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Para todos los públicos UNED  - 09/12/16 - ver ahora
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En este programa analizaremos la obra "Alento",

una de las más recientes producciones

del Ballet Nacional de España.

Contamos con los testimonios de Antonio Najarro,

director del Ballet Nacional de España;

Fernando Egozcue, compositor de la música;

Inmaculada Salomón, primera bailarina;

Francisco Velasco, bailarín principal;

y Pilar Lago,

profesora titular de Didáctica de la Música de la UNED.

"Alento", como su nombre indica, viene del portugués,

primera persona del presente del portugués de alentar,

en español sería aliento, pero en portugués es "alento",

y es un mensaje que he querido dar

con esta última creación para el Ballet Nacional de España,

un mensaje "alentador".

Es una coreografía que no tiene argumento,

si no, simplemente, mi deseo es... motivar,

dar un mensaje positivo,

un mensaje fresco de lo que es nuestra danza.

Una coreografía sin argumento, pero con mucho mensaje,

con mucha dinámica y con mucha alma, con mi alma.

Es un reflejo de todo lo que llevo trabajando

en mis anteriores producciones,

el mensaje que he querido dar en mis anteriores coreografías

y una definición perfecta de mi estilo como creador,

de una manera, como te he dicho, muy positiva,

con un mensaje que va directo al corazón,

ya sea por la intimidad que puede haber en un paso a dos,

por la fuerza que puede haber en un baile de hombres

o por la dinámica que puede haber en una coreografía grupal,

que me define mucho como coreógrafo.

Simplemente dar un mensaje de que la danza está en evolución,

de que la danza tiene que alegrar,

de que el público tiene que irse de un espectáculo... alegre, motivado,

con una energía renovada,

y yo pienso que eso es todo lo que hay dentro del ballet "Alento".

"Alento" es aliento, es vida, y esto es lo que vemos...

en la maravillosa puesta coreográfica de Antonio Najarro.

Antonio Najarro es valiente, es audaz, es original, es intrépido,

y hace posible que el cuerpo sea verdadero.

El cuerpo no miente, lo sabemos,

sobre todo, los que nos dedicamos a esto,

pero es que es una muestra muy clara,

a lo largo de todo el pasaje de la obra,

de cómo Antonio ha ido utilizando el cuerpo como un lenguaje,

como un lenguaje de verdad.

Cuando los bailarines utilizan los brazos,

tanto en la parte grupal como en el paso a dos,

que emerge de una especie de nube

o de cielo maravilloso lleno de nebulosas,

verdaderamente lo que estamos viendo es...

dos cuerpos que hablan, dos cuerpos que nos dicen,

que nos dicen cosas... que nos dejan imaginar,

que es la mejor manera de no coartarle al espectador.

"Alento" se divide en seis partes:

Origen, Luz, Ánimas, Acecho, Ser y Alento.

La construcción de "Alento"... principalmente lo que yo quería

es que cada uno de los movimientos que conforman "Alento",

tuvieran un olor, un sabor y una dinámica diferente.

Así lo he querido construir...

una primera pieza con mucha fuerza "Origen",

con un movimiento de muchos bailarines en el escenario,

que es algo que me encanta y que me siento, además,

muy a gusto haciéndolo, mover a los bailarines en el escenario,

crear muchos movimientos coreográficos,

con una técnica muy pulida,

que es la base para que luego el bailarín

pueda desarrollar su personalidad, interpretarla...

con su sensibilidad y con su personalidad,

que tanto caracteriza al individuo.

Le sigue un paso a dos "Luz",

un paso a dos en el que hay una base de ballet clásico muy fuerte,

un paso a dos muy envolvente,

un paso a dos con muchísima sensibilidad,

en el que queda reflejado,

aparte del alma de cada uno de los bailarines,

su interpretación técnica.

Le sigue un movimiento que es únicamente de mujeres,

haciendo referencia un poco... al animal, al ave.

Van vestidas con plumas,

luego hablaremos del diseño de Teresa Helbig,

pero ella también ha sabido

lo que es engrandecer esta coreografía,

a través de esas plumas que simulan el animal femenino,

la fuerza que tiene la mujer

y, al mismo tiempo, la sensibilidad y la feminidad que tiene

transformándose en un pájaro, en un ave.

Le sigue un movimiento de hombres, yo creo que este es el movimiento

más arriesgado de "Alento" dentro de la danza española.

Una coreografía en la que he querido incluir...

ritmos y movimientos que hacen referencia al blues, al jazz,

al ragtime, que es un ritmo que se creó como primicia,

como origen del jazz,

un movimiento en el que los chicos hacen movimientos muy bluseros,

se rompen ahí, incluso, hasta una cazadora de cuero,

se mezclan terciopelos con cuero, con...

un movimiento muy diferente,

que he querido también plasmar en el Ballet Nacional.

Le sigue otro movimiento "Ser", un solo... de una bailarina

que desciende desde el techo como si fuera una aparición,

colgada en un columpio,

un número supersutil, con muchísima sensibilidad,

romántico, etéreo, femenino...

que está adornado por una bata de cola,

creada también por Teresa Helbig, que crea ese ambiente de femineidad,

de solitud... y que crea, en esta bailarina, un movimiento exquisito,

en el que habla con sus castañuelas

como si estuviera hablando con la voz,

y, en un momento dado, se quita esa bata de cola

y se transforma en una mujer transgresora, fuerte...

una mujer que tiene peso, que sabe...

tiene un poder muy fuerte de decisión en su vida,

crea un ambiente en el que la mujer tiene el poder y el peso.

Y cierra el espectáculo uno de los números...

yo creo que, visualmente, puede ser el más impactante,

porque es una recreación de todos los bailarines sentados en banquetas,

haciendo un juego de castañuelas totalmente inusual,

yo doy mucha importancia en mis coreografías a las castañuelas,

es un instrumento que me ha acompañado toda mi vida,

que se suele utilizar como un acompañamiento,

un simple acompañamiento musical de la danza española,

en este caso, de la danza clásico-española,

pero que yo le he querido dar un plus

y lo he querido utilizar como un elemento muy visual.

Entonces, bueno, los chicos sentados en banquetas

hacen choques y toques de castañuelas muy virtuosos,

y todo se recrea bajo una música muy jazzera,

que hace que sea una coreografía...

que el público, además, se sienta muy identificado,

tanto por el ritmo del jazz como por el vestuario que está viendo...

es muy de calle, es muy de noche, es muy palpable,

y tiene un ritmazo que le ha metido ahí Fernando Egozcue

con batería, con... bueno, guiños muy fuertes,

que la convierten en una coreografía muy fluida y con muchísima fuerza.

La música es una pieza clave en "Alento".

El músico y compositor, Fernando Egozcue, es el responsable.

Trabajamos hace bastantes años juntos, desde el año 2002,

o sea, que llevamos 14 años trabajando juntos,

con lo cual ya tenemos una...

justamente, hace tanto tiempo que trabajamos juntos,

hay una afinidad y una confianza,

y una seguridad en el otro, una manera de trabajar que era...

la de hacer... primero, musicalmente,

una tormenta de ideas, yo diría, musicales,

de ahí se eligieron elementos musicales para las distintas partes,

que podían encajar dentro de la estructura,

y ahí comienza el trabajo de realización de la música,

una vez que tienes la idea musical.

Y la parte de realización de esa idea musical la fuimos haciendo...

casi te diría, a diario, pactándola y viéndola con Antonio.

Cuando un creador tiene la gran suerte de que le compongan la música,

como ha sido en mi caso, con Fernando Egozcue,

el primer proceso ha sido...

primero, saber yo lo que quiero plasmar en el escenario,

ya no sólo como pasos, sino como la idea, como sensación,

como la energía que yo quiero que desprenda del escenario

en cada una de las piezas,

y eso es lo que yo transmito al compositor,

en este caso, a Fernando Egozcue,

y a partir de ahí, él empieza a idear...

lo que él quiere plasmar sobre la partitura,

los ritmos que quiere plasmar...

y todo es un continuo diálogo.

Yo creo que tiene dos aspectos diferenciados, que son...

las partes más lentas,

el paso a dos, por ejemplo, que es un largo, un tiempo de largo...

donde hay un solo de guitarra en el comienzo, unos 2-3 minutos,

y la guitarra cómo la utilicé...

la intenté utilizar solamente en sitios

donde la orquesta le permitiese a la guitarra poder estar,

tener una presencia... natural, porque hay una diferencia ahí...

entre lo tímbrico y el volumen que tiene el instrumento,

que si no es muy antinatural estar...

con una guitarra luchando contra una orquesta sinfónica,

hay que ponerse a favor de la orquesta.

Entonces, en el sentido instrumental,

lo más destacado son las partes en las que funciona la guitarra,

y el piano, que también tiene un número solista,

y hay números orquestales... el primero, el último y al acecho,

que es el número más vivo,

son orquestales, con una orquesta completa.

El refuerzo de percusión...

siempre es interesante cuando haces clásico español donde hay...

la percusión es muy importante para fijar ciertas normas de estilo,

y asegurar como... se asientan las cosas en base a la percusión,

por eso yo quería que hubiera una combinación

entre la percusión sinfónica, timbal, percusión sinfónica,

y lo que es, más o menos, el esquema de una batería.

Cohesionar eso no es fácil para que no quede un pegote,

sino que quede como un solo instrumento entre los dos,

que genere un solo sonido de percusión.

La partitura de Fernando Egozcue es...

es de un sabor español que mezcla, perfectamente,

el sonido puro de las castañuelas con el rasgueo de la guitarra,

pero también con esa especie de interacción

entre lo que es la pura danza española

y... esa danza, ese ballet clásico

que, otra vez, repito, Antonio ha sabido aunar de forma magistral.

Relaja... relaja esto y llévalo más suave.

Eso es, eso es, eso...

Trabajar con las bailarinas y bailarines,

desde que la pieza se diseña hasta que se presenta al público,

es un tarea que Antonio Najarro cuida hasta el último detalle.

Cogeros al suelo con una ventosa, chicos, cogeros al suelo.

Un, dos, tres y... uno, ¡arriba, Fran!

Eso es.

Con los bailarines, yo lo que siempre, siempre intento

es tener la coreografía lo más cerrada posible en mi cabeza

antes de transmitirla a los bailarines y, luego vengo,

y empieza por un trabajo absolutamente técnico, muy técnico,

de riguroso, de movimiento,

que cada pirueta esté donde tiene que estar,

todas las cabezas, los dedos, el toque de castañuelas,

posición de piernas, saltos...

todo tiene que estar técnicamente muy, muy, muy limpio, muy cuidado,

para que una vez que el bailarín

tiene asimilado todo el movimiento técnico y riguroso,

pueda dar rienda suelta a que todo este movimiento que es tan complejo,

parezca totalmente fácil, salga fluido,

y salga del bailarín el mensaje

y el alma que tiene cada uno de los bailarines en la coreografía.

Como cada pieza es totalmente diferente, en las piezas del grupo,

yo uso papel y lápiz en muchísimos momentos,

tengo todas las mujeres y todos los hombres

representados con diferentes signos

y planeo, en diferentes escenarios que voy pintando,

voy planificando todos los movimientos,

apariciones, desapariciones, bajadas, subidas,

filas, círculos, cogidas...

todo movimiento escénico lo voy plasmando en diferentes escenarios.

Eso es muy diferente al proceso creativo de un solo.

En el solo, por ejemplo, como es el caso de "Ser" en "Alento",

yo mismo soy la bailarina, me pongo la bata de cola,

me meto en un estudio y voy viendo toda la fluidez de la coreografía,

voy marcando todas las castañuelas,

y un poco intento ahondar en la partitura de Fernando Egozcue,

para ver qué puede salir de ahí.

En un paso a dos... en el paso a dos, por ejemplo,

es un trabajo que sí que tengo que hacer más con los bailarines,

porque hay muchas cogidas

que dependiendo de cómo yo los vaya dirigiendo,

va cogiendo un color diferente cada cogida,

las miradas, el contacto de piel...

cada una de las coreografías tiene un proceso de preparación diferente,

que va llevado por el conjunto, como te he dicho antes,

de lo que yo quiero que emane del escenario con "Alento".

Antonio Najarro es una persona muy, muy activa...

que le gusta estar en todos los ensayos,

ver qué pasa, qué no pasa,

trabajar piel con piel con la persona,

estar siempre en contacto con el bailarín que necesita en ese momento,

guiar a esa persona siempre por donde él quiere que vaya

o por donde le viene mejor...

Realmente, Antonio, es una persona que...

intenta sacar todo el partido a la persona con la que está trabajando.

Entonces, eso, personalmente, para mí, hace que tu trabajo...

siempre quieres que sea más efectivo, mejor...

te hace crecer, realmente, como bailarina y como profesional,

porque siempre te está exigiendo un máximo

y, al final, tú te lo exiges a ti misma.

Eso, para mí, así es como acabas mejorando

para poder realizar cualquier coreografía debidamente.

Bueno, el trabajo con Antonio es un poco un desafío constante,

puesto que él la parte técnica, la parte profesional,

él es muy rígido en ese aspecto, y eso es maravilloso,

para que un bailarín avance y cada vez sea mejor,

lo ha dicho Inma, en ese aspecto,

es importante que haya una exigencia máxima.

Eso hace que crezcas a nivel técnico, a nivel personal,

a nivel artístico, en todo el proceso creativo.

Después, él tiene una visión coreográfica muy personal,

un estilo muy determinado, que eso hace que intentes mejorar,

puesto que tienes que adquirir registros totalmente diferentes

a los que, a lo mejor, tienes normalmente.

Y eso hace que te haga mejorar como bailarín y como artista.

Mi trabajo lo preparé partiendo de la base,

sobre todo, de Antonio, el coreógrafo,

que es el que nos va marcado la idea y el concepto de lo que él tiene,

y después de una forma un poco...

intentando adquirir todo el razonamiento que él nos iba dando

hacia un trabajo muy concreto y muy personal que él tiene.

Sí es verdad que siempre hay que hacer una diferenciación,

como artista, como bailarín, en las coreografías que uno va haciendo,

dependiendo del carácter y de lo que te van proponiendo.

Antonio tiene un trabajo muy específico, muy determinado,

que es bastante exigente, que es duro,

y eso hay que irlo asimilando poco a poco

y, de alguna manera, trabajándolo,

de cara a que el producto final, lo que es el espectáculo, después,

esté acorde a la idea que tiene el coreógrafo.

"Alento" es una coreografía que, personalmente, me gusta mucho,

porque va mucho con mi estilo,

cómo yo bailo, lo que me gusta bailar,

y, sobre todo, cada vez que salgo al escenario con "Alento",

con las dos piezas en especial que yo hago,

musicalmente son un regalo, porque...

la música de esas dos piezas es muy, muy, muy especial para mí,

y es una música que en cuanto suenan los primeros acordes...

te mete, te mete en la coreografía.

Y, bueno, en particular, el paso a dos que hago con Fran,

para mí ha sido un trabajo increíble porque...

yo nunca había trabajado un paso a dos, siempre había hecho...

es muy diferente bailar tú sola

y hacerte tú... tu mecánica, tu técnica y tal,

que trabajar con otra persona,

y, al final, fundirte con esa persona

para que un movimiento de dos se convierta en uno.

Que, al final, muchas veces, en el escenario,

llegas a un punto con la otra persona...

bueno, lo que me ha pasado a mí es que,

muchas veces, se ha parado el tiempo,

porque hemos llegado a un sentimiento muy especial cuando...

las dos energías se unen y desaparece todo.

Entonces, para mí, el haber bailado "Alento"

es un regalo por haber descubierto ese sentimiento que me ha producido.

Esa sensación es maravillosa.

Y cuando uno tiene la suerte de poder vivirla,

es como que estás deseando que llegue el día... que te toca bailarlo,

estás deseando que llegue la hora de entrar en el teatro,

porque sabes que vas a algo muy especial, muy maravilloso.

Yo, eso, he tenido la suerte de poderlo hacer con Inma

y con alguna compañera cuando nos ha tocado.

Como yo, en especial, es lo que bailo en "Alento", es un regalo.

El vestuario es una creación de Teresa Helbig,

diseñadora ajena al mundo de la danza.

Antonio Najarro hizo una fuerte apuesta por esta diseñadora.

Teresa Helbig en su creación,

que yo he visto en diferentes desfiles

y en diferentes creaciones que ha hecho,

era una diseñadora perfecta para vestir el espectáculo porque...

es absolutamente femenina en la construcción de trajes de mujer pero,

al mismo tiempo, sabe darle un toque,

ya sea con el material, ya sea con los cortes que utiliza,

que hace que la mujer tenga mucho peso, sea fuerte, tenga personalidad,

y eso es lo que yo quería, también, transmitir con "Alento".

Y en el hombre igual,

el hombre lo ha sabido vestir de una manera varonil pero,

al mismo tiempo, de una manera que le da una ambigüedad,

que hace que los estilos que yo he querido fusionar de jazz, de soul,

con la guitarra de Fernando Egozcue, la batería, las cuerdas...

también es un vestuario que encaja perfectamente.

Todos los vuelos que le da, los crepes que ha utilizado,

todo el chantilly, las puntillas que ha utilizado

para crear una bata de cola que tiene casi 600 metros de puntilla...

todo eso... hace que esta coreografía se vaya del típico volante,

de los volúmenes que acompañan a la danza española y al flamenco,

y vista una coreografía de calle,

que es lo que yo quería conseguir de Teresa Helbig,

y yo creo que es lo que hemos conseguido.

Ella ha quedado muy contenta, que era uno de mis objetivos,

no es sólo hacer lo que el coreógrafo quiere

o sólo lo que la estilista quiere,

sino que todos tengamos un equilibrio

y que todos salgamos contentos.

Una cuidada y estudiada iluminación baña,

apropiadamente, cada una de las piezas que configuran "Alento".

Para las luces de "Alento",

he querido contar también con una participación...

para mí muy importante, de Nicolás Fischtel.

En "Alento" yo quería crear una coreografía

que no tuviera un gran componente escenográfico,

sino que fuera la luz la que vistiera el espectáculo,

y Nicolás Fischtel ha hecho una labor muy en pro de...

acrecentar el mensaje de lo que yo he querido trasmitir con la danza.

Ha creado un ambiente muy nuevo,

ha arriesgado, también, en su diseño de luces...

y, bueno, estoy muy contento, porque...

ha sabido sacar partido del color del vestuario,

ha sabido sacar partido del movimiento del vestuario,

y, también, a cada una de las piezas

dar una ambientación totalmente diferente, muy mágica y muy oportuna,

para sacar el máximo provecho del mensaje de "Alento".

Hemos sido un equipo que nos hemos ido adaptando todos,

en cada uno de sus cometidos, a que "Alento" sea una pieza única.

Es lo que yo quería que fuera "Alento".

Es un ballet que no se va a parecer a ningún otro ballet.

Es un ballet que el público, cuando se vaya,

no va a haber experimentado lo que ha experimentado

con un ballet más flamenco, con escuela bolera, con folclor...

es algo que se puede definir, yo creo, como algo diferente y único,

que sólo se va a ver en "Alento".

Es lo que he querido cuidar más en esta pieza

y es el mensaje que yo he querido trasmitir

a cada uno de los creadores y de los creativos,

para que trabajáramos todos con un mismo objetivo.

En los albores del Siglo XX el filósofo alemán Wilhelm Dilthey

establecía que la rama del conocimiento

dedicada al estudio e interpretación de los textos,

conocida como hermenéutica, podría haber nacido en torno al 1800.

Dilthey, incluso, se atrevía señalar al pensador

Friederich Schleiermacher como su fundador.

La hermenéutica comenzaba a dar sus primeros pasos

como campo reconocido en el panorama filosófico.

Sin embargo tuvimos que esperar hasta los años 50 del pasado siglo

para que, de la mano de Hans Georg Gadamer,

se viera la posibilidad de integrar elementos de la filosofía antigua,

elementos imprescindibles, según el propio Gadamer,

a la hora de completar el sistema hermenéutico.

En este sentido tanto la dialógica de Platón

como la teoría del saber moral de Aristóteles

formarían parte del proceder hermenéutico,

convirtiéndose en los disparadores de una tradición que,

aunque soterrada y negada por la hermenéutica moderna,

ha recorrido toda la historia del pensamiento occidental.

José Ramón Arana afianza ahora esta idea con la publicación de:

“Historia e la Hermenéutica Griega”.

El objetivo principal de esta obra

es el de romper con fuertes clichés historiográficos

a propósito de los orígenes de una de las corrientes de pensamiento

que más útil le ha resultado a la filosofía contemporánea

a la hora de renovarse.

Desarrollar uno de los aspectos que no estaban estudiados

de manera sistemática en el pensamiento griego,

que es su hermenéutica.

Se habían estudiado mucho la filosofía griega,

y además por muy buenos historiadores,

tanto de una serie de filósofos clásicos, Platón,

Aristóteles y demás, pero las teorías hermenéuticas de Grecia,

no habían sido estudiadas de una manera completa.

Esto es lo que he pretendido yo en este libro.

Obviamente, en el siglo XIX y XX

es cuando la hermenéutica cobra una importancia decisiva,

esto es absolutamente innegable,

pero negar que haya habido una hermenéutica griega

a mí me parece que es chocar contra los propios textos,

contra las propias teorías

y, en la Edad Media, absolutamente igual.

Lo que ocurre

es que la fundamentación de la hermenéutica en el mundo actual,

yo diría que es básicamente antimetafísica

y en el mundo griego

le dan una fundamentación metafísica de la hermenéutica.

Y de ahí a veces se ha concluido que en Grecia no había una hermenéutica.

Ese es, para mí, el cliché básico y fundamental.

El profesor José Ramón Arana es un sabio, un filósofo,

un erudito y especializado en hermenéutica

y en historia de la filosofía griega,

ha sido profesor durante mucho tiempo en la Universidad del País Vasco.

Hizo en el 98, en el entorno del 2000,

una proeza filosófica sin parangón internacional posible,

que es una recopilación, una antología,

de todos los documentos disponibles sobre los agrafadógmatas,

sobre las doctrinas no escritas de Platón

a través de la recopilación de la tradición indirecta.

Pero además, ha hecho literatura,

está ahora en un proyecto de gran aliento

que es una historia del platonismo en Occidente,

y este libro que ahora nos presenta,

“Historia de la hermenéutica griega”, es una maravilla.

Se dice que en Grecia no hubo una terminología sobre la hermenéutica,

lo cual es, a mi modo de ver,

también falso porque existen los términos y existen, además,

las teorías que justifican esos términos.

Y eso ya desde el primer gran hermeneuta que es Platón.

En el "Diálogo del ion",

que es un diálogo breve y precioso para cualquier lector,

Platón desarrolla, no ya un comentario de textos,

sino toda una teoría del comentario de textos,

es decir, y de interpretación de la vida

donde él enfrenta la hermenéutica a la filosofía,

pero es que eso dura hasta finales del mundo antiguo que es con Proclo,

que es una eclosión absoluta de hermenéutica.

Proclo es un canto de cisne, como en parte lo fue Aristóteles,

en el momento en que se iba a hundir el universo de las polis.

Es muy poco conocido y es el barroco

de la riqueza inconmensurable del pensamiento griego,

dando lugar a toda una serie de dimensiones

que necesitan la comprensión interpretativa

para entender lo que ha sido el espíritu comunitario,

el espíritu verdaderamente espiritual y teológico inmanente

de la tradición griega.

La perspectiva es filosófica,

pero no todos los temas que trata son filosóficos.

Por ejemplo, hay filósofos, Platón, Aristóteles, Posidonio y Proclo,

pero se tratan temas que no se suelen tratar

en la hermenéutica contemporánea porque no son relevantes.

Por ejemplo, la astrología, es decir,

qué entiende un griego por astrología

y cómo interpreta los datos de la astrología.

Por ejemplo la mántica, es decir,

los oráculos griegos estaban a la orden del día

y hay todo un saber científico griego

que intenta interpretar lo que son los oráculos.

En la medicina de galeno, en gran medida, no exclusivamente,

es una medicina hermenéutica que está intentando ver en el cuerpo

una especie de campo semántico de posibles realidades interiores

que a simple vista no se ven.

La medicina, la mántica,

la astrología, además de la filosofía,

son aspectos estudiados en este libro,

pero siempre desde una perspectiva filosófica y hermenéutica.

Y yo destacaría que la primera vez

que decimos perihermeneias como nombre de un tratado

es con Aristóteles, pero en relación al theorentes praxeos

a la contemplación participativa, interpretativa,

de las acciones poemáticas, de la mímesis poética en el teatro,

pero también en el elemento de la tradición occidental

se conserva ya siempre hermenias, interpretación,

participación simbólica, en relación al dios Hermes,

del cual sabemos que forma parte

de la transmisión interpretativa de los mensajes,

también sabemos que se aparece

en los cruces de las decisiones de los caminos,

sabemos que cuando se le invoca

comparece y que cuando se le pide orientación siempre responde,

pero suele responder en alguna ruta,

en alguna senda puede que equivocada o mentirosa.

Yo no soy de los que piensa que todo lo han dicho los griegos,

esto me parece una absoluta barbaridad.

Los hombres medievales y modernos han dicho cosas sumamente interesantes

que ni a los griegos se les hubiera pasado por la cabeza nunca,

y no sólo no se le hubiera pasado por la cabeza,

sino que lo hubieran criticado, pero es muy difícil

para los que conocemos la filosofía y el pensamiento griego,

no descubrir en cantidad de actitudes, en cantidad de teorías,

que hoy te venden como nuevas, decir pero si esto está en Sófocles,

y no me refiero a “Edipo rey”,

me estoy refiriendo a cualquier otro tipo de teorías.

La tradición griega, a mi modo de ver,

es tan contundente y al mismo tiempo tan sutil y tan estimulante,

que a mí me resulta difícil resumir en una frase o dos,

cuál pudiera ser el influjo de esta tradición.

La medicina está basada en años de investigación internacional

aumentando la longevidad generación tras generación.

Sin embargo, falsas creencias, con buena o mala fe,

han terminado con la vida de unos bebés

y puesto en peligro a un niño con autismo. Me explico...

Rumanía declaró recientemente una epidemia de sarampión

tras la muerte de tres bebés de menos de ocho meses,

que todavía no habían entrado en la edad del calendario vacunal.

Fueron contagiados por personas que habían optado por la NO vacunación,

y que protagonizaron casi 700 infecciones.

Por otra parte, el abuso de productos como la naturopatía,

podrían llegar a ser peligrosos para la salud en ciertas condiciones.

Por ejemplo, un niño de cuatro años con autismo estuvo a punto de morir

por el consumo de hasta 12 productos naturopáticos sin control médico.

Ocurrió en Londres y la noticia llegó a publicarse

en la revista científica British Medical Journal.

Los padres están desolados.

No haga experimentos con sus hijos y vacune a sus seres queridos.

¿En qué se parece la pata de un insecto a una extremidad humana?

Aparentemente en nada.

Mientras nuestras extremidades están formadas por distintos tejidos

como hueso, cartílago, músculo y piel,

la pata de una mosca es un simple tubo formado

por un exoesqueleto de quitina conectado por músculos internos.

Sin embargo, y a pesar de las diferencias anatómicas

entre una mosca y un vertebrado,

y de su evolución independiente durante más de 500 millones de años,

su desarrollo está dirigido en gran parte

por programas genéticos básicos sorprendentemente similares.

Científicos de la Universidad Autónoma de Madrid

y del Consejo Superior de Investigaciones Científicas,

pudieron identificar aquellos genes responsables

de controlar el crecimiento de las patas de la mosca,

algo que podría arrojar luz

sobre nuestro propio desarrollo como humanos.

El trabajo se ha publicado en la revista Development.

La vía esencial estudiada se denomina Notch,

muy conservada a lo largo del reino animal,

y podría explicar el mecanismo primitivo

que regula el crecimiento de los apéndices,

desde moscas hasta nosotros.

Las matemáticas están en cualquier ámbito de la vida:

física, química o biológica.

En este último caso,

concretamente en el de la biomedicina,

un estudio coordinado desde el Instituto Gregorio Millán Barbany

de la Universidad Carlos III de Madrid,

presenta un modelo, una descripción matemática,

de cómo los tumores inducirían

el crecimiento de nuestros vasos sanguíneos,

indispensables para el desarrollo del cáncer.

Concretamente, el modelo propone que las puntas,

los extremos de los vasos,

se propagarían como una onda solitaria, denominada solitón

-que puede propagarse largo tiempo sin cambiar mucho-

parecida a la que se sufriría con otro tipo de desgracia humana,

los tsunamis.

El modelo ha sido confirmado mediante simulaciones numéricas.

Los autores del estudio señalan

que conociendo el movimiento de los vasos sanguíneos hacia el tumor

y cómo este avance se produce,

podríamos tratar de retardar o incluso impedir dicho crecimiento,

o, al menos, que dicho avance no alcanzara al tumor,

provocando su muerte por inanición.

El trabajo se ha publicado en la revista Scientific Reports.

Para Madri+d y UNED Televisión, José Antonio López Guerrero.

Para mí el cine es un transmisor de emociones.

Yo voy al cine para que me emocionen,

para hacerme llorar, para hacerme reír.

El género de terror es lo que creo que tiene,

que te transmite una emoción muy inmediata.

Cuando he dirigido terror,

me gusta es ir a las salas a ver las reacciones de la gente.

Es muy divertido sentarte en la parte de atrás y ver cómo la gente salta,

se emociona, cómo reacciona y cómo le grita a la pantalla,

en cada país siempre saltan en los mismos lugares;

para mí es lo más bonito de hacer terror

o de hacer algo donde puedes jugar con las emociones del espectador.

Por el momento no hecho ningún drama,

pero lo llevaría fatal porque empezaría la película,

terminaría, y me diría, ¿les habrá gustado?

Normalmente no sé leer algo tan sutil,

pero el terror me parece divertidísimo.

Creo que cuando tenía nueve años vi “Taxi driver”

y fue un impacto para mí

porque fue la primera película que entendí que era una película.

Hasta entonces yo pensaba que el cine pasaba en directo,

que estaba ocurriendo en ese momento,

pero cuando vi “Taxi driver” y Travis Bickler se coloca así con la pistola,

mirando hacia arriba y la cámara hace un plano cenital

y va recorriendo todos los personajes,

allí entendí que había un director,

que había una persona que colocaba la cámara,

en este caso Scorsese,

y es una de las películas que me marcan y que digo:

yo quiero hacer esto, yo quiero contar, hacer estas cosas.

A partir de ahí el cine para mí es la única droga que consumo,

lo único que me interesa y lo único que me mueve.

Básicamente busco el cine que puede llegar a sorprenderme,

intento alejarme de "Las tortugas Ninja", de “Piratas del Caribe”

como cine que ya sé lo que me a contar, intento ver cine japonés,

coreano, cine que sé que me va a sorprender.

Estoy buscando una continua sorpresa en el cine todo el rato.

Creo que el personaje de la historia del terror que más me ha marcado

puede ser Leather Face, Cara de Cuero,

el asesino de la motosierra en “La matanza de Texas”,

porque me parece que es un personaje

que realmente es el principio del cine de terror posmoderno.

Es un personaje que no tiene mirada, no tiene ojos,

cuando le miras son dos agujeros que tiene tras esa máscara

y es el personaje que me marca más cuando era pequeño,

vi la película con 10 años y me marcó de manera brutal.

Curiosamente apareció en mi primera película,

había uno de los personajes en un hotel

y quisimos rodar un homenaje a “La Matanza de Texas”,

porque sin presupuesto para colocar la “La Matanza de Texas” de verdad,

y entonces me vestí con una motosierra e hice de Leather Face,

y perseguí una chica, a mi prima,

en pelotas, corriendo por un bosque como este,

y desde entonces le tengo mucho respeto,

porque perseguir una chica con una motosierra cansa un montón,

la motosierra pesa muchísimo, no se puede respirar con la máscara,

es la leche, entonces todo mi respeto a Leather Face.

Los personajes tienen que sufrir.

Creo que lo bonito de la vida es que no tiene género

y que puedes un día empezar triste, luego reírte,

creo que lo bonito de la vida

es que es una especie de cóctel de emociones.

Yo creo que cuando construyes una película o unos personajes,

es importante que pasen por un viaje emocional donde sufran.

He leído muchos guiones americanos

donde el protagonista empezaba como un tipo súper famoso, exitoso,

que es un neurocirujano que tiene muchísimo éxito

y ya lo odias desde el primer momento,

sin embargo cuando el personaje sufre te identificas y hay una conexión.

El sufrimiento es parte muy necesaria de la narración cinematográfica.

Una película que no se ha hecho y me encantaría hacer

es un reboot de “Los goonies“, qué ha pasado con los goonies,

dónde están los goonies ahora mismo.

Reunirlos a todos y ver qué ha sido de sus vidas;

no sé qué tipo de género sería, un thriller o un melodrama,

pero me interesarían mucho “Los goonies 2.0”.

La parte que menos me gusta del proceso creativo

podría ser la escritura del guion,

al final te enfrentas a una página en blanco y es un proceso muy solitario.

Hitchcock decía, no sé si era Billy Wilder o Hitchcock,

creo que era Billy Wilder, no, era Hitchcock,

que una vez el guion estaba hecho el resto era solo un 5%,

pero yo creo que es lo contrario, yo necesito una guía

y lo que realmente disfruto más es justo el proceso de rodaje,

cuando estoy rodando con los actores.

Si estuviera rodando una escena en este bosque, por ejemplo,

en pensar cómo puedo intentar colocar una cámara

que pase entre los árboles y... tener un reto.

Lo que más me divierte es eso, encontrar un reto dentro del rodaje

que me parezca algo que no se ha hecho nunca,

que no se ha hecho así,

y cómo puedo hacerlo diferente y excitante.

Que el equipo se emocione con lo que estamos haciendo,

que para mí es lo más divertido,

tener a mi banda de piratas y llevarles hasta el fin del mundo.

Es muy difícil matar el género de terror,

yo creo que el género de terror es como Jason Voorhees de "Viernes 13",

que por mucho que intenten matarlo, siempre revive.

Creo que está en muy buen estado de salud, un poco putrefacto,

pero en buen estado de salud.

Sobre todo, creo, gracias a los fans,

porque tiene una cantidad de fans en todo el mundo que son acérrimos,

que lo aman y que no van a abandonarlo nunca.

Yo creo que es eso lo que vemos cada año en festivales como Sitges.

Cuando vas allí

y te reúnes con todos tus amigos y la gente y hay una comunión;

creo que la sensación de comunión con los fans del terror

hace que se vaya regenerando año tras año.

No tengo ni la menor idea de adónde voy.

Creo que lo interesante de una carrera es que uno...

Puedes pretender que sabes hacia dónde vas,

pero no creo que nadie tenga la menor idea.

Hollywood, por ejemplo, es como un gran casino,

donde uno coloca sus fichas y dice que hay una película

que me gusta que se llama “Mr REC” y quiero hacerla;

y luego me han dicho que Nicolas Cage quiere trabajar conmigo...

Y de repente lo que menos esperas acaba ocurriendo,

lo que no esperas no ocurre, es algo fuera totalmente de control.

Yo lo único que puedo tratar en este camino

es intentar de ser fiel a uno mismo,

ser fiel a mí mismo y pensar que lo que haga

tenga sentido para mí y que tenga corazón, que tenga alma.

Y eso es lo realmente complicado.

Yo solo espero que lo siguiente que haga tenga alma.

En rodajes tengo manías, aunque tampoco tantas.

Básicamente llevo siempre una chaquetilla de chándal

con una capucha porque me gusta tener una capucha

como si fuera un monje, debe ser un rollo heredado

de "La guerra de las galaxias" o algo así, rollo Obi Wan,

pero me gusta tener una capucha en la que concentrarme

porque un rodaje son mil personas preguntándote cosas,

¿quieres un elefante rosa, un camello, qué quieres, tal, tal...?

Entonces de vez en cuando me coloco la capucha y puedo pensar

en lo que realmente quiero hacer y la película que quiero hacer.

Eso es lo principal que tengo un poco de manía.

Y luego, soy un tío muy nervioso en rodaje,

soy muy energético, estoy todo el rato pegando saltos,

asusto a la gente,

me encanta como cachondearme un poco de ellos, divertirme.

Soy una especie de jedi divertido,

no sé cómo definirme, quizá un jedi bromista,

pero me encanta disfrutar de lo que hago, lo intento todo lo posible.

Creo que Stephen King, porque me crie con sus libros,

me encantaría conocerle y tomarme unas cervecillas con él.

Philip Seymour Hoffman me encantaría, como un señor que fue, pero qué pasó.

Me encantaría, no sé, probablemente Espinete.

Creo que para cerrar el círculo

Espinete, Stephen King, y Philip Seymour Hoffman

sería una cena para recordar.

-Mírame, esto es lo que soy y esto es lo que he hecho, Ethan.

He traído esta oscuridad terrible a la humanidad

-Vanesa, por favor...

-¿Vanesa? ¿Y dónde está? ¿Cuándo la perdimos, Ethan?

Estaba de pie en una habitación mirando un crucifijo,

levantó la mano, lo cogió de la pared...

y lo echó al fuego.

El rodaje de “Penny dreadful“ ha sido un placer, trabajar con Eva Green,

con Timothy Dalton, con Josh Hartnett ha sido increíble.

Y luego, sobre todo, experimentar.

Siempre se dice que la televisión se va muy rápido,

pero ha sido muy bonito poder ensayar,

trabajar con John Logan, con esos diálogos.

Me lo he pasado como un niño pequeño,

he disfrutado cada minuto

y he hecho cosas que pensé que nunca haría en cine,

o en televisión, es que ya no hay diferencia.

Tiroteos... bueno, es que no puedo contar nada

porque no me lo permiten por contrato,

pero ha sido una experiencia maravillosa.

No tengo ni la menor idea de lo que quiero hacer ahora,

creo que quiero escribir, trabajar con actores españoles.

Echo de menos trabajar con Carlos Areces, con Eva Fernández.

Echo de menos... tanto Hollywood, tanto Hollywood...

echo de menos trabajar en España, pero bueno, trabajaré donde me dejen.

UNED - 09/12/16

09 dic 2016

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