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No recomendado para menores de 16 años Metrópolis - Generación 2019 - ver ahora
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Un año más,

la fundación Monte Madrid nos acerca al Arte emergente

más destacado de nuestro país,

de la mano de la convocatoria de Arte joven, "Generaciones",

una plataforma de difusión y apoyo al trabajo

de los creadores más jóvenes

en su camino a una trayectoria más consolidada y madura.

El formato "instalación" ha sido el elegido por los 8 artistas

que configuran "Generación 2019",

la muestra comisariada por Ignacio Cabrero

en La Casa Encendida,

que reúne los proyectos ganadores de esta edición.

Un claro ejemplo del escenario creativo actual,

donde los márgenes entre disciplinas se desdibujan para dar forma

a interesantes e innovadoras propuestas audiovisuales.

Este año han sido seleccionados 8 artistas

de diferentes lugares de España con formaciones internacionales,

todos, algunos de ellos más en un ámbito profesional

ligado ya a galerías o que han expuesto...

lo han hecho individuales.

Algunos otros, quizás más comenzando.

Si podemos hablar de algo en común entre todos ellos,

los artistas de hoy en día,

las inquietudes, obviamente, son parecidas,

porque son de una misma generación,

y hablan, muchos de ellos, de memoria;

hablan muchos de ellos de política desde el poder

que es ejercido desde diferentes estamentos,

desde la sociedad, cómo le afecta, la Historia,

los límites...

pero, este año, este grupo de artistas

tiene una manera muy teatral de exponer sus proyectos.

-En general, yo necesito que...

trabajo en temas que van variando, desde el Anarquismo

a... los últimos años del Ocultismo,

también con fuerte componente Transfeminista...,

diferentes disciplinas... pero, por norma general,

como que tengo la necesidad de sentirme...

emocionalmente afectada por... por el trabajo.

Yo vengo de formación clásica.

Vengo de ser violinista desde los 5 años,

cosa que abandono por las Artes Visuales,

y vuelvo a casa de mis padres para vender mis violines.

Venderlos, a ver si podía sacar dinero en lo que...

Estoy rebuscando en la buhardilla, un poco, los violines para venderlos,

y me doy cuenta que no los puedo vender

porque me dan como mucha emoción,

pero encuentro mis diarios de cuando era más pequeñita;

y de cómo tenía yo una fascinación bastante potente con Mozart,

que siempre la tuve toda la vida,

pero como que reconecté con lo que me interesaba de él.

Lo que he hecho es como... meterme completamente en su persona

e intentar ponerme en contacto con él,

desde todas las herramientas posibles,

sobre todo desde el Espiritismo, atravesar su biografía...

verlo desde un punto de vista como rompiendo de la historiografía,

de como se convierte en un icono, en lo que tiene que ver con el éxito,

lo que tiene que ver con el fracaso

y como generar una relación emocional con alguien que no tiene cuerpo.

Toda la instalación funciona como un elemento de invocación.

Entonces, todos los elementos están amarrados a la práctica mágica

y tienen que ver con la magia por semejanza.

Comienza con una versión que he hecho con la partitura de "El Requiem".

La he pasado a digital, la he digitalizado

y he jugado con ella, eliminando instrumentos,

eliminando notas y jugando con fragmentos de "El Requiem"

que él sí que escribió.

"El Requiem" funciona "a par a par" con un vídeo,

que es una performance que ocurre sin cortes,

que es un trance en que parte, a través de un audio,

que te va guiando para ayudar a entrar en trance,

para colocarte en ese espacio...

"transliminal" en el que yo me sitúo para generar el espiritismo,

y voy moviéndome,

en base a los códigos de la dirección de orquesta.

Y hay un dibujo que está colgado en la parte central de la instalación

donde se abren los telones a la italiana,

que lo ha hecho Mozart conmigo, a través del uso de la "planchet"

que es una herramienta que fabriqué para la ocasión

y que está también en la sala,

que es una herramienta que se empezó a utilizar en el siglo XIX

con el auge de la práctica mediúmnica y el Espiritismo,

que es para el dibujo automático y para la escritura automática.

Esos dibujos también están dentro de una publicación

que está en la sala,

que ahora mismo es una publicación... limitada de 10 ejemplares,

pero que en un mes sacaré una tirada más larga, autopublicada.

Son "Cartas a Wolfie", se llama el libro,

y son cartas que le he escrito a él, narrando desde el minuto uno,

en ese momento en que rescato los violines,

hasta el último momento.

Mi idea es que también el público se siente a leer

y como que utilice la sala, un poco como ese lugar extraeslimar

para estar como en dos espacios del tiempo distintos a la vez.

-En los últimos años he trabajado

en torno a la problemática del monumento

como artefacto constructor de memoria y también como un problema

ligado siempre a la hegemonía y al poder.

Y en este proyecto quería, quizá, provocar una ruptura

y dedicarme a otros elementos más precarios,

más ligados a la precariedad, no tanto constitucionalmente,

como a nivel material.

Este proyecto, que he llamado "Gargantas cosidas, tobillos atados",

tiene más que ver con unas memorias precarias,

con una transmisión de la comunicación

más ligado a la oralidad y a la performatividad del cuerpo,

que de alguna manera, para mi, articulaban un tipo de memorias

no tan ligadas a la dominación o al poder,

tan estable y más fluida.

La instalación se compone de tres piezas.

Fundamentalmente, la primera es una escultura,

un elemento escultórico que por sí es un conflicto

en el tema que trato de abordar

porque la inmaterialidad de la oralidad

o la inmaterialidad de la performabilidad del cuerpo

crea una confrontación

con la propia constitución de un elemento escultórico.

Por otro lado, hay un elemento textual,

y por otro lado, un elemento de audio, no?

una pieza sonora.

Cada elemento, digamos que articula un diálogo con este tema

que yo quería poner sobre el relieve.

La pieza sonora es un trabajo

que yo encargué a un cantante de flamenco

que me parecía, donde se podía articular este tipo de memorias,

la oralidad y en la performatividad del cuerpo,

de una manera bastante ejemplar.

Le di una serie de premisas para trabajar

en la que no podía utilizar elementos del lenguaje reconocibles,

en la que no podía haber instrumentos musicales;

sino que le pedía que trabajara solamente con el habla

y con la oralidad misma.

Creo que el flamenco aglutinaba, de alguna forma,

un modo interesante de este tipo de memorias

que se inscribían en el propio cante flamenco,

en la propia danza, como ecos de un pasado,

quizá que no había tenido una historia escrita

o una monumentalización, no?

Y por último, el texto que acompaña a la pieza,

es un fragmento que a modo de una capa más de información,

añade una controversia de la legitimidad del propio texto

a la propia sala y aporta un cuestionamiento

y como se enfrenta el propio texto a la legitimidad del discurso.

-Me interesa la Historia,

como se escribe, se utiliza, se reinterpreta...

y su relación con la Política.

La idea parte de la investigación sobre las ferias universales

que surgen en el siglo XIX y... me interesaba este tema.

En estas ferias hay pabellones separados por naciones

y cada uno de ellos, cada país intentaba...

representar una idea futura a través de objetos e imágenes.

El título es "Amaurot world's fair", una feria internacional de Amaurota.

Amaurota en castellano es la capital de Utopia,

en el libro de Tomás Moro

y utilizo referentes de toda la tradición utópica,

desde el momento de la historia de Occidente.

Lo primero que vemos es una columna con bajorrelieves y decoraciones

que nos va a recordar a la columna histórica

en la que se refleja la historia reciente,

tal y como el vencedor la quiere dejar grabada, no?

Y de esta columna surge una sombra

y va recorriendo todo el espacio del pabellón,

como la propia utopía o un mapa que no podemos reconocer.

Hay una pintura mural

que nos puede recordar a la pintura de final del XIX,

primera mitad del XX,

en la que no hay una idea general de pintura histórica,

una idea general del progreso y del trabajo industrial,

como símbolo del momento, como avanza la Historia.

Luego hay un dispositivo más... como de tres esculturas,

que tiene que ver con estos objetos tecnológicos

que podíamos ver en un pabellón nacional,

pero son objetos no tecnológicos.

Son más simbólicos, como el cuerno de la abundancia.

En lugar de una idea de economía productiva,

pues es una idea casi mítica, no?

Normalmente, me interesa abordar temas sociales, culturales...

el amor, el sexo, la política...

pero todo eso, siempre desde un carácter...

con sarcasmo, con ironía...

y quizá, ese punto de humor me permite restarle cierta seriedad

a temas tan solemnes.

El proyecto que he presentado está basado en "El Tesoro del Delfín"

que custodia el Prado desde 1983.

El Tesoro consta de una serie de alhajas

que el gran Delfín de Francia le dejó en herencia a su hijo, Felipe V.

Estas alhajas son piezas únicas,

piezas artesanales que ellos poseían.

Al poseer estas piezas,

no solo le otorgaban un poder o un estatus social,

sino que además, se llevaban, de alguna manera,

esas connotaciones mágicas

con las que estaban hechas cada material.

A través de esta idea,

se me ocurrió hacer un apólogo contemporáneo en paralelo,

que reflexionara sobre los objetos que poseemos.

"El taller de las moscas" titula este proyecto,

y toma como base el nombre coloquial

con que se llamaba al taller de Metellino,

que era un taller muy famoso

porque los artesanos tenían una gran habilidad

en el poder de la ocultación... y el disimulo.

Entonces, esta idea me sirve para hablar sobre el Tesoro,

ocultarlo, mostrarlo y a la vez, confundirlo con elementos banales.

Consta de una pintura

que se supone que es la iconografía actual

que podría tener el Tesoro en este momento, no?

si existiera ahora.

Por otra parte, hay tres estuches que se muestran en una vitrina.

Cada estuche contiene un vaso diferente

y los vasos están realizados con objetos encontrados

o con objetos de bazar, de rastros, de mercadillos...

No se muestran en su totalidad.

Hay algunos que se dejan entreabiertos

y otros que están cerrados.

Eso hace alusión

a que el Tesoro del Delfín no nos ha llegado en su totalidad,

a día de hoy.

Una reflexión a cerca de cómo llega la historia a nosotros, no?

Cómo esos objetos que existían,

a causa de los avatares temporales,

nos los hemos perdido ya, de alguna manera.

-Mi trabajo, como que estoy reflexionando los temas de el poder,

la violencia, la crueldad...

y la reciente Historia que ha ocurrido en España.

Esos son los tópicos, así muy generales,

de lo que... que me interesan y me intrigan para crear obras.

Es una instalación de dibujo expandido en el espacio,

donde hay diferentes fragmentos, que juntos crean como una narración,

y para mí, lo que es muy importante,

es que el espectador entre dentro de la instalación,

se mueva y a partir del movimiento físico alrededor de la obra,

vaya construyendo, él mismo, la narración.

El libro que me inspiró para poner el título de la obra,

es un libro de Canetti, que se llama "Masa y poder",

donde tiene un apartado que habla sobre el poder,

cómo están integrados en el cuerpo físico

y las diferencias que hay a nivel físico, no?

Como hay algunas partes del cuerpo que son...

tienen como una sensibilidad, son más suaves,

y otras partes, como son los dientes y las uñas,

que son como más agresivos.

Por ejemplo, los dientes, en civilizaciones más antiguas,

se utilizaban para construir armamento,

y por ejemplo, las uñas,

son una parte del cuerpo que siempre están creciendo,

y pueden ser afiladas y también son como un arma.

Para mí, el papel es muy importante.

Lo que me interesa mucho es como...

esta fragilidad que tiene el papel

y después llevarlo a este tamaño tan monumental.

Parecen como monumentos efímeros

que están haciendo referencia a momentos históricos,

de una manera muy teatral, no?

A partir de los textos, expresiones...,

a partir de un nivel más performativo,

intento hacer referencia a nuestra Historia presente.

Para mí, los dibujos son fragmentos

y son los ingredientes de la narración.

Pero, todo completo es una escena y es el que forma la narrativa, no?

Entonces, para mi es muy importante tener esta narrativa abierta.

La teatralidad es algo que está muy presente en mi obra,

a nivel gestual y a nivel expresivo.

Me gusta mucho estar como caminando en esa línea,

entre medio de la Escultura, el Dibujo y la Escenografía.

-Me interesa mucho como las sensaciones, los estados...

que vienen provocados por... el modelo actual,

y sobre todo por las nuevas tecnologías.

Yo trabajo en un colectivo que es Momu & No es,

yo soy Lucía Momu.

Hicimos un proyecto en el que ella me hizo una pieza

que se llamaba "My Advice for Lucy"

porque encontramos los 10 mandamientos para Lucy,

que Lucy era como el representante de los "millenials".

Digo: esta vez voy a hacer "Mi consejo para Eva"

y a lo grande.

"Mi consejo" es un consejo de amistad y habla de la amistad.

El espacio está articulado como una especie de esquema.

Entras ya, directamente en el esquema.

Las paredes están todas cubiertas.

Cada una tiene distintos elementos,

que los vas descubriendo y los vas relacionando entre ellos.

Un esquema como que refleja la situación de hoy en día

de esa ansiedad, esa frustración,

esa necesidad de siempre triunfar,

que nos lleva a una frustración,

el momento en el que te estás produciendo constantemente

por las redes sociales...,

esa idea de triunfo que tenemos infundada.

Hay cosas que hacen mucha referencia al mundo de Internet,

al mundo de la comunicación.

Hay muchos elementos del vídeo, también.

Hay un teórico que tiene una novela

que se llama "Beautiful farting girls"

y habla sobre toda esta imaginería de la mujer...

luchadora, híper sexualizada,

y también habla como de ese miedo hacia la profundidad.

Entonces, me interesa muchísimo la idea de imagen plana,

de un mundo de imágenes;

como este mundo virtual, al final, es un mundo muy 2D.

Al final, el proyecto habla sobre la amistad, el amor,

la colaboración... y que en realidad,

mientras haya un tú y un yo hay esperanza.

"Señores sentados haciendo rayas",

es el título de mi propuesta

y es un título que hace referencia a ciertos momentos históricos

en los que las fronteras se decidieron,

se deciden con escuadra y cartabón.

La revolución americana decidió abrazar la línea

como símbolo de un nuevo orden.

Los franceses se apuntaron a eso de la raya revolucionaria,

y de ahí pasó a su bandera.

Aprovechando esa nueva concepción de la raya,

como un elemento higiénico, divertido y moderno,

se creó un gran imperio de pasta de dientes.

Al final de los años 60

apareció un dentífrico blanco con rayas rojas.

Algo así como una bandera infinita de Estados Unidos,

pero sin estrellas.

La instalación está formada por un vídeo,

una pequeña animación,

donde cuento una historia que va entrelazando diferentes datos,

diferentes anécdotas históricas en relación, tanto a las fronteras,

a la ficción, al dibujo y a la simbología de la raya,

y bueno... desde un punto de vista, un poquito...

casi que parece absurdo, casi parece que me lo estoy inventando,

pero desgraciadamente, es real.

Toda la instalación tiene una apariencia buscada,

casi de abstracción.

Hay mucha línea, hay mucha línea recta...

En un primer vistazo hay un dibujo que son un montón de rayas,

hay un papel de pared que son unas manchas...

Estos asientos escultura que son unas rayas rectas,

pero, en realidad, es una abstracción falsa,

es totalmente concreto.

El dibujo de la pared de las rayas se titula "Las líneas del cielo",

y son las fronteras aéreas.

El mural de la pared son las aguas internacionales,

y los asientos lo he titulado "Familia de cebras",

porque la cebra es un elemento simbólico

que me parece muy interesante.

Las rayas dejaron de ser solamente un estigma

y el estatus de la cebra mejoró.

Europa dejó de temerlas,

más o menos cuando decidió que eran blancas,

y que lo negro eran solamente rayas.

Este proyecto es un intento de repensar la idea de frontera.

Una frontera es una ficción,

una frontera es una creencia,

y nos la creemos porque bueno, por ejemplo, existen los mapas.

Con los mapas

es muy difícil olvidarse que las fronteras son ficciones,

porque los mapas te lo recuerdan, no?

Y un mapa, ¿qué es? Un mapa es un dibujo.

Un dibujo, ¿qué es? Un dibujo es una ficción.

Un dibujo está hecho de líneas, de rayas.

Una frontera es una raya.

Un dibujo se basa en la línea.

Entonces, en este proyecto he utilizado un paralelismo

entre esta idea de frontera como raya,

pero, con toda la tristeza, eh? con toda la carga,

de todo este drama y que sea una raya en un papel...

con esta idea de ficción del dibujo también,

y luego un estudio de la simbología de la raya

a través de la Historia.

En la Edad Media, las rayas estaban muy mal vistas.

Servían para marcar presos, herejes, leprosos y prostitutas.

Judas era representado con ropa rayada.

Y las cebras, como los tigres,

eran considerados animales peligrosos.

"Prótesis para invertebrados" viene todo de...,

viene como de varios puntos,

que en realidad se unen,

porque a mí me gusta eso siempre,

como incluir distintas narrativas que se entremezclan.

Entonces, una es como de la obsesión por la limpieza,

porque leí en un artículo que había científicos

que no entendían por qué había tantas emisiones, tanta polución,

si los motores de los coches están optimizados

para generar menos emisiones de carbono.

Y resulta, que venían de todos los champús y productos

que utilizamos para la higiene personal,

y también de los productos de limpieza.

Entonces, empecé a investigar sobre estos productos de limpieza

y también esta obsesión por la limpieza,

como iba unido al juego moral, también

y hacia los cuerpos de las mujeres.

Como, si eres limpia, pues es mucho mejor;

así, hablando en tonos moralistas,

que si eres sucia.

Pero luego también, leyendo artículos

como las colonias bacterianas en la piel de la gente promiscua,

pues, es mucho más rica que las que no son tan promiscuas.

Los dibujos de las paredes... bueno,

hay uno que es un poco distinto que es el de la mujer mohosa,

que es como una mancha de moho en la esquina,

que se ve como la silueta de una mujer,

y luego los otros son todos

como distintas partes del cuerpo de mujeres,

que no sabes si se están originando o disolviendo,

porque a mi me interesa mucho también el concepto de la ética extendida,

que aunque nuestro cuerpo, pues supuestamente acabe aquí,

en realidad somos colonias de bacterias y de células

que al utilizar estos productos de limpieza,

nos estamos acercando al bioma de la piel

y alimentamos el crecimiento de esto que es perjudicial para el organismo.

Varias de las piezas están rellenas con productos de limpieza,

como friegasuelos o lejía o también geles para el cuerpo,

porque quería trabajar con el sentido del olfato,

que es como un sentido que normalmente se olvida

en el mundo de las Artes Visuales.

Todos mis trabajos tienen un punto antropomórfico,

pues, para poder conectar con el espectador,

porque me interesa, siempre que presento un trabajo,

que haya distintas capas, o sea, hacerlo accesible;

que se pueda conectar a distintos niveles.

Nuestra sociedad es demasiado antropocéntrica,

y por eso hay ese interés

como en ver el medio ambiente como si fuese algo externo,

cuando, en realidad, formamos parte de él,

y con todos estos productos se rompe ese equilibrio.

-En este "Generaciones", en este año,

si existe una diferencia con otras "Generaciones", no?

es que ha coincidido que son proyectos muy visuales

y muy expandidos, no?

Son artistas que trabajan, ya no un dibujo expandido

o una escultura expandida, sino una instalación expandida.

-Yo creo que la generación real de artistas de mi generación,

valga la redundancia,

creo que es mucho más diversa de la exposición que hay aquí,

creo que hay mucho arte sumergido, no solo emergente,

y creo también que hay una diversidad,

y no creo que haya algo que forme un grupo, no?

-Yo creo que lo que nos une un poco o lo que tenemos en común

es que intentamos como buscar lugares a los que agarrarnos

dentro de toda esa vorágine,

y creo que por eso, a veces,

como también tendemos a esa cosa de la teatralidad

o a buscar como otras dimensiones en las que habitar,

porque esta es absolutamente caótica y tiene un punto bastante como...

distópico y oscuro. (RÍE).

-Escuchamos, normalmente, que ser artista, hoy en día,

es una cuestión de resistencia.

Estoy completamente de acuerdo con ese concepto, no?

Pero, le añadiría ese concepto de resistencia,

pero, también de creencia en ti mismo y en lo que está pasando.

-Inevitablemente, el hecho de tener un rango de edad parecido,

el hecho de vivir en un lugar muy parecido, muy cercano,

tener referentes tan cercanos;

eso, indudablemente, nos va a acercar.

-A mí lo que me preocupa es ser generosa

y... tratar de comunicar ideas con las que la gente pueda conectar,

mis propias reflexiones

y por eso creo que es importante que la gente investigue,

se aleje, más allá de lo formal.

-El papel del Arte, yo creo que... es un lenguaje,

entonces, es el lenguaje donde puedes proyectar

y donde puedes repensar las cosas,

y proponer espacios nuevos y alterar los códigos.

Entonces, yo creo que el papel del artista, hoy en día,

es aprovechar ese espacio y... intentar pensar e ir más allá.

-Me dedico al Arte porque creo que es el único terreno

en el que tengo la libertad

de poder desarrollar estas cuestiones que me interesan,

con mayor libertad que en otras disciplinas.

-Es como una búsqueda siempre a la experimentación

y a buscar romper esas barreras o esos bordes,

y ayudar, de una manera más creativa, a solucionar cosas

o ver cosas de otra manera.

Subtítulos realizados por Chus Suárez Liaño.

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Metrópolis - Generación 2019

15 abr 2019

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