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No recomendado para menores de 16 años Metrópolis - teamLab - ver ahora
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Subtitulado por Accesibilidad TVE

El mundo digital

se ha convertido en una herramienta de experimentación

que ofrece un universo de posibilidades infinito

en el ámbito audiovisual.

Arte,

tecnología,

diseño.

Teamlab es mucho más

que un colectivo de artistas digitales

es un ambicioso proyecto interdisciplinar

que reúne a más de cuatrocientos profesionales

con un fin común.

Explorar y entender el mundo a través del arte.

Tradición e innovación se funden

para crear experiencias inversivas únicas.

Obras que son capaces

de transportarnos a espacios infinitos

en continua transformación,

donde el tiempo parece detenerse.

Conectamos con el entorno de una forma totalmente innovadora

que trasciende esos límites

que nos impiden ver el mundo en su totalidad.

Esta noche en Metrópolis

Teamlab.

Teamlab fue fundado en 2001 en Tokio,

por cinco fundadores.

Todos amigos y compañeros de universidad.

Con diferentes inquietudes.

Pero todos,

con una formación tecnológica y científica.

En 2001 estábamos en pleno auge de las punto com

y las tecnologías digitales.

En general, las tecnologías informáticas.

Su idea era crear un espacio

en el que pudieran juntarse diferentes personas

para desarrollar proyectos tecnológicos

y aprender cosas.

Por eso se llamó Teamlab

de laboratorio,

en vez de compañía

o algo por el estilo.

En ese entonces,

su idea era sobre todo, experimentada.

Abordamos el arte con un enfoque tecnológico.

Habrá quien piense, probablemente,

que tecnología es sinónimo de alta tecnología.

Pero nosotros preferimos concebir la tecnología

en un sentido más amplio.

En cada proyecto, evidentemente,

tenemos ingenieros y técnicos

pero también hay otras personas

como artistas, diseñadores,

que también desempeñan un papel importante

en nuestros proyectos artísticos.

El aspecto técnico también es importante.

No solo la tecnología.

Pero no en el sentido de alta tecnología,

sino en el de ir más allá de la tecnología,

o abordarla de manera interdisciplinaria.

Por eso empezamos a considerarnos ultratecnólogos,

es decir,

que trabajamos con la mirada puesta

más allá del campo de las tecnologías y de las técnicas.

No tenemos una jerarquía en Teamlab.

No es como si hubiera un artista en jefe

que da órdenes o instrucciones a un equipo.

Todo el mundo tiene voz y voto.

Y luego hay partes

en las que uno u otro asume el control.

Pero lo interesante y agradable

del proceso creativo de Teamlab

es que

quien más sepa de cierto campo,

dentro de cada proyecto,

es quien asume el liderazgo.

Así que hay un proceso competitivo muy sano,

cada vez que creamos algo.

En Teamlab

ponemos la ciencia y el arte al mismo nivel.

Son dos maneras de entender o de ver el mundo.

De interpretar el mundo que nos rodea.

Y por eso hemos querido fusionar ambas facetas,

tecnología y arte, en nuestros proyectos,

como herramienta para entender el mundo.

Esa fue nuestra principal inquietud.

Nuestro principal interés

cuando Teamlab fue fundado.

Nos inspiramos mucho en el arte tradicional.

Sobre todo, en el arte del extremo oriente

y de Japón.

Pero nos nos interesan tanto los resultados,

las propias obras de arte,

sino los procesos que en su momento

los artistas utilizaron para producir esas obras.

La obra "Blac waves"

que forma parte de esta exposición,

es un buen ejemplo.

Los artistas japoneses del periodo premoderno,

fueron de los primeros

que empezaron a dibujar el agua con una colección de líneas.

Mientras que en la pintura occidental,

la lluvia se representaba como una neblina

o con cielos nublados,

o suelos mojados.

En cambio,

la pintura japonesa representaba la lluvia con líneas.

Representamos las olas con líneas.

Y esas líneas,

las hemos creado con simulaciones digitales.

Creamos un espacio simulado o virtual

en el ordenador

y luego dejamos caer agua.

Miles y miles de partículas de agua,

e imprimimos fuerzas al espacio

para crear las olas.

Luego delineamos el movimiento de esas partículas

para formar una serie de líneas

y así es como hemos obtenido las imágenes del vídeo black waves.

Nuestros animadores digitales

no dibujaron esas líneas ni las animaron,

sino que la animación, el propio movimiento,

es una simulación de la naturaleza.

Esta exposición

tiene menos elementos interactivos

que otras exposiciones que hemos hecho recientemente.

Pero el hecho de que haya menos piezas interactivas

crea una atmósfera de quietud.

Un espacio para que la gente pueda ver las obras,

contemplarlas

y reflexionar sobre uno mismo, dentro de las obras.

Mucha gente, incluido yo mismo,

puede sentirse confundida al navegar por el espacio

y se puede perder con facilidad.

Pero esa es la idea,

queremos que la gente se pierda

y deambule,

y con suerte,

se tope con algo nuevo

o descubra algo nuevo.

En la pieza de las olas

-que es la obra principal de esta muestra-

a veces ves las olas más lejos

y a veces ves las olas muy de cerca.

Eso te permite verlas de una manera diferente.

Experimentarlas de una manera diferente.

Y eso te hace reflexionar

sobre tu relación con las olas en la vida real.

Al mismo tiempo,

en Buterfilies

cuando tocas la pared

aparecen mariposas.

Cuando tocas las mariposas que ya están volando,

las matas.

Se mueren y caen.

La vida real

es sumamente efímera y frágil.

Cuando las mariposas se forman en tu mano

suavemente empiezan a juntarse

para aletear en sincronía.

En algunos casos

se funden en grupos más grandes

o por el contrario

se dividen en grupos más pequeños.

No se puede anticipar su comportamiento

porque tienen sus propias reglas.

Al experimentar el contraste

entre lo efímero de la vida de las mariposas

y la atemporalidad de las olas,

esperamos que la gente se empiece a replantear

o mire de otra forma la vida

y también la muerte.

Y la continuidad entre la propia vida

y la vida en el sentido más amplio.

Todas las obras están en lub

por lo que no veréis ni un principio ni un final.

Son bucles infinitos.

Continuos.

Homogéneos.

Se trata más de contemplar

sumergirse en la obra,

que, de fijarse en su progresión,

no hay un principio, ni un clímax, ni algo parecido.

Lo importante es la atmósfera

y la experiencia que desprende el espacio en su totalidad.

Enso es una típica pintura zen budista.

Literalmente enso quiere decir, círculo.

El círculo representa el mundo

o la unidad, el equilibrio,

todo lo que nos rodea.

En ese sentido,

nos interesaba mucho el símbolo del círculo

y lo que significa.

Para enso utilizamos una técnica llamada caligrafía espacial,

en la que desarrollamos la caligrafía tradicional

en 3D.

Esto nos permite ver el movimiento.

La acción.

La ejecución de la caligrafía.

O detalles de la tinta

como las salpicaduras.

En el caso de enso en particular,

el hecho de que el fondo sea oscuro,

hace que se perciba mejor la profundidad del espacio,

del espacio infinito.

Algo que nunca experimentamos

en la típica obra en dos dimensiones

de pintura caligráfica.

El arte digital

al estar liberado de las restricciones físicas

o materiales,

como el lienzo o la pintura,

nos permite usar cualquier espacio a nuestro alrededor

e integrarlo en nuestras obras.

En ese sentido No hay limitaciones físicas.

Desde que los ordenadores

pueden generar vídeos o imágenes

de manera continua

constante, en tiempo real,

con la ayuda de tecnología de sensores,

podemos crear obras que se modifican,

que responden a las reacciones de los visitantes,

contrariamente a la pintura, que no cambia.

Solo cambias tú y tu forma de verla.

Mientras que en nuestras exposiciones

tu forma de comportarte ante la obra

y la forma de comportarse de los demás

ante la obra,

modifica la apariencia de la obra,

es decir,

es una experiencia bidireccional.

No pretendemos recrear o simular la naturaleza

en nuestras obras.

Lo que nos interesa es

nuestra interpretación artística de la naturaleza

y nuestra relación con la naturaleza.

Esperamos que nuestras exposiciones

den al visitante una pista

o una oportunidad

de replantearse su relación

o su influencia sobre la naturaleza

y su entorno.

Ya que mucha gente

la mayoría de la población vive en ciudades

nos cuesta ver

que estamos conectados a la naturaleza

en un sentido físico, naturalmente,

porque vivimos lejos de los bosques,

el mar o los lagos,

pero incluso en cuanto a lo que comemos.

Lo compramos en el supermercado

y nunca llegamos a ver cómo se ha producido

ni quién lo ha producido,

o dónde se ha cultivado.

Sin embargo,

todas las cosas

con las que nos relacionamos en el mundo,

están conectadas a un entorno más amplio.

Pero como vivimos en ciudades

y podemos adquirir las cosas de manera inmediata,

nos imaginamos que somos seres autónomos,

independientes,

pero no lo somos.

Y queríamos trasladar este mensaje.

El concepto de que estamos conectados,

de que todos formamos parte de un basto todo.

Si vas a un bosque

verás muchos organismos o especies

que viven en el bosque y están todos conectados.

Forman parte de un mismo ecosistema.

Nunca verás un límite, una frontera

entre cada comunidad o entre cada organismo.

Todo forma parte de un entramado más amplio de cosas.

Y entonces nos preguntamos:

¿Por qué no es posible eso mismo en el arte?

En la exposición que tenemos en Tokio

hay más de cincuenta obras

y se exhiben o se muestran en espacios vagamente definidos.

Pero los elementos de esas obras

viajan o migran a través del espacio.

Algunos de los elementos están omnipresentes

aunque en un principio aparezcan en una única obra.

Pero las obras se desplazan poco a poco en el espacio.

Si ves algo

en un lugar concreto de la exposición,

vas a otro sitio

y luego vuelves al primer punto

pasados quince minutos,

puede que veas algo completamente diferente.

No puedes predecir nada

y evidentemente,

estás influyendo en la obra.

El museo en sí mismo es una experiencia

ya que no hay una separación entre las obras.

En Teamlab planets

tenemos cinco instalaciones diferentes

que están separadas

pero como cada espacio es muy grande e inmersivo,

dejas de ver el límite que te separa de la obra.

Así que son dos exposiciones muy contrapuestas.

En una

no hay límites entre las obras,

y en la otra, en planets,

no hay límites entre el visitante y la obra.

Pero en ambos casos,

tratamos de aplicar un mismo concepto

o experiencia artística

de obras sin límites.

Es el primer museo

enteramente dedicado al arte digital.

Si nuestras exposiciones

consiguen que el visitante

sea un poco más consciente de su relación,

de su influencia sobre lo que le rodea,

tal vez consigan que se interese un poco más

y sea más consciente de lo que sucede en el mundo.

Subtitulado por: María Victoria CEREZO OLIVARES

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Metrópolis - teamLab

21 may 2019

La próxima semana en Metrópolis dedicaremos nuestra emisión al colectivo japonés teamLab fundado en 2001 por un grupo de estudiantes liderado por Toshiyuki Inoko, con motivo de su reciente exposición en elEspacio Fundación Telefónica de Madrid (hasta el 1 de septiembre - https://espacio.fundaciontelefonica.com/evento/teamlab/). Lo que empezó como un laboratorio de creación y experimentación de un grupo de estudiantes, es hoy un referente en el arte digital a nivel global. teamLab (https://www.teamlab.art/) es mucho más que un colectivo de artistas digitales, es un ambicioso proyecto interdisciplinar que reúne a más de 400 profesionales con un fin común: explorar y entender el mundo a través del arte. En sus obras, tradición e innovación se funden para crear experiencias inmersivas únicas. Instalaciones que son capaces de transportarnos a espacios infinitos y en continua transformación; donde el tiempo parece detenerse y conectamos con el entorno de una forma totalmente innovadora que trasciende esos límites que nos impiden ver el mundo en su totalidad.

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