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No recomendado para menores de 16 años Metrópolis - imagineNATIVE 2014 - ver ahora
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Metrópolis se acerca esta semana

a los creadores indígenas contemporáneos cuyas obras,

cargadas de simbolismo y marcado espíritu crítico,

suponen en ocasiones una ruptura con el arte contemporáneo occidental.

Sus trabajos reflejan las preocupaciones de un pueblo

que comparte, más allá de las fronteras,

una identidad cultural, tradición y creatividad única.

El festival de cine y nuevos medios Imagine Native en Toronto

ha recogido este año algunos de estos trabajos

para la celebración de sus XV aniversario,

una fecha muy especial para un encuentro

que se ha consolidado ya como la cita anual imprescindible

del arte audiovisual nativo en todo el mundo.

Imagine Native es el mayor festival del mundo

dedicado a celebrar la obra de artistas indígenas

de todo el mundo en cine, vídeo, audio y nuevos medios.

Cada año el festival presenta una selección de trabajos

que muestran las perspectivas más provocadoras

de la experiencia creativa de artistas indígenas.

Además de eso tenemos mesas redondas, fiestas,

espacios para que los artistas puedan socializarse

y crear conexiones, pero el propósito principal

es apoyar el desarrollo artístico indígena con todo lo que hacemos.

Toronto es una ciudad

que tiene entre 75 y 80 festivales de cine cada año,

lo cual es impresionante.

Es una ciudad que verdaderamente apoya

la obra cinematográfica y videográfica,

y hasta que se fundó el festival en 2000

no había realmente una plataforma

para la obra de artistas indígenas en los "media".

La mayor parte de las obras que se mostraban

eran de artistas no indígenas,

que es lo que pasó durante gran parte del siglo XX.

La idea de los pueblos indígenas fue modelada e influenciada por otros,

pero desde que se celebró el primer festival Imagine Native en 2000

y a lo largo de los últimos 15 años el festival ha ido creciendo

paralelamente a la industria de los "media art" indígenas,

no solo en Canadá sino también a nivel internacional.

La misión fundamental del festival es promover la innovación

y la excelencia artística, y por eso buscamos trabajos

que cuenten historias de maneras nuevas y diferentes.

Hay una serie de temas indígenas que se han documentado sobradamente

a lo largo de los años en la historia del cine,

pero lo que nos interesa es la forma en que se cuentan esas historias.

Aunque sean historias antiguas o ya conocidas

nos importa que estén contadas de una forma original,

que estén filmadas de otra forma,

que la historia o la narrativa estén estructuradas de una forma distinta,

así que buscamos estilo, innovación y relevancia

como experiencias indígenas contemporáneas.

(Canta en inglés)

(Canta en inglés)

(Canta en inglés)

(Canta en inglés)

Es interesante que cuando observas un país determinado

como Canadá o Australia, o algunos países de Sudamérica,

y estudias específicamente la historia de su cine indígena,

en muchas naciones empieza con pequeños documentales

de carácter social o activista.

Ese es casi siempre el primer tipo de obras que se hace

en el cine indígena, y eso ocurre por una razón muy específica.

Estas personas están mostrando perspectivas

que han sido activamente silenciadas,

que han sido activamente censuradas y que no tienen o no tenían acceso

a medios de comunicación de masas en esos países,

y lo que hacen es compartir su voz, su perspectiva,

y a menudo también compartir su lucha y sus desafíos,

y según crece y se desarrolla la industria

aparecen trabajos con una narrativa dramática,

trabajos documentales y largometrajes de ficción,

y eso me parece increíble, y hemos visto en los últimos 15 años

trabajos de artistas indígenas de distintos países.

Su obra está cambiando, está creciendo.

No me gusta decir que está evolucionando,

porque es una palabra que no encaja muy bien con todo esto,

pero es un movimiento.

Los trabajos que presentamos

son obras contemporáneas de arte indígena,

porque mucha gente piensa en arte indígena como algo tradicional,

en artesanía, no necesariamente histórico,

pero no suelen pensar en estos artistas

como gente que realiza obras nuevas, contemporáneas,

que ofrecen perspectivas interesantes

sobre experiencias indígenas.

Ni siquiera es necesario que el tema que traten sea indígena,

pero hay una voz indígena creando ese trabajo,

y esa es una perspectiva que la mayoría de la gente no suele ver.

(Música hip hop)

Creo que con frecuencia tenemos la idea de que todo

lo que es cultura indígena está arraigado en el pasado

y quizás también anclado en el pasado.

Cuando en realidad es todo lo contrario.

En las culturas indígenas siempre ha sido vital la adaptación,

el cambio, la supervivencia

y eso ocurre también con la narrativa.

La adaptación al cine, al video y al mundo digital

a través de los juegos para contar historias de otra forma,

es simplemente la continuación de una tradición narrativa milenaria.

El Wapikoni Mobile es un estudio ambulante de formación audiovisual

que va por las comunidades indígenas de Quebec,

en los alrededores de Quebec, pero también en Ontario

y en América del Sur.

Durante un mes, el estudio se integra en la comunidad

y enseña a los jóvenes a hacer cortometrajes

con la composición sonora y visual.

Así los jóvenes tienen la oportunidad

de tener una formación y de realizar cortometrajes

que luego llegan a los festivales.

En el programa de Wapikoni

que he presentado aquí en Imagine Native,

se incluyen obras de cineastas que han salido del programa Wapikoni

y que han desarrollado una voz cinematográfica

y un estilo propios.

Ya sean documentales, ficción o trabajos experimentales,

hay un cierto género cinematográfico que se hace a través de Wapikoni

que es muy auténtico en relación a la realidad indígena

en las comunidades.

Y eso es precisamente lo que aparece en este programa.

Trabajos reales que hacen los jóvenes para los jóvenes

y su voz se mantiene auténtica y verdadera.

Así como el cine iraní tiene su propio color,

el cine francés, etc.

El cine indígena tiene un color propio.

Creo que a menudo

los trabajos están muy basados en el género documental,

pero desde un punto de vista un poco más experimental

dado que la tradición oral para los indígenas es importante,

considero que realizar sus propias películas

contribuye a perpetuar esa tradición oral.

Y hablando de sus propias tradiciones,

su propia mitología, su propia realidad.

Todo eso les aporta un color que es diferente al resto del cine.

Creo además que para poder hablar de temas indígenas

no hay nadie que pueda hacerlo mejor que ellos mismos.

La sección internacional

está dedicada en esta edición a Australia.

Cada año elegimos una nación indígena

o un país para mostrar los logros

que la comunidad indígena de esas zonas

ha realizado en el campo de los media art.

Y para nuestro décimo quinto aniversario

elegimos una de las mayores comunidades indígenas del planeta,

que es la de los aborígenes australianos.

El enfoque que hemos planteado es una selección de obras

comisariadas por diferentes cineastas

o artistas indígenas reconocidos de ese país,

que son quienes mejor pueden presentar lo más interesante

de sus diferentes disciplinas.

Tengo una galería online que se llama "CyberTribe"

que ya tiene 15 años.

Jason me pidió que comisariara una exposición online.

Es una selección de obras de corta duración

que se encuentran fuera de los márgenes habituales del cine.

En Australia hay una división muy clara

entre la industria del cine y el mundo del arte.

Y los media art están en ese lugar intermedio,

pero al margen de la industria cinematográfica.

Normalmente, esas obras quedarían fuera,

pero con este proyecto

he tenido la oportunidad de seleccionar obras

que se encuentran fuera del ámbito cinematográfico,

como animaciones en 3D,

cortos sobre programas de revitalización de lenguas,

narración digital y otras obras de vanguardia

o experimentales.

Todo el programa es una especie de viaje.

Empieza tratando la relación colonial,

una relación abusiva que causó dolor y pérdida.

Son temas que aparecen en algunas de las obras

y de ahí pasa a la revitalización de la cultura,

a la curación y el renacimiento.

-Un nuevo término que últimamente se emplea en países

como Canadá, Australia, Nueva Zelanda,

es el de trauma trasgeneracional.

Los pueblos aborígenes llevan en el planeta 80.000 o 100.000 años,

o más, y en nuestro ADN, en nuestra estructura celular

conservamos huellas de los últimos 200 años.

De todo ese sufrimiento de los tiempos coloniales,

masacres y otras atrocidades terribles.

Aunque no seas consciente,

aunque te hayan adoptado personas no indígenas,

llevas ese trauma intrínseco, se manifiesta en tu cuerpo,

en tu mente, y tienes que resolverlo de alguna forma.

Así que, pienso que contar tu propia historia, a tu manera,

y no como la cuenta otros,

es un proceso de sanación en sí mismo.

-Las exposiciones han sido una parte importante

de ImagineNATIVE desde hace varios años.

Este año tenemos cuatro exposiciones con la que estamos muy contentos,

la exposición central es I ke, I have motion,

comisariada por Lee Ann Martin,

una de las especialistas en arte indígena más destacadas en Canadá.

Es una muestra que incluye

la obra de reconocidos artistas indígenas canadienses,

con un talento increíble,

que exploran desde su perspectiva el concepto de movimiento.

-La principal idea que hay tras la exposición I ke, I have motion

es complementar las imágenes en movimiento

del festival de cine ImagineNATIVE, esa fue la idea original.

Quería trabajar con artistas

cuyas imágenes capturasen aspectos del movimiento,

y para mí era muy importante porque en las lenguas indígenas,

los verbos contienen muchos matices sobre el movimiento.

Además, quería mostrar

diferentes aspectos del movimiento con los que trabajan los artistas,

desde obras históricas a obras más contemporáneas.

Trabajos que exploran desde los conceptos metafóricos

hasta los aspectos físicos del movimiento.

Por otra parte, Fave Heavyshield, en su obra titulada Astillas

indaga en el movimiento sutil de los ríos.

Es una pieza con una fuerte carga medioambiental,

y la ha creado a partir de fotos de ríos tomadas por todo el país,

para hablar sobre la importancia de los ríos.

Pero además, la obra se mueve sutilmente

con las corrientes de aire de la galería,

como ese movimiento constante de los ríos.

-La idea se me ocurrió hace unos tres años,

pensando la pesca en el hielo y mis conexiones con mi comunidad,

con la tierra,

y preguntándome de dónde vienen habilidades que tengo hoy.

Buena parte de mi obra es escultórica,

y empecé a reflexionar sobre cómo había aprendido

lo que sé de escultura y carpintería, y gran parte venía

de pescar en el hielo con mi padre y con mi abuelo.

Ellos me enseñaron a construir una cabaña para pescar,

para sacarla al exterior, llevarla al hielo y pescar,

lo que pone a prueba tu paciencia.

En ese contexto, se cuentan historias,

gran parte de mi inspiración para esta obra viene de ahí,

de lo que aprendí de mi familia

y quería convertirlo en una experiencia

para que la gente de un entorno urbano

pudiera sentir lo que es la pesca en el hielo

en un pueblo pequeño como el mío.

Está en la costa oeste de Terranova y quería que pareciera

que alguien hubiera hecho un agujero en el suelo

con un taladro, y se pudiera ver el hielo y los peces abajo.

Hay múltiples piezas.

Una película de nueve minutos y medio

que hemos hecho con el national film born que describe todo el proceso,

desde la construcción de la cabaña hasta cómo cocinamos el pescado

y nos lo comemos.

Otros elementos...

Una instalación audiovisual que se activa con sensores

y pequeños ordenadores.

De modo que he usado muchos componentes tecnológicos distintos,

para hacer que el proceso, para mí básico y normal,

de pescar en el hielo, cobre vida en la ciudad en un entorno urbano.

Lo que quería era estimular la memoria de mucha gente,

y el sentido de la comunidad y la familia.

Y hacer que la gente piense de dónde viene lo que comemos,

los procesos por los que nos alimentamos,

tanto en el sentido literal de la nutrición

como en el de la alimentación a través de la familia y la cultura.

Quería englobar todo eso y presentarlo en una sola obra.

-Recast es una exposición con Christian Chapman y Bev Koski.

A Bev Koski le entusiasman las cuentas de cristal,

y los trabajos con esas cuentas

se puede decir que son una tradición de los pueblos,

son algo muy popular.

Pero lo que hace ella es tejer con estas cuentas de cristal,

su obra recoge figuritas, objetos típicos para turistas,

objetos estereotípicos o caricaturescos

como representaciones de indígenas en Norteamérica,

y los cubre con estas cuentas de cristal,

creando una especie de armadura.

De esta forma les asigna un nuevo papel social,

como un tejido social interno.

Christian Chapman es un artista que lleva filmando desde 2008.

Ha filmado una película sobre un pintor de Woodlan

que vive en la naturaleza.

El estilo Woodlan es una pintura que se caracteriza

por contornos oscuros y colores muy vibrantes,

existe toda una escuela de Woodlan en Ontario.

El proyecto de Christian Chapman consiste en mostrar

la vida cotidiana de un pintor de Woodlan

y recrearla a través de sus imágenes y las de sus amigos y colaboradores.

Ha reunido todo el metraje que había filmado sin editar

y lo ha compartido con otros tres artistas.

Y cada uno de ellos ha creado su propia versión

de la historia de ese pintor de Woodlan.

La película final es como un bucle en una sola pieza

y se muestra en Gallery 44 como parte de la Recast.

Aquí, la idea también es reasignar papeles,

proponer a otros que creen su propia narración

sobre el pintor de Woodlan.

  • imagineNATIVE 2014

Metrópolis - imagineNATIVE 2014

18 ene 2015

Metrópolis se acerca a los creadores indígenas contemporáneos cuyas obras, cargadas de simbolismo y un marcado espíritu crítico, suponen en ocasiones una ruptura con el arte contemporáneo occidental. Sus trabajos reflejan las preocupaciones de un pueblo que comparte, más allá de las fronteras, una identidad cultural, tradición y creatividad únicas. El festival de cine y nuevos medios, imagineNATIVE, en Toronto, ha recogido este año algunos de estos trabajos para la celebración de su 15 aniversario. Una fecha muy especial para un encuentro que se ha consolidado ya como la cita anual imprescindible del arte audiovisual nativo en todo el mundo. 

 

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