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No recomendado para menores de 16 años Metrópolis - Ayudas a la Creación INJUVE 2015 - De dentro a fuera - ver ahora
Transcripción completa

(Música cabecera)

(Música)

Esta noche, en "Metrópolis", nos acercamos a la última

convocatoria de Ayudas Injuve a la Creación Joven

para conocer cuáles son los intereses y motivaciones

que mueven a los jóvenes creadores.

Producción de obra, movilidad y emprendimiento

son las tres modalidades sobre las que se sustenta este certamen

promovido por Injuve para fomentar y difundir el arte emergente

de nuestro país, respondiendo a las demandas y necesidades

que plantea el actual entramado social y cultural.

Junto a su comisaria, Miriam Estrada,

recorremos la exposición que reúne los proyectos beneficiarios

de las ayudas concedidas en 2015 y que se presentan actualmente

en la Sala Amadís de Madrid bajo el título "De dentro a fuera".

(Música)

Es un proyecto que surge, aparentemente,

como una intervención urbana.

Un poco partiendo de las prácticas artísticas

que tú sueles desarrollar.

Se ha podido ver que ha crecido el proyecto muchísimo

y como que se ha desbordado a los propios límites

de cómo sueles desarrollar tú tu trabajo.

-Efectivamente, es un proyecto que se inicia como el resultado

de unas investigaciones que tenían que ver con prácticas

de intervención en la ciudad o en el espacio urbano,

y al final el proyecto habla mucho, muta, va cambiado,

y acaba convirtiéndose en el monumento horizontal.

En 1524, Durero publica un libro

que se dedica a problemas geométricos, matemáticos.

Todo tiene que ver con escalas.

Todos los ejemplos del libro están extraídos de situaciones reales.

Hasta el capítulo del monumento.

Pero el ejemplo que dibuja son monumentos que no existen.

La propuesta era desarrollar un monumento,

o el monumento que Durero no pudo desarrollar,

pero con un lenguaje actual.

En 1524,

se inició lo que se llamó la revolución de los campesinos.

En un primer momento, es Lutero,

y muy rápido es Thomas Münzer

el teórico que va a ser la cabeza de esta revolución.

-Se ve que hay dos vías de trabajo.

Por una parte, a través de una investigación histórica,

reflexionar sobre los hechos actuales.

Y por otra parte, actualizar ese concepto de monumento.

-A la vez que se construye el monumento,

se desarrolla el proyecto de investigación.

Y viajamos cuatro personas

en una furgoneta recorriendo el camino

que recorrieron los campesinos desarrollando su lucha.

Desde la Selva Negra y el lago Constanza,

frontera entre Suiza, Austria y Alemania,

hasta el monte de Frankenhausen,

donde, dos años después del inicio de la batalla,

capturan y ejecutan al teórico, a Thomas Münzer.

Y ahí se acabó la revolución.

(Música)

El proyecto ha evolucionado mucho desde la concepción del proyecto

que presentas a las ayudas a cómo ha ido evolucionando.

¿Cuál era la motivación inicial

y cómo ha ido evolucionando el proyecto

hasta lo que estamos viendo en la sala?

-Presento una documentación, sobre todo gráfica,

de un viaje que realicé a Teherán

dentro del marco del Máster de Arte del Dutch Art Institute,

donde, bajo la tutoría de Kodwo Eshun,

parte de Otolith Group y Doreen Mende,

realizamos un viaje a Teherán

para analizar un concepto que salió en este programa de máster,

que era el de la oikopolítica.

Son todas estas políticas aplicadas a la casa.

(Música)

Entonces, decido centrarme en la oikopolítica

en otros contextos.

Por ejemplo, qué ocurre en España durante los 50 y 60

bajo las directrices de José Luis Arrese,

primer ministro de la Vivienda en España.

Específicamente, en el barrio de Otxarkoaga,

que es el hilo conductor del cinetrack que presento aquí.

Mando la idea del cinetrack,

que es lo que yo trabajo en esta pieza.

Los directores que generan este tipo de vídeos en el 68

utilizaban todo tipo de material gráfico,

todo documento que se encontraban

en relación a los acontecimientos de Mayo del 68.

-El proyecto es una investigación, en principio, histórica.

Y con todo el material que tienes,

lo que haces es enmarcarte dentro de un formato audiovisual,

que es el cinetrack,

que, como has dicho, es un formato audiovisual

que surge en Mayo del 68

a modo de pasquín político,

con todo tipo de materiales encontrados.

Y enmarcas esa investigación en este formato.

-Me doy cuenta de que es un formato que se adapta muy bien

a los tiempos que corren en términos de duración.

Por ejemplo, estas películas estaban determinadas

por la duración del rollo.

Porque los directores producían la película en la cámara

para distribuirla y difundirla de una forma espontánea

en las fábricas, a los estudiantes,

con un claro objetivo de agitación y propaganda.

(Música)

El WordPress surge, digamos, a posteriori.

No es una idea presentada a las ayudas,

pero me veía con la necesidad de ampliar ese horizonte,

porque el principal problema que me planteaba

era cómo leer un formato tan cargado de contenido y de forma

donde se difundía de esta forma tan rápida y espontánea a día de hoy.

Cómo pensar, en un mundo donde se ha democratizado la imagen

y la difusión de la imagen en tales términos,

respecto a una lectura de cinetrack.

Las investigaciones artísticas de Isabel Marcos,

derivadas un poco por su formación,

se mueven en el ámbito entre el arte y la arquitectura.

Desde hace unos años, lleva desarrollando

un trabajo de investigación en torno a los espacios en tránsito.

-En este proyecto, de alguna manera, lo que también introduzco

es la figura del nómada.

Me parecía interesante cómo esa figura del nómada,

que lo podemos ver desde muchos puntos de vista diferente,

y dentro de todas las versiones,

siempre me ha parecido muy interesante,

pero a la vez muy sospechoso,

el nómada de la literatura de ficción.

Esa figura un poco más romantizada, que relaciona el movimiento

y el ir de un lugar a otro con la libertad.

Este relato corto es una historia de un nómada. Es muy breve.

Realmente, introduce un personaje, que se llama Hendrick,

que quiere ser nómada y no puede, y se encierra en su casa

cuando le despiden de su trabajo, que debería ser ese momento

en el que ya tiene esa libertad para moverse por al mundo.

Así que decidí convertirme yo misma en ese nómada estático

que no puede salir de su casa.

Y equipé todos los muebles

y todos los objetos de mi casa con ruedas.

Que nuestros cuerpos apareciesen, aunque fuese unos segundos,

en esa colección de vídeos que, de alguna manera,

intentan compartir cómo fue esa experiencia

de vivir en una casa en la que todo estaba inestable y salía rodando,

me parecía muy importante.

Me parecía que era la manera más honesta y más real.

Decidimos incluir los dibujos de trabajo,

que son simplemente eso, los dibujos de trabajo

que fueron necesarios para diseñar,

en algunos casos, plataformas, prótesis,

o escoger en qué punto del objeto se podía taladrar una rueda

o se podía pegar esa extensión para que rodase.

De alguna manera, igual también está relacionado

con lo que comentabas de mi formación como arquitecta.

Víctor, me interesa mucho tu posición como...

Creo que no se te puede llamar artista,

signo activador de creación,

por las múltiples facetas que desarrollas

en torno a la creación,

y me interesa mucho tu actitud,

cómo te posicionas frente a esa activación creadora.

-Sí, bueno, se me podría llamar de todo.

A mí no me molesta.

Se me puede llamar "artista", por supuesto.

En lo que sí que no estoy tan de acuerdo

es que se me llame "activador".

En todo caso, yo diría que soy un desactivador.

En tanto que mi trabajo

no sigue una dinámica o unas inercias,

y, por supuesto, unas retóricas,

del ámbito artístico,

que son la activación, la resignificación,

las relecturas, todo este tipo de retórica

de la posmodernidad y del arte contemporáneo,

sino que es justamente todo lo contrario.

Es un compromiso, tú lo has dicho, con una posición

de cuál es el problema aquí, cuál es el artista,

cuáles son las responsabilidades del artista y del comisario

y de todas las subcontratas que hay en torno al artista

y en torno al arte conceptual.

Esta obra es un encargo,

justamente hablando del arte conceptual,

es un encargo a uno de los que ha sido mitologizado

como artista conceptual, que es Isidoro Valcárcel Medina,

y es un juego que tiene que ver mucho con una crítica.

A mi juicio, es una crítica de las dinámicas

de la producción artística contemporánea,

que es la pura hermenéutica e hiperinterpretación

sin ningún rigor histórico de este tipo de artistas.

Lo que se propuso a Injuve era una obra bastante abierta.

Siguiendo justamente a modo...

En mi caso, a modo irónico.

Pero no sé si se entendió esta lectura

Era una lectura infinita, incompleta, inconclusa.

Una serie de traducciones ad infinítum de Isidoro Valcárcel.

Realmente, esto es una conferencia que encargo a Isidoro redactar

con el único pretexto de ser traducida.

Cuando yo le encargo redactar una conferencia,

su respuesta es que no solo la redacta,

sino que ya la tiene redactada,

que unos años antes dio una conferencia en la Tate Modern,

que le invitaron a dar una conferencia

sobre performance en España.

Pero daba la casualidad de que su lenguaje era tan...

Le dijeron "barroco", pero a mí me parece más renacentista.

Le dijeron que su español era tan barroco

que no había posibilidad de traducirlo.

El propio traductor simultáneo de la Tate Modern

no se atrevía a traducirlo al inglés.

Inmediatamente, lo que hizo fue cambiar la conferencia

y llamarla "Ser traducido",

y hablar sobre la imposibilidad de la traducción de su conferencia.

-Yo leo, y mi traductor traduce.

Da lo mismo que sea unos segundos después.

Un algo nuevo.

Los performance de antaño, la mayoría de ellos,

los que no actúan como creadores,

traducen a la misma lengua en diferente época.

Es decir, son inentendibles.

Se desliza el tiempo, sí, pero también los lenguajes

y, en el mejor de los casos, las ideas.

Aunque esto último no sea un axioma garantizado.

Tal vez me exprese más claramente si acudo a Illich

cuando dice que el inglés actual

ya no posee las características necesarias

para traducir en latín del siglo XII.

De modo parecido, el análisis de las peculiaridades

y de los condicionantes de las acciones de los años 60 y 70

no ha sido interpretado

por los que realizan acciones en la actualidad,

los cuales siguen repitiendo los mismos clichés.

Es decir, no se pueden traducir con el léxico actual

las vivencias de entonces.

El proyecto que vemos en sala tiene dos vías de acción.

Un vídeo en el que reflexionas sobre el proyecto Edén.

Y una acción que tú desarrollas estando allí.

Una relación de intercambio de comunicación.

-Sí.

A mí lo que me interesaba del Eden Project

era su potencialidad metafórica porque me servía para ver

cómo el ideal de progreso funcionaba

y hasta qué punto estaba influenciado por la narración bíblica,

y también porque era un ejemplo de éxito

de una necesidad de ordenar las cosas.

La formalización del vídeo consiste en escenas grabadas en el lugar

y luego combinadas con otras

obtenidas a partir de plataformas como Wellcome Images o YouTube,

con la intención de, a través del montaje,

ir sacando a la luz estas ideas.

Por otra parte, encontramos el registro de la acción

de enviar 10 gr del Edén a once personas desde allí,

para seguir habitando la brecha entre la realidad y la ficción

al interpelar a esas personas cuando recibían esos 10 gr del Edén.

"Vuestra es la tierra y haced con ella lo que queráis",

un poco lo que plantea el Eden Project

y lo lleva a la realidad.

En una cantera abandonada,

no se plantea una reconstrucción del medio autóctono,

sino que se juega un poco

a llevar la creatividad

al máximo.

Es decir, ponemos aquí el Trópico, ponemos el Mediterráneo,

porque, al fin y al cabo,

con la técnica que tenemos podemos hacerlo.

Y eso me conducía al Génesis.

No tanto a respetar las conexiones del medio,

sino experimentar con la creación.

(Música)

El trabajo parte de la ilustración.

Pero me parece muy interesante

cómo no has sido capaz nunca de ilustrar un libro.

Tú haces el proceso inverso,

que es llevar el relato a la ilustración.

-Yo decía que es mi respuesta al fracaso

tal vez como artista y tal vez como ilustradora.

Soy dibujante,

y lo que me pasa en la ilustración

es que no puedo decir lo que quiero

en las limitaciones que supone un múltiplo de cuatro,

que es lo que impone un cuadernillo impreso.

Y en el ámbito del arte, como dibujante,

poder hablar o comunicar o trascender en temas

que a mí me interesan, como puede ser la religión,

la filosofía o el género,

que no me interesan como temas, pero que están en mí

y que no sé incluir dentro de lo que yo veo

que pueda haber de eso en otros textos.

-El trabajo que presentas en la sala es como un estudio entomológico

de una humanidad imaginada, ¿no?

-Yo realizo un dibujo automático y compulsivo

que tiene sentido al unirse entre ellos,

pero que no tiene un gran valor plástico como individual.

Lo que hago en el montaje, o lo que tienen esos archivadores,

es que para mí, una de las mayores complejidades de este proyecto,

o en mi vida, es enfrentarse a cualquier clasificación.

Literalmente,

la parte literal de este proyecto es una gran ilustración

para el cuento "Micromegas" de Voltaire.

Micromegas es un adolescente supersabio

en un país de supersabios, en un planeta de supersabios,

y realiza una colección entomológica y le plantea a sus sabios

si no creen que en esos seres, por diminutos,

su inteligencia no puede ser similar a la suya.

El planteamiento básico y superficial del proyecto,

esa gran colección que se supone que Micromegas ha ido buscando

en su búsqueda del conocimiento,

todos los dibujos están realizados

en etiquetas entomológicas de dos centímetros por uno

o de siete milímetros por diez,

porque algunos dibujos van en la etiqueta.

Además, van todos clasificados,

porque, en una colección, ningún espécimen es...

relevante si no está clasificado.

Siempre hay un juego y una transformación

y una ampliación de la narración a través de la imagen.

(Música)

Arte como de la estructura un libro y de la temática también.

La tomamos prestada.

A partir de ahí,

el libro es "Los detectives salvajes".

La tomamos tan prestada que se llama igual.

Lo que pasa en el libro, por si no lo ha leído alguien,

es un buen libro para leer...

Dos poetas jóvenes buscan a una poeta que desaparece

20-30 años antes

y esa búsqueda de ella, que es la fundadora

del movimiento al que los dos poetas se adscriben.

Esa búsqueda dura como 20 o 30 años más.

El libro es esa búsqueda.

Al final, lo que acaba siendo esa búsqueda

es una excusa que le sirve a Bolaño

para contarnos otras muchísimas cosas.

Así nosotros, lo que hemos hecho,

es tomar otra búsqueda.

No sabemos si es una excusa todavía.

Estamos con los materiales en caliente aún.

Lo que estamos haciendo es dejarnos llevar

por un proyecto documental que ahora mismo,

cuando nos pedíais que lo subtituláramos,

lo hemos llamado "Viva documental".

-Si bien, trabajamos insistentemente en construir presentes,

teniendo el hecho escénico como una construcción de presente.

Como un diseño de encuentros.

Sí que hay una línea de trabajo que nos lleva al vídeo.

A esa pantalla que no es otra cosa que una herencia del cuadro

y de la ventana. Como tal, un participio.

A pensar en ese concepto documental y de ahí, ver un poco el proyecto.

Nosotros nunca vemos las obras de la compañía que estamos buscando,

que hemos venido buscando este último año,

pero nos han contado muchas veces sus escenas,

nos han despertado ese deseo.

Entonces, como decía Fer...

Ese motor de búsqueda, de encontrar esa compañía,

a lo que nos llevaba también a encontrar otras muchas

historias, escenas, personas...

-Un documental recoge hechos sucedidos,

y, en este caso...

Se persigue hacer un documental de lo perdido.

Y realmente es como un imposible.

-Y eso es lo que nos llevará a hacer algo distinto, seguramente.

Esto es algo que cuenta...

que en la novela es el vigilante nocturno de aquí.

Se llamaba Stella Maris.

Un nombre con reminiscencias de pensión.

Era un camping sin excesivas reglas, sin excesivas peleas,

sin excesivos robos.

Los usuarios eran familias de trabajadores

procedentes de Barcelona

y jóvenes obreros de Francia, Holanda, Italia, Alemania.

La mezcla, en ocasiones, resultaba explosiva

y lo hubiera sido, si desde la primera noche,

no hubiera puesto en práctica el consejo de oro

que me dio el Carajillo

y que consistía en dejar que la gente se matara.

La crudeza del aserto,

que al principio me produjo hilaridad y luego asombro,

no entrañaba una falta de respeto por los clientes del Stella Maris.

Al contrario.

Implicaba un alto grado de estima por el libre albedrío de estos.

El Carajillo, como pronto pude comprobar,

era querido por la gente.

Sobre todo por los españoles y por alguna que otra familia extranjera

que, año tras año veraneaban.

Y que la única ronda que el Carajillo daba por el camping,

no hacía más que invitarlo a entrar en sus roulotte o tiendas,

en donde siempre había una copita, un trozo de tarta

o una revista pornográfica para no aburrirse por las noches.

(Música)

A través del libro "Artothèque d'Angers"

del artista y escritor francés Raphaël Zarka

que es un libro que para mí ha sido casi de referencia

porque junta mucho estos conceptos en los que yo me he ido encontrando

a lo largo del tiempo en mi propio trabajo.

En relación al arte, arquitectura...

Fui anotando estos escritos que a mí me interesaban

y juntando esos nombres con otros que quizás no salían en el libro,

pero que sí me habían influenciado a mí, ¿no?

Y al final lo que hice, una vez que tuve esta lista

en la que había una serie de nombres que habían aportado

algo a la historia y a mí mismo,

comencé a ver muchos vídeos de cada uno

y recolectando en los que salía.

Y, además, también ha sido el primer proyecto en el cual

me intereso en evidenciar esa cultura en la forma teórica, ¿no?

Hablando de nombres, historia, fechas.

Dejando estos lazos abiertos para que, si quieren formarse

y volver aquí, iría viendo más cosas, ¿no?

(Música)

Realmente el "SeAlquila" surgió por una necesidad

tanto social como artística.

Nos dimos cuenta de que Madrid estaba llena de espacios en alquiler

en desuso.

Queríamos, pensábamos,

que un espacio lleno de arte y cultura

es un espacio más útil que un espacio

sin ocupación, ¿no?

Creamos este proyecto con idea de pedir la sesión

de los espacios durante tres días,

montar una exposición de arte multidisciplinar.

Siempre gira en torno a un término.

Un término que es bastante ambiguo.

Les hacemos a los creadores y creadoras

replantearse y recuestionarse ciertos términos de la actualidad.

Llevamos tres años trabajando en el Instituto de la Macarena.

Desde que nos mudamos a este nuevo local

nos apetecía mucho centrarnos en el territorio

y hacer una serie de actividades para implicar a los vecinos.

Para que se apropiasen en el espacio, le hicieran suyo

y ellos mismos acabaran proponiendo actividades.

Como también para seguir investigando,

trabajando a pie de calle porque el local nos lo propiciaba,

para trabajar con los jóvenes y la población.

(Música)

El motor que mueve el Proyecto Cruising

tiene que ver con experimentar con la idea.

Los artistas estamos muy acostumbrados a trabajar solos

y competir entre nosotros.

Intenta romper esa dinámica

para experimentar a ver qué ocurre cuando te sales de ese lugar

he intentas colaborar más que correr en una carrera.

-El proyecto consiste en lo que ha comentado Raisa.

Juntar a dos artistas,

enfrentarlos a que se encuentren, sin tener, a lo mejor,

nada que ver en sus líneas de trabajo entre ellos,

sino, simplemente dejamos el espacio y por eso pedimos ayuda a Injuve.

Le damos producción y honorarios para que puedan realizar ese trabajo

y ahí ellos se lo comen y se lo guisan solitos, prácticamente,

lo que es el sistema de trabajo y lo que vayan a crear.

(Música)

(Música créditos)

  • Ayudas a la Creación INJUVE 2015 - De dentro a fuera

Metrópolis - Ayudas a la Creación INJUVE 2015 - De dentro a fuera

06 abr 2017

Nos acercamos a la última convocatoria de Ayudas INJUVE a la Creación Joven para conocer cuáles son los intereses y motivaciones que mueven a los jóvenes creadores.
Producción de obra, movilidad y emprendimiento son las tres modalidades sobre las que se sustenta este certamen promovido por el Instituto de la Juventud INJUVE para fomentar y difundir el arte emergente de nuestro país respondiendo a las demandas y necesidades que plantea el actual entramado social y cultural. A partir de estos tres pilares, iremos conociendo los trece proyectos beneficiarios de las Ayudas concedidas en 2015 y que se exponen este año, junto a su comisaria, Miriam Estrada. Una exposición que se presentan actualmente, y hasta el 15 de abril, en la Sala Amadís de Madrid bajo el título “De dentro a fuera”. 

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