Metrópolis La 2

Metrópolis

Miércoles a la 01.00 horas

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No recomendado para menores de 16 años Metrópolis - 1 + 1 = 1 - ver ahora
Transcripción completa

(Música cabecera)

La complicidad es la clave

de los protagonistas de este capítulo de "Metrópolis",

y el arte, su propósito.

Trabajan juntos porque su equipo funciona

como una única entidad muy bien entrenada.

Son parejas artísticas que desarrollan una obra conjunta

partiendo de intereses y pensamientos compartidos.

El amor, la amistad o la familia

son los lazos que les unen más allá del arte

y a través de los cuales se interrelacionan.

En el programa nos desvelarán cómo se conocieron

y empezaron a crear juntos,

la dificultad y los beneficios de contar siempre con el otro

o las peculiaridades de un proceso creativo

llevado a cabo en colectivo.

Desde la performance y el videoarte

hasta la fotografía o la instalación site-specific,

estos dúos artísticos demuestran una compenetración máxima

en la construcción de un discurso común.

Es que somos muy cerebrales. (RÍE) -Sí.

-Creo que fue primero las dos cosas. (RÍE) -Sí.

Yo pienso, y en este caso estoy hablando

de algo que nunca hemos hablado.

Pienso que nos reconocimos en un momento dado

precisamente porque ambas cosas se juntaron.

Si no se hubieran juntado, no nos habríamos reconocido.

Lo voy a decir muy claro, nos habían presentado antes

en varias ocasiones y no nos habíamos reconocido.

(Música)

-Hay determinados constantes en nuestro trabajo

que surgen de ideas.

Y a partir de esas ideas

desarrollamos en distintas...

formatos, en distintas líneas,

dependiendo también del concepto.

Pero sí, quizás hay cosas que son constantes,

el interés por el sonido, el interés también por lo visual.

Planteamos una plataforma

muy distinta de lo que trabajamos individualmente

y que seguimos trabajando siempre individualmente.

-Un aspecto fundamental también en cómo se manifiesta nuestro trabajo

es, con una gran importancia

dentro de la parte de esa situación del discurso, de la narrativa,

de hacerlo en el ámbito de la instalación sonora y visual.

Es decir, la ocupación de espacios,

pero dialogando con esos espacios, con esos lugares,

en lo que tienen de histórico, pero también

de sus características físicas.

-Indudablemente, dentro de esto ha habido grandes discusiones

en nuestra forma de hacer común.

Unas discusiones conceptuales

y también de la práctica.

Nunca hemos llegado a las manos, por supuesto,

pero sí, conceptualmente, grandes discusiones

que han supuesto también un interés enorme

para el desarrollo del trabajo.

(Conversaciones ininteligibles)

Yo diría que trabajamos no solo con el espacio como lugar,

sino también con el espacio como contexto.

Es decir, es importante que cuando uno toca

determinado tipo de temas que abordan a la sociedad,

que no van desde lo subjetivo solo, sino que son intersubjetivos

o que van más allá de uno mismo,

como era el caso de mencionar el tema "El viaje a ninguna parte",

es decir, ¿cuál es la situación del artista ante la sociedad?,

lo que ocurre en una obra como "Argot",

también una instalación, una gran instalación.

Plantearlo conforme a ese contexto en el cual esa obra se ubica.

(MEGAFONÍA) "La obra es una especialista en...".

(Conversaciones superpuestas)

(MEGAFONÍA) "Entre y a través con las palabras".

(Conversaciones superpuestas)

Nosotros siempre hemos dicho que lo fundamental de "Argot"

es un texto nómada en busca de soporte.

Eso creo que deja claro hasta qué punto

hay un cierto grado de nomadismo en nuestras obras,

que se colocan en los sitios, que tratan de meterse en la piel

o formar parte de la piel de los lugares.

-Yo creo que tal como han surgido nuestras obras comunes,

muchas veces han sido a raíz de invitaciones determinadas.

Entonces, al invitarnos a poder hacer,

desarrollar un trabajo en Tabacalera,

nos resulto enormemente atractivo.

Es un espacio lleno de historia, por una parte,

pero también lleno de unas características físicas

muy atractivas.

Las nuevas producciones que hicimos para allí

fueron acciones desarrolladas en los espacios no visitados

y, además, sin recuperar que están en Tabacalera.

El interés por los medios de comunicación

y, sobre todo, por la reflexión a partir de los medios

es una idea constante, tanto en nuestro trabajo individual

de cada uno de nosotros, como en el trabajo común.

-Y más allá de eso,

es aludir a ese artista mutante mediático.

Es decir, que muta en el contacto con los medios.

Hablamos de los medios electrónicos, pero también los medios escritos.

"Bazar de utopías rotas", efectivamente, entronca

esos dos tipos de discursos. El discurso oficialista de los medios

con el discurso individual de una serie de personas

a quienes habíamos preguntado qué era la utopía para ellos

y cuál era su utopía personal. -No, pero aparte de eso,

ahí precisamente se manifiesta en esa obra y en algunas otras

cómo sí utilizamos algunos recursos que son propios

de los medios.

Es el caso de la entrevista

o el reportaje.

Esos recursos de los medios

están presentes, por supuesto, o han estado presentes

en ocasiones en nuestro trabajo. -Sí, sí.

Hay mucho material que viene de los medios, muchísimo.

-Televisión. -De televisión.

-De la prensa. -Y de la prensa.

-Sobre todo de televisión y de prensa.

(Música)

A través de vídeo, de performance

y de instalaciones, pues creamos

narraciones y elementos

que responden a un observar nuestra realidad...

más inmediata.

Cogemos ciertos elementos, los aislamos

y luego, como los volvemos a reinterpretar

y a dar diferentes lecturas.

-Nosotras empezamos a trabajar mucho

a nivel de retratos psicológicos de personajes.

Intentábamos ver cómo personajes que, de algún modo,

serían inadaptados,

podían crear mundos ficcionales

que de algún modo les permitían liberarse

y poder convivir con el resto de la sociedad.

Trabajamos mucho desde el punto de vista

de un humor tragicocómico y extraño.

(Canción en inglés)

(Música melancólica)

(HABLAN EN INGLÉS)

Lo que nos permite la ficción es usar los mismos elementos

que conocemos...Darles otro orden.

-Es una realidad parcial.

Es como todas las realidades, ¿no? Como que no hay

una realidad absoluta. Entonces,

esas microficciones pueden ser muy reales también.

Es lo que tratamos de construir.

(Música)

(HABLAN EN INGLÉS)

Nos conocimos en un club,

nos conocimos en una discoteca, en el Apolo de Barcelona.

-Coincidimos en la pista y estuvimos bailando

yo no sé si eran cuatro o cinco horas, toda la noche,

pero no mediamos palabra.

Luego empezamos a coincidir en un taller.

Nos pusimos una al lado de la otra y aquí ya empezamos a hablar

y ya como, bueno, pues eso,

fue como todo muy fluido. En realidad nunca pensamos en...

ni antes ni ahora, nunca hemos pensado

en trabajar juntas o dejar de hacerlo, sino ha sido

un proceso muy natural.

(Canción en inglés)

Me gusta pensar las cosas desde Momu & No Es

y pensar Momu & No Es como un ente. -Si una de nosotras tiene una idea,

lo primero que hace es contárselo a la otra.

No se nos pasa por la cabeza hacer un proyecto individual.

-Hay un momento donde las dos cabezas empiezan a funcionar juntas

y se genera una manera de ver, una manera de escuchar,

una manera de explicarse interna. -Vamos construyendo entre las dos

por encima de esta idea.

(Música)

¿Qué quieres que te diga? ¿Que prefiero pasear

por la playa y escuchar

a Billy Joel o quizás a Ben Folds Five?

Porque sé que tú los odiabas.

No eran suficientemente indies. ¿Qué más da?

Tú siempre fuiste lo más.

¿Qué quieres que te diga?

¿Que me arrancaste el corazón?

¿Y hoy se te ocurre venir a pedir perdón?

¿Después de un siglo o dos?

Se trata de...

Bueno, era una videoinstalación con dos vídeos

en la que retratábamos

la idea del fan.

Entonces, es un vídeo que usamos varios...

los lenguajes del videoclip y de la música

y...

y van describiendo la relación que tienen

hacia la figura venerada.

Tus discos viejos de los Clash.

Esa era tu maldad.

Esa era tu maldad.

Esa era tu maldad.

Si así como, a lo mejor, en trabajos anteriores

eran lo que hablábamos antes, de que partían más de la narración

o de una construcción de personajes,

poco a poco hemos abandonado esa línea de trabajo

e intentamos recrear escenarios o situaciones

que apelen más directamente al espectador.

-Es un proyecto que ya no liga las ideas

desde una narración tradicional, sino más a través

de una concatenación de imágenes.

Y entonces, el sentido se crea en esos momentos.

(Música)

(Música)

Bueno, nuestro trabajo y nuestra línea de investigación

se centra en nuestra realidad

como artistas visuales en la contemporaneidad.

Y también analizamos lo que es la condición del artista

como trabajador precario

dentro del sistema, bueno, de lo que es la escena artística.

Intentamos también abordar lo que son las contradicciones,

las paradojas e incertidumbres

dentro del panorama emergente.

-Los ingredientes que no faltan en nuestro trabajo

es la ironía, el absurdo,

el humor y muchísimas dosis de realidad y de ficción.

Trabajamos con el vídeo,

la performance, la acción y la textualidad.

(Pitido)

La pieza o la videoacción "Test de resistencia física

o cómo dejar una carrera artística justo cuando la comienzas"

es, como su propio nombre indica, un test, el test de Navette,

que consiste en una prueba de resistencia física

donde se recorren 20 metros durante unos 20 minutos,

aproximadamente.

El ritmo va marcándose por un sonido

y va aumentándose la velocidad.

Entonces, hacíamos una analogía tanto como con el circuito

de arte emergente, donde tienes que realizar un recorrido,

y también esa resistencia a ese sistema,

que muchas veces, o aguantas o lo abandonas.

(Pitido)

(Pitido)

Nosotros nos conocimos en la Facultad de Bellas Artes de Barcelona,

surgió el amor, luego, más adelante, empezamos a trabajar juntos.

Realmente fue una manera muy orgánica,

es cierto que al principio cada uno tenía su práctica individual,

y nos íbamos ayudando el uno al otro constantemente,

no fue hasta 2011, en México, en un viaje que hicimos,

que trabajamos de una manera espontánea conjuntamente.

Los puntos de interés y los focos de interés se fueron cada vez

ambos focalizándose, en la figura del trabajador como producto

en la esfera contemporánea.

(MEGAFONÍA) "Poco a poco, ve aumentando la velocidad.

Acelera el paso".

-La pieza "Bosobosobosoboso" es un trabajo performativo,

y ya el mismo título es el sonido "omatopéyico" del murmullo,

el murmullo de la multitud artística, era lo que queríamos retratar.

Utilizamos lo que es el "Decálogo de buenas prácticas profesionales",

desarrollado por la Asociación de Artistas Visuales,

y contraponíamos las buenas prácticas y las buenas intenciones

de este decálogo, con la realidad.

(LEE) -"Los artistas nos dedicamos a hacer,

sin preocuparnos demasiado de cómo lo estamos haciendo.

Nos han enseñado a que responsabilizarnos de algo,

más que divertirnos creando, nos desconcentra.

Los han repetido que lo mejor es que nosotros nos dediquemos

a lo que sabemos hacer, y que dejemos el control de la gestión

de nuestra obra en manos de profesionales".

-De una manera muy orgánica, ha sucedido que cada uno

nos hemos dividido las tareas.

Alfonso lleva la parte más visual, y más videográfica,

y yo llevo la parte que es más discursiva, y más teórica,

pero confiamos ciegamente el uno en el otro,

y en las capacidades del uno y en el otro,

lo que significa que de alguna manera,

también nos admiramos el uno al otro,

es muy fácil trabajar así, en equipo.

-El ego, desde que empezamos a trabajar,

intentamos dejarlo en la puerta, para trabajar colectivamente,

ya sabemos que eso de alguna manera trae conflictos y problemas,

pero de alguna manera intentamos solventarlos, llegar a acuerdos,

y a pactos entre nosotros.

-"¿Reconoces alguna convocatoria del circuito artístico emergente

que te parezca abusiva?".

-"Sí, claro, en un principio me presentaba a todo

con el fin de obtener visibilidad y pagué portes

por participar en varias exposiciones sin ninguna repercusión futura,

incluso confieso que pagué por participar en alguna exposición.

Una vez en un premio donde fui finalista en otra ciudad

sí me pagaban el traslado de la pieza, pero no el viaje

hasta el lugar de exposición donde tenía que montar".

-"Nada que ganar, nada que perder", es una videoacción,

resultado de una serie de entrevistas que hicimos a gentes emergentes,

que fuimos encontrando en residencias, en becas,

en exposiciones que participábamos, de 2013 hasta 2015.

Generamos un archivo con muchas entrevistas,

donde les preguntábamos acerca de su condición como artistas emergentes,

su relación con la economía del arte, cómo se ganaban la vida,

cómo vivían el poder de la convocatoria,

cómo se relacionaban al final con el circuito emergente,

con el panorama actual español.

Con todo ese material, al final lo que realizamos es una videoacción,

donde se genera un relato en primera persona,

pero que en realidad son las respuestas que tuvimos

de todas las entrevistas que realizamos.

-"¿Cuál es tu fuente principal de ingresos?".

-"Actualmente trabajo como asistente de artista,

esta artista para la que trabajo, es a su vez asistente de otro artista

digamos con más recorrido.

No tengo contrato, y cobro unos seis euros la hora".

(Música)

-Desde el principio empezamos un poco trabajando por separado,

y casi al final ya, terminando la carrera,

empezamos a trabajar juntos. -Tuvimos una Erasmus

para ir a la Universidad de Atenas, y ahí sí que fue ya el comienzo,

porque te daban un espacio para trabajar, coincidíamos los dos,

explicábamos metodologías de trabajo que al final, las mantenemos, ¿no?

-Eran trabajos un poco de conversar, hablar y confrontar las ideas,

que sí las teníamos un poco más cercanas el uno al otro.

-En términos más conceptuales, o qué es lo que hacemos,

el interés lo dividimos en cuatro partes,

hablaba una sobre el espacio interior, otro el exterior,

aplicado luego a un aspecto más intermedio, más de umbral,

y por último, la práctica de ese espacio.

-Terminan siendo referidos a la identidad del personaje,

la persona que transita entre estos espacios,

y lo que hemos buscado son espacios un poco liminares,

un poco que estaban en el límite,

incluso en la ciudad, o con los territorios.

Con el tiempo, lo que antes era algo de encuentro fortuito,

se ha convertido en algo ya como un engranaje,

que los conflictos son maneras de resolver al final,

que lo primero es discutir.

Evidentemente, tenemos unas propuestas encima de la mesa,

que realmente nos han acompañado durante todos estos años,

son ideas muy básicas sobre diferentes elementos

que tienen que ver con esa frontera, esa separación.

-Intentamos mezclar las disciplinas,

que aunque no sean de las artes plásticas, o de las artes visuales,

literatura, cine, pero nos gusta pensar mezclando esas disciplinas.

-La exposición que tenemos montada en Sevilla,

en la galería Alarcón Criado se llama "Sujeto",

y tiene que ver con todo en lo que nos hemos basado estos años

para crear una historia sobre nuestra escultura,

y "Sujeto" se refiere a esa persona que está sujeta o apoyada en algo,

o a aquella persona que se desconoce, que es el sujeto, ¿no?

La idea era trabajar la sombra, y aparecen una serie de dibujos,

collages, que trabajan sobre la idea de la sombra,

y luego una serie de piezas que tenían que ver con el espacio,

y ese espacio estaba referido a unas esculturas en escayola,

eran negativos de unos moldes que se habían hecho a unos cartapacios.

Una última pieza son 75 diapositivas montadas en un carrusel,

que van del 2000 al 2016, y son todas las diapositivas

con las que hemos trabajado en los dibujos, todos los dibujos

que hemos hecho durante esa época hasta ahora,

y donde aparecía la figura nuestra, estaban hechos con esas diapositivas,

y para nosotros tiene algo de nostálgico, también.

Un poco como revisitarse, ¿no?

(Música)

-Todo nuestro trabajo se fundamenta en desplazamientos a la naturaleza,

para realizar graves intervenciones en ella.

Normalmente vamos a lugares que son de accesibilidad complicada,

y nuestros planteamientos siempre son a través de la situación geográfica

donde nos desplazamos, y también con connotaciones culturales,

para ayudarnos a una mirada que el espectador pueda comprender.

-Nuestro trabajo se basa sobre todo en explorar los mecanismos

de construcción del paisaje, porque sin una mirada, no hay paisaje.

Todo el tiempo trabajamos en el tema de la realidad y su representación,

con estudio en el propio paisaje, in situ.

A veces emplea obras de otros artistas para...

Los metemos camuflados en el pesaje, serían como elementos de ficción,

pero también podría ser ficción la fotografía de ese paisaje

que hemos hecho anteriormente, ha habido un paso del tiempo,

y sobre esa foto que hemos hecho, que volvemos a pegar en el mismo sitio,

de alguna forma lo convierte en una especie de ficción.

-Toda la tramoya de nuestro trabajo es compleja,

porque partimos de la mirada del paisaje que está detrás de nosotros.

Hay como un paso del tiempo, que para nosotros es importante,

en esa construcción del paisaje. No es llegar y disparar una foto,

sino ese proceso de construcción, para nosotros es muy importante.

(Música)

-Normalmente partimos de una idea que puede surgir de uno,

o de una conversación entre los dos, en la cual vamos añadiendo cosas,

sobre esa empezamos a construir, tampoco sabes dónde te va a llevar,

pero también le podía pasar a una sola persona esto, ¿no?

Empiezas a trabajar, el proceso, sobre todo son procesos largos,

no es voy a Nueva York y disparo una foto, y esa es mi obra de arte, ¿no?

-Estar con otra persona con la que te entiendes a la perfección,

que piensas de la misma manera,

a mí, al menos, se me abrió el cielo.

Estar con una persona que piensa igual que tú,

encima, te llueven ideas por todos los sitios.

La seguridad que me da Javier para llevar el trabajo adelante,

para mí es vital, no digo que no podíamos hacer carreras distintas,

pero nunca ha habido ningún conflicto,

y enriquece mucho trabajar dos personas juntas.

No hacemos separación de trabajos de uno y otro,

nuestro trabajo es Almalé y Bondía.

(Música)

-"Falso reconocimiento" fue un guiño a la pintura de caballete

yo no sé si exactamente del Romanticismo,

pero por ahí, por la dramaturgia del paisaje.

Este trabajo fue muy complejo, fue muy meditado,

nos fuimos a un bosque del Pirineo,

y queríamos que de alguna manera,

que el resultado final fuera el trabajo de pintura de caballete.

-El título "Falso reconocimiento" viene de un texto de Magritte

sobre su cuadro "La condición humana",

en el que hay un caballete con una pintura de un paisaje,

que se pierde con el paisaje que está en la ventana de una montaña.

Ahí está el guiño a Magritte.

(Música)

-Cayeron unos textos de Orwell en nuestras manos,

y los pareció muy interesante que en pleno conflicto bélico

de la Guerra Civil,

cómo se puede hablar en esa contienda bélica, sobre el paisaje.

(Música)

Lo leímos, y nos pareció que podía ser la base para un buen trabajo

en un terreno baldío en Los Monegros,

y nos planteábamos propuestas conceptuales

de qué era el límite, qué es la frontera, qué está al otro lado,

es el enemigo, lo que no conoces, el horror.

(Música)

-Sobre todo en esta serie queríamos explorar los límites,

dentro del paisaje, ¿no?, y hablar de esta pequeña franja de tierra,

que en un momento dado fue algo infranqueable,

porque si pasabas ahí, te mataban, ¿no?

(Música)

(Música créditos)

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10 ene 2017

La complicidad es la clave de los protagonistas de este capítulo de Metrópolis y el arte su propósito. Trabajan juntos porque su equipo funciona como una única entidad muy bien entrenada. Son parejas artísticas que desarrollan una obra conjunta partiendo de intereses y pensamientos compartidos. El amor, la amistad o la familia son los lazos que les unen más allá del arte y a través de los cuales se interrelacionan. En el programa nos desvelaran cómo se conocieron y empezaron a crear juntos, la dificultad y los beneficios de contar siempre con el otro o las peculiaridades de un proceso creativo llevado a cabo en colectivo. Desde la performance y el video arte hasta la fotografía o la instalación site specific estos dúos artísticos demuestran una compenetración máxima en la construcción de un discurso común.

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