ellos.

Es más como aplicarles una especie de sistema

o estructura que está fuera de ellos.

Pero eso solo es un punto de partida.

Pero luego realmente todo pasa por una actividad de trasiego,

de encuentro con los materiales, de transformación.

-Ella me decía: "Es que para mí también es un juego

de mover las cosas todo el tiempo hasta que, de repente,

cobran forma y ahí es donde tienen que estar".

-Se trata de ir identificando,

de generar espacios para el encuentro en el proceso.

-El caso de Blanca Gracia

es un caso...

donde su pieza está bastante cerrada.

Su proyecto está bastante definido.

Era un proyecto de un vídeo, de una animación.

Está cerrada como idea

y ha seguido muy bien la idea que tenía en el storyboard.

-Yo siempre parto de imágenes de nuestro mundo real,

y para trabajar de los medios, revistas,

y lo descontextualizo para luego meterlo

en otras historias supuestamente ficticias,

pero que acaban siendo siempre

un reflejo de nuestra realidad presente o pasada.

-Ella presenta parte del storyboard en el proyecto inicial.

No ha hecho el vídeo, no ha realizado el vídeo.

Tiene que buscar a los actores.

Tiene que confeccionar el vestuario.

(Música)

Como dice el título,

es una historia que tiene dos finales. Dos variaciones.

Parte un poco de la idea o la estética

de las representaciones de teatro itinerantes.

Los juglares que iban de pueblo en pueblo

expandiendo la tradición

y enseñaban una lucha muy simplista entre el bien y el mal.

Es un argumento inventado por mí que se basa mucho

en las dos acepciones del mito del rey Midas.

Y también en la alegoría del buen y mal gobierno

de los hermanos Lorenzetti.

-Sin embargo,

había algo que también era interesante de exponer.

Eran los dibujos, el storyboard, y parte del vestuario.

Y, de repente, vemos que había que crear algo

que llevara lo teatral.

Diseñamos hacer un espacio expositivo delante del lugar

donde se va a exponer el vídeo de la habitación

y hacer como una especie de antesala que simule un cierto vestuario,

un lugar de vestuario, antesala de la representación.

Todos los teatros tienen una antesala.

(Piano)

(Disparos)

Yo trabajo en proyectos que tienen que ver con el territorio,

concretamente en el empoderamiento social sobre el territorio.

-Estaba muy cerrado el proyecto,

pero había una parte abierta, que era el vídeo.

El vídeo no lo sabía exactamente cómo hacerlo.

Entonces surge una idea

que quiere trabajar con un verdadero inmigrante

que haya pasado a través de patera el Estrecho para llegar a Europa.

(Música)

Hacen el vídeo y se quedan muy contentos,

David se queda muy contento.

Y, curiosamente, ese vídeo no está expuesto,

porque le va a servir para otra pieza,

porque nos damos cuenta al final, se da cuenta él,

que quiere meter otra cosa.

-El proyecto que presento en La Casa Encendida

se titula "El juego de la hiena".

Es un proyecto que comenzó a finales de 2015 en Ceuta,

tras una estancia que hice por cuenta propia en la ciudad autónoma.

El proyecto en lo que consiste es en desarrollar unas instalaciones

y habla sobre los recorridos que realizan los subsaharianos

que intentan entrar en Europa,

tomando como puerta de acceso la ciudad de Ceuta.

Lo que me interesaba de la pieza era construir un diálogo

entre los dos territorios.

Entre lo que sería África y Europa a través de un tablero,

a través de un juego en el que la gente puede acceder a él.

Es como una acción muy ridícula con un título muy extravagante,

pero que también trata de dejar en evidencia

esta situación en la que vivimos globalmente

en torno al territorio, las fronteras,

en torno al: "Tú perteneces aquí y yo acá".

La idea de barreras, ¿no?

-Un trabajo que estaba muy cerrado, el de David Crespo,

ha evolucionado a que el vídeo no es el vídeo que estaba pensado.

Al final mete un vídeo que es una imagen fija de una oca

que encuentra en un parque porque le inspira más

sobre la idea de su proyecto.

-Algo que he querido evitar un poco en el proyecto

es caer en imágenes que hemos visto cientos de veces.

La valla, las personas que intentan cruzar el Estrecho.

Quería generar más, hablar del tema y generar una reflexión

a partir del juego y la participación del espectador,

implicando al espectador que entren las piezas

en una reflexión un poco diferente sobre el tema.

(Sonidos de animales)

Curiosamente, con Rubén,

que me llevaba muy bien en el proceso,

en ningún momento yo le he dicho: "Tienes que mostrar algo",

porque he querido que él, absolutamente,

decida hasta el final si quería mostrar algo o no.

-La pieza por generación es difícil de ver.

Son huellas dactilares.

Están impresas por el espacio.

Una huella dactilar humana natural, ¿no?

Con la particularidad de que son sintéticas.

Prácticamente no se ve.

Y prácticamente, las yemas están... el dibujo de las crestas dactilares

está hecho por ordenador. No pertenecen a nadie.

-Solo hice una sugerencia al final.

Mostramos los guantes.

Los muestras y al final ha decidido que no

y ha respetado la idea inicial de su obra.

No hay nada. No se ve la huella, pues no se ve.

-El trabajo tiene que ver con la identidad.

La identidad es algo que se ha afilado mucho

con los estudios culturales de una manera muy determinada.

Y mis intereses, más que a ese nivel cultural,

el tema de la identidad, que me interesa a mí

y tienen más que ver con los procesos cognitivos

como los filósofos llaman a la burbuja epistemológica.

-El caso de Carlos Fernández Pello, artista que vive aquí en Madrid,

su proyecto con el que ha sido seleccionado en generaciones

en principio era un marco.

Un marco sin ninguna imagen es poner en el espacio

un determinado diseño.

El marco se llamaba, la obra, "Marco de referencia".

Una serie de papeles pintados e impresos

a disposición del público en la sala.

Esto evoluciona hasta lo que podemos ver actualmente,

que son mobiliario expuesto en sala con una serie de cojines,

con unos libros de ciencia ficción, con sonido...

-Me planteé el punto de partida en William Morris,

que es un diseñador teórico, socialista

y medio anarquista de finales del siglo XIX.

Tenía como objetivo,

uno de sus objetivos era el hacer que las cosas bellas

fueran accesibles para todos, ¿no?

Uno de los exponentes máximos del Arts and Crafts de la época,

del movimiento Arts and Crafts

y él, de alguna manera,

fue de los primeros o precursores en crear empresas de diseño

a escala industrial.

Papel de pared, sobre todo, que es lo más conocido

y también mobiliario.

La idea era hacer papel de pared.

Empezó como una propuesta de repetir estos papeles de pared,

pero con elementos actuales.

De ahí pasé por la idea de hacer textil,

luego también de mobiliario por mi práctica profesional.

Y, sin embargo, cada vez me gusta más la idea del banco de sala,

y también lo que implica a nivel de suspensión del espectador

o de la manera en la que el espectador se mueve en la sala.

Se sienta, se para.

Y cada vez cuanto más avanzaba,

la idea original se va quedando de fondo,

y cada vez necesitaba de menos el patterns de Morris y demás.

Había también una especie de proceso generativo

que me está llevando hacia otro lugar.

Yo te diría que, en la manera en que se relaciona,

tiene que estar con otras obras.

Aunque tiene su propio contenido,

son unos bancos bonitos para tocar con distintas texturas

que tiene todo esto de los patterns y los cojines y demás,

en el fondo, creo que funciona siempre

una exposición colectiva mucho mejor.

Esa es la naturaleza del proyecto que no había previsto.

A mí me ha parecido muy interesante la formalización

de la pieza de Carlos,

porque al final encaja muy bien en la exposición.

Yo creo que la enriquece.

A mí me ha gustado el guiño de la ciencia ficción,

cómo ha incluido un libro,

"Libros de ciencia ficción" en la obra.

Es un guiño al trabajo de Marian Garrido.

Artista con la cual también se siente identificado.

Porque dialoga con ella, ¿no?

De hecho, Marian Garrido incluye en su propuesta

algunos motivos que son iguales

que los que utiliza Carlos Fernández Pello en los cojines, ¿no?

Marian Garrido es una artista que desde el principio tenía

muy claro su proyecto.

Cuando hablamos, ella y yo lo que sí que tenemos claro

es que hay que exponerlo en una especie de gabinete.

-Por su instalación o el proyecto expositivo que he traído

para generaciones, ocupa una sala una especie de pasadizo,

por lo que se puede ver de manera conjunta.

El trayecto ideal es empezar por el libro

que está en una peana, en una especie de tótem.

Ahí empiezas el génesis de la historia.

Además, están los dos elementos que vinculan

el resto de piezas y que son principales

para entender el discurso o el trasfondo de lo que va la obra, ¿no?

Es una recopilación de chats de internet,

de foros de internet, que van desde el año 2000 al 2001.

La historia que hay detrás es de una persona anónima

o personas que, con un nombre de usuario,

empezaron a entrar en esos chat

y a decir que se trataba de un crononauta,

de un viaje en el tiempo,

pidiendo una serie de requisitos en el ordenador

para poder volver a su tiempo, ¿no?

Me valgo también de otro recurso,

que es el pigmento han púrpura.

Casi toda la obra que se puede encontrar en la instalación

tiene ese pigmento.

Es una manera, digamos,

poética de hablar de los viajes en el tiempo, del colapso dimensional

y de las líneas paralelas del tiempo.

Es un pigmento muy especial

porque es el primer pigmento no natural que utiliza el hombre.

Es del año 2000 a. C. Se utilizaba en China.

Hasta el año 92 no se reproduce químicamente en un laboratorio.

En este laboratorio se dan cuenta de que,

además de brillar en la oscuridad,

puede colapsar las dimensiones.

-Va en paralelo a la exposición el catálogo.

El catálogo es otro formato expositivo.

Es otra pieza más dentro de generaciones.

Es una pieza que queda.

Yo dialogo con el artista

para ver desde qué imágenes incluir,

que pueden ser de otros proyectos anteriores dentro del catálogo.

Y qué autor quiere y desea que escriba un texto

sobre su proyecto dentro del catálogo.

La idea es que ese autor complemente el proyecto.

No que hable del proyecto para hacer una descripción.

Sino que sea, de alguna manera, una parte del proyecto del artista.

(Música créditos)

Metrópolis - Generación 2017

15 feb 2017

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