This is Opera La 2

This is Opera

Desde el 8 de marzo a las 23.00 horas

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This is Opera - Pélleas et Melisande - ver ahora
Transcripción completa

Tengo una pasión, una pasión que siempre me acompaña

y con la que he aprendido a escuchar, a llorar, a sentir,

a reír, a amar, a vivir, la ópera.

Una pasión sin límites que me llena día a día.

Una pasión en la que siempre he encontrado una respuesta,

una pasión que me lo ha dado todo y que necesito

y quiero compartir con todos vosotros.

Porque la ópera es la vida y compartida siempre es mucho mejor.

Para todos los que tenéis la necesidad de crear belleza,

para todos los que veis la belleza en todas partes,

simplemente para todos aquellos

que siempre veis el lado bonito de las cosas,

esta es vuestra ópera. La belleza por la belleza.

Son las seis de la mañana y está a punto de salir el sol.

Un momento que pasa cada día

y que es de una belleza extraordinaria.

Un momento de esos que es bonito porque sí.

Aquí la tenéis, la salida del sol, la realidad objetiva.

Bien, vosotros lo estáis viendo a través de la cámara,

pero lo que estáis viendo es la realidad más objetiva posible,

pero atención, ¿cómo vería un pintor este amanecer?

Mirad.

Este es el cuadro "Impression, soleil levant" de Monet.

Monet no pinta la realidad, Monet pinta su impresión,

su interpretación de la realidad.

Cómo la luz incide en esta realidad y como esto nos produce

una impresión que nosotros necesitamos para entender el cuadro.

Con "Pelleas et Melisandre" de Debussy pasa exactamente lo mismo

porque también es una obra impresionista.

Nos produce una impresión interior que ya veréis, es pura,

simplemente la belleza.

Esta es una de las grandes preguntas

que se ha hecho siempre la humanidad,

una pregunta que sin duda tiene miles de respuestas,

como por ejemplo las que escuchamos en la película "Venus"

durante la genial conversación entre Peter O’Toole

y Jodie Whittaker en la National Gallery de Londres

mientras están mirando el maravilloso cuadro de Velázquez,

"La Venus del espejo".

Maravillosa conversación. El cuerpo desnudo de una mujer,

tu primer hijo, la salida del sol, es la belleza natural de las cosas,

pero el hombre siempre ha querido ir un poco más allá.

Por ejemplo, para representar la belleza en sus cuadros,

Monet pintó nenúfares sobre un lago y lo hizo a su manera.

Si repasamos la historia del arte desde las pinturas de Altamira,

la Grecia antigua, Roma, el románico medieval, el gótico,

el renacimiento con Leonardo da Vinci...

Todos son representaciones de la belleza

de acuerdo con los cánones de su tiempo,

pero si vamos un poco más allá y examinamos este cuadro,

"Saturno devorando a su hijo" de Goya,

todos estaremos de acuerdo en que se trata de una obra de arte.

Ahora bien, no sé si todos estaremos de acuerdo en decir

que este cuadro es bonito, es hermoso...

Pero cuando llegamos al impresionismo pictórico,

prácticamente todos sí estamos de acuerdo en decir

que estos cuadros son bellos, son hermosos.

"Pelleas y Melisandre" lo tenemos que entender

dentro del marco del impresionismo,

porque Debussy pintó su música con trazos impresionistas.

Por eso es tan hermosa

y por eso cuando la escuchamos nos envuelve hasta atraparnos.

En "Pelleas y Melisandre" el argumento es un poco confuso.

Diría que es lo menos importante. Es la historia de los hermanastros,

Pelleas y Golaud, que están enamorados de la misma mujer,

Melisandre.

Una mujer misteriosa que se casa con Golaud,

pero la mayoría de las situaciones son inconexas.

Es como el argumento de una película de David Lynch,

como aquella carretera de Los Ángeles sinuosa

y a la vez muy peligrosa. Debussy con "Pelleas y Melisandre"

crea una ópera con poco argumento

y muchas situaciones desunidas entre sí

para provocarnos muchas sensaciones internas.

Lo primero que quiero contaros es cómo escuchar la música de Debussy

porque el lenguaje musical se puede utilizar de muchas maneras.

Por ejemplo, tomemos una idea, la que sea.

Estamos en este museo,

en este lugar absolutamente maravilloso

y llega el momento de cerrar el museo,

¿cómo nos diría Beethoven esta idea desde un punto de vista musical?

Beethoven nos diría esto.

(Piano)

Beethoven nos estaría diciendo.

# Vete de aquí.

# Vete de aquí.#

Beethoven nos estaría dando una orden.

Nos diría, es el momento de salir de aquí.

Nosotros no tendríamos opción y tendríamos que hacer exactamente

lo que él quiere. Vete de aquí y punto.

Ahora bien,

¿qué pasaría si cogiéramos esta misma idea

y la transportaremos al lenguaje musical de Debussy?

Pasaría esto.

(Piano)

Debussy hace algo totalmente distinto.

Debussy diría por ejemplo,

¿no crees que se está haciendo un poco tarde

y lo mejor sería que empezaras a pensar

en cómo sería el mejor modo de salir de aquí?

Escuchad otra vez.

(Piano)

Debussy intenta huir de las armonías rígidas.

Él quiere liberar la música y por tanto,

nos está sugiriendo una idea

y esta idea nos produce una impresión.

Una impresión que nosotros tenemos que interpretar

y sea cual sea el sentimiento que nos produce,

será siempre el correcto porque eso es exactamente

lo que Debussy quería, liberar la música.

Por tanto, para entender su música

tenéis que dejaros llevar por ella

y por la armonía sugestiva de Debussy.

(Piano)

Para entender cómo Debussy quería liberar su música

hablemos del gran Duke Ellington.

Para él, la música era su vida

y llegó a componer más de 2000 piezas musicales.

Dicen que fue tan prolífico porque era sinestésico,

¿y qué es la sinestesia?

La capacidad de expresar con un sentido lo que se recibe

a través de otro.

Para que me entendáis,

Duke Ellington cuando oía una nota musical,

veía colores.

Voy a abrir una caja de lápices de colores.

Para mí siempre es un momento mágico

porque cuando la abres es como si tu creatividad brotase,

¿no os parece? (AMBOS) Sí.

Vamos allá. Abramos la caja. Aquí está, bonitos, ¿verdad?

Aparte de esto, si fuéramos sinestésicos,

al abrir la caja y ver estos colores,

¿qué habríamos escuchado?

Música.

Exacto. Notas musicales.

Duke Ellington dijo una vez que cuando sonaba un Re, él veía...

¿Qué color? Rojo, amarillo...

Azul oscuro.

Exacto. Este de aquí.

Me gustaría que hiciéramos un experimento.

Me gustaría que dibujarais.

Quiero que dibujéis la música que tocaré para vosotros.

¿De acuerdo todos? (TODOS) Sí.

Tenéis los lápices de colores ahí y yo tocaré para vosotros.

(Piano)

¿Habéis terminado? Vamos a ver, acercaos.

James, ¿podrías explicarnos qué es lo que has pintado?

La música que has tocado era muy relajante,

muy armoniosa y muy tranquila. Así que imaginé algo bajo el agua.

Es un tulipán sumergido bajo el agua y hay peces que van hacia él.

La forma del tulipán es seductora para atraer a los peces.

Bien, me gusta mucho.

Y tú, Carla, ¿qué has hecho? Este es el tuyo.

Yo he pintado la luz que llueve del cielo.

¿Por qué?

Porque la melodía me hacía pensar en luz fluyendo.

Es una idea muy interesante.

Ahora vamos con ella, que ha pintado...

¿Qué has pintado tú?

Quería representar...

Me he inspirado en Monet, que está a nuestro alrededor.

La música me ha hecho pensar en algo que fluye

y por eso he dibujado el río.

También en esa lucha entre el día y la noche.

Una puesta de sol y los sauces llorones

que podemos ver aquí mismo.

Y toda esa mezcla de colores que podemos ver en el impresionismo.

Colores que se mezclan y el personaje que lo contempla.

Perfecto, muy bonito. Muchas gracias.

De nada.

Ya lo veis, todos nosotros somos un poco sinestésicos

y somos capaces de crear

imágenes internas a partir de estímulos.

En este caso, a través de la música.

Lo que han hecho ellos no ha sido solo pintar.

Han convertido la música en emociones, en sensaciones,

en impresiones. Probadlo vosotros en casa.

Poneos la música de Debussy e intentar pintarla

y entraréis de lleno en el universo impresionista,

en la música de Debussy.

Volvemos a Monet.

Monet no se hizo solamente famoso por su cuadro

"Impression, soleil levant",

también se hizo famoso por una serie de cuadros

que pintó sobre esta catedral.

Y digo cuadros en plural porque Monet no pintó solo un cuadro

de la catedral, pintó 31, ¿por qué?

Pues porque para los impresionistas lo más importante era cómo la luz

incidía sobre un paisaje o sobre un objeto

y eso es exactamente lo que Monet hizo aquí en Rouen.

Monet no pintó esta serie de cuadros de la catedral a pie de plaza.

Contradiciendo la actitud impresionista

de pintar siempre al aire libre, alquiló tres pisos en esta plaza.

Uno es este, donde actualmente está la oficina de turismo de la ciudad.

Los otros dos estaban en los extremos de la plaza.

Monet pintó el efecto de las diferentes luces del día

sobre esta extraordinaria catedral gótica.

Cuando salía el sol, un cuadro. A media mañana, otro cuadro.

A mediodía, otro.

Si el cielo se nublaba, otro cuadro más.

Si volvía a salir el sol por la tarde,

otro cuadro y así hasta 31.

Todo esto que hizo Monet no es tan raro como puede parecer.

Tened en cuenta que ya estamos a finales del siglo XIX

y que ya existía la fotografía.

La fotografía permitía mostrar la realidad objetiva,

la realidad tal y como es.

Por lo tanto, los pintores lo que buscaban

es expresar su propia visión de la realidad

y por eso Monet pintó 31 cuadros de esta fachada.

Un cuadro diferente para cada cambio de luz.

Monet aparece por todas partes en Rouen.

Y no solo Monet, sino todos los pintores impresionistas.

Ellos son una de las grandes atracciones turísticas de Normandía

y de la Riva del Sena.

De hecho, fue en esta parte del noreste de Francia

donde nació este movimiento artístico.

Desde hace años, la oficina de turismo de Rouen

organiza un taller donde los pintores

pueden pintar la catedral exactamente como lo hizo Monet,

desde este mismo sitio.

Sin duda, uno de los mejores modos

para entender y sentir el espíritu impresionista.

Monet, como hemos visto,

estaba obsesionado por plasmar en sus cuadros

el modo como la luz incidía sobre la fachada de la catedral.

Hoy en día, naturalmente la luz sigue incidiendo sobre esta fachada,

pero ya no lo hace solo durante el día,

sino también por la noche.

Este fantástico "maping" con imágenes impresionistas

que todas las noches de verano se proyecta sobre la catedral

nos transporta y nos ofrece la posibilidad

de entender mejor el ideal de Monet.

Los objetos cambian con la luz y la luz está llena de color.

Monet decía que solo sabía hacer tres cosas.

Componer música, hacer de jardinero y comer, porque cocinar no cocinaba.

Lo que sí hacía era ir a los mercados

o a las granjas cercanas a su hogar

para que le suministraran productos de primera calidad.

Productos sencillos como unas simples verduras que,

aunque puedan parecer aburridas e insípidas,

pueden resultar deliciosas

si se cocinan con el cariño adecuado.

Tanto en sus comidas diarias como en sus celebraciones,

o simplemente cuando recibía a sus invitados,

Monet otorgaba a la mesa la importancia que se merecía.

Lo controlaba todo.

Los menús, la ubicación de los invitados,

los horarios.

Por ejemplo, la comida se servía siempre

a las 11:30 y la cena siempre a las 19:00.

Era muy estricto sobre esto.

Para él, comer era una filosofía de vida.

Sin saberlo, inventó lo que hoy se llama

el "slow food", el concepto de comer bien y sin prisas.

La música de Debussy también se tiene que saborear sin prisa.

Ya sé que al principio puede parecer muy difícil,

pero si escucháis y saboreáis su música sin prisa y con calma,

os garantizo que al final os encantará.

Como Monet en la mesa que no descuidaba ningún detalle

ni el contenido de los platos ni en la atmósfera que los rodeaba,

así componía Debussy. Fijaos en "Pelleas y Melisandre".

(CANTAN ÓPERA)

Está hecha musicalmente de pequeños momentos.

Todos ellos muy sutiles y cuidados hasta el último detalle.

Con cantantes que parece que no canten, de hecho,

Debussy odiaba el canto lírico.

Tanto, que lo primero que les dijo a los intérpretes

de "Pelleas y Melisandre"

es que se olvidasen que eran cantantes.

Y es que las obras de Debussy,

sus notas son como pequeñas pinceladas

que juntas consiguen crear nuevas atmósferas musicales.

¿Cómo consigue Debussy crear esas atmósferas diferentes?

¿Cómo consigue pintar su música? Muy simple, antes de Debussy,

los compositores usaban las escalas tradicionales,

las escalas que todos conocéis, la escala mayor y la menor.

Por ejemplo, esta es la escala mayor.

(Piano)

Una escala que suena normal y que todos conocéis

y esta sería la escala menor.

(Piano)

Una escala que también suena familiar.

Debussy en cambio lo que hace es revivir dos escalas

que estaban olvidadas.

No es que no existieran, simplemente estaban olvidadas.

Lo que él hace es recuperarlas.

La primera de estas escalas es la escala de tonos enteros.

Así suena.

(Piano)

¿Lo veis? Con una simple escala

hemos conseguido crear una atmósfera totalmente nueva.

Escuchad.

(Piano)

¿Por qué se produce esto?

Pues porque esta escala no alterna entre tonos y semitonos

como las anteriores.

En esta escala no hay semitonos,

es decir, la distancia entre cada una de sus notas

es siempre la misma. Un tono exactamente.

La segunda escala que Debussy recuperó es la escala pentatónica

que suena de esta manera.

(Piano)

¿Qué puedo decir? Música impresionista.

Para hablar de "Pelleas y Melisandre"

he quedado con el gran director de orquesta alemán Michael Boder,

un hombre que lo sabe todo

o casi todo sobre la música de Debussy.

Podríamos decir que "Pelleas y Melisandre"

es una ópera impresionista.

Por supuesto que sí, pero, ¿Qué es el impresionismo?

En el impresionismo no se trata de contar una historia

o de pintar un jardín, sino de utilizar colores

para generar en nosotros la imagen de un jardín.

Entonces, cada uno de nosotros percibe una cosa distinta.

Sí, cada uno tiene su propio jardín.

Esto es increíble. Sí, esto es lo mejor.

Entonces, podríamos decir "Pelleas y Melisandre"

no es una música sencilla.

Creo que sí es sencilla, es solo cuestión de entrar en ella.

Cuando alguien se sitúa delante de la pieza en cuestión

y la escucha u observa, es posible que no pueda acceder a ella.

Siempre me ha venido a la cabeza

que cuando tenemos un cuadro de un jardín de este tamaño

y lo miramos, pensamos en el jardín y en otros jardines.

Bien. Pero si ahora nos adentramos por ese camino

y nos introducimos en el cuadro, y dejamos que el cuadro nos engulla,

de repente las flores son más grandes,

los colores distintos y empieza a llegarnos su olor.

Si nos abrimos a este proceso, comprendemos la música al instante.

Enseguida.

Llegaríamos a perdernos entre estas flores,

y de pronto veríamos que cada una es distinta,

que no hay dos flores iguales, y de este modo, todo cuadraría.

Y creo que sucede lo mismo con el lenguaje,

porque el lenguaje en esta ópera también tiene una función

completamente distinta. ¿Cuál?

No traslada contenido, esto no es lo importante,

sino que básicamente lo que trata de hacer está un paso más allá,

y en mi opinión, sin duda, lo consigue,

logra juntar el color y el olor de una flor,

lo vemos en el sonido de cada palabra, que sería,

por así decirlo, el color,

del mismo modo que el olor sería la música.

Así que, es más que música.

¿Es música con olor? Sí, huele.

Música que huele, Debussy dijo que los cantantes olvidaran

que eran cantantes y que trataran de hacer algo muy distinto.

¿Cómo tenemos que entender esto?

No cantan en el sentido estricto de la palabra,

sino que más bien es una especie de recitativo.

Sí, podría decirse así.

Tampoco se trata de que un cantante cante un aria para lucirse

y ya está. Esto no puede ser.

Básicamente, los cantantes tienen que convertirse en peces

y lanzarse al agua.

Deben cantar dentro del agua y formar parte de ella,

navegar en ella.

Entonces no hay ningún aria,

es decir ninguna parte es más destacada de esta ópera.

No.

¿Qué podríamos decir sobre la melodía?

¿Tiene esta música alguna melodía

que podamos ir silbando de camino a casa?

Probablemente no, pero tampoco es algo que él quisiera transmitirnos,

de hecho, creo que nos traslada de nuevo al cuadro de plantas

del que hablaba antes.

De modo, parece que todo se va entrelazando,

como plantas enredaderas,

y no se trata de un árbol enorme situado en el centro

y de lo que hay a su alrededor, sino que enreda consigo mismo

y lo hace la voz principal,

es decir, simplemente se va desarrollando,

igual que una planta silvestre que va creciendo.

Alguien que no ha estado nunca en la ópera,

va a la ópera y ve "La Traviata", que es una ópera maravillosa,

una música preciosa de Verdi. A todo el mundo le encanta,

porque podríamos decir que de algún modo es una música sencilla.

Pero, ¿qué pasa si ese mismo alguien

va a la ópera y ve "Pelleas y Melisandre"?

Es complicado entrar en ella,

es como si hubiese un muro alrededor de un bonito jardín

y no encontramos la entrada.

Primero hay que encontrarla, y luego ya está.

¿Y si eres capaz de encontrar la puerta y entrar?

Entonces la puerta se cierra automáticamente detrás de ti

y estás en otro mundo.

En "Pelleas y Melisandre", Debussy pone música a un texto teatral

de Maurice Maeterlinck, el gran escritor simbolista.

Este movimiento literario rompió con el romanticismo imperante

del siglo XIX.

Sus personajes ya no hablan de sentimientos

ni pierden las riendas de su destino,

son personajes que viven en un mundo invisible

del que intentan descifrar aquello que les pasa.

Los simbolistas sugieren impresiones internas,

lo mismo que hace Debussy con su música.

Me encuentro justo debajo de la torre Eiffel,

detrás de mí veis pasar el río Sena

que divide la ciudad de París en dos mitades.

Al norte encontramos el barrio de Montmatre

o los famosísimos campos Elíseos.

Y delante de mí, al sur de la ciudad el barrio de Saint Germain

o el famosísimo barrio de Montparnasse.

Cuando "Pelleas et Melisandre" se estrenó,

la ciudad de París quedó dividida en dos mitades, por un lado,

los partidarios de Debussy, y por el otro, sus detractores,

a todos aquellos que consideraban que la música de Debussy

era terriblemente aburrida.

Unos detractores que llevaron a cabo una oposición feroz, tanto,

que por ejemplo, Theodore Duboid,

que era el director del Conservatorio de París,

dijo sus alumnos que no fuesen a ver la ópera porque si no los suspendía.

O por ejemplo, el famosísimo compositor Camille Saint-Saëns dijo,

"este año no voy a irme de vacaciones

para poder seguir hablando mal de Pelleas et Melisandre".

Imagináos.

Pero si lo pensáis, lo que pasó con "Pelleas et Melisandre"

no es tan extraño,

es lo que ha pasado infinidad de veces en la historia del arte,

es lo que pasó exactamente igual con esta torre.

Cuando se construyó para la exposición universal de 1889,

París también se dividió

entre los partidarios de esta gran obra arquitectónica

y los que la veían solo como un gran armatoste de hierro

sin ninguna gracia,

los que querían derribarla y los que querían mantenerla en pie.

Con los años, la torre Eiffel se ha acabado convirtiendo

en un símbolo que va más allá de esta ciudad, un símbolo universal.

Hoy en día nadie puede imaginarse el perfil de París sin esta torre,

del mismo modo que nadie puede imaginarse la historia de la ópera

sin "Pelleas et Melisandre".

Estoy convencido que nunca más se darán las condiciones históricas

para que alguien pueda crear

una ópera como "Pelleas et Melisandre",

para que alguien revolucione en una ciudad como esta,

simplemente buscando crear belleza.

Ahora me gustaría que nos fijásemos

en otro de los símbolos arquitectónicos de París,

la majestuosa Notre Dame.

Tanto la torre Eiffel como Notre Dame

se construyeron siguiendo las proporciones perfectas.

Observad atentamente la fachada de Notre Dame.

Veréis que su forma es la suma de rectángulos perfectos.

Y ahora nos fijamos en la puesta en escena

de "Pelleas et Melisandre" en la ópera de París,

creada por Bob Wilson.

Y aquí, ahora, paremos un momento la imagen.

Fijaos en una cosa, Wilson ha hecho una puesta en escena muy especial.

Muchos de los elementos de la escenografía

tienen las proporciones perfectas,

en este caso, cuadrados y rectángulos perfectos.

Lo que se conoce como la proporción áurea.

¿Qué es la proporción áurea?

Es la proporción perfecta de la belleza.

Voy a tratar de explicarlo, que nadie se asuste.

Vamos a hacer un poco de matemáticas fáciles.

Vamos allá.

La proporción áurea es un número matemático,

se conoce como el número de oro.

En el siglo XVIII, Fibonacci ideó una serie numérica

de la cual salió este número mágico.

La serie se construye a partir del número 0 y el 1,

y cada número siguiente se obtiene de sumar los dos anteriores.

Resulta que el cociente entre dos números consecutivos

de estas series tiende a 1,618, el número de oro.

Vamos a intentar visualizarlo.

Dibujamos cuadrados proporcionados a los números de la serie.

Primero, un cuadrado de proporción 1.

Le añadimos otro de 1, como en la serie.

A su lado colocamos un cuadrado de proporción 2,

después un cuadrado de proporción 3, luego 5, 8, 13...

Y así sucesivamente.

Si enlazamos los vértices de los cuadrados aparece esta figura,

atención, la espiral de Fibonacci,

una espiral que podemos encontrar por todos lados en la naturaleza.

Por eso, la naturaleza es bella, por naturaleza.

Ya hemos visto cómo la catedral de Notre Dame

y la puesta en escena de Bob Wilson

están hechas de rectángulos perfectos.

Ahora bien, ¿cómo podemos construir un rectángulo perfecto

que guarde la proporción áurea? Es muy fácil.

Todo lo que necesitamos es un cuadrado como este,

que tenga sus cuatro lados iguales.

Entonces, dividimos uno de estos lados, el que sea.

Yo he puesto esta chincheta, y con la ayuda de otro cordel

lo ponemos donde hemos hecho la división

y lo llevamos hasta esta esquina.

Es como si estuviéramos trazando una hipotenusa.

A partir de aquí, esta es la clave, dejáis caer el cordel,

y donde caiga es donde tenéis que empezar a construir el rectángulo.

Vamos a tensarlo un poco.

Ahora, lo único que tenemos que hacer es con unas tijeras,

cortar el lado que nos quedaba y tenemos nuestro rectángulo.

Si dividimos la base por la altura y obtenemos el número 1,618,

entonces tenéis un rectángulo perfecto con proporción aurea.

Lo fascinante es que Debussy, con su música,

nos propone lo que podríamos llamar la belleza etérea.

En cambio, Bob Wilson, con su puesta en escena,

nos propone la belleza matemática.

Así que, tenemos por un lado la belleza etérea de Debussy

y por el otro la belleza matemática de Bob Wilson.

Una idea fascinante.

También encontraremos la proporción áurea en las personas,

cuanto más se acerquen nuestras medidas al número de oro,

teóricamente, más guapos somos.

Pero como ya sabéis, la belleza es mucho más que un número,

depende de muchas otras cosas. ¿Cuáles?

Quién puede respondérmelo es Guy Congeval,

el director del museo de Orsay.

Empecemos con lo más importante, la gran pregunta.

¿Qué es la belleza?

Supongo que no esperarás que responda a preguntas así.

Sé lo que no es belleza.

Si hay alguien que puede responder a esa pregunta, ese eres tú.

La belleza es algo que guía tu vida.

Creo que la idea de belleza se forma en primer lugar,

a partir de la sexualidad. ¿La sexualidad?

Sí, y la idea de belleza, la concepción de la armonía

y el buen gusto por la regularidad.

Y nosotros, los franceses tenemos un gran gusto por la regularidad.

La ciudad de París, la tenemos detrás de esta ventana y ese reloj,

es una de la más regulares y perfectas,

incluso demasiado regular.

Pero aunque digas que París es demasiado regular, es preciosa.

París es absolutamente preciosa.

En la actualidad, ¿todos los cánones de belleza son válidos?

Cuando dices eso, pienso en la publicidad, en la promoción,

en la juventud, en la belleza, la salud...

El hecho de que las mujeres deban tener pechos grandes

y los hombres deban estar fuertes e ir al gimnasio,

es un canon de belleza que no existía en el siglo XVII

o en el siglo XVIII.

Empezó en el cambio del último siglo, a principios del XX.

Porque la fealdad, ¿podría ser también belleza o algo bonito?

¿O considerarse una forma de arte?

Es el gran dilema de Víctor Hugo, y del Romanticismo.

Porque el Romanticismo puro

lo consideraba como la exaltación de los cánones de belleza,

en el que Shakespeare era al centro,

y Shakespeare muestra la fealdad, el lado oscuro del alma.

Y por ese motivo, es tan interesante.

Debussy rompe con lo que en aquella época

serían los cánones de la belleza musical.

Con su ópera "Pelleas et Melisandre" creó algo nuevo, diferente,

pero la mayoría de la gente no comprendía este tipo de música.

Y aún no lo comprenden.

Gran parte del público francés prefiere la música mala de Strauss

o Wagner, a la Debussy, porque es muy complicada.

Cuando empiezas a escuchar a Debussy,

al principio te muestras un poco reticente,

te resistes a él, y al final te conquista completamente.

Para mí, es la mejor ópera de la historia.

Debussy es totalmente...

Hubo un músico que dijo, "es una tierra de nadie del arte".

No hubo nadie que siguiera sus pasos,

que intentara imitar y volver a hacer lo que hizo Debussy,

porque es imposible.

¿Cómo consigue Debussy sugerirnos una impresión musical?

¿Cómo consigue liberar la música?

Muy sencillo, lo que hace Debussy es liberarse de la rigidez,

de la forma musical.

Para entendernos, intentar liberarse del tempo.

Voy a tocar una sonata de Mozart a ver si lo entendemos mejor.

(Piano)

¿Habéis visto? Mozart es puro tempo.

Mirad la mano izquierda. Uno, dos, tres. Uno, dos, tres...

Haga lo que haga la mano derecha,

la izquierda siempre hará uno, dos, tres, uno, dos, tres.

¿Qué pasa, en cambio, con la música de Debussy?

(Piano)

La música de Debussy es totalmente distinta,

como si flotara, fluyera, como si casi no tuviera tempo.

Si intentamos tocar la música de Debussy como si fuera Mozart,

mirad lo que pasa.

(Piano)

Deja de funcionar, ya no es Debussy, no es su música.

La música de Debussy requiere que fluya.

(Piano)

Debussy tenía muy claro que el arte, además de la intención musical,

del estado de ánimo del que lo escucha,

en el momento histórico en el que se crea,

el arte depende, sobre todo, del intérprete.

Por eso, se obsesiona en dejar en manos del intérprete su intención,

la impresión musical que quiere darnos.

Por eso, sus partituras no tienen órdenes, sino sugerencias.

Por ejemplo, esta que estaba tocando dice...

(LEE EN ITALIANO)

Para demostrar todo esto, vamos a hacer un experimento.

Tenemos dos pianistas, una en Barcelona y el otro en París.

Hola, chicos, ¿cómo estáis? Hola, Ramón. Bien, muy bien.

¿Estáis animados?

Quiero que interpretéis el ludio número 12 de Debussy,

que tiene una de las indicaciones más subjetivas

jamás escritas para un intérprete de piano.

"Moderado, nervioso y con humor".

¿De acuerdo? ¿Quién quiere tocar primero?

Adolf, ¿quieres ser el primero? Sí,vale. Vamos allá.

Adolf, por favor, ¿podrías mover un poco el ordenador?

No te vemos.

Ok. Mucho mejor.

(Piano)

Vale, Adolf.

Muchas gracias por tu interpretación.

Ahora, Jean François, tu turno.

¿Estás listo? Sí.

(Piano)

Jean François, "moderado, nervioso y con humor",

no es lo mismo que para Adolf.

Porque ni ellos ni sus estados de ánimo son los mismos,

y por tanto, lo tocan diferente.

Y es que para Debussy, la música es un arte que brota sin límites.

Con Debussy, el intérprete se siente libre.

Gracias, Jean François. Gracias a ti.

Muchas gracias a los dos chicos. Hasta la próxima. Adiós.

(CANTAN LÍRICO)

Llegamos al final de la ópera.

Los dos hermanastros son víctimas de los celos,

Golaud no puede soportar

que Melisandre se haya enamorado de Pelleas,

entonces, mata a Pelleas y hiere de muerte a Melisandre.

Pero no es un final típicamente romántico, incluso,

en estos momentos tan duros, nada es claro, contundente,

ni evidente.

Todo es sutil, todo es solamente una impresión.

Debussy sufrió muchísimo para terminar "Pelleas et Melisandre",

la única ópera que escribió en toda su vida.

Acabar una obra es como estar presente en la muerte

de un ser querido.

Tal vez, intuía de algún modo que una vez terminada la obra

dejaba de ser suya, para ser de todos.

Pero con "Pelleas et Melisandre",

Debussy nos dejó una obra que cambió la historia de la música.

Estoy convencido que si escucháis la música de Debussy,

os dejáis llevar por ella,

será la música de vuestras emociones,

sean cuales sean,

porque los seres humanos tenemos la necesidad de crear

y de buscar la belleza.

This is Opera - Pélleas et Melisande

12 abr 2015

La belleza por la belleza. Así define nuestro presentador a esta ópera de Debussy, una obra impresionista de argumento sencillo pero capaz de generar intensas emociones a quienes sucumben a su magia.

 

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