Dirigido por: Maria Pallier

Espacio de cultura que se ha convertido en un punto de referencia obligado para todos aquellos inquietos por seguir las últimas tendencias en el campo de la creación artística. Temporada tras temporada, el programa ha sabido crear su propio lenguaje televisivo.

Metrópolis, es un programa semanal sobre cultura y arte contemporáneo que, desde el 21 de abril de 1985, se emite por La 2 de TVE. A lo largo de sus más de 1000 capítulos ha mantenido el formato original, un programa temático sin presentador de 25 minutos de duración. Si bien en algunos momentos de su trayectoria experimentó alteraciones de su formato, es precisamente éste el que ha convertido a Metrópolis en un programa televisivo de culto y objeto de coleccionismo. También se suele utilizar como material educativo en Facultades de Bellas Artes y Ciencia de la Imagen.

Metrópolis debe cu creación a la llegada e inmediato 'boom' del vÍdeo arte en España a mediados de los 80. Los creadores del programa apostaron por el vídeo como un lenguaje artístico muy apto para ser mostrado en televisión. En un principio fue concebido como un escaparate para artistas emergentes, de todos los campos de la creación.

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No recomendado para menores de 16 años Metrópolis - INJUVE - ver ahora 30.08 min
Transcripción completa

(Música cabecera)

A través de diferentes soportes y técnicas,

hoy, los jóvenes creadores, se enfrentan a nuevos retos,

planteando otros lenguajes y narrativas posibles,

nuevas formas de entender el mundo.

Esta noche, en "Metrópolis", nos acercamos, una vez más,

al arte emergente, gracias a los proyectos ganadores

de las Ayudas Injuve a la Creación Joven

en la modalidad Artes Visuales,

que se presentan en la sala Amadís de Madrid.

Una muestra del escenario creativo actual,

donde los márgenes se desdibujan cada vez más,

para dar lugar a propuestas innovadoras

que cuestionan y analizan el entorno a la vez que se muestran sensibles

ante las problemáticas sociales existentes.

(Música)

Este es un proyecto de comisariado

que tiene unas características peculiares y particulares,

no es un comisariado donde, precisamente,

el trabajo curatorial es lo fuerte y es lo importante,

sino que aquí el comisario, quizá, es un papel secundario.

(Música)

En términos generales, me interesa,

frente a esa dificultad de decir:

"¿Por dónde va esta generación que ahora tiene 30, 30 y poco...?",

para mí, lo interesante es esa desatomización,

cómo hay soportes diferentes,

aquí hay uso de vídeo, hay un artista que es cinematógrafo,

hay otro que su interés, varios, incluso, diría,

que hay un interés por la psicología humana,

hay también unos relatos que utilizan como protagonista a la naturaleza,

pero captada desde diferentes lados.

Creo que entre las jóvenes artistas, la generación que recibe esas ayudas,

están presentes en esta exposición del Injuve,

hay variados temas, variados intereses,

soportes muy diferentes, y creo que eso es lo interesante.

(Música)

Trabajo fundamentalmente en el ámbito audiovisual,

sobre todo, con no ficción.

(Pájaros)

Es un poco difícil, la verdad,

tratar de definir una dirección concreta,

porque tengo, hasta ahora, tres proyectos

y son en latitudes muy distintas.

Tengo en el norte de Noruega, en el Sáhara, en Suecia,

otro más en Galicia y, la verdad, es difícil tratar de...

establecer una conexión obvia y directa entre todos ellos,

pero, tal vez, diría que en todos la primera persona se incorpora

a la propia narración de la obra.

"Terra mullada" o "Tierra mojada"

es una pieza audiovisual de nueve minutos de duración

y el origen de esta pieza era bastante distinto

a lo que, al final, ha resultado,

era una exploración sobre la propia lluvia.

Como te decía antes, casi siempre trabajo con climatología, con luz,

con falta de luz, con paisaje,

entonces, después de varios años en Escandinavia, regresé a Galicia

y estaba muy interesado

con cómo la gente se relaciona con ese paisaje

y con esas condiciones meteorológicas.

Comenzó siendo sobre gente que trabaja en exteriores,

bajo la lluvia, pero mientras filmaba,

conocí a un grupo de mariscadores y mariscadoras

y me di cuenta de lo fuerte que era la relación

que ellos tenían con la tierra, que era una experiencia corpórea,

enterrar las manos en la arena en busca, en este caso, de almejas.

Decidí centrarme en ese grupo de trabajadores

y ahora es una exploración de la interrelación

o interdependencia, casi, que existe entre estos seres humanos

y el paisaje en el que habitan.

Un factor del que no he hablado y que está en la pieza

es una visión muy agria sobre esta localización concreta,

porque estos trabajadores desarrollan su labor

en una ría en la que hay una fábrica que lleva años contaminando esa zona.

Ha habido una batalla muy larga, tanto legal como social,

para tratar de trasladar esa fábrica a otra zona,

entonces, es realmente duro convivir con una serie de trabajadores

que dependen del alimento que el mar les da y nos da

en una zona que está contaminada por una fábrica.

Cuando los espectadores que vengan a ver la exposición

vean esta pieza,

supongo que serán conscientes de lo autodestructivo

que puede llegar a ser el ser humano, en este caso, nosotros mismos,

mis vecinos y yo mismo como parte de este lugar.

(Música)

Mi forma de materializar mis ideas son muy diversas

y pueden ser un vídeo, una instalación,

una fotografía, una acción...

Estoy bastante libre en ese sentido

y abordo temas como muy lejanos y muy amplios,

muy difíciles de definir,

pero me lo llevo a un territorio muy concreto y muy cotidiano

que me rodea.

Un día, leyendo, no sé cómo,

llegué a un artículo que decía que la Luna se separaba de la Tierra,

al año, 3,78 cm.

Por aquel entonces, yo leía mucho a Cioran

y él define la nostalgia

como la obsesión afectiva de estar lejos del hogar, siempre,

completamente lejos de casa, entonces, como automáticamente,

hice la conexión entre la definición de la nostalgia de Cioran

con ese fenómeno de la separación

de la Luna, único satélite de la Tierra,

de ella, como de su lugar de procedencia.

Entonces, se me ocurrió recrear la distancia exacta,

desde el 69,

momento en el que tomamos contacto físico con la Luna por primera vez,

hasta aquí.

La instalación es un cubo negro cerrado,

cerrado con un muro autoportante con un troquel

en el que se puede leer: "Perpetuamente lejos de casa",

entonces, el espectador, desde fuera, a través de esas letras,

al asomarse, ve a Neil Armstrong, pequeño.

La fotografía, la primera fotografía, a 3,78 cm a lo lejos,

iluminada únicamente con un flexo.

Es un poco la metáfora también

de cómo ese sueño de aquel astronauta

que representaba a muchísima población,

se va haciendo cada día más lejano y toma más distancia con el tiempo.

Una cuestión que me interesa

es que, con el paso del tiempo, con los años,

volver a ver esta instalación,

porque, realmente, el año que viene la distancia va a ser muy pequeña,

pero sí me gustaría volver a verla dentro de 10 años

y ver esa distancia que crece y va creciendo.

Creo que es infinita esta instalación.

(Música)

El proyecto "Reforestando en la Ribeira Sacra",

consiste en 10 intervenciones murales

en espacios, visualmente abandonados,

en zonas rurales de la Ribeira Sacra, Galicia,

con la idea de focalizar la atención

en la fuerza de la naturaleza y la vegetación autóctona,

transformando esos espacios a través de la reforestación visual.

(Música)

Creo que la palabra artista no es una palabra cómoda para mí,

en todo caso, soy pintor y otra práctica que me gusta mucho

es la edición y, sobre todo, la literatura.

Mi búsqueda a través de la pintura es la mayor ambigüedad posible,

entonces, lo que me permite el humor también como herramienta

es evitar todo tipo de certezas, de comodidades,

digamos, de anclajes, que son muchos anclajes

que en el mundo del arte contemporáneo también existen

y, muchas veces, tienen que ver, por ejemplo, con anclajes idealistas

que, a veces, se traducen de forma política,

a veces, se traducen de forma filosófica.

En mi ámbito personal, considero a Nietzsche uno de los pensadores,

porque no es exactamente un filósofo,

y, de hecho, es mucho más próximo a la práctica artística

o, por lo menos, adelantó mucha de la teoría del siglo XX

que manejamos actualmente.

De repente, un día di con un concepto que es el concepto de lo alciónico,

que es adjetivado,

y luego aparece como sustantivo, como alcionismo,

y me resultó profundamente extraño,

precisamente, porque el lenguaje de Nietzsche es muy claro

y muy contundente y muy directo

y, además, prescinde siempre de florituras.

Entonces, como me llamó especialmente la atención,

lo que hice y de lo que va este proyecto

es realmente cómo trazar una historia a través de un concepto

que aparece seis o siete veces en toda su obra,

que nunca define, claramente, lo que es,

pero que se integra a sus temas más importantes,

que son la muerte de Dios, la voluntad de poder,

el superhombre y el eterno retorno de lo idéntico.

Yo quería investigar, no tanto desde una posición más hermenéutica

o más cercana al academicismo,

sino una posición más emocional o más artística, es decir,

extrapolada al lenguaje artístico.

Qué era ese concepto, con qué otras imágenes se relaciona,

con qué mitos, a qué mitos se sobreañade.

Entonces, creo que hay dos cosas simultáneas,

una que está en el libro, que es una de las piezas,

que da cuenta a toda esta investigación,

pero está escrito a un nivel más narrativo, no tan académico,

y luego, el resto de piezas, 3 cuadros, 1 bandera y 1 fotografía,

no son tanto a referencias directas al alcionismo o a lo alciónico

como qué he aprendido yo de Nietzsche respecto este término

y cómo es aplicado al campo del arte.

Pienso que la labor de una obra está en, simultáneamente,

poder contar una historia

que, en este caso, está expresada en el libro

y, al mismo tiempo, que haya gente que pueda ver las obras

y disfrutarlas y, sobre todo, algo que es muy importante,

que es que se emancipen de lo que he pretendido contar.

(Música)

Decían que eras escritor de ciencia ficción.

-Así es.

-¿Cuál es tu interés de estar aquí?

-Me parece que el arte es punta de lanza

en la vanguardia del pensamiento.

Ahora estoy por lanzar un nuevo libro que se llama "Metánesis".

-"Metánesis"...

-Sí, quiero que en el mundo del arte

empiece a desarrollarse, que corra la voz,

que la gente lo conozca.

-Y ese título, ¿de dónde sale?

-Ese título viene de tres orígenes griegos:

"meta", más allá, "nous", mente,

mente de uno, como la percepción inmediata de la realidad

y mente como ese ordenador que plantea el orden del universo,

y "sis" que sería, de alguna manera, la dinámica de la acción,

más allá de la mente en acción.

Date cuenta que yo no soy de este planeta del que tú eres,

yo soy de otro planeta. -OK.

-¿Sí? ¿Podemos partir de ahí? -OK.

-¿Como de esa realidad?

-Entonces, ese nombre es de ese planeta,

digamos que de ahí ya empieza el juego.

-Exactamente. -OK.

-No significa, solo es un fonema. -OK.

-Con eso es que necesito que me hagas mi perfil de personalidad.

-¿Qué pasa?

(Música)

En cuanto a medios, me gusta trabajar con técnicas muy distintas,

no me gusta acostumbrarme a trabajar con nada en concreto,

me gusta que cada proyecto sea un reto personal

y aprender con cada uno.

Entonces, me muevo bastante con el vídeo,

la fotografía siempre me acompaña,

pero también he hecho bastante instalación,

me gusta el reto de la exposición,

de cómo distribuir las diferentes piezas en el espacio

y cómo el espectador se va a enfrentar a ellas.

El proyecto que se presenta aquí surgió gracias a que me invitaron

a realizar una exposición colectiva

los comisarios Pau Waelder y Fernando Gómez de la Cuesta.

La exposición se titula "Tabula Rasa" y empezó en el Baluard,

pero itineraba a este centro, a Hilavaria Studios.

Me pareció que la historia del lugar era muy interesante,

así como su arquitectura, porque está hecha como un collage.

La estructura principal era el pabellón de Kodak

que se utilizó en la Expo del 58 en Bruselas

y, posteriormente, se llevó a Tilburg, a esta región,

para montar unos estudios de cine.

En la sala Amadís muestro unos fragmentos,

pero esto fue una instalación site-specific

hecha para el lugar, para las puertas de cristal.

Con un collage de fotografías que recogía la memoria del edificio,

de tal manera que las transparencias

se solapaban en el paisaje de Brabante,

y que es un paisaje muy bonito

porque está en medio de la naturaleza,

casi en la frontera con Bélgica.

Para esta exposición,

como no tenía sentido volver a desplegar esa instalación,

esa instalación tenía sentido allí, pues decidí...

recoger la experiencia

de recorrer el mismo camino que hizo esa estructura,

ir a Bruselas y luego ir a Tilburg, donde se instaló.

Y me parece que una publicación era un buen formato,

como tener un recuerdo,

pero a la vez darle entidad de pieza

y que el espectador también pueda acceder a...

a esa instalación de una manera distinta,

no con una simple foto.

Tiene todo un concepto

bastante relacionado con lo efímero.

Porque la arquitectura del pabellón de Kodak

nació para ser efímera.

Los negocios que se llevaron a cabo, como los Hilavaria Studios,

también estuvieron cerrados mucho tiempo

hasta que pasó a convertirse, en 2009,

en un espacio para exposiciones.

La propia empresa de Kodak se declaró en bancarrota en el 2010.

Entonces, esa idea también del fracaso y de lo efímero,

que sí que me gustaría que...

que fuese algo que se llevase el espectador.

No me gusta definirme nada. Es complicado.

Pero, por los intereses, me interesa mucho la pintura

y todas las prácticas paralelas que surgen,

desde el filtro a la pintura.

Ya sea fotografía, escultura, vídeo...

Me gustan los roces entre las diferentes prácticas

y lo que de ahí pueda surgir.

Tampoco me importa si se llama pintura,

se llama escultura o se llama fotografía.

Me gusta incluso que sea un poco indefinido en ese sentido.

He elegido estos dos cuadros,

que son una selección de un grupo más grande de piezas.

Estas dos piezas para mí son representativas de la serie

en la que trabajo sobre superficies de cemento.

Y sobre este encofrado transfiero la fotografía

de la localización,

y luego procedo a intervenir con pintura

y con materiales encontrados

en el propio lugar donde tomé las fotografías.

Para mí era interesante que la gente

tuviese ese sentido táctil de las obras,

que se acercasen a tocarlas.

Y esa corporación de las materiales extrapictóricos,

como son los hierros que he ido encontrando,

que están oxidados, que tienen un poco de vida.

Por encima de eso está la última capa,

que es la incorporación de la pintura.

Y son estas líneas como de luz,

que son neones.

Bueno, emulando neones.

Para mí también es interesante la parte metafórica que tiene eso.

Juega un poco con el contraste entre lo nuevo y lo viejo,

y lo reluciente y lo que parece...

Que nos llama la atención y que nos atrae.

Y esa otra parte decadente y de vacío y de...

Y un poco de echado a perder.

El proyecto consiste en documentar

lo que son los edificios que han quedado abandonados

durante el boom inmobiliario.

Es decir, documentar las construcciones

que no han llegado a ser edificios en realidad.

Son como esta especie de abortos de edificios

o ruinas precoces, que me gusta a mí llamarlo,

porque son ruinas antes de llegar a ser edificios.

El proyecto surge de manera casi natural

en el proceso que llevo durante los últimos años.

Estaba trabajando en torno a la arquitectura,

en torno al paisaje urbano.

Y trabajar en esos temas en este país te lleva inevitablemente

a hablar de la situación actual.

Riverbed es un foto libro que indaga en el umbral

hacia la edad adulta.

Reflexionando en las relaciones entre individuo y entorno.

A través de aspectos en continuo cambio y descomposición.

Una búsqueda personal a través de las elecciones tomadas

y la incertidumbre de sus consecuencias.

A medida que pasamos por diferentes etapas,

es inevitable llegar a lugares sin retorno,

sin vuelta atrás.

Momentos puntuales en los que hay que decidir.

Sin embargo, en ocasiones,

estas decisiones no atienden a una única causa,

ya que, en un sentido muy importante,

todo es causa de todo.

(Música)

En el campo en el que más me muevo es el tema del paisaje.

Sí que toco otros campos,

siempre relacionado con el caso del tiempo, etc.,

pero en el paisaje es en el que más me estoy centrando.

Me interesa muchísimo cómo el paisaje

se define como tal en cuanto una persona se sitúa en él.

En resumidas cuentas, es como si el paisaje no existiese.

Porque es el hombre el que lo define.

Pierde entidad de paisaje en cuanto se define antropológicamente.

Realmente, bajo este mismo proceso,

bajo esta misma idea de producción que tengo respecto al paisaje,

siempre solo hacer obras fotográficas y de instalación.

En este caso en concreto, para el proyecto del Injuve,

quise ir un paso más allá.

Siempre trabajaba esa intervención en el paisaje

desde un punto de vista ajeno.

Es decir, yo llegaba y documentaba algo que sucedía en ese paisaje

con un punto de vista extraño.

Pero en este quería ir más allá,

quería hacer una intervención directa.

Y siempre, en toda mi producción,

mantengo una reflexión acerca de la propia fotografía,

de para qué sirve exactamente la fotografía.

El proyecto es bastante grande, tiene una envergadura mayor.

Son varias series de piezas.

En este caso, aquí, en la sala Amadís,

se expone un díptico de una de las series

acompañada de otra pieza,

que es un dibujo superpuesto sobre metacrilato,

a fin de esa representación incluso matemática

de esa intervención en la naturaleza.

Se deja ver en la sala de exposiciones

y por la mano del hombre, en este caso, la mía.

Y un par de piezas objetuales

que tienen elementos que se extraen de su propio paisaje.

Se traslada incluso a la sala de exposiciones.

No hay límites entre una cosa y otra,

entre el entorno exterior y el interior.

O incluso el artístico y el estético.

Es jugar con ese factor de documentación,

pero que realmente no existe.

Porque, insisto, hay algo extraño que sucede ahí.

Es un paisaje, pero es un paisaje que no es real.

Pero sí son elementos reales que han estado ahí.

Siempre hay como un bucle.

Como las dos caras de una misma moneda.

¿Hasta qué punto es real lo que estoy viendo o no?

Lo que quiero es que en ese proceso de extrañamiento,

que cuando el espectador vea la foto y diga: "Aquí sucede algo",

le haga plantearse cosas, le haga cuestionarse qué está viendo,

o incluso cómo ha podido suceder eso.

Yo diría que como artista me inscribo

en lo que se conoce como prácticas conceptuales.

Yo suelo decir que hago tres cosas.

La primera cosa, la que llevo más tiempo haciendo,

es una serie de conferencias performativas

que se inscriben en lo que yo denomino

el bloque de trabajo basado en texto.

Que tiene que ver con escritura,

tiene que ver con la transmisión oral,

tiene que ver con la oralidad.

El segundo bloque de cosas que hago

tiene más que ver con trabajo de estudio,

que suelen ser objetos, imágenes de objetos,

pequeñas esculturas, fotografías, etc.

Y después, desde hace unos cuantos años,

dos, tres,

empecé a editar libros de otros artistas.

E inicié esta editorial que llamo Biel Books,

en la que junto con los artistas, de forma más o menos colaborativa,

editamos libros.

El proyecto que presento para la exposición de Injuve

se titula Puff!,

con un signo de admiración.

Y es, de alguna forma, una secuela de un libro que hice en 2012,

que se llamaba "Madera curvada".

En ese primer libro,

que tenía mucho que ver con esta idea de objetos

y discursos sobre objetos.

En este primer libro tomé dos casos de estudio.

Uno era la curvatura de madera con vapor,

que es una técnica de fabricación en mobiliario

que se desarrolla en el siglo XIX,

y el segundo caso de estudio,

que eran las sillas con estructura en voladizo.

Hay un tema clave para entender...

Digamos que cruza de forma como transversal

todo el texto, que es la idea de lo informe,

que es una idea que está muy presente durante el siglo XX,

pero que, de alguna forma,

se le reconoce un potencial revolucionario.

Básicamente, el texto que escribo es una...

Finge ser la transcripción de una conferencia

que nunca tuvo lugar.

Y además funciona a posteriori

como posible guion de una lectura performativa del libro.

Actualmente, Espacio Cienfuegos

es un lugar en el que se almacenan o aglutinan diversas cosas.

Como, por ejemplo, un taller para trabajar.

Allí trabajan varios artistas.

Un lugar donde se hacen eventos de todo tipo

relacionado siempre con la cultura.

Y exposiciones, recitales.

-Surge de cuando Cristian, Laura y yo coincidimos

en la Fundación Antonio Gala en el año 2011.

Después de nuestro paso por allí

y compartir espacio de trabajo con diferentes creadores,

nos dimos cuenta de lo que uno crecía y de cómo se abría la mente

y la cabeza al compartir experiencias con creadores otros ámbitos.

Desde música, literatura, poesía...

No sé, diferentes lenguajes.

-Desde el primer momento teníamos claro

que el espacio que alquilamos

originalmente entre esos seis que empezamos

ofrecía posibilidad de hacer allí otras cosas,

y aceptamos cualquier tipo de propuesta,

siempre dentro del ámbito cultural.

-El proyecto que nosotros lanzamos era redundando otra vez en lo mismo,

en lo que era lo mejor que tenía Cienfuegos,

que era compartir espacio, compartir experiencia,

y que fuese un lugar donde una generación de gente

que hiciese cosas muy diferentes se pudiese reunir

y compartir experiencias, ideas, referentes...

Ese tipo de historias.

De todos los proyectos que se presentaron de España,

y de fuera de España también, Argentina, México y eso,

cogimos diez proyectos.

En total eran 12 creadores.

De música, de artes plásticas...

De muchas disciplinas diferentes.

Han estado seis meses allí desarrollando su proyecto.

Y justo hoy, a la vez que se inaugura esta exposición,

se inaugura en Cienfuegos la exposición de los residentes.

-A nosotros nos hubiese gustado

que se estableciera una conexión más directa

entre lo que va a pasar allí, porque, a fin de cuentas,

los becarios de Cienfuegos, que han sido becarios

gracias a las ayudas que nos han concedido,

han producido sus trabajos y hoy los exhiben allí.

Pero al final, por el formato de la exposición

y cómo está diseñada,

lo que hemos hecho es dar a conocer nuestra asociación

y mostrar un poco esa diversidad

y esa gran cantidad de cosas que generamos al cabo del año.

(Música créditos)

Metrópolis - Ayudas INJUVE a la Creación Joven

31 ene 2016

Los últimos 239 programas de Metrópolis

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