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Metrópolis

Miércoles a la 01.00 horas

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No recomendado para menores de 16 años Metrópolis - La Neomudéjar - ver ahora
Transcripción completa

(Música cabecera)

En el programa de hoy recorremos La Neomudéjar,

el Centro de Artes de Vanguardia y Residencia Artística

que desde 2013 ha transformado un antiguo taller ferroviario

de Madrid en laboratorio de experimentación y arte emergente.

Néstor Prieto y Francisco Brives,

artistas y gestores culturales de Art House Madrid,

son los responsables de este ambicioso proyecto autogestionado

que ha sabido aprovechar la personalidad

de este singular espacio con una extensa programación

que incluye exposiciones, talleres, residencias,

un archivo de vídeo y un programa internacional

de intercambios artísticos.

Es además desde 2013 la sede oficial del festival IVAHM de videoarte.

Esta noche en "Metrópolis", La Neomudéjar.

(Música suave)

La Neomudéjar es un centro de experimentación y vanguardia

que arrancó el proyecto en el 2012 aproximadamente,

en plena crisis económica,

en la que decidimos que había una serie de carencias

dentro de lo que era el espectro de la ciudad

a nivel de las artes menos convencionales

en la museística, el street art, la performance, el videoarte,

y dado que nosotros éramos artistas y no encontrábamos

un lugar de continuidad de programación de estas artes,

pues decidimos finalmente crearlo.

-En cuanto al edificio nosotros teníamos muy claro

que queríamos tener un edificio independiente

que estuviera céntrico,

dentro de la zona de la almendra de Madrid,

y que hubiera pasado por un proceso de abandono y deterioro.

-Como una metáfora de la situación cultural del país

y arrancar desde esa perspectiva la recuperación, tanto material

como inmaterial, de la memoria del edificio

y ponerlo en diálogo con las nuevas tecnologías.

(Música electrónica)

-En cuanto a la historia del edificio,

esto fueran originalmente talleres de electrificación,

telégrafos, electrificación, de la primera estación de Atocha.

Y para nosotros también es muy importante el mezclar

ese contexto ferroviario con la vanguardia artística, ¿no?

Porque de alguna manera las vanguardias en ese momento

a las ciudades entraban por la innovación del ferrocarril,

donde entraban las vanguardias ideológicas,

las vanguardias artísticas y el punto de conexión

con otras ciudades y otras realidades.

(Violín)

El espacio también recoge otro tipo de actividades,

el arte-acción, la performance, el arte sonoro,

la experimentación sonora, las nuevas músicas,

son disciplinas que nos interesan profundamente.

-Digamos que cada uno de los proyectos que se desarrollan

en la Neomudéjar tiene su forma de financiación propia.

De alguna manera se buscan recursos y colaboraciones

con otras entidades, asociaciones, universidades

y también institutos culturales y embajadas de fuera de nuestro país

cuando queremos trabajar con artistas de fuera.

(Música suave)

(Música suspense)

El museo La Neomudéjar acoge principalmente

disciplinas de vanguardia.

Todo lo que tenga que ver con la experimentación audiovisual,

la performance, el street art, incluso algunas alejadas

como el Parkour, pero que de alguna forma todas tienen

como una serie de cuestiones como el arte denuncia,

el arte político o un arte que tenga un contenido.

No nos gusta tanto el discurso por el discurso,

sino que queremos precisamente romper con la línea del arte contemporáneo

aplicándole a las artes una perspectiva de denuncia.

(Música)

Ze Carrion es un artista con el que le llevamos siguiendo,

le llevamos siguiendo un montón de tiempo.

Nos gusta mucho su forma de hacer.

De hecho, es un artista realmente comprometido

y muy reivindicativo, ¿no?

Digamos que son esas líneas que, como comentaba antes,

nos gusta mucho defender desde el centro.

Y tiene un trabajo que a nivel pictórico

pues habla por sí solo.

(Continúa música)

Arte urbano es una de las disciplinas que más defendemos desde aquí.

Lo que hacemos es invitar a artistas de arte urbano

a que desarrollen exposiciones en obra de estudio dentro del centro

y que también acompañen con intervenciones en las fachadas

y muros exteriores que tenemos dentro del centro.

(Música)

El edificio tiene una personalidad muy contundente

y nosotros en la rehabilitación que hemos realizado

hemos querido precisamente mantener esa atmósfera

de decadencia industrial y...

Claro, esto no es tan sencillo de colocar como en un cubito blanco

el que las paredes pues son blancas

y todo lo que se coloque funciona fantásticamente.

Aquí es necesaria una reflexión, un diálogo con el espacio,

con la grieta, con la textura, con el color de la pared,

y de ahí que gran parte de las exposiciones

se hagan como fruto de la propia residencia de artistas

en el propio espacio.

-La conocí La Neomudéjar a través de la gente de Loom House

que me recomendó el sitio y vine a verlo

y la verdad que quedé encantado, me encantó.

Parece una especie de Berlín antes de que se caiga el muro.

Y la verdad que pensé que el proyecto que tenía en mente

podía ir perfectamente para acá.

(Música)

El proyecto consiste en una charla que tuve con mi abuelo,

un inmigrante italiano, que me contaba

que cuando volvía del trabajo se sentía solo en la pensión

y estaba en busca de una nueva personalidad

desde que vino de la posguerra para Argentina

y él sentía la transformación y la deformación del rostro

de la persona en busca de una nueva imagen, ¿no?,

en el nuevo ser.

(Continúa música)

Yo el mes de abril conocí este espacio,

vine por primera vez y entonces conocí a Néstor y a Fran

y me propusieron la posibilidad de hacer aquí una exposición.

Entonces, hice una exposición entre julio y septiembre,

unos dos meses, con distintas obras que yo había realizado

a lo largo de 20 años.

Ellos me hablaron de que tenían un montón de relés antiguos

y entonces me pareció muy interesante

porque los relés establecen relaciones

y abren puertas, cierran puertas, abren caminos,

y entonces vi que había la posibilidad

de poder hacer una obra en que se fueran abriendo caminos

y sucediendo cosas según un suceso aleatorio

o bien premeditado por un programa.

(Continúa música)

A nosotros nos parece fundamental que la sociedad empiece a entender

que el artista no es alguien que salga de la nada,

no es alguien que de repente le viene un brote, una idea,

y pinta un maragato en un papel, sino que hay un trabajo detrás

y una tenacidad, una investigación, una búsqueda,

y eso ponerlo en diálogo con los visitantes

favorece tanto al artista como también al entendimiento

o la parte didáctica de lo que debería ser un museo.

-En cuanto a las necesidades artísticas,

nosotros sí que tenemos una visión muy clara

de lo que es el arte de resistencia.

Dentro del espacio, aunque sí que hemos hecho

algunas exposiciones de conceptual, no es el tipo de trabajo

que más nos suele representar,

así que buscamos un contenido político y social

y siempre trabajamos con artistas que se afectan de las situaciones

que nos rodean a día de hoy y que de alguna manera

lo muestran y lo plasman en sus obras.

-Nosotros sí que queríamos apostar desde el primer momento

precisamente por una creación pura.

Y luego acompañamiento al artista que de alguna forma

le permitiese expresarse a sí mismo.

Ahora hay una necesidad como básica de hablar de los artistas

desde la perspectiva de un curador,

cuando estamos hablando de artistas vivos.

Un artista vivo, afortunadamente, tiene la oportunidad

y tiene la voz suficiente como para poder...

discurrir sobre su obra o dialogar sobre la misma, ¿no?

Entonces, creo que hay ciertas cuestiones de intermediarios

que no favorecen la parte creativa

o que no ponen el foco de atención al creador,

que finalmente es el que genera el patrimonio cultural de un país

y que eso es lo importante

y lo que deberíamos preservar o atender.

(Música suave)

-El trabajo que voy a presentar es un poco como un resumen

de cosas que he ido haciendo durante años.

Como normalmente trabajo con cosas que tienen que ver con la mujer,

niños y lo que es la parte social,

ese sería para mí el trabajo más importante.

Entonces, hay unas piezas de videoarte

y entre ellas están "Memoria Camboya", "Armenia",

que era un ciclo que quería hacer de genocidios

que ha habido en el mundo.

Me faltaría Siria, que siempre lo voy a hacer y no lo hago.

Y también está "El grito de Guernica",

que es un poco un grito a la humanidad

para que no vuelva a haber guerras, que me parece imposible.

Y luego tengo otra parte que son películas pintadas a mano.

Entonces, yo esa película que pinto, lo que hago después las grabo

y hago vídeos y los proyecto,

pero también tengo las tiras de películas pintadas

que voy a colgar.

De una manera muy sutil lo que yo hago,

o sea, es no digo nada para que la gente piense,

O sea, no me coloco en ninguna posición,

es como que lo ves y luego tienes que pensar.

(Música tensión)

Conceptualmente yo juego mucho con lo que es el tiempo,

la deconstrucción, la identidad, el rompimiento del tiempo,

la decadencia, y este espacio de alguna manera está siempre

en deconstrucción y construcción, ¿no?

Es un espacio vivo dentro de un caos, pero de un caos ordenado y vivo,

y eso con respecto a mi obra tiene mucha relación, ¿no?

(Música tensión)

Son piezas desde hace unos tres años hacia atrás

y sobre lo que yo prácticamente trabajo.

Técnicamente trabajo mucho a base de capa

y juego mucho con el concepto de la identidad femenina,

de la identidad de la mujer, pero dentro no de género,

aunque está presente, sino mucho más...

mucho más introvertido.

Con respecto a la soledad, al significado de...

La pregunta constante de lo que uno es

con respecto a uno mismo,

con respecto a lo que se le demanda socialmente a la mujer, ¿no?

(Música suspense)

La de Ricardo Iglesias fue una exposición extraña

dentro de la dinámica habitual de programación del museo.

A nosotros nos gusta tener el museo muy lleno

para que la visita realmente sea enriquecedora

y que haya muchos motivos o espacios donde parar, reflexionar,

pero en el caso de Ricardo nos gustó la idea, precisamente,

de todo lo contrario, de desnudar al espacio al máximo,

dejar simplemente una atmósfera y un sonido

y que la electrónica y la interacción entre las obras de Ricardo Iglesias

y el espectador funcionaran como un código, ¿no?

-En principio la exposición se plantea

como una pequeña retrospectiva e iniciamos con lo que serían

las primeras piezas de metal de 1999,

que sería ya una cosa prácticamente arqueológica,

hasta lo que es ahora mismo una proyección más mecánica

y robótica, y también con instalaciones

que son interactivas o proyecciones

en las cuales introducimos vídeo y sonido.

Pensamos ahora mismo que cualquier usuario

que se esté moviendo en una gran ciudad,

como puede ser Madrid, Londres o Nueva York,

está continuamente bajo un sistema de videovigilancia de 24 horas.

¿Hasta qué punto...?

Digamos, ¿cuál es el límite que puede establecerse

entre lo que es mi propia seguridad y lo que sería mi propia privacidad?

Y todas las piezas que se ven en esta exposición

están continuamente recordando y diciendo:

"Vale, estamos controlados, es por nuestra seguridad,

pero ¿cuál es esa seguridad?

¿Qué significa ese control? ¿Quién nos controla?"

El planteamiento de Net Art es un planteamiento

que muchas veces se reduce

a lo que es la pantalla explícitamente.

Y yo creo que el espacio de La Neomudéjar

lo que te permite es este juego entre lo que es lo digital

y lo analógico, de tal manera que tú estás viendo una pantalla

y estás viendo lo que serían los píxeles en movimiento

dentro de la definición de internet, y a la vez tú levantas la vista

y estás metido en un espacio que podría ser virtual, digamos,

porque es un espacio que se ha quedado anclado en el tiempo.

(GRABACIÓN) -"Me dijo: 'Hija de puta, me has arruinado la vida,

no vas a vivir para contarle nada a la vida,

no vas a vivir para contarla', y empezó a apuñalarme".

-"Calla, que tú de esto no sabes. Mujer tenía que ser.

Este puesto es para alguien de más carácter".

-"Cuando tú estás totalmente indefensa,

cuando los organismos oficiales no funcionan".

-"Según el Instituto de la Mujer, un 11,1% de mujeres

mayores de 18 años reconoce haber sufrido algún tipo de violencia".

-Ana Dévora es una artista

que originalmente presentó un pequeño proyecto

de residencia en el espacio, que se desarrolló,

se llamó Marionetas, hace apenas ocho meses,

y a raíz de este proyecto que realizó,

nosotros le invitamos a que desarrollara

un trabajo aquí en residencia, la becamos para que desarrollara

un trabajo mucho mayor y que además nos hizo una propuesta

que nos parecía muy interesante vinculado también

al trabajo de Ricardo Iglesias, que ella quería enfrentarse

como a la futura obsolescencia de la tecnología,

pero desde algo como el acrílico sobre el lienzo.

(Música acción)

Me propusieron esa sala que antes estaba vacía con escombros.

Tampoco la podía ver como sala, tenía el plano y demás,

y ya a través del plano dije: "A ver, pues..."

A partir de ahí me salió la idea de hacer un circuito grande

que uniese todos los demás circuitos.

Como la sala era tan grande,

aparte necesitaba más que solo pintura.

O sea, me pedía el cuerpo alguna instalación, ¿no?

Entonces, empecé a buscar estas teles que, bueno,

es como si fuesen los medios de comunicación,

que están como siempre encendidos,

pero al final en vez de conectarte más,

te desconecta, ¿no?

(Música suave)

(Música)

(HABLA EN INGLÉS)

(Música)

(Música suave)

El IVAHM surge un poco de la misma idea del propio espacio, ¿no?

De generar un evento anual en el que pudiéramos tener

la oportunidad de encuentro físico entre las artes de diferentes países

o asociaciones de videoartistas, curadores o galerías,

que trajeran aquí sus trabajos.

-Para nosotros en el festival siempre es muy importante

la figura del doble país invitado para multiplicar las posibilidades

de intercambio cultural, no solamente entre La Neomudéjar

y el país invitado, sino entre los propios países invitados también.

Y además contamos con dos platos fuertes,

sobre todo con el tema de formación.

Por un lado el taller de Margarita Aizpuru de vídeo, cine y género,

que es muy amplio y muy interesante,

y también el taller de formación de Pancho López

que es de repensar el cuerpo-acción para la cámara.

A lo largo de estos años hemos invitado a países

como Ucrania, Rusia, Corea del Sur, Italia, México,

y para nosotros es muy importante generar esos lazos,

que no se queden exclusivamente en la celebración del festival.

De hecho, el festival tiene también una edición

que se llama IVAHM On Tour,

donde lo que se hace es una selección de trabajos de artistas españoles

que luego dan itinerancia a los festivales

que hemos invitado anteriormente.

(Música)

(Locución en inglés)

El IVAHM nos proporciona una doble vertiente,

por un lado, nos trae la oportunidad de ofrecerle al público madrileño

las últimas creaciones a nivel mundial,

y por otro lado nos permite una patita de sacar

el videoarte español afuera.

Y eso creo que es una labor

que debería de estar haciendo probablemente las instituciones

y finalmente la estamos haciendo una iniciativa privada

sin ningún tipo de apoyo ni financiación pública,

lo cual es sintomático de cómo se valora

o se entiende la cultura en España.

(Música suave)

(Música suave)

El videoarte en España tiene una serie

de carencias estructurales desde el principio.

Hay un problema de memoria, hay un problema de preservación,

hay un problema de archivo,

hay un problema de clasificación del videoarte.

Nosotros desde el primer momento entendimos que esa era una

de las exigencias que debería de tener el museo,

crear un centro de documentación e investigación del videoarte

en donde pudiéramos crecer, nombrar, investigar

y crear una narrativa histórica de todo el territorio nacional,

a diferencia de otros territorios, ¿no?

-Arrancamos con una idea más nacional,

más de que fueran artistas del Estado español,

y finalmente hemos arrancado también con colaboraciones

con otros archivos, con lo cual hemos hecho

un gran trasvase de información

y tenemos también muchísima información

de artistas, tanto de México, como de Corea y de Rusia,

con los que hemos generado vinculación.

Digamos que para nosotros es fundamental preservar

y conservar la memoria de lo que es la producción en vídeo.

(Música)

Al igual que el videoarte, nos ha pasado un poquito lo mismo.

Había pequeños grupos o pequeños archivos diseminados

en el territorio nacional, pero que no atendían

a una visión general del mismo.

Entonces, desde hace tres años hemos empezado a desarrollar

este archivo transfeminista queer, que atiende directamente

a lo que son los activismos desde un formato fanzine, o papel,

no tanto libro publicado, que eso sí que está más recogido

en las bibliotecas, sino esta línea más underground

y que de alguna forma nunca ha contado

con un acompañamiento de las instituciones.

(Continúa música)

Una de las reflexiones que sí nos gustaría a lo mejor plantear

es la necesidad del acompañamiento institucional

de este tipo de iniciativas.

En Europa un espacio como La Neomudéjar,

que ha demostrado ya que lleva un recorrido

de cuatro años con una programación ininterrumpida,

exige de compromiso también de las instituciones,

del ayuntamiento, de la comunidad y del gobierno de la nación.

Sabemos que somos y defendemos unas artes que están vivas

y que son diferenciales.

Ahora, probablemente, si estuviéramos en el siglo pasado,

pues serían las vanguardias de los surrealistas,

pero ahora los surrealistas actuales están en el videoarte,

están en la performance, en el arte electrónico,

y es necesario no perder la expectativa ni la perspectiva

de que eso es un patrimonio cultural que hay que preservar

y que el Estado tiene la obligación de hacerlo.

-Vamos a hacer arte.

(Música electrónica)

-Espera, espera.

-¡Dale! ¡Más, que ya está!

(Continúa música)

(Música créditos)

  • La Neomudéjar

Metrópolis - La Neomudéjar

18 oct 2017

En el programa de hoy recorremos La Neomudéjar, el centro de artes de vanguardia y residencia artística que desde 2013, ha transformado un antiguo taller ferroviario de Madrid, en laboratorio de experimentación y arte emergente.

Néstor Prieto y Francisco Brives, artistas y gestores culturales en Art House Madrid, son los responsables de este ambicioso proyecto autogestionado que ha sabido aprovechar la personalidad de este singular espacio con una extensa programación que incluye exposiciones, talleres, residencias, un archivo de vídeo y un programa internacional de intercambios artísticos. Es además, desde 2013, la sede oficial del festival IVAHM de videoarte.

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