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No recomendado para menores de 16 años Metrópolis - Videotranslaciones - ver ahora
Transcripción completa

(Música)

"La exposición 'Vídeo-translaciones' reúne 13 videoinstalaciones

de artistas peruanos contemporáneos, realizadas a partir del 2000,

año de ruptura en la historia reciente del país andino,

que supuso una mayor libertad, la reinvención de la imagen de Perú,

y una redefinición de la relación del ciudadano con el espacio público

y el territorio.

Los videoartistas comenzaron

a explorar las posibilidades del vídeo

desde esta nueva perspectiva,

incorporando el espacio a la obra

y modificando la relación con el espectador.

Los proyectos seleccionados

por el equipo de alta tecnología andina,

utilizan los recursos de la sala de bóvedas

del Centro Cultural Conde Duque de Madrid

para articular un discurso crítico,

donde se yuxtaponen géneros, historias,

tiempos y tecnologías diferentes,

que aluden a espacios reales o simbólicos

del imaginario cotidiano peruano."

A lo largo de las últimas dos décadas, en donde se ha instalado,

se ha instaurado el videoarte

en la práctica de artes visuales en el Perú,

se han dado en muchos momentos trabajos de videoinstalación.

Sin embargo,

nunca se ha trabajado

en una propuesta que de alguna manera los estudie

o los presente en conjunto.

(Música)

La apuesta es un poco por la diversidad, así que,

justamente,

el planteamiento desde la curaduría ha sido dejar la libertad total

al espectador de encontrar justamente esos puntos

que vuelven una unidad a esta exposición.

(Música)

Diego Lama,

que es un artista que se ha formado en el campo del videoarte,

y toda su carrera la ha hecho principalmente

en la producción de obras de vídeo,

y que tiene una relación muy fuerte con el cine.

Presenta una obra

que es el vuelo de un dron desde la calle Azángaro,

en Lima, que es el espacio

donde se falsifican todo tipo de documentos, ¿no?

(Música)

Hasta el Palacio de Justicia, en el Perú,

que es el espacio de la legalidad,

pero es definitivamente el espacio de la ilegalidad.

(Música)

La pieza "Estudios sobre movimiento y color"

consiste en dos proyectores de vídeo

que han sido intervenidos, de manera que la señal de color,

el RGB, sea constantemente alterado por un motor

y un peso que se encuentra encima.

-Dentro del ecram,

donde se proyectan esas variaciones de color y de intensidad de luz,

hay un sensor que traduce los cambios a sonido.

(Vibraciones)

Nuestro trabajo intenta como trabajar

sobre algunos mecanismos de la percepción,

y nos interesa también trabajar mucho con máquinas

o tecnologías anteriores que podamos abrir,

intervenir y entender su funcionamiento.

(Vibraciones)

-Lo que quiere hablar es un poco el funcionamiento

de las máquinas relativas a lo visual o la visión.

Nos interesa mostrar

aquello que está escondido dentro de estos aparatos,

de estos mecanismos.

(Vibraciones)

-Cada vez hay más de estos aparatos,

y cada vez se desactualizan más rápido.

Es como una posibilidad que se abre en este momento.

Creo que para muchos artistas también,

más allá de nosotros mismos.

Acercarnos a un espectador que es curioso

y que trata de comprender qué es esto,

no de una manera muy metafórica ni simbólica,

sino cómo es que funciona.

(Vibraciones)

En la proyección central aparece el Estadio Nacional vacío,

y a los laterales, las luces del estadio.

Y a medida que se va descubriendo la imagen,

y la música se va intensificando,

empiezan a entrar en la imagen central confetis,

que finalmente no celebran nada, porque caen a un vacío.

(Música)

Me interesaba el espacio del estadio,

no tanto por el fútbol en sí,

sí por lo que contenía como espacio.

O sea, porque tiene muchas connotaciones,

no solamente es el fútbol,

sino tiene que ver con lo ritual,

con una cosa de masas, con política, con territorio.

Entonces, yo no estoy hablando del fútbol,

por eso fue que le quité el color también al estadio,

para que no se relacione con el fútbol.

También hay una cosa de identidad, que esté vacío,

que no se celebre nada,

también es como esta búsqueda de identidad nacional

que no llega a cuajar al final.

# Libre como el ave # que escapó de su prisión

# y quiere al fin volar.#

-Debido a la guerra interna en el Perú,

era muy difícil salir a la calle, es más, había toque de queda.

Por lo tanto, mucha de la realidad que vivíamos,

la vivíamos a partir del aparato televisivo.

Entonces, nuestra realidad se volvió una realidad mediatizada.

# Por fin la libertad. #

-Por ejemplo,

en el caso de la obra de Rudolph Castro,

aunque trabaja él con una proyección,

tiene un artefacto,

un equipo de radio,

donde uno puede girar y poner diferentes estaciones

y las estaciones te llevan

a los discursos de diferentes gobiernos

dictatoriales de América Latina.

"Queridos compatriotas,

apreciados camaradas de las Fuerzas Armadas..."

Pero, que de alguna manera,

el ambiente de la instalación te hace percibir un espacio íntimo,

que se genera a partir de la experiencia

que ves en la televisión

o que escuchas en la radio.

-Son apuestas que no necesariamente

van por el lado de la tecnología más reciente.

"Gracias Juan, te llevas el cariño de Chile,

el cariño de estas antorchas de aprobación

del público de la Quinta Vergara."

Si bien,

hay un componente tecnológico sumamente importante,

que permite algún grado de interacción,

creo que la apuesta va más por el lado casi sensorial

por parte del espectador.

Quizás el tema político se aborde

tangencialmente en la obra de Rudolph Castro,

no tanto como una reflexión

sobre lo que ocurre en la actualidad en el Perú o en América Latina,

sino más bien como un recuerdo de las dictaduras de los 60, 70,

que, de alguna manera, tienen repercusiones en el presente.

# Detrás de la verdad # y saber lo que es al fin

# la libertad. #

(Música)

-Mis primeros trabajos siempre tuvieron

un interés sobre lo performativo y sobre la identidad

que se pueda generar sobre un contexto cultural.

En ese caso, la música siempre me interesó,

como una gramática o un lenguaje que tiene, quizás,

un territorio cultural ya preestablecido

o que se alimenta de muchas tradiciones.

Buscamos un arpista específicamente,

viendo los pasacalles y el rol de la música en estas comunidades,

y me atreví a hacerle hacer un par de cosas

que quizás él no haría normalmente,

una de ellas fue pararnos en el mercado, en una esquina,

donde se genera este plano que es el trabajo en sí.

(Música)

Yo me entiendo como escultor.

Mi interés siempre viene, por un lado,

de cómo están hechas las cosas,

por eso ese interés por la música y la manera cómo se produce,

y lo que genera en el público que la aprecia o que la disfruta,

o que la usa.

Pero por otro lado, me interesa mucho el espacio,

cómo la presentación de un trabajo así, puede apropiarse

o cambiar la apreciación también del espacio.

"-¿Sabes silbar? -No.

-A ver, trata de silbar."

(SILBA)

(SILBAN)

La pieza que estoy presentando ahora es un vídeo a tres canales,

se llama "Punto ciego",

y está compuesto por fragmentos de películas peruanas

que van desde finales de los 60 hasta inicios de los 90.

Era la época en la que el Perú estaba

inmerso en la guerra entre el Estado

y las fuerzas de Sendero y el MRT.

Son fragmentos que usan mucho el ritmo, el corte,

el silencio y el vacío.

La idea es que se forme una narrativa no lineal,

a partir no solo de la información que se ve,

sino de la que, principalmente, no está.

"-Deja de silbar."

(SILBAN)

Principalmente interesa cómo, en mi trabajo en general,

las maneras y los protocolos en los que se registra la historia.

Ya sea de manera oficial,

o cómo se va transformando a través de la cultura popular,

como en este caso las películas.

(Música)

Un componente importante es que muchos de los artistas

han tenido una formación bastante multidisciplinaria,

y en la mayoría de casos, una formación internacional.

Por eso también esta muestra es una oportunidad, yo diría única,

porque nunca se han visto este conjunto

de trabajos presentados de manera simultánea.

Y que nos permiten ver, justamente,

todos estos acercamientos diferentes que hay a la imagen en movimiento,

y, sobre todo, al uso del espacio.

-En el caso de Miguel Cordero

se trata del registro de una performance

que tiene lugar en una pampa vacía, es el vuelo de un dron,

nuevamente creo que esa herramienta ha estado a disposición de artistas,

digamos de una segunda generación,

que transforma por completo la relación con el espacio.

Esta particular visión de la performance y de lo colectivo,

y por qué no también del espacio,

evoca un poco la grandilocuencia de esas imágenes de la marca país,

de lo que el Perú desea proyectar hacia fuera.

Creo que es un juego,

una ironía con respecto a esa imagen y que,

finalmente, también mira hacia atrás,

no solamente hacia la historia del performance,

también de lo colectivo

como parte esencial de la cultura peruana.

-"Del pueblo libre al silencio", es un vídeo en dos canales,

que representa

un poco como el proceso de crecimiento urbano de Lima

como capital, y también, digamos,

cómo cambia geográficamente y evoluciona o involuciona,

de cierta manera.

El vídeo de la izquierda es una mano que comienza, digamos,

a develar capas de pared, de color de pared,

hasta llegar a la última,

que vendría a ser el adobe, y es una forma, digamos,

de ver todos los niveles que hay para subir

o para hacer crecer una estructura.

Luego, el vídeo del lado derecho,

representa más bien como una vista de paisaje en horizontal,

y mediante los planos se muestra

la relación del cuerpo en cuanto a la cercanía y la lejanía.

Es como una suerte de representación por la cual se busca

encontrar el horizonte en Lima.

Eso es una forma, en verdad,

bastante relacional de ver la ciudad,

de entenderte más o menos de dónde vienes, cómo la observas,

cómo la representas y cómo la interiorizas.

Para mí,

la modernidad no solamente es un estado de tiempo actual,

es un estado en el que se convive con creencias,

con formas de construir, de vivir, de imaginarse

y también de relacionarse con el otro en la ciudad.

(Música)

La lógica narrativa gira en torno a un personaje

que se descubre en el inframundo,

y que descubre poco a poco que está muerto, que murió ahogado.

Tiene una crisis

y luego la redención sucede a esa crisis.

(Música)

Para mí era, básicamente importante,

poder hablar de centro y periferia, a través de la vida y la muerte.

Yo tenía una idea principal dentro de este proceso,

que eran básicamente pensar

en la muerte como una forma de inicio,

y de la vida, del nacer, como una forma de final.

Y entonces,

la idea de centro como una forma de periferia

y de la periferia como una forma de centro.

El cubo que vemos en la sala nos remite a la obra,

pero también es una figura geométrica dentro del espacio

de exposición que se transforma por efecto de las resonancias

y las reverberaciones,

en una forma de epicentro dentro de la sala.

Esas bajas frecuencias,

esas vibraciones las que nos están llamando

a recorrerla,

a ir alrededor, y básicamente la caja o el cubo,

se convierte en una caja de resonancia.

Marco Pando es un artista peruano residente en Berlín y Ámsterdam,

que ha venido trabajando

desde hace muchos años, en relación al imaginario del cine,

pero asociado también a sus recuerdos de niño.

Marco construye una obra que tiene una particularidad,

es la construcción de un pequeño cine,

pero a diferencia de que entremos al cine para ver una película

o una proyección, la proyección la vamos a ver desde atrás,

justamente desde el espacio, el intersticio, de alguna manera,

entre la pantalla y la pared posterior del cine.

Es una obra en 16 mm,

que proyecta una mano

que gesticula los movimientos de una araña.

Entonces, juega un poco con estas reminiscencias de niño,

y la asocia con una imagen de alguna manera fantasmal o espectral.

-Es una instalación de vídeo

que se llama "Viaje a las Islas Hormiga"

y está compuesta de tres partes,

una es un vídeo que es una toma continua

de un viaje en una chalana,

un pequeño bote de pescadores.

En el Océano Pacífico en dirección al horizonte.

Acompañando al vídeo hay una pequeña pieza de audio

que son tres fragmentos de entrevistas a personas,

entre comillas,

autorizadas en relación a la veracidad de las islas.

Es un biólogo marino, un cartógrafo,

un antiguo oficial de marina en retiro, y ellos,

lo que dicen básicamente es que sobre las Islas Hormiga

no hay mucho que puedan decir.

"Nada más te puedo decir, ¿no?

Porque...

Nunca he estado ahí, las he visto siempre lejos,

con anteojos o tomando marcaciones, en fin,

pero no los he pisado nunca".

Me interesaba pensar en estas islas

y dejarlas en ese nivel de suspensión, de potencia,

porque me parecía que funcionaban como una reflexión

acerca de lo que era en general un territorio, o nuestro territorio,

como un lugar en el cual habitamos,

pero al mismo tiempo un lugar al que nunca se llega,

que nunca termina de definirse, que nunca termina de anclar.

Y, en la tercera pieza, es un impreso,

un pequeño cuadernillo impreso,

que tiene como título "Viaje a las Islas Hormiga",

y que son una serie de pequeños textos, frases,

que describen estas islas de un modo ambivalente.

Por un lado es una descripción sumamente precisa, casi numérica,

de las características de las islas,

y al mismo tiempo dejan la experiencia

de que este lugar es un lugar que existe casi en su pura potencia.

Queda el interrogante

sobre cuál es la naturaleza verdadera de este lugar.

-La idea principal de esta pieza es jugar con el concepto de portal,

cómo una puerta, de alguna manera,

marca el límite entre una geografía y otra.

Este es un muro con proyecciones por ambos lados, están mapeadas,

es decir, el lugar físico de la puerta calza con el lugar

donde está la puerta proyectada,

y cada vez que un espectador pasa por ahí,

inmediatamente cambia de una fachada a otra,

cambia de una puerta a otra.

Solo cuando nadie pasa por ahí,

un lapso de 25 segundos, más o menos,

es recién cuando se vuelve de un interior a un exterior,

y es ahí cuando entra recién la imagen del mar,

que para mí es un símbolo de conexión con la naturaleza

de alguna manera.

Yo diría que es un diálogo lúdico,

creo que no es una pieza que intenta dejar un mensaje claro,

preciso, "hay que estar hablando de este tema",

sino creo que se trata de justamente,

relajar un poco este concepto serio y solemne que tiene el arte,

a algo netamente lúdico.

-La pieza que presento en videoinstalaciones,

originalmente se expuso como individual el año 2009,

su título es "Exposición",

y literalmente es un sistema de videovigilancia de tres cámaras,

que están grabando y reproduciendo en tiempo real

la exposición en sí misma.

La idea es exponer a la exposición dentro de sí misma,

y no solo a la exposición,

sino también el espacio que la alberga,

obras puntuales, y los espectadores que recorren las salas.

Del museo está reflexionando acerca de,

probablemente, tres aspectos, podría ser:

La obra, el espacio expositivo,

que puede ser el museo pero podría ser más bien

la sala del museo,

y el espectador.

Entonces,

cómo estos tres elementos tienen límites no muy definidos

a veces.

La sala que alberga las obras puede tener un rol protagónico

y dictar cierto tipo de cosas

respecto de lo que se está observando.

Y al mismo tiempo el espectador puede ser alguien

que percibe de manera creativa, y afecta al contenido,

con su presencia.

(Música)

-"El mañana fue hoy,

21 años de videocreación y arte electrónico en el Perú",

es un proyecto que empezó hace tres años,

fue fruto de una exhibición

por los 20 años de Alta Tecnología Andina,

la organización que formamos con Jorge Villacorta

y con la que llevamos a cabo muchos proyectos de arte

y tecnología en el Perú, incluyendo un festival de vídeo.

Pensamos que, fruto de esa exposición,

nos hubiese interesado expandir, no solamente a lo que hizo ATA,

sino lo que hicieron otras organizaciones

y otros individuos en el país,

y así es que nació la idea de la publicación.

Lo que hemos buscado en esta publicación,

que es un conjunto de textos de diferentes autores,

es, de alguna manera,

presentar lo que ha sucedido

en los últimos 20 años en el campo del vídeo,

del arte electrónico en el Perú,

pero también cómo se han formado comunidades,

cómo han habido organizaciones que se han desarrollado

y que han explorado estos medios,

qué artistas y qué teóricos han venido al Perú, por ejemplo,

en esos 20 años y qué han aportado estas personas.

(Música)

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08 abr 2019

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