www.rtve.es /pages/rtve-player-app/2.17.1/js/
3774139
No recomendado para menores de 16 años Metrópolis - Conexiones: Dibujo español contemporáneo 2 - ver ahora
Transcripción completa

(Música cabecera)

Esta noche seguimos hablando de dibujo

y del certamen "Conexiones" acompañados de los artistas

Amparo Sard, Juan López, José Luis Serzo, Simon Zabell,

Elena Alonso, Marina Vargas y del comisario Óscar Alonso Molina.

(Música)

El montaje de "Conexiones" al final,

siempre tiene también una parte amplia de incertidumbre

en esa parte de obra específica pensada para el espacio

que tiene más, casi, un carácter de instalación.

Elena Alonso, con sus instalaciones perimetrales apenas visible,

José Luis Serzo, que montó todo un desarrollo escenográfico,

el de Juan López sería muy claro,

en cuanto que toda su obra era obligar al espectador

a ver cómo se descolgaban las paredes o subían los suelos de la sala

tras una catástrofe.

Jesús Zurita con el desarrollo de su mural,

esa pieza que la podíamos tener muy planificada y queríamos,

sabíamos lo que queríamos,

pero hasta que no ves la pieza de veintitantos metros

realizada en la pared, no has visto nada.

(Música)

El lenguaje de los dos artistas seleccionados

era muy similar al mío,

con ese punto de siniestro y de ambigüedad

a la hora de crear todos los referentes.

El artista, y es en mi caso también,

lo que hace es provocar ese siniestro

en la materialidad del dibujo.

¿Y cómo se hace eso?

Deformando los cuerpos,

desproporcionándolos,

manipulándolos, juntando piezas, haciendo monstruos de una realidad

que, aparentemente, es normal.

(Música)

Gutiérrez Solana es un artista muy interesante,

porque no se adaptaba a ninguna vanguardia,

tenía su propio estilo.

Entonces, eso es algo que yo he defendido mucho.

En la misma pieza seleccionada, "El espejo de la muerte",

encontramos brazos amputados, espejos,

dualidad del autorretrato.

Eso fue el motivo definitivo para decantarnos por esa pieza.

En el caso de la pieza del Museo ABC,

fue un homenaje a la pieza de "El mundo", de Ángeles Santos,

es su hijo.

Esa pieza se seleccionó, sobre todo,

porque "El mundo" representado por Ángeles Santos

es un planeta cúbico

y a mí eso lo que hizo fue sugerirme

un análisis quirúrgico del paisaje, de la realidad,

como si encontráramos este espacio real denso

y pudiéramos cortarlo con un cuchillo.

-Todo el mundo pensamos en Amparo como una dibujante excéntrica,

que hace los dibujos a partir de punciones,

de esos miles, decenas de miles de punciones

a los que somete el papel, pero, sin embargo,

lo más revelador de la exposición de Amparo

fue esa intuición que teníamos de que el proceso,

el concepto de organizar la trama del dibujo de su obra

se daba en sus performances grabadas en vídeo.

(Agua)

El tema del vídeo en mi obra es importante.

Es importante porque,

así como los dibujos pueden suponer una imagen estática

o también pueden suponer un personaje que está en un retrato

y, en realidad, no está tomando ninguna decisión,

o sea, el hecho de que esté quieto no es que sea un dibujo,

sino que no está realizando ningún movimiento.

Los vídeo lo que aportan es el movimiento

y ese movimiento, que normalmente es un loop,

también lo que hace es dar esa eternidad al instante

sin tomar una decisión.

Por eso, empecé a trabajar con los vídeos,

pero sigue siendo un loop.

(Pájaros)

Juan López nos presentó un proyecto en el que el dibujo

ya era indistinguible de la arquitectura,

en el que los límites de las aristas del cubo expositivo,

de los paños, se descolgaban, se movían,

los suelos se levantaban...

Fue una reflexión sobre el propio espacio expositivo

a partir del dibujo.

(Música)

Elegimos la pieza de Luis Palao, "Averías graves",

que es una portada del suplemento del "ABC", "Blanco y negro",

y representa un momento de guerra.

En la imagen aparece un cañón que está realizando un disparo

a la vez que está siendo golpeado por otro disparo del bando contrario,

suponemos.

Luego, por otro lado,

elegimos un cuadro de Lluis Rigalt, que se llama "Paisaje con ruinas",

que representa un templo romano, griego, derruido,

que me venía muy bien para enlazar

con, un poco, el discurso de mi trabajo

que es, un poco, esta idea de la arquitectura,

la arquitectura como lo impuesto

y sobre lo que intento modificar siempre y transformar

para conseguir otros puntos de vista de la realidad.

La entrada al lugar, lo que te encontrabas era, un poco,

el espacio destartalado

o esa simulación de que el espacio se estaba cayendo,

se estaba desmontando.

Era un poco la idea del proyecto, cómo modificar esa arquitectura,

esa arquitectura de la sala de exposiciones

para proponer nuevas maneras de entender lo que nos rodea.

Había, por ejemplo, una imagen de una de las paredes

que estaba montada en fotografías sobre la propia pared

y trabajábamos con PVC y vinilos haciendo con una simulación

de lo que podía haber sido esa intervención.

Era un sitio bastante complicado.

Lo que hicimos fue representar en una secuencia

lo que era la evolución del dibujo en mi trabajo.

Pasamos del dibujo a lápiz al dibujo a cinta aislante,

del dibujo a cinta aislante a la fotografía intervenida

y de la fotografía intervenida a la escultura, con objetos.

Por otro lado, funciona como si fuera el recorrido,

la línea que realizaba ese disparo de esa obra del Museo ABC,

que recorría la sala, desmantelaba todo el espacio

y llegaba a impactar en el cuadro de Lluis Rigalt

"Paisaje con ruinas".

-A diferencia de otros participantes,

Juan pensó incluso,

en colaboración con el equipo de diseño,

el catálogo hasta sus últimos detalles

y queríamos que se convirtiera en un libro de artista realmente.

Hay una pieza que solamente está incluida

en las páginas de la publicación

y que se relaciona de manera muy directa

con las otras obras que estaban en las salas del museo.

El catálogo que nos ha proporcionado muchas satisfacciones,

porque fue un premio bronce en los Laus de diseño,

y es uno de los catálogos más exitosos.

(Música)

Para mí, el dibujo podría decir que casi lo es todo.

En ese sentido,

es la técnica más inmediata para cualquier ser humano

desde su infancia.

El medio de expresión más fiel, por así decirlo.

Para mí es un medio que guarda ese punto de fragilidad

pero, al mismo tiempo, de intimidad,

donde no hay mentiras.

(Música)

Me ceñí bastante a las premisas de lo que marcaba Óscar en el ciclo.

Elegí un cuadro de Ignacio Pinazo

que, de algún modo, me resultaba ese reto que digo,

porque al mismo tiempo que siento una especie de rechazo

por la pintura decorativa, le doy una segunda oportunidad.

Precisamente, lo que yo busco con mi obra,

con mis personajes, es esa mirada de inocencia.

Más que de inocencia, de continua sorpresa.

O sea que, aunque sepamos todo,

o seamos conscientes por lo que hemos pasado,

todavía tengamos esa esperanza de poder ver las cosas

sin prejuicios, con una mirada limpia.

Por otro lado, elegimos una pequeña ilustración de Sileno.

Esa pregunta que esos dos niños tienen delante,

para mí era lo que sostenía realmente toda la serie,

que es ese misterio constante, esa gran pregunta de la vida.

Empezamos los dos a trabajar una nueva serie,

donde esa pulsión más esperanzadora de mi trabajo

tuviese otra vez el protagonismo.

Decidimos recoger la figura de Maya,

la hija de mi alter ego que, al mismo tiempo, es mi hija,

para que fuera el leitmotiv de toda la serie.

-El dibujo tiene esa facilidad para la apertura, para ser rellenado,

para ser concebido continuamente en su propio quehacer.

-Sí, sobre todo, quizá, porque el soporte mismo

viene precisamente

de ser un soporte para el boceto, para la pregunta,

para un inicio, para un germen.

Que en este caso fuera el fin último,

evidentemente, vino a favor de que esa apertura, como tú dices,

esa interpretación constante fuera más amplia.

Que se fueran añadiendo cosas de otras series,

que fuera una especie de cúmulo...

del pasado.

(Música)

El vídeo final es

o el comienzo de una obra o el final de esa obra,

con esas notas musicales que parece que se están afinando.

(Continúa la música)

Nos quedó también un catálogo muy coherente,

con un proyecto específico de dibujo, cercano también al esfuerzo tuyo

de hacer dos grandes dibujos que no tuvieran...

Que no fueran deudores ni de otras disciplinas

ni de la pintura ni de la escultura ni de la instalación,

que generaban un mundo completo por ellos mismos,

y este modelo que,

costó definirlo pero, al final, era el libro que tú y yo queríamos.

-Sí. -Un catálogo de dibujo clásico.

-Aparte, funciona como las dos cosas, como un catálogo y, al mismo tiempo,

como un libro independiente. Es una cosa rara.

Esas dos obras funcionan como una sola,

no me puedo quedar con ninguna de las dos.

Y me debería quedar, si tengo que elegir,

con las dos como un díptico, porque plantean para mí

una especie de foto de todo lo que ha sido mi trayectoria.

Siempre me obligo a imaginarme algo que no haya visto,

como los antiguos maestros.

Creo que el artista tiene que retomar otra vez esa capacidad

para imaginar otro mundo que no esté aquí.

(Música)

Mi manera de trabajar, ya de por sí, se basa

en investigar y trabajar sobre cosas que han hecho otras personas.

"Conexiones", para mí, fue un encaje perfecto.

Porque me dice: "Tienes que trabajar sobre una obra anterior

y cosas que selecciones de los fondos del ABC".

Yo es que trabajo así,

entonces, para mí fue bien fácil adaptarme a ese sistema.

Pero partí de cero,

partí de lo que pude ir viendo de las dos colecciones

y descubrí la pieza de Guillermo Pérez Villalta,

que fue el verdadero momento en el que se me encendió la luz

y dije: "Esto",

porque Guillermo Pérez Villalta fue el primer artista contemporáneo vivo

del que yo tuve consciencia siendo adolescente

cuando yo ya quería o intuía que quería dedicarme a esto del arte.

Fue la primera persona que yo vi que se dedica a esto en serio

y lo vi en una revista.

Y vi ese cuadro en concreto reproducido.

Cuando lo vi en la pantalla de mi portátil

como que pertenecía a la Fundación, ya no quería ver nada más.

El título de mi exposición es "Dibujo y traducción"

porque estuve siempre...

Óscar y yo estuvimos siempre pensando sobre el dibujo.

Yo me lanzaba hacia la pintura y luego decidía ir atrás.

Bueno, vamos a centrarnos en el dibujo.

Porque, además de dibujo, he expuesto pinturas,

instalación y escultura,

que son los tres medios con los que yo trabajo,

pero siempre teniendo en cuenta

que el dibujo es el eje que lo centra todo.

Era un poco como... No solo la instalación,

sino la pintura, los dibujos y las esculturas,

como estar dentro de la pintura de Guillermo,

una pintura del año 89 que, de pronto, toma vida

y se convierte en una escenografía en la que nos podemos meter,

donde su dibujo se despliega por toda la sala

y empieza a emitir color y volumen.

Al final expuse una serie de dibujos, que fue lo primero que hice

observando a la pintura de Guillermo Pérez Villalta,

fue dibujar, dibujar y dibujar hasta que llega un momento

en el que decides: "Bueno, aquí voy a meter color

y aquí voy a meter forma, volumen, textura... luz",

que fue la última decisión.

(Música)

En esa voluntad suya de traducir unas disciplinas a otras,

Zabell encontró que lo que le ofrecía el dibujo y la pintura

que conseguimos reunirlos, por cierto, en la exposición

de Guillermo Pérez Villalta,

él consiguió traducirlo a todas las disciplinas posibles

y de una forma muy Simon Zabell.

Generó toda una serie de dibujos, generó toda una serie de pinturas,

generó toda una serie de instalaciones en las que quedaba,

de esculturas incluso, que quedaban aludidas

y estaban contenidas en la pieza invitada.

-De los fondos del archivo del Museo ABC,

pasé mucho tiempo viendo, sobre todo, portadas del "Blanco y negro",

porque estos ilustradores me interesaban mucho.

Al final, tuve una idea un poco curiosa,

que era ordenarlos por color.

Yo estaba trabajando sobre el color que había,

que hay en la pintura de Guillermo Pérez Villalta

y se me ocurría que, como me habían mandado tantas imágenes

de los fondos del ABC, que seguro que había algunas

que tenían un dolor dominante que se correspondía

con una parte de la pintura de Guillermo Pérez Villalta.

Sé que es una manera curiosa o un poco extraña

de elegir con qué trabajar, pero la idea era como formar

una especie de arco iris con portadas del "Blanco y negro".

(Música)

Óscar es un comisario increíble,

un comisario que se ha dedicado también a la práctica del arte.

Es el único con el que he trabajado en el que se da este caso.

Entonces, tiene una mirada de artista además de comisario.

Era como hablar con un compañero de estudio casi.

En el catálogo intentamos captar

ese espíritu de las idas y venidas de nuestras ideas.

El texto que incluye el catálogo es una conversación

entre Óscar Alonso Molina y yo.

(Música)

Sí que quería que se viese muy bien el trabajo

que había venido desarrollando durante los últimos años,

que fuese una muestra significativa de mi trabajo.

Para mí, desde el principio, sí que tuve claro

que quería hacer una exposición un poco tradicional,

en el sentido de que las obras principales

o el cuerpo fundamental de la exposición

fuese obra sobre papel,

que para mí es la parte que más valoro de mi trabajo.

(Música)

Mi manera de utilizar el dibujo

es de una manera casi al estilo de alguien que hace marquetería,

unas formas muy limpias,

unas texturas muy delicadas y delimitadas,

no hay esta parte de gesto,

sino es más bien una cosa muy planificada,

pero que tiene esta calidez de lo hecho a mano,

de lo sutil.

(Música)

Para mí la vitrina era una secuencia,

pero la pensé como una instalación. (ASIENTE)

-No sé si recuerdas que estaban estas piezas y otras,

y luego había algunos objetos pequeños colgados,

como salidos de esa secuencia,

que también hacía como si fuesen notas de las piezas,

que es algo que hago a los dibujos también.

Hay una estructura básica y luego hay elementos

que son marcas o pequeñas... -Pequeñas indicaciones.

-Claro. -Me gustó muchísimo verte

esa necesidad de quedarte a solas para montarla.

-Cuando entrabas en la exposición, lo primero que veías

era lo que para mí era la pieza principal,

que da título a la exposición, un tríptico.

(Música)

Pero, aparte de estos dibujos de gran formato,

también había una instalación

con un trabajo con unas piezas de madera

formando un perímetro en una sala pequeña

que hay en el museo.

Luego había una pieza que, para mí, es significativa,

que es una pieza más de diseño exclusivamente,

que era una lámpara.

Es una pieza que, para mí, es importante

porque crea este vínculo con el diseño de objetos

y el diseño de muebles.

-Elena Alonso es una artista que se mantiene siempre

en el campo del dibujo en todo su trabajo,

lo tiene como central.

Sino encontrar a alguien que fuera capaz también

de hacer de la herencia, de todas las herencias,

vamos a hablar en plural, de todas las herencias modernas,

ser capaces de traducirlo en dibujo.

Yo creo que con ese dibujo tan abstracto

y, sin embargo, tan lleno de alusiones,

de guiños a espacios.

Ella, muy generosamente, nos llenó la vitrina con todos sus objetos,

diseñó una instalación lumínica para una de las salas.

-Elegí un grabado de Piranesi de su tratado de arquitectura

"Parere sull’Architettura",

una locura de collage de diferentes estilos.

Luego, de la colección del Museo ABC,

elegí un dibujo, una ilustración de José Luis López Sánchez,

que se llama "La encerrada",

que ilustraba a un poema de amor de Alberti.

-Qué bonita publicación te quedó.

-Sí, la verdad es que está...

Está muy bien diseñado y se ve bien.

-Tu dibujo favorito. (RÍE)

Este es el que yo elegí, ¿no?

-Sí, yo tenía claro que este quería que estuviese en la exposición.

-Sí o sí. -Forma parte de una serie más grande.

(ASIENTE) -Elige tú uno, el que más te guste.

Elijo yo otro, el que más me guste.

Y funcionó, quedó una pared bien bonita.

(RÍE) -Sí, sí.

Curiosamente, por los despachos encontré una parte de la colección

que no es tan fácilmente accesible,

que no la encontrábamos en las catalogaciones más habituales,

y aparecieron estos dos jarrones de Alcora,

aparecieron ante mis ojos estos dos jarrones de cerámica

de Alcora de la segunda época, e inmediatamente pensé,

como Marina ya estaba previsto que participara, pensé en ella.

Pedí permiso, hicimos unas fotos informales

y Marina quedó completamente fascinada desde el principio

y esa ha sido una elección certera.

-Elegí los jarrones de Alcora, de cerámica Alcora, que son anónimos,

y los elegí también con un sentido un tanto...

no solo estético, sino simbólico.

Porque también la tarotista que me ha hecho las tiradas

es santera y en santería se hacen muchas veces ofrendas.

Ofrendas, se les pone flores, se pone agua...

Para mí, estos jarrones tenían mucho que ver con eso.

Luego, en la tirada, será que las cosas son así,

pero me han salido muchas copas, que, principalmente,

establezco la relación, no solo con la forma de hacer de la obra,

sino también con las copas, que realmente es lo emocional.

La otra pieza de Ángeles Torner

fue una imagen que estuvimos Óscar y yo viendo

todos los fondos del "ABC" y me llamó a mí la atención

porque estaban representados todos los reyes

con todos los palos de la baraja del tarot.

Estaba representado el rey de bastos, el rey de espadas,

el rey de copas y están todos como...

Un caballero sale tirando la baraja al aire.

Creo que casaba y ligaba perfectamente con el proyecto.

(Música)

Cualquier dibujo de Marina puede ser entendido,

o por lo menos sentido, en cualquier rincón del mundo.

Esa visión sincrética que ella tiene de las culturas,

desde las oceánicas, desde las tribales africanas,

desde culturas y religiones

o maneras de sentir el mundo muy distintas.

(Música)

El dibujo para mí es muy importante, porque es un aspecto

que podemos encontrar en todas mis piezas,

tanto las esculturas como la pintura,

que la considero más una pintura dibujística.

En realidad, si tuviese que elegir

o tener una palabra que defina lo que es para mí el dibujo,

el dibujo es como descubrir.

También tiene una gran parte de documento biográfico

y tiene una parte muy terapéutica.

La entraña creo que sería como la maraña o el caos

de donde surge el orden.

Entonces, también tiene mucho que ver con el ritmo

y tiene mucho que ver con un mantra,

con algo introspectivo.

Que, al mismo tiempo, también es una expansión.

(Música)

El tarot, al fin y al cabo, es un espejo

y quería darle esa opción a la obra

o que mediara conmigo.

No me atrevía a seleccionar los arcanos mayores,

porque también son importantes los menores dentro de la baraja,

ni hacer una elección estética, digamos, para afrontar el proyecto.

Quería hacerlo mío y quería que el tarot me hablara,

y también aprender a escuchar lo que me dice.

Creo que si se abordara el proyecto de la otra manera,

lo estoy abordando desde una manera estética

o plástica y visual, que puede estar bien,

pero yo quería abordarlo desde una manera desde dentro.

El hecho de trabajar con símbolos no es solo

el hecho de estudiar y quedarse en la superficie,

sino el hacer los símbolos tuyos y sacarlos fuera.

Entonces, ahí te afectan casi todas las piezas.

(Música)

Tengo la sensación de que "Conexiones"

me está permitiendo dejar el retrato de una generación

y, lo que es más valioso y más íntimo para un crítico,

dejarla retratada bajo una determinada perspectiva,

que no es necesariamente la del gusto personal

ni la de los criterios personales,

sino la de las cosas, esas ideas que piensas que están...

dando pie a que vengan otras cosas distintas en el futuro.

Yo creo que eso es lo más importante.

(Música créditos)

  • A mi lista
  • A mis favoritos
  • Conexiones: Dibujo español contemporáneo 2

Metrópolis - Conexiones: Dibujo español contemporáneo 2

26 oct 2016

Metrópolis presenta esta semana el segundo de los dos capítulos donde exploramos “CONEXIONES”, una iniciativa del Museo ABC y de la Fundación Banco Santander que solicita a los artistas un proyecto específico de dibujo dirigido por el comisario Oscar Alonso Molina. En el segundo capítulo seguimos conociendo el resto de los proyectos expositivos del certamen, guiados por Oscar Alonso Molina y por los artistas: Amparo Sard (“La otra”), Juan López (“Ruinas graves”), José Luis Serzo (“Ensayos para una gran obra”), Simon Zabell (“Dibujo y traducción”), Elena Alonso (“El espacio alrededor”), Marina Vargas (“Las líneas del destino”).

ver más sobre "Metrópolis - Conexiones: Dibujo español contemporáneo 2" ver menos sobre "Metrópolis - Conexiones: Dibujo español contemporáneo 2"
Programas completos (397)

Los últimos 415 programas de Metrópolis

  • Ver Miniaturas Ver Miniaturas
  • Ver Listado Ver Listado
Buscar por:
Por fechas
Por tipo
Todos los vídeos y audios