Metrópolis La 2

Metrópolis

Miércoles a la 01.00 horas

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No recomendado para menores de 16 años Metrópolis - Tres décadas apostando por ellas - ver ahora
Transcripción completa

"Metrópolis" presenta la segunda entrega de "Metrópolis Vintage",

la serie de programas temáticos que revisan

y recontextualizan destacadas entrevistas

y reportajes de producción propia, pertenecientes a su extenso archivo

y considerados documentos históricos.

Desde sus inicios, "Metrópolis" ha dado visibilidad

al trabajo de mujeres artistas.

Tanto de aquellas que ya eran conocidas a nivel internacional,

como de las que estaban afianzando su carrera.

Incluyendo algunas creadoras que desafortunadamente han fallecido.

Para este programa, "Metrópolis" ha conseguido restablecer

el contacto con cinco de sus protagonistas

de mediados de los años 80. Soledad Sevilla, Mireia Sentís,

Paloma Navares, Mercedes Melero y Marga Clark comparten con nosotros

sus recuerdos de aquella época

y nos hablan de sus proyectos más recientes.

Han pasado 30 años, que es muchísimo.

Dediqué cinco años a la danza. Un espectáculo abierto,

no clásico en plan italiano, sino que eran espacios abiertos.

Por ejemplo, los jardines del museo de arte contemporáneo.

Esa obra se llamaba "Seravan"

y recogí un trabajo con 24 bailarines,

con música en directo. Era una especie de dos bandos,

una especie de metáfora,

una confrontación entre dos grupos de danza.

Yo pintaba, estaba interesada en el color,

pero en el color en movimiento.

Era una dinámica más abierta que lo que me permitía pintar

al óleo o en acuarela. El trabajo de luz,

la experimentación sobre el espacio...

Estas coordenadas es algo que he ido arrastrando toda la vida.

Aprendí muchísimo con los espectáculos de danza

o con la ópera que pasé a hacer después.

Aprendí a manejar el espacio, la iluminación

y todo mi trabajo posterior

tiene algo que ver con una puesta en escena,

con una intención y estructura importantes

en cuanto a la profundidad que le doy al trabajo, el contenido,

el concepto.

Y después, aprender lo que se aprende en el teatro,

que también tienes que aprender a ser libre

y hasta a improvisar.

La naturaleza es algo que he trabajado todo el tiempo.

El mar, las flores, el aire...

Hasta el 2012 empleé cuatro años

en hacer "Otros páramos. Mundos de mujer",

un trabajo de investigación sobre los ritos, las culturas

y las sociedades.

Y el tratamiento y la integración de la mujer en esas sociedades.

Cómo vive y cómo soporta una estructura social

que la tiene castigada.

Es una transferencia cultural

donde he utilizado la figura de la mujer en el arte clásico,

cómo nos han pintado los hombres, cómo desean vernos,

cómo les gustamos, cómo nos pintan

y cómo han hablado por nosotras durante los periodos clásicos

y hasta hace muy poco. Ahora la mujer empieza a tener voz.

-Fue una experiencia muy bonita porque en aquella época

yo estaba muy metida en lo que eran las mitologías egipcias,

clásicas sobre todo, Mesopotamia... El Mediterráneo del 2000 para atrás

y el poder estar en el Templo de Debod con tu obra

y de alguna manera integrarla en la arquitectura de aquella época

fue algo elegido, una propuesta personal que se aceptó

y era precioso verlo en un medio que le favorecía absolutamente.

Éramos muy jóvenes.

Todo eran ilusiones y ganas de hacer cosas.

Lo recuerdo como algo muy positivo, muy creativo.

Una época realmente explosiva

y que tuve la suerte de estar allí en medio.

Hablar de una cosa como es mi pintura,

para mí resulta bastante difícil.

En primer lugar, porque me lo he tomado como un juego

en el que mezclo todos los factores que puedo.

Es decir, me estoy limitando un poco a recoger una serie de herencias,

tanto históricas como actuales,

todo aquello que veo todos los días me interesa.

Tanto puede influirme la historia de Egipto como el telediario.

No voy a dar una lectura de mis cuadros

porque cada uno tiene una lectura bastante diferente y,

sobre todo, uno de los juegos que más me gusta es ver la lectura

que da la gente de mis cuadros.

En aquella época, cuando estudiaba las mitologías,

yo tenía un concepto del arte

según el cual no me gustaban las grandes obras.

Me gustaba que fueran portátiles. Había problemas acerca del montaje.

Yo nunca elegí que mis obras fueran montadas en bastidor

y había una serie de problemas constantemente con las galerías,

en el sentido de que el artista es el último que cobra,

el último que decide... Otros toman decisiones por ti

y eso repercute en tu obra.

Cuando ves que tu obra la están tergiversando,

al menos lo que quieres decir, empiezas a dudar y dices,

qué necesidad tengo yo.

Sobre todo, si no pasas por según qué cosas,

todos son puertas cerradas.

No es que pensara de un día para otro dedicarme a la docencia,

pero vino todo un poco ligado.

Hice unas oposiciones a la Escuela de Arte,

para dedicarme a personas... Dedicarme y aprender,

porque la docencia también es aprender.

Enseñamos algo, pero aprendemos mucho.

Fue un poco compartir con personas que estaban interesadas,

algo que llegaba de una manera mucho más directa que con mi propia obra.

He seguido pintando a una escala mucho más reducida,

no presionada por exposiciones constantes,

pero mi discurso mental ha sido realmente conceptual

en el sentido total de la palabra y he seguido trabajando en ello.

La mitología nunca la he dejado porque para mí

la mitología no es tanto los mitos,

sino la historia contada de una forma metafórica.

En la historia siempre se tiende a clasificar en buenos

y malos. Al final es entre quien manda

y no manda, como casi siempre. "El canto de sirenas",

que normalmente se utiliza en sentido peyorativo,

a mí me parecía que las sirenas son unas víctimas de la mitología,

puesto que las condenadas son ellas.

Las que sufren la maldición de las sirenas

no son los que escuchan los cantos, sino las propias sirenas.

-Eso era una recreación del mundo de los estantes

y de la doble imagen de la Alhambra.

Yo había terminado una serie de pinturas sobre la Alhambra

y luego hice esa instalación

cuyo título quiere decir fuente y origen.

Es un estante negro con una lámina de agua

y unas líneas al fondo, líneas de algodón,

que estaban iluminadas con una luz negra de neón,

de manera que el algodón se iluminaba como si fuera luz

y luego caía una pequeña gota en el centro del estante

que provocaba una oscilación cada 10 o 15 segundos.

Cuando yo vi el video, no me gustó nada

porque es una pieza estática

que está recreando un mundo y reflejos estáticos,

en los que simplemente caía una gotita de agua

que provocaba esas ondas expansivas cada 10 segundos

y lo que hicieron con el video fue mover el agua e hicieron olas.

El reflejo de las líneas estaba continuamente moviéndose.

A mí eso no me gustó porque no respondía a la pieza.

Lo que me gusta de las instalaciones es que son efímeras.

No permanecen y desaparecen.

En una primera época eran todavía mucho más efímeras.

Todos estos claroscuros están planteados

para que tengan el volumen de esas telas.

Son unas artilleras de plástico

que tienen en el interior los secaderos de tabaco,

que están puestos para proteger a las plantas del viento, del sol,

del exceso de la naturaleza que pueda dañar a las plantas.

Por una parte estaría este,

que sería la visión encima de la artillera

y habría otros en los que a través de la artillera

veo el paisaje del fondo.

-Fue mi segunda exposición. La tuve en Barcelona,

pero después ha hecho un recorrido muy amplio y se ha hecho un libro.

Es un poco de mira, Mireia Sentís, la de las joyas.

Han pasado 33 o 34 años desde que hice las fotos.

He hecho mucho más, pero es una serie

que me ha definido de cierta manera.

(OFF TV) Mireia Sentís, fotógrafa, Barcelona.

La exposición "Joyas" no es una exposición fotográfica.

No es una exposición de fotos ni de joyas,

creo que es una exposición que indaga sobre el lenguaje,

la semiótica de la publicidad.

Justamente la joya es un objeto que los publicistas conjugan mucho

con hacer un marketing erótico.

Yo no he hecho más que seguir el lenguaje que ellos apuntan

de una manera velada.

Yo lo he llevado a sus propios límites.

Tomar todas las partes del cuerpo como un igual.

Es un comentario, para mí, sobre el poder, el sexo

y las costumbres. Son unas joyas que no son modernas,

son joyas victorianas todas. Pasan de padres a hijos.

Son joyas que denotan un cierto poder.

El cuerpo, en un momento dado un gran escote

y no se podía enseñar el tobillo.

A pesar de que se explota más a la mujer,

escandaliza más ver el clítoris.

Este tipo de cosas quería transmitir.

Es sobre publicidad, poder, costumbres...

En el año 85 mi vida era igual que ahora.

Estaba en los sitios donde tenía un trabajo que me interesaba,

hacia cosas que me interesaban. La vida igual.

Profesionalmente es lo que puede haber cambiado.

En el 85 estaba haciendo televisión. Hice televisión durante siete años.

Después de esto, empecé a escribir,

me volví a Estados Unidos donde escribí para "El País".

Las series siempre las he ido haciendo

aunque hiciera televisión o cualquier cosa.

La foto siempre me ha acompañado.

Ahora he estado metida en un documental,

he escrito dos libros, viví en Los Ángeles.

Han pasado muchas cosas, pero mi vida es igual.

-Fue en la oscuridad del laboratorio donde empecé a ver por primera vez.

Mi trabajo es una manera de cuestionarme a mí misma.

Una excusa para adentrarme más en todo lo que me rodea.

Me interesa ese momento único

y permanente que desafía lo instantáneo.

Esa continuidad de lo eterno. Esa relación principio fin.

Esa mirada propia del objeto.

Es una obra que tengo algo muy especial con ella

porque la encuentro muy mía y muy representativa de mi trabajo.

Por favor, no os quedéis con los adoquines.

En esta serie realizada a finales de los 80, 90,

aquí expongo la desintegración urbana.

Como una referencia a nuestra propia desintegración.

Lo expongo en estos trípticos que son del mismo tema

y que van del color al blanco y negro.

Es un viaje al interior del objeto.

Mi primera serie fotográfica era "Movimiento estático",

que además hicimos un libro,

y era encontrar el movimiento de lo estático.

Era un desafío a lo instantáneo porque la fotografía es el instante.

Yo estaba intentando encontrar el movimiento en esa estática.

Después pasé a estos trípticos que ya hemos explicado

sobre la desintegración urbana como vestigio de nuestra existencia.

Acércate al neumático.

Aquí he coloreado parte de la basura del entorno.

En el mismo color me gusta distorsionarlo

y darle el propio color que yo imagino.

Fui poco a poco evolucionando para encontrarme en la situación actual,

que es una serie que empecé con un aspecto poético

porque esta serie está muy ligada a la poesía.

Es muy importante diferenciar entre visión y mirada.

Para mí la poesía es visión porque con la poesía yo busco

con la mirada dirigida hacia adentro.

La poesía es una búsqueda interior, una búsqueda personal.

Sin embargo, la fotografía es mirada

porque con la fotografía encuentro con la mirada dirigida hacia afuera.

La fotografía, por su propia esencia que necesita un referente delante,

solo puede documentar. Es un trabajo más existencial

porque me he metido con la esencia del ser

y los temas más recurrentes son los de la memoria, el olvido,

el recuerdo y la muerte.

  • Tres décadas apostando por ellas

Metrópolis - Tres décadas apostando por ellas

29 mar 2015

Esta semana en Metrópolis, terminamos nuestro ciclo dedicado a las mujeres artistas que nos ha ocupado todo el mes de marzo, con la emisión del segundo capítulo de la serie Metrópolis Vintage en el que se revisan documentos realizados por el programa en la segunda década de los años 80 sobre obras de artistas visuales españolas como Marga Clark, Patricia Gadea, Mercedes Melero, Paloma Navares, Mireia Sentís, Soledad Sevilla o Susana Solano, entre otras. El programa incluye entrevistas recientes con algunas de ellas.  

 

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