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Sábado a la 01.15 horas (Madrugada del domingo)

Magacín cultural de información global producido por la Fundación Telefónica, donde se presentan sus colecciones, que abarcan desde pintura, fotografía, escultura, nuevas tecnologías...

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Guggenheim - 23/01/16 - ver ahora 25.39 min
Transcripción completa

El museo Guggenheim Bilbao

presenta una selección de obras maestras

pertenecientes a sus fondos propios,

que ofrecen al visitante la posibilidad de contemplar

algunas de las piezas más representativas de su colección.

Esta exposición representa un nuevo enfoque

en la programación artística del museo.

Efectivamente, esta exposición marca el inicio de esta nueva etapa

con este nuevo enfoque de la programación,

que es una de las iniciativas estratégicas

que se recogen en el plan que tenemos en vigor este trienio.

Realmente, responde a la situación del museo y de la colección.

Después de años, ya 20 años de formación

y de consolidación de la colección, se ha alcanzado un grado de madurez

que lo ha convertido en una referencia en el arte contemporáneo.

Además, este coincide con el momento

en el que el museo alcanza su mayoría de edad.

Acabamos de cumplir los 18 años.

La colección de Bilbao comienza a mitad del siglo XX.

La Segunda Guerra Mundial ha terminado,

y Estados Unidos acoge a artistas exiliados

que parten de una Europa dividida,

y van a protagonizar una época decisiva

en lo que al mundo del arte se refiere.

La primera pieza que entró a formar parte de nuestra colección

es una obra de Willem de Kooning, "Villa Borghese",

que pertenece al expresionismo abstracto.

Dentro de nuestra colección hay dos grandes ejes.

Hay cuatro líneas de adquisiciones dentro de la colección,

pero hay dos grandes ejes que parten de la época de la posguerra.

En la posguerra, se polarizó mucho entre lo que se hacía en EE. UU.

y lo que estaba haciendo en Europa.

Pero sí se crearon relaciones entre ambos mundos.

De hecho, muchos artistas norteamericanos

tuvieron exposiciones en Europa.

En algunos casos, fueron financiadas con motivos políticos,

cuestiones que los propios artistas desconocían.

En otros casos, eran exposiciones por las relaciones

que se establecieron en espacios como La Tartaruga, en Roma,

donde Cy Twombly y otros artistas expusieron.

-La colección se ha ido adquiriendo a lo largo de estos últimos 20 años,

pero las líneas directrices de la colección

se han mantenido bastante constantes desde sus orígenes.

Una colección que, cronológicamente,

se centra en la segunda mitad del siglo XX y en el siglo XXI.

La primera obra es una obra de Mark Rothko,

"Sin título", que podemos ver en esta exposición.

Es la obra, en 1953,

que marca el origen cronológico de la colección.

-Es una pieza única dentro de la carrera de Mark Rothko.

Es muy singular porque es la primera pieza

que realizó en grandes dimensiones y con carácter horizontal

que no pertenece a lo que es un conjunto de murales.

Es una pieza que tiene una hermana gemela,

que pertenece a una colección particular

que recientemente ha sido adquirida.

Por lo tanto, es difícil ver una pieza de estas características.

El propio Mark Rothko la denominó "una pared de luz"

cuando la presentó por primera vez en el Art Institute de Chicago.

Para artistas como Pollock, Kooning o Kline,

pintar deja de ser un proceso dirigido por la razón

y pasa a ser un acto dinámico, espontáneo,

una acción corporal.

El expresionismo abstracto cuenta en esta exposición

con varios de sus máximos representantes.

Adelantándose a su tiempo,

Klein no tardó en rechazar el pincel.

Un instrumento excesivamente psicológico.

Y pasó a usar rodillos, y, posteriormente,

modelos desnudas a modo de pinceles vivos,

que, siguiendo las indicaciones del artista,

iban dejando huellas en grandes lienzos.

Luego tenemos una de nuestras piezas más emblemáticas,

que es "La gran antropometría azul", de Yves Klein.

Es una pieza espectacular dentro de las antropometrías.

Las grandes antropometrías, solo existen cuatro en el mundo.

Utiliza el cuerpo femenino como un gran pincel

con este color azul Klein.

En nuestra antropometría, el movimiento de la modelo

es tan exagerado que al final desaparece toda la traza humana.

En la misma sala, encontramos "Iberia".

Una obra que Robert Motherwell empezó a realizar en 1958

tras su primera visita a España.

Muy relacionada con la República española

y la situación de posguerra.

O la obra "Sin título", de Clyfford Still.

Probablemente, el artista más libre del expresionismo abstracto.

A todas estas piezas acompaña una obra de Antoni Tàpies,

que es una pieza de 1989, "Ambrosía".

Es una pieza muy relacionada con el Antoni Tàpies de los años 50,

por el tipo de materiales que utiliza,

como el polvo de mármol, que es un material

que empieza a utilizar en los años 50.

Un Antoni Tàpies que su primera exposición

en Estados Unidos fue en 1953,

cuando el expresionismo abstracto estaba en pleno auge.

(Música)

En 1954, Eduardo Chillida gana la Trienal de Milán.

Cuatro años más tarde, la Bienal de Venecia.

Por su parte, Jorge Oteiza obtiene en 1951

el Diploma de Honor en Milán,

y, en 1957, gana la Bienal de Sao Paulo.

Dos escultores vascos que triunfan en la escena internacional

ocupan un lugar destacado en este recorrido.

Dentro de nuestra colección, un eje fundamental es el arte vasco.

Por eso hemos querido dejar dos espacios del museo

dedicados a Oteiza y a Chillida.

Por un lado, tenemos un espacio donde tenemos una pieza

de granito rosa de la India realizada por Eduardo Chillida.

Y luego tenemos dos cajas, una caja vacía y una caja metafísica,

realizadas por Jorge Oteiza.

-¿Cuál es la naturaleza de la escultura?

Son unos volúmenes que pueden estar vacíos,

llenos, rodeados de espacio,

o bien el espacio atraviesa los volúmenes.

Pero es un juego, una combinatoria, de espacio en volúmenes.

No es fácil clasificar a Jorge Oteiza.

Su obra, más allá de lo escultórico,

se plantea como un proceso experimental

en torno a la masa y al espacio.

Sus cajas vacías y cajas metafísicas

están representadas en esta exposición

con dos obras que anuncian la evolución

hacia un espacio puramente receptivo.

El vacío o la nada.

Cabe destacar "Lo profundo es el aire",

un precioso alabastro de Eduardo Chillida,

obra que define perfectamente la capacidad de la piedra

para modular, contener el espacio e iluminarnos.

Hay una serie de obras que se han adquirido

con el criterio de que el museo disponga de obras maestras

de los artistas fundamentales de la segunda mitad del siglo XX.

Hay un conjunto de adquisiciones realizadas

con el objeto de que el museo tenga un conjunto de obras representativas

de la trayectoria de algunos artistas

como Chillida, o como Kiefer, o como Oteiza.

El museo dispone de un conjunto de obras

que no están en el museo solamente por ser obras de gran importancia,

sino también porque en su conjunto reflejan

la trayectoria creativa de estos artistas.

-Dentro de nuestra colección, existe un eje que está centrado

en coleccionar artistas en profundidad.

Y lo mismo que hemos coleccionado bastantes obras de Oteiza

y de Chillida, también hemos coleccionado

un conjunto muy importante de obras de Anselm Kiefer.

De Anselm Kiefer tenemos once obras en la colección

que abarcan todas las técnicas con las que ha trabajado Kiefer,

con las que había trabajado a lo largo de esos años.

Y, además, todos los temas que eran importantes para Kiefer,

desde la historia de Alemania, la Alemania épica,

la historia de las grandes civilizaciones,

como Mesopotamia, por ejemplo,

el alquimismo, la filosofía de Robert Fludd,

la poesía de Paul Celan, o la historia antigua,

por ejemplo, reflejada en una escultura

como la que tenemos detrás, que representa a Berenice.

Para Kiefer, la memoria es el único modo

de asimilar los traumas de la historia.

Cuestiona el papel del ser humano en el cosmos,

y acude a la historia de su Alemania natal

o de culturas ya extintas.

Kiefer fusiona pintura, escultura, fotografía,

y, como un alquimista, se vale de todo tipo de materiales

para hacer que lo orgánico y lo inorgánico se fundan.

Creando obras monumentales con un gran contenido espiritual.

En la sala 302, podemos disfrutar de "Marina",

una fabulosa pieza de Gerhard Richter

que cambia conforme nos vamos acercando a ella.

Las pinturas basadas en fotografías nos invitan a reflexionar

sobre la naturaleza de la percepción vital.

Y suponen un punto de inflexión en la carrera de Richter.

La década de los 60 se inicia marcada

por el extraordinario crecimiento económico

y la consiguiente cultura de consumismo.

Estamos en un momento histórico

en el que lo épico es sustituido por lo cotidiano.

Un periodo que permitirá a artistas norteamericanos y británicos

desarrollar el fenómeno del arte pop.

En contrapartida al arte pop,

encontramos el realismo capitalista alemán,

centrado también en lo cotidiano, pero de una forma más dogmática.

Poniendo el énfasis en la reprobación de la sociedad

de consumo y el renacimiento económico de Alemania.

A través de tejidos sintéticos transparentes,

lacas coloreadas y productos químicos hidrosensibles

mezclados con pintura,

Sigmar Polke decide saltarse las reglas pictóricas

y cuestionar su idoneidad

como medios para representar la vida contemporánea.

En "La erección matutina de Kathreiner",

Polke combina referencias de todo tipo.

Y afirma que ya no es posible mantener una originalidad sostenida

en el arte contemporáneo, rompiendo el bastidor de madera

y firmando la obra como Henri Matisse.

Tras una visita al estudio de Andy Warhol en 1962,

Rauschenberg entendió que podía utilizar serigrafías comerciales

para transcribir imágenes a una escala mucho mayor,

pudiendo además utilizarlas en repetidas ocasiones

según el contexto.

Esta pieza, "Barcaza", fue una pieza

que cuando se presentó por primera vez en el Jewish Museum

llamó muchísimo la atención.

En algunos casos para bien, en otros, para mal.

Pero esta pieza, con el tiempo,

se ha convertido en una de las grandes obras referentes

dentro de la obra de Robert Rauschenberg.

Lo mismo que la pieza que está situada cerca,

la obra realizada por su gran amigo Cy Twombly,

dos artistas que desarrollaron un lenguaje muy particular.

En el caso de Cy Twombly, "Nueve discursos sobre Cómodo",

es una pieza narrativa compuesta de nueve lienzos.

Es la primera vez que Cy Twombly hace una pieza compuesta

de múltiples lienzos. Es una pieza de 1962,

cuando Cy Twombly la presenta en Estados Unidos,

en plena época del minimalismo y del arte conceptual.

Fue muy criticado por esta obra,

que regresó a Italia, donde la había realizado.

Y hasta que el museo la adquirió,

solamente se había visto una vez más en público,

que era en una retrospectiva que hizo el Whitney de Cy Twombly.

Obsesionado con la historia de Roma,

Cy Twombly construye un retrato psicológico del emperador Cómodo.

El conflicto, la oposición y la tensión

dominan la composición de las pinturas.

Dos espirales de materia configuran el núcleo central

de cada uno de los lienzos,

que van variando su contenido emocional

desde las estructuras más serenas, similares a nubes,

hasta las heridas sangrantes.

Culmina su apoteosis narrativa en el panel final.

En la década de los 80,

diversas tendencias recuperan el interés por lo figurativo.

Y apoyándose en el lenguaje formal de expresionismo alemán,

se alejan del arte conceptual y el minimalismo.

Esta primera parte de la que he hablado

es el núcleo que se va a mantener en el tiempo,

pero hay una segunda parte que está dedicada a los años 80,

el retorno a la pintura,

que va a desaparecer a partir de abril.

Y en estas tres salas lo que hemos querido mostrar

es los fondos que pertenecen al museo,

que representan a movimientos como la transvanguardia italiana,

el neoexpresionismo alemán.

Obras, por ejemplo, en el lado de Estados Unidos,

de Julian Schnabel o de Jean-Michel Basquiat.

Y hemos querido mostrar un poco cómo en los años 80

se produce este retorno a la pintura y a la figuración.

"La señora Lenin y el Ruiseñor"

es una secuencia de diferentes lienzos

en la que George Baselitz mira al pasado.

A su infancia.

Cuando era un niño y se encontraba en los libros de texto del colegio

con estos dos personajes históricos.

Baselitz invierte las figuras,

enfrentándose a los convencionalismos habituales

de la pintura, cuyo orden trata de subvertir.

Además, el visitante puede hojear dos libros de Kiefer,

disfrutar con la plaza de toros formada por platos

en la obra de Julian Schnabel,

tratar de descifrar la relación de Jean-Michel Basquiat

con su mecenas italiano,

o perderse en el paisaje gris y melancólico de "El diluvio,

del artista mallorquín Miquel Barceló.

La colección, en este momento, la componen 131 obras

realizadas por 75 artistas.

Es una colección que no es muy extensa en cuanto al número,

pero que siempre se ha adquirido con unos criterios muy restrictivos

y muy selectivos en cuanto a la calidad.

En la galería 306 del museo, se muestran ocho de los paneles

que Francesco Clemente creó para "La habitación de la madre".

Utilizando la forma humana y los materiales tradicionales,

Clemente se vale de diversos iconos

basados en la tradición clásica judeocristiana y oriental

para mostrar figuras que han sufrido transformaciones.

Con frecuencia, sobre fondos con un elevado componente lírico,

y haciendo que los elementos primordiales,

tierra, agua, fuego y aire, adquieren una dimensión espiritual.

En este caso, por ser la primera,

hemos querido que la totalidad de la planta tercera

acoja esta selección

con las obras maestras de nuestra propia colección,

de forma que, en estos meses, los visitantes van a poder contemplar

algo más de 30 obras de la colección dentro del museo,

que se unen a las otras 10.

En total, en torno a las 41 obras

que se van a poder ver en el museo,

tanto en la tercera planta como en la primera,

y en los entornos del museo.

(Música)

La colección del museo Guggenheim Bilbao

aspira a seguir creciendo y evolucionando

a través de la inclusión de nuevos parámetros geográficos

y de reforzar la presencia de artistas mujeres,

con el objetivo de elevar la calidad de unas obras

de vital importancia para entender y deleitarnos

con el arte de nuestro tiempo.

(Música)

(Música)

(Inglés)

Guggenheim - 23/01/16

23 ene 2016

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