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Sábado a la 01.15 horas (Madrugada del domingo)

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La Sala: Guggenheim - París, fin de siglo - ver ahora
Transcripción completa

(Música cabecera)

El museo Guggenheim Bilbao les presenta:

"París. Fin de siglo.

Signac, Redon, Toulousse-Lautrec y sus contemporáneos".

Una exposición que aborda la escena parisina

centrándose en los movimientos artísticos

más importantes de finales del siglo IX.

(Inglés)

Yo creo que es una exposición muy interesante

que refleja un momento muy especial

en la evolución del arte contemporáneo,

en los orígenes del arte contemporáneo,

esa última década de los años 90 en París, donde suceden muchas cosas,

una época de turbulencias políticas, de crisis económica,

de problemas sociales,

pero también de grandes transformaciones culturales

y la emergencia de movimientos artísticos muy radicales.

-Es un momento de transformaciones técnicas enormes

y de paradigmas científicos

que surgen de manera completamente inesperada,

por ejemplo la psicología.

(Música)

Durante este periodo turbulento se sucedieron las huelgas

y los atentados generalizados

que culminaron con el asesinato del presidente Sadi Carnot en 1894.

Ese mismo año Dreyfus, un oficial de ascendencia judía,

fue injustamente condenado por traición

y, aunque finalmente resultó exculpado,

su caso contribuyó a separar aún más una nación ya dividida.

(Música)

Después de Rimbaud y Baudelaire,

el artista debía ser absolutamente moderno.

Ya no podía quedarse al margen de los acontecimientos.

Al contrario, debía estar en el centro de la acción.

Por lo tanto, no es raro ver escritores, críticos y artistas

como activistas para los cuales el arte es un arma.

Estamos pensando en el París de fin de siglo

como un momento en el cual todos estos pintores están haciendo cosas,

pero, en realidad, lo que hacen es reaccionar a todo lo demás.

Digamos, algo así como negativo, o en un efecto de bajorrelieve...

lo que tenemos aquí, de hecho, un retrato de la sociedad

en todo aquello que no es la pintura, en todo aquello a lo que la pintura,

en su transformación moderna y modernista

está tratando de responder.

(Música)

Para entonces los impresionistas, aquellos artistas radicales

que habían conmocionado al público y a la crítica en décadas anteriores

ya estaban plenamente establecidos.

Entre mediados y finales de la década de 1880,

cuando la crisis económica atravesaba su peor momento,

los neoimpresionistas, muchos de ellos políticamente comprometidos,

empezaron a expresar sus visiones disidentes

a través de sus pinturas, grabados y revistas.

(Música)

En la exposición veremos cómo hay artistas, por ejemplo Signac,

que llevan a cabo procedimientos analíticos muy finos

sobre los espectros cromáticos,

el valor, digamos, de la pincelada respecto al paradigma realista,

cómo se puede romper el realismo de la imagen y, al mismo tiempo,

mantener una búsqueda de lo real en la luz, por ejemplo.

Yo creo que eso es algo muy particular en el neoimpresionismo.

(Música)

Los neoimpresionistas buscan romper el paradigma realista

y se atienen a teorías científicas en su búsqueda de retratar

e inducir la armonía social que desean:

una utopía política muy presente en la época.

Sin embargo, no se limitan a pintar paisajes equilibrados

y escenas armoniosas, algunos de ellos también buscan

retratar la bulliciosa y cambiante vida de la ciudad

en constante movimiento y renovación.

Por ejemplo, la obra de Maximilien Luce,

que es un pintor relativamente desconocido,

nos permite observar hasta qué punto la sociedad industrial se convierte,

se empieza a convertir en un motivo pictórico,

las clases desfavorecidas entran en el cuadro

de una manera que no es ya, por así decir, de pintura histórica,

sino que, simplemente, son los habitantes de la ciudad.

Igualmente los escenarios de la ciudad aparecen representados

en su diversidad y no como los lugares emblemáticos.

Hay tal plaza del mercado, hay tal suburbio...

que, por la razón que sea, el artista escoge

y se convierten en puntos de observación.

No necesariamente simbólicos, sino simplemente puntos de observación

y son lugares de la representación.

(Música)

Si el neoimpresionismo se apoya en avances científicos

y se sirve de ellos para la creación de una estética radical

que proclama una utopía política del progreso y la armonía social,

el simbolismo emerge justamente por la decepción

ante la incapacidad de la ciencia

para resolver los graves problemas sociales que asolan a la ciudad

y busca refugio en aquello que había sido rechazado de facto:

lo espiritual, lo oculto, lo místico, lo religioso.

El simbolismo es extremadamente significativo

por lo que recupera del arte del pasado,

y también en este sentido buscando una cierta huida del realismo,

por aquello que reinventa, no solamente que recuperan,

sino también que reinventa, por ejemplo la espiritualidad

o ciertas formas de, bueno, de un vago misticismo relacionado

con ciertas imágenes poéticas o ciertos arquetipos poéticos

como puede ser la inspiración en el sueño,

el encantamiento, la ebriedad...

Aunque nunca aceptara tal etiqueta, quizá el artista simbolista

más conocido y reconocido sea Odilon Redon.

De Redon, además de ver grabados de sus series más conocidas,

tenemos ahí ese famoso huevo con ojos o esa araña con cara de mono

y otras visiones que creo que han sido muy reproducidas,

está este libro ilustrado y, aparte, hay algunos cuadros, digamos,

hay algunas pinturas a color.

Las pinturas son menos conocidas

y tienen más que ver con la obra más tardía de Redon.

Y yo creo que eso sí le da mucha riqueza a la presentación aquí.

Vemos varios momentos del trabajo de Redon

y cómo conectan con procedimientos que ya han sido asimilados

a partir del neoimpresionismo,

que están los neoimpresionistas poniendo a trabajar...

vemos como él se conecta con la cultura del grabado,

pero también con la esfera, digamos, de pensamiento simbolista

que luego dará lugar a muchísimas otras formas artísticas

y muchísimos otros procedimientos

y yo creo que, en particular, prefigura el surrealismo.

Si Manet es quien conecta con toda la filosofía visual de Velázquez,

Redon es quien conecta la modernidad y la prevanguardia

con los sueños visionarios de Goya. Y de William Blake.

(Música)

Hay una querencia por escribir una historia lineal del arte

con sus progresos, sus avances,

sus innovaciones y su devenir histórico,

pero no es menos cierto que cada artista elige su tradición,

incluso la crea, en el sentido de que la reinventa

y le da un nuevo significado y, por lo tanto,

hay una convivencia de tradiciones y movimientos,

incluso en una misma época, como en este fin de siglo en París.

Quizá la cuestión es que cada uno de ellos

reacciona de distinta manera a una misma realidad,

a un mismo tiempo histórico, incluso a las mismas influencias estéticas.

Una de las más significativas fue quizá la gran exposición

dedicada a la estampa japonesa que tuvo lugar en París en 1890.

Y en el caso de los nabi y de la cultura del grabado

lo que vemos claramente es cómo se articula un renacimiento técnico

de una serie de procedimientos que antes se consideraba

que eran parte de un aparato obsoleto.

Sabemos que el grabado fue desarrollado

con muchísima habilidad y pertinencia

por gente como Durero siglos atrás.

Pero en cierto momento desaparece

y estos artistas reinventan la pertinencia del grabado,

reinventan, a partir de su experiencia

y de su fascinación por las estampas japonesas,

reinventan los procedimientos que les interesan

y que ellos luego desarrollan y se les vuelven paradigmáticos.

Estamos hablando de Bonnard, por supuesto, y de Vuillard,

que están en la parte nabi y grabado,

pero también hay grabados en la parte simbolista

porque Redon era un maravilloso grabador.

Entonces, bueno, todo eso, para mí, yo creo que nos da

una perspectiva sobre la modernidad que vendría después,

incluso sobre la contemporaneidad muy importante.

(Música)

En realidad, más allá de la fascinación suscitada

por la estampa japonesa entre estos artistas,

el renacimiento del grabado tiene un componente materialista:

la pujante industria editorial.

La prensa se convierte en uno de los objetos indispensables

de la vida moderna en la ciudad y en un buen negocio.

En estos casos los temas se diversifican muchísimo y, claro,

el suicidio, por ejemplo, que vemos en esa estampa de Vallotton

es muy paradigmático, pero muy paradigmático de ese momento

y de esa modernidad. Y, claro, yo creo que son obras muy...

Abren camino. Son obra rompedoras, en ese sentido.

Y también en cierto modo escandalosas.

Yo creo que ahí, lo que hay que resaltar,

es la capacidad del artista para apropiarse del tiempo real.

Esto es, evidentemente, pretelevisión,

pero también pre... rollo noticiero en la sala de cine

y lo que tenemos aquí es un interés por estar

en el momento en que se produce el suceso ahí, dibujándolo,

y sacarlo inmediatamente y hacer que circule

y que el artista se engancha un poco a ese vagón de los sucesos diarios.

Un perro muerde a una señora. Pues de repente eso aparece ahí.

Es una ilustración de la realidad cotidiana muy febril

y lo realista de eso no es ya la perspectiva

o cómo se ha retratado tal cara, lo realista es el tiempo, el ritmo.

(Música)

Este fin de siglo prefigura en gran medida

a todo lo que va a acontecer después:

ansiedad, agitación, turbulencias políticas,

crisis económica, desempleo, desigualdad,

avances técnicos descomunales...

Fue en esta última década del XIX

cuando se publicó "La psicología de las masas" de Gustave Le Bon,

pero también "El suicidio" de Émile Durkheim.

La primera línea del metro de París se inauguró en julio de 1900

para los Juegos Olímpicos.

La vida en la ciudad era frenética

y los artistas se las tenían que arreglar

para hacer ver sus trabajos.

El cartelismo fue una oportunidad perfecta para algunos de ellos.

(Música)

Es lógico que los artistas se influyeran entre sí.

En realidad, el círculo de artistas de dichos movimientos

no era muy numeroso y casi todos tenían relación entre ellos.

Se juntaban en los cafés, en los cabarets,

publicaban sus trabajos en las mismas revistas,

tenían los mismos galeristas...

es curioso, por ejemplo, que Toulouse-Lautrec

aparezca retratado dos veces en una de las obras de la exposición.

La variedad y riqueza de estos movimientos

pone de relieve la gran ebullición cultural

de una ciudad y de una época que marcó

el devenir del arte contemporáneo

y el devenir de toda una sociedad occidental

cuyos orígenes se estaban gestando en aquel París de fin de siglo.

(Música)

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(Música)

Estamos ante la obra "Tulipanes" de Jeff Koons,

que es una obra que pertenece a la serie "Celebración".

Es una serie que empezó con una petición de su galerista,

Anthony d'Offay, y son imágenes todas ellas relacionadas,

sobre todo, con la infancia y las celebraciones.

Por eso se llama "Celebración" la serie.

Y estas celebraciones, en este caso "Tulipanes",

lo que refleja es la primavera.

Justo antes de empezar la serie "Celebración"

había hecho la serie "Made in Heaven" que fue una serie muy controvertida

y había presentado la figura de "Puppy" en Castle.

Y "Puppy" fue un gran éxito.

Y lo siguiente que empezó a trabajar fue esta serie

y fue muy complicado para él porque, desde el punto de vista técnico,

es una serie muy compleja.

La obra que tenemos aquí detrás, "Tulipanes",

es una obra que está realizada en acero inoxidable.

En cierta manera es un contrasentido, porque son unos globos infantiles.

Son unos globos que permanentemente van a estar de fiesta

pero, al mismo tiempo, son muy pesados,

por lo tanto esa idea del globo liviano que vuela,

en el caso de estos tulipanes, se pierde totalmente.

Además, a la hora de desarrollarlos,

Jeff Koons quería conseguir una pintura que fuese especial,

una pintura que tuviese muchísimo brillo.

Esa pintura está hecha de muchas capas

y tiene un alto contenido en cromo

que hace que sea muy especial y que sea tremendamente frágil.

Fue muy muy complicado llegar a poder realizar estas obras,

pero al final se ha convertido en una de las series más icónicas

dentro de la carrera de Jeff Koons.

Y, sobre todo, también porque está muy ligada a una cuestión personal.

En estos años Jeff Koons perdió el contacto con su hijo

y esta serie "Celebración", en cierta manera,

es un poco celebrar esas fiestas que no podía celebrar con su hijo

y lo quería demostrar de esta manera.

(Música)

  • París, fin de siglo

La Sala: Guggenheim - París, fin de siglo

25 jun 2017

El museo Guggenheim presenta Paris, Fin de siglo: 1890 una de las décadas más importantes de la historia del arte.

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