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Para todos los públicos La aventura del saber - 28/03/19 - ver ahora
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Hola. Buenos días a todos.

Taller de literatura con Ian Gibson para hablar

de "Los últimos caminos de Antonio Machado"

que acaba de publicarse y va ya por la tercera edición.

Si les gusta la lectura de Machado, les gustará más cuando lo lean

y le entenderán mejor.

Aparte de disfrutar

con la escritura siempre fresca, limpia, apasionada y conmovedora

de Gibson.

Luego, taller de música con Vibra-tó

hoy para conocer las peculiaridades y la historia

y aplicaciones de los instrumentos de cuerda,

como siempre, con interpretaciones en directo.

Y les ofreceremos un reportaje

sobre la exposición fotográfica de Man Ray

que puede visitarse todavía en la Fundación Canal de Madrid.

Recordemos que se le ha considerado

junto a sus amigos, Duchamp y Picasso,

uno de los tres grandes renovadores del arte contemporáneo

por su continua experimentación técnica

y su atrevimiento.

En el espacio Boek Visual

hoy presentamos parte de la obra de Jordi Calafell

quien solamente fotografía paisajes desde 1996

y lo hace como si cada una de esas fotos

pudiera contener todo el pasado del lugar.

Taller de literatura

para hablar de quien ha sido considerado

como uno de los poetas esenciales de nuestra tradición

y un clásico de la poesía reflexiva y moral.

El inolvidable autor

de "Soledades, galerías y otros poemas",

de Juan de Mairena y de los complementarios,

a quien hoy día podemos leer mucho mejor

gracias al maravilloso y conmovedor trabajo de Ian Gibson

quien acaba de publicar este otro libro:

"Los últimos caminos de Antonio Machado:

De Colliure a Sevilla".

No importa si uno ha leído su fundamental "Ligero de equipaje"

y no puede dejar de leer con emoción y con agradecimiento.

Muchas gracias, Ian, por esta nueva maravilla.

Hoy no puede uno dejar de leer.

Viniendo de ti esta crítica es muy aceptable.

Muy bien.

Vamos a ver.

El libro empieza de una manera magistral

justo en el momento

en que se produce el entierro de Antonio Machado

en Colliure, ¿no?

Hay 12 presos que salen de la cárcel

para llevar el féretro

y luego vuelven a la cárcel.

12 presos españoles que han cruzado la frontera

y están encarcelados allí en el castillo de Colliure.

Sí, sí. ¿Por qué empezaste por ahí?

Porque me lo dijo mi mujer.

A quien dedicas el libro, ¿no? Sí.

Digo:

"¿Por qué no hacemos un 'flashback' en vez de empezar en Sevilla?

Vamos a empezar con el entierro

y como Machado pensaba siempre en Sevilla...".

Además, el último poema o la línea,

"Estos días azules y este sol de la infancia",

es en Sevilla.

"¿Por qué no hacemos esto así?

Empezamos con el entierro y hacemos el 'flashback' a Sevilla".

Esas cosas.

Tu mujer es francesa. Es inglesa.

Ah. Es inglesa.

Pero ella corrige todo lo que yo escribo.

Llevamos años y años juntos y, realmente, somos un equipo.

Eso ha salvado el matrimonio.

El trabajo conjunto.

Y, bueno, la idea fue de ella.

Por eso puse la dedicatoria.

Y ha funcionado porque le encanta a la gente.

Incluso la primera frase.

Está muy documentado, ¿no?

Se sabe exactamente qué es lo que ocurrió, ¿no?

Yo creo que Xirau habla de ello

y está todo muy precisado, ¿no?

Sí, sí, sí, claro.

Este libro es una síntesis

porque yo creo que hoy en día quién va a leer

una biografía convencional de 700 páginas impresas.

Todo el que ame a Machado debe hacerlo.

Pero la gente joven no. No tienen tiempo.

Están con el aparatito

y están mandando mensajes, recibiendo mensajes

y toda la noche esperando la respuesta que no llega.

Es un desastre, ¿no?

Yo he pensado este libro para la gente más joven.

Para que se enteren un poco del milagro que es Antonio Machado.

He ido con esta idea de hacer una síntesis

y de poner lo esencial.

Y me ha costado mucho trabajo,

porque reducir todo esto a una lectura de dos horas

no es nada fácil, ¿no?

Bueno, pero lo has conseguido.

Yo te aseguro como lector que es un libro adictivo

que no puedes dejar de leer.

Y luego hay otra cosa sobre Machado

que parece que hay una cierta justicia poética

en que esté enterrado en Francia

que fue un país muy importante para él, ¿no?

El cruzó la frontera, como sabes,

con miles y miles y miles de españoles y españolas,

niños y niñas,

huyendo de la metralla de los aviones fascistas.

Y no digo solo españoles, de Franco, sino aviones alemanes e italianos

matando a españoles huyendo de su país.

Machado es uno de ellos

y representa a todos los desterrados del mundo.

Y, además, es profesor de francés, ¿no?

Y en Colliure, justo al otro lado de la frontera,

le acogen en un hotelito

y les cuidan a él, a su madre, su hermano y su familia.

Les dan cama y comida y camisa,

porque cruzan la frontera sin casi nada.

De modo que por eso creo que es un acierto

empezar el libro con el entierro de Machado allí.

Yo no lo quitaría, desde luego.

Quiero que siga.

Sobre todo, estando Franco en Cuelgamuros,

que es una vergüenza nacional.

Machado tiene que seguir allí

porque representa a la gente que murió allí,

que huyó a Francia y que no pudo volver.

Yo, por el momento, desde luego, creo que debe que seguir.

Machado, entonces, fue un rojo, ¿no?

Hombre, un rojo templado.

No es un rojo rojo.

Aunque hay un aspecto revolucionario,

pero él es incapaz de matar una mosca.

Cuando se dice rojo...

Hombre...

Pero sí que quiere cambiar este país.

No puede ver la iglesia católica, como yo tampoco,

y es un hombre que quiere una revolución.

Quiere cambiar el país.

Es republicano desde la infancia.

En su familia, que es extraordinaria,

son todos republicanos

de la Primera República que pierde.

La Primera República que duró 11 meses

y luego pierden la segunda.

Es terrible, ¿no?

Pero son republicanos.

Quieren una España republicana.

Machado dice pestes de Alfonso XIII

porque tiene una lengua afilada cuando quiere.

Le llama gusano de alcantarilla y estas cosas a Alfonso XIII.

Quiere república.

Hay otros aspectos de la poesía de Machado

que se han estudiado, pero que está bien recordar.

Por ejemplo, la influencia primera de Verlaine

y de algunos poetas franceses, ¿no?

Claro.

La gente tal vez no lo sabe en general,

pero sin Francia Machado no es el mismo Machado,

porque él va a París, en 1900 más o menos,

cuando está la Exposición Universal de París

y allí empieza a conocer la poesía simbolista francesa.

Sobre todo, la poesía de Paul Verlaine.

Y, claro, como vengo un poco de allí también,

porque yo tengo una faceta francesa que nunca menciono aquí

porque no quiero ofender a mis compatriotas,

yo empecé con el francés

y la poesía francesa de Baudelaire y de Verlaine.

Sin ellos Machado no es el mismo Machado.

Esta fuente de Sevilla y de su infancia

encaja con la poesía simbolista francesa.

Hay mucha influencia de Verlaine en la nostalgia,

la infancia perdida y todo eso.

También en el libro recuerdas, como en el otro,

la influencia de Freud en Machado, que es también fantástico.

Machado es un hombre que dijo:

"Yo soy un hombre atento a sus sueños".

Y, claro, tengamos en cuenta que es 1990 y Machado tiene 25 años.

Freud publica "La interpretación de los sueños"

me parece que en 1899.

Más o menos 1900.

Es decir, la idea de los sueños, el análisis de los sueños,

está en el aire.

Porque no es solo Freud. Hay mucha gente.

Aquí se publica muy pronto traducido

por indicación de Ortega y Gasset.

Al castellano. Sí, sí.

A principios de los años 20, en Madrid,

se empiezan a publicar las obras completas de Freud.

Que ni Freud se lo cree.

Además, hay un documento donde dice "no me lo creo".

Lo dijo en alemán, supongo, ¿no?

(HABLA EN ALEMÁN)

De modo que todo esto está en el aire

y Machado también.

Los primeros poemas son muy oníricos.

Muy de sueños. Sí.

Esta figura amada que pierde, que reaparece en los sueños

y de repente se despierta y está ella.

Y, luego, el sueño se acaba como una pompa de jabón en el aire.

Se va el sueño.

Trata de recobrar el sueño

y el sueño se va porque evanescente, ¿no?

Machado está convencido

de que, realmente, para conocernos

tenemos que conocer nuestra vida onírica.

Nuestra vida nocturna de sueños.

Hay aspectos de Machado que hoy día resultan muy chocantes.

Como, por ejemplo, su matrimonio con Leonor, ¿no?

Era una niña pequeña. Sí.

Pequeña...

Tenía 15 años.

Hombre, era una mujer muy desarrollada.

Sí, ya.

Pero en Machado, ya lo hemos mencionado,

hay una figura perdida en la infancia.

Yo supongo que una criada o alguien,

porque un niño de cuatro años puede estar enamorado.

Yo estuve enamorado de mi...

Había una criada en la familia que luego se fue

y pierdes para siempre a la persona amada.

Puede ocurrir a los cuatro años.

Eso le pasó a Machado yo creo,

porque siempre recuerda una figura efímera y escurridiza

que se escapa, que se aproxima, se va...

Bueno, creo que Leonor es la recuperación

del hada más joven.

En un poema se refiere al hada más joven

que le abandona en medio de una fiesta.

Yo creo que hay una base autobiográfica.

Leonor sería la recuperación de la persona amada en la infancia.

Por lo menos, es mi hipótesis.

A lo mejor me equivoco, pero no creo.

Y, luego, lo terrible

es que nada más encontrar a la amada perdida

la pierde otra vez.

Porque muere a los tres o cuatro años.

Y lo que ocurrió en París

cuando le dan una beca para volver a París,

en el año 1910, sí,

a estudiar filosofía

es como la luna de miel que no pudieron tener en su momento.

Escapan de Soria

y un año libre en París con tu chica...

¿Y qué pasa?

Aquel día de la fiesta de la Bastilla,

la fiesta nacional,

escupe sangre y no hay un médico porque todo el mundo está de fiesta.

Tiene que buscar un médico y no encuentra ninguno

y, finalmente, van a una clínica y resulta que tiene tuberculosis.

Y como le dijo su madre:

"Nos hirió un rayo en plena felicidad.

Nos hirió un rayo mortal".

Y tiene que volver a Soria, es atroz, y se muere.

Qué mala suerte. De modo que pierde otra vez.

Por eso dice en un poema "se canta lo que se pierde".

Él es un poeta elegiaco.

Sus grandes poemas son elegiacos yo creo.

De hecho, la novia que se echa luego,

Pilar de Valderrama,

no le da ni un beso, ¿no?

Yo no sé si le dio un beso.

No creo, porque era...

No parece, ¿no?

Por lo poco que se ha conservado.

Es muy triste lo de Pilar de Valderrama.

Aunque algo es algo.

Algo es mejor que nada, ¿no?

Machado es incapaz...

A diferencia de su hermano Manuel, que es un conquistador,

Antonio es un donjuán en potencia.

Es incapaz de salir en busca de la mujer.

Tiene que esperar.

Ella tiene que llegar.

Tiene que buscarle a él.

Eso es lo que pasa con Pilar de Valderrama.

En el año 1928 Machado ya está en Segovia

y un día llega esta mujer que es poeta,

no sé si hoy se dice poetisa,

y llega a Segovia en busca de admirar su poesía.

Va a Segovia. Tiene un problema con su marido.

Va a Segovia a ver a Machado.

Y Machado nada más ver a Pilar de Valderrama,

que luego la llamará Guiomar,

ve que es la diosa.

Es su palabra.

"La diosa ha llegado. Por fin ha llegado ella".

Y en medio segundo se enamora

y es la diosa que lleva 20 años esperando.

Es tremendo, pero no es la mujer adecuada.

No va a ser capaz.

Ya estaba casada y tenía hijos. Sí.

Su marido ha sido muy infiel.

Ha habido un escándalo

y una chica que se ha suicidado por él.

Ella descubre que la ha estado engañando

y no quiere saber nada más de sexo.

Nada más del contacto físico con un hombre.

Algo así, ¿no?

Es muy católica, tiene hijos...

Y, según ella, en su autobiografía, que tampoco es muy fiable,

le dijo a Antonio Machado:

"Mire, quiero que comprenda

que no puede haber nada entre nosotros,

pero nos vamos a ver y vamos a ser grandes amigos.

Nos vamos a amar a nuestra manera,

pero no puede haber un amor físico".

Es terrible, ¿no?

Y, luego, no tenemos la correspondencia.

Solo tenemos 40 cartas de él a Pilar que son extraordinarias.

Están en la Biblioteca Nacional.

Se han publicado.

Pero ella destruyó 200.

Y ni una de ella a él.

Ni una.

Por lo visto se perdieron cuando él cruzaba la frontera

para ir al exilio.

Estamos sin esta información y como biógrafo me hace sufrir.

Además, nos habría dicho mucho del hombre que fue Machado.

Él le dice, por ejemplo,

y casi parece una traición a su mujer difunta...

Dice:

"Pilar, tú no sabes lo que es

haber estado toda la vida esperando a la mujer deseada

y cuando llega, no poder vivir con ella.

Tú no lo sabes.

No lo entiendes porque tú tienes tu familia.

No sabes lo que es para mí

haber conocido a la diosa, que eres tú,

y no poder tenerte".

Cosas así.

De Antonio Machado, ojo.

Te muestra todo el lado que tal vez sospechábamos,

pero no teníamos el documento.

Y hemos perdido 200 cartas de Machado a Guiomar.

No fue un hombre con suerte, ¿no?

Porque cuando le pide ayuda a Giner de los Ríos

para quedarse en Madrid dando clases de francés

en vez de tenerse que ir fuera de Madrid,

le dice el otro que no puede prestársela

porque no debe, ¿no?

No debe.

Eso era en la institución libre de enseñanza

que son un poco puritanas.

Con razón, ¿no?

Era un país bastante corrupto,

como suelen ser los países católicos.

Más que los protestantes, ¿no?

Un poco.

La confesión ayuda mucho, ¿sabes?

Porque como luego te arrepientes y ya no hay problema...

Ya, pero al lunes siguiente ya se puede arreglar, ¿no?

Veis que estoy en plan militante.

Pero, claro, Giner le dice: "Mire...".

Diría "mire", porque de tú me imagino que no.

"Yo no puedo influir en esto.

Es todo un sistema.

No sería correcto que usted tuviera preferencia

sobre otros candidatos".

Y le sugiere que aprenda bien francés

y que sea catedrático de Francés.

Hay varias cosas de Machado que olvidamos, ¿no?

Una es que hizo el doctorado de Filosofía.

Sí, sí. Y la licenciatura.

Y la licenciatura ya con 40 años o no sé cuántos.

Entonces era posible ser catedrático de Francés

sin tener la licenciatura,

porque era una asignatura más o menos despreciada.

¿Sabes?

Tú podías acceder haciendo oposiciones, claro.

Claro.

¿Y cómo eran esas oposiciones?

Eso lo contabas en "Ligero equipaje".

Eran bastante exigentes a su manera, ¿sabes?

Las oposiciones es un sistema

que no existe en los países anglosajones.

Nunca tienes que defenderte en público

y destrozar al otro candidato públicamente.

Duraban muchísimas horas y eran muy complicadas.

Había una parte que se llamaba Autobombo,

que era como darse importancia a uno mismo.

Eran una cosa tremenda, ¿no?

Pero hay aspectos de Machado que no son muy conocidos.

Su sentido del humor, por ejemplo.

Lo he tratado en el libro de...

Hombre, no subrayar, pero lo he explicado un poco.

Tenía un sentido del humor estupendo.

Muy fino, muy irónico, pero está allí, ¿no?

Y en este estoicismo es impresionante.

Es decir, sufre mucho,

pero sabe mantener la dignidad hasta el final.

Es un estoico, ¿no?

Oye, antes de que terminemos, porque tenemos que terminar,

hay un montón de cosas

que deberíamos todavía hablar de ellas, ¿no?

Por ejemplo, al final del libro hablas del alcalde de Cadaqués.

Eso es un error, ¿no? Lo has notado.

Bueno, es un error, obviamente.

Al final, pasó algo terrible.

Cuando corregía las galeradas con muchas prisas,

introduce un cambio estilístico en una palabra repetida

que alteró el ritmo de la frase.

Yo no sé qué pasó.

Pero en vez de poner "el alcalde de Colliure",

que fue quien firmó los papeles del entierro de Machado,

de repente aparece el alcalde de Cadaqués.

Bueno, no está muy lejos, ¿no?

Cuando mi mujer me lo dijo, casi me morí.

El alcalde de Cadaqués aparece como alcalde de Colliure

y firma los papeles del entierro de Antonio Machado.

Bueno, esto en la segunda edición ya se quita.

Se quita enseguida.

Esta ya, perdona que te informe, esta ya es segunda edición.

La tercera edición tienes que corregirla.

A la tercera va la vencida.

La tercera la corregida.

Pero el alcalde de Cadaqués aparece y la gente va a decir:

"¿Qué hace aquí el alcalde de Cadaqués?".

Tiene su explicación

porque yo estoy muy imbuido de Cadaqués

por el tema de Dalí. Claro, de Dalí.

Porque es el lugar de nacimiento de Salvador Dalí

y está al otro lado de la frontera a pocos kilómetros.

A pocos.

Y se parecen muchísimo.

De modo que se produjo este...

Ya te digo.

Claro, a veces, ocurre en casi todos los libros.

Hay lapsus, erratas y tal.

Esto es un acto fallido freudiano clarísimo.

Totalmente.

En aquel segundo estaba pensando en Cadaqués

en vez de, como era mi deber, estar pensando en Colliure.

Bueno, para terminar, me gustaría que nos dijeras

en qué nos sirve el ejemplo de Machado hoy.

El ejemplo que dio su vida y su obra

en qué nos puede ayudar hoy a mejorar nuestra vida

y a hacernos conducirnos mejor.

Bueno, nos puede ayudar mucho.

Primero, el lado poético elegiaco.

Es maravilloso. Eso se sabe.

Pero, luego, el Machado filósofo que se conoce menos.

Es a la vez filósofo y poeta.

No hay muchos casos.

El de Juan de Mairena y los complementarios.

Juan de Mairena es catedrático como él.

Teóricamente, ejerce de...

¿Cómo se dice?

De Gimnasia.

Pero en la práctica es más bien de Filosofía.

Él enseña a sus alumnos a pensar por sí mismos.

A dudar de todo.

Incluso de la duda.

Y Machado preconiza el diálogo,

que es algo

que en este país no se practica lo necesario.

La gente interrumpe, no escucha bien...

Machado aboga por el diálogo.

Dice:

"Para dialogar primero preguntar y después escuchar".

Esa es una de las grandes lecciones de Machado.

Quiere una España tranquila.

La quiere republicana, desde luego.

No la quiere monárquica para nada.

Republicana dialogante.

Escuchando al otro.

Yo diría lo mismo. Es muy importante, ¿no?

Cuando veo los debates en televisión y nadie escucha a nadie

y todo el mundo interrumpiendo,

no pueden estar quietos un segundo

porque si no aparecen enseguida, pierden la cara.

La cosa italiana de perder cara.

Todo el mundo hablando y autoproyectándose.

En vez de escuchar bien,

aprender de la conversación y apuntar una recomendación.

Eso es lo que quiere Machado.

Es muy necesario a mi juicio.

Tomamos nota. Muchas gracias.

Tome nota. Apunta.

Hasta siempre, amigo.

Muchas gracias. Gracias.

Muchísimas gracias. Es un placer.

Seguimos.

Les invitamos

a ver parte de la obra del gran artista Man Ray

que revolucionó la fotografía a principios del pasado siglo.

Man Ray es de los grandes revolucionarios

del arte del siglo XX.

Man Ray comenzó como pintor,

si bien muy pronto se dio cuenta

de que su verdadero vehículo era la fotografía y la escultura.

Era un artista muy pluridisciplinar, pero se centró, sobre todo, en eso.

Revolucionó el mundo de la fotografía

porque consiguió cambiar una fotografía

que hasta ese momento era testimonial y documental

y le abrió las puertas a la fotografía artística.

Como todos los surrealistas,

para ellos el subconsciente era muy importante

y consiguió

que el automatismo de la fotografía sumara a su favor

a la hora de retratar a los modelos.

Y, de hecho, consiguió convertirse

en uno de los grandes fotógrafos de la época,

y todo aquel que se considerara alguien

quería tener un retrato de Man Ray.

Este apartado, "Amigos, retratos y autorretratos",

lo que explica es cómo Man Ray

precisamente consigue pasar de la fotografía documental

a la fotografía artística.

Consigue recuperar un género

que hasta entonces estaba muy denostado

y muy alicaído, ¿no?

Entonces, él consigue en los años 20 hacerse el fotógrafo de moda

en el París de la época

y si no tenías un Man Ray, no eras nadie.

Y lo que también hace

es describir un entorno social, artístico y económico

del París de la época.

Utiliza técnicas

que hasta entonces no se habían utilizado.

Posa de forma muy atípica con su pipa,

con muchos objetos personales,

con unas puestas en escena absolutamente planas

que no tienen nada que ver

con la fotografía teatral y escenográfica

del momento,

y el tratamiento de la figura humana es mucho más directo,

es mucho más intencionado, no es tan idealizado

y es mucho más psicológico.

Digamos que la fotografía de los muertos

es una cosa que viene desde el siglo XIX,

pero, en este caso,

es una aproximación completamente distinta.

Marcel Proust estaba muriéndose

y estaba dictando las últimas modificaciones

de su manuscrito

cuando gente de su entorno llama a Man Ray y le dice:

"Está muriéndose.

¿Por qué no vienes a documentar este momento?".

Y así lo hizo.

Realmente, es una fotografía muy sorprendente.

Digamos que es un muerto muy vivo o un vivo muy muerto.

No se sabe muy bien cuál de las dos cosas es.

Y es una de las grandes fotografías de la exposición

por su trascendencia histórica o artística

y, realmente, por lo que te mueve cuando ves esa fotografía.

Man Ray era muy amigo de Marcel Duchamp.

Marcel Duchamp es padre del movimiento surrealista

y del dadaísmo

y Man Ray es considerado por muchos como tal.

Marcel Duchamp pasa a la historia del arte

por coger objetos propios de la industria

y ese objeto pasa a ser considerado obra de arte

no por la intervención del artista,

sino por la mera voluntad del artista.

Y de ahí nace el famoso urinario

que lo colocó en un museo y revoluciona el mundo del arte.

Pero Man Ray no hace exactamente eso.

Man Ray lo que hace es poner en combinación dos objetos

que tienen una función determinada,

pero a la hora de combinarlos cambia totalmente su percepción,

su utilidad y su esencia, ¿no?

Entonces, digamos que igual que un poeta

al poner en combinación una serie de palabras

adquieren un significado nuevo poético

más allá de la suma de esas palabras,

Man Ray hace lo mismo con los objetos.

Al combinar dos objetos

establece una nueva poética para esos objetos

y eso es, quizás, la mayor aportación de Man Ray

a la historia del arte del siglo XX.

Todos los objetos que aparecen en esa exposición

y muchos más

él los llamaba "objetos de mis afectos",

"objets de mon affection",

y hasta cierto punto

son objetos autobiográficos de Man Ray.

Son todos objetos que él utiliza en su entorno particular,

en su laboratorio o en la cocina

y todo tiene algo que ver con su pensamiento,

con su vida o con su forma de ser.

Esta exposición, sobre todo,

tiene un sorprendente número de objetos.

Es la primera vez que en España se muestra

esta cantidad de objetos de Man Ray.

Todos estos objetos

han recibido por Man Ray y por otros distintos nombres.

Objetos de ensueño, objetos de mis afectos,

u objetos imposibles,

porque, realmente, como decimos,

la intención de Man Ray es la experimentación

con los distintos objetos.

Ponerlos en sintonía y conseguir un nuevo significado.

Y cuando se entra en la exposición,

a los cinco minutos entiendes muy bien

el nombre de la exposición.

Man Ray fue un gran experimentador.

Estuvo toda su vida experimentando.

Fruto de esa experimentación

y también fruto del azar en algunas ocasiones

fue el descubrimiento y el desarrollo de técnicas

como la solarización.

La solarización es la incidencia accidental de luz

en el proceso de revelado.

En concreto,

esta técnica la descubre con Dora Maar.

Dora Maar es su asistente, es su ayudante y es su amante.

Entonces, están en el cuarto de revelado

y en un momento

algo le trepa a Dora Maar por la pierna.

Se asusta muchísimo, empieza a pegar gritos,

abre la puerta del cuarto de revelado

y entra luz durante unos instantes, pero la vuelve a cerrar.

Entonces, la incidencia de la luz hace como una especie de halo

alrededor de la figura retratada

y se dan cuenta de que eso lo pueden controlar

y lo pueden manejar

y que el resultado es muy sorprendente y muy novedoso.

Los radiogramas son fruto de la experimentación de Man Ray

con la fotografía.

Es un sistema

por el cual no se necesita cámara para hacer la fotografía.

Simplemente, objetos de su entorno cotidiano

se depositan directamente sobre el papel fotosensible

y con una exposición a la luz dejan su huella, dejan su impronta.

Claro,

conseguir efectos sorprendentes con esto

requiere un gran desarrollo

y una gran maestría en esta técnica

que no es nada fácil

y la verdad es que se consiguen resultados

de una belleza increíble.

Hay una galería de mujeres.

Muchas de ellas son sus musas.

Muchísimas de ellas son sus amantes.

Otras son "socialite" del momento.

Y se ve cómo para Man Ray

el personaje de la mujer es un personaje fundamental,

por el tratamiento que recibe,

por la experimentación que hace en la superposición de las imágenes.

Estos son procesos mentales propios

del surrealismo.

Vemos cómo se identifica la mujer y la mecánica creando

un nuevo concepto estético,

un nuevo concepto de belleza femenina

contrapuesto el natural contra el mecánico

y también aquí se avanza

en esta filosofía,

esa filosofía que luego desarrolla y desemboca en la siguiente sección

de la exposición,

que es la belleza de los maniquíes,

en la que, si bien Marcel Duchamp

lo identificaba con la belleza mecánica,

Man Ray lo que hace

es contraponerla a la belleza artificial

de los maniquíes, de hecho,

hay una gran exposición del surrealismo en París

a principios de siglo en la que cada uno de los artistas,

incluido Man Ray,

pero están otros artistas,

como Dalí, Picasso y otros surrealistas,

Marcel Duchamp también,

cogen un maniquí y lo intervienen.

Man Ray, aparte de hacer su propio maniquí,

hizo la cobertura fotográfica de esta exposición

y es parte de estos maniquíes intervenidos

lo que se muestra en la exposición.

Man Ray y Duchamp fueron grandísimos amigos,

fueron un dúo artístico muy importante

y Duchamp fue,

digamos, un mentor

que ayudó mucho a Man Ray

a profundizar en el campo del dadaísmo y del surrealismo.

Fueron mucho de la mano

y trabajaron mucho juntos, experimentaron mucho en fotografía,

pero experimentaron, sobre todo, en cine.

Hicieron una serie de películas experimentales

y tuvieron una reacción muy muy fructífera.

y lo que exponemos es

algunas muestras de estas colaboraciones.

Y la última sección está dedicada al ajedrez.

El ajedrez, para el surrealismo, adquiere una simbología fundamental.

El tablero es una especie de interpretación

de la vida y la muerte,

del poder, de la política, de tantas cosas,

y, para todos los surrealistas,

adquiere una dimensión muy muy importante.

Man Ray hizo muchos juegos de ajedrez,

sobre todo en su estancia en los años 40 en Hollywood,

adonde huyó de la Segunda Guerra Mundial,

él era judío.

Y digamos que ahí, en Hollywood,

desarrolló mucho su afición,

no solo por el juego

al cual le enseñó a jugar Marcel Duchamp,

sino también incluso hizo piezas de ajedrez

con las figuras de los artistas del surrealismo

más importantes de la época.

Él, Man Ray, se identificaba con la figura del rey,

no solamente por el sonido de su apellido,

sino por su forma de afrontar de forma frontal

las cosas en el arte.

Y, por ejemplo, Marcel Duchamp

se identificaba con el caballo

por el movimiento que hace, más lateral.

Entonces, aparte de ver

unos juegos de ajedrez absolutamente espectaculares,

es interesante ver todo lo que subyace

dentro del tablero de ajedrez

para un surrealista.

(Música)

Taller de música con Joaquín Sánchez

y Miguel Guinea, del colectivo Vibra-tó,

hoy para hablar de las peculiaridades

y de la historia de los instrumentos de cuerda.

Bienvenidos, como siempre.

Buenos días. Gracias por la canción,

bueno, por el fragmento musical,

que parece griego, pero...

Exactamente. Hasta ahí llego, pero nada más.

Hemos comenzado tocando un pequeño fragmento de un tema

de música griega, en concreto, de un género

que se llama rebétiko.

Es una música de principios del siglo pasado.

Y lo hemos tocado con este instrumento,

un instrumento también griego

que se llama baglamá, baglamadaki.

Es, digamos, el menor de la familia del buzuki,

están el buzuki, el yurás y el baglamá.

Es un instrumento de cuerda y su tamaño se debe

a que, cuenta la leyenda,

el colectivo de músicos que tocaba este instrumento

a veces eran perseguidos por razones de ley y tal

y entonces su tamaño se debe

a que lo hacían así para escondérselo

y también para, en las cárceles,

tener un tamaño así, propicio para ocultarlo.

Fíjate y, vamos a ver, ¿eso no tiene nada que ver

con el ukelele o con otro tipo de...?

Hombre, es un instrumento de cuerda,

prácticamente todos los instrumentos de cuerda,

bueno, en muchísimos de ellos, vemos que la morfología es muy parecida,

es un mástil, una caja de resonancia y unas cuerdas

y ya luego algún, digamos, artefacto con el que afinar,

como estos clavijeros.

Y en el caso de Miguel...

Tenemos este yurás

de la familia también del buzuki,

lo que pasa es que este, si lo veis,

está hecho con una lata de miel griega,

unas moneditas de céntimo, un tornillo que le hace de puente

y pasa la vibración a la caja

y luego ya un mástil

y este tornillo también, como hueso.

Igual que puedes hacer

un instrumento para meterlo en la cárcel,

en la misma cárcel, con algún elemento,

conociendo los elementos de los instrumentos,

lo puedes construir. ¿Ese instrumento, por ejemplo,

quién lo ha construido?

Este, un amigo que se llama Doménico Deniser,

es un amigo griego.

Hay muchos constructores de instrumentos de este tipo,

no solo de instrumentos ya hechos,

como guitarras,

por ejemplo, tenemos este hecho con una caja de puros

del estanco del abuelo de Joaquín,

o tenemos otro lutier, por ejemplo, Xavi Lozano,

que hace instrumentos de cuerda con utensilios muy cotidianos

y muy sencillos.

La caja de puros, ¿esto es algo que os lo inventasteis vosotros

o es algo que existe...?

Realmente, estos instrumentos

se empezaron a hacer desde el año 1800, por ahí,

o sea, es fácil datarlo porque es desde que existen las cajas de puros

y antes no venían en cajas. Supongo que en Cuba empezaría

a lo mejor, ¿no? Se cree que por Estados Unidos

y luego fue un instrumento

que se utilizó un montón en el "blues", en el "rock".

Y actualmente ha resurgido y se toca mogollón.

Este, por ejemplo,

está construido por Serafín Marín Ordóñez,

un chaval de mi pueblo

que tiene una pequeña empresita

de "cigar box", se llama The Fat Dog Cigar Box,

y es uno de los responsables también

del resurgimiento de este instrumento.

Pero, como decía Miguel,

el tema de los instrumentos reciclados

viene ya de hace mucho y, de hecho, hace unos años

estuvimos preparando una entrevista para Les Luthiers,

el famoso grupo argentino de instrumentos reciclados,

y, cuando estábamos preparando el encuentro con ellos,

vimos en uno de sus biógrafos

que hace mogollón de años

le entregó una señora una caja de fotos

aquí, en un concierto de Madrid.

Esa caja de fotos era de un grupo

que tenía su tatarabuelo o su abuelo,

se llamaba Onofre Garraus,

era por el año 1880, por ahí,

y eran un trío que se hacía llamar

Los Tres Bemoles o La Troupe Garraus

y tocaban con instrumentos informales,

eran como los antepasados de Les Luthiers y se cree que son

los pioneros en ese género.

Entonces la anécdota bonita de este tipo de instrumentos

es que ellos, cercano al año 1886,

tocaron en El Vendrell

y el joven Pau Casals,

famoso violonchelista que por aquel entonces

no tocaba el chelo...

Con diez años solo ya

Pau Casals se empezó a interesar por este tipo de instrumentos.

Él los vio tocar en una plaza

y esta gente tocaba una escoba de una sola cuerda,

la escoba monocorde. Entonces contaba Pau Casals

en una entrevista que hizo en Puerto Rico

que llegó sin aliento a su casa a decirle al padre:

"Papá, he visto una escoba con una cuerda",

el padre le construyó una

y años después... Ya sabemos el final de la historia.

Ese fue el inicio de Pau Casals.

Y Pau revolucionó la manera de tocar el chelo.

Claro, porque hay a lo mejor instrumentos,

como estos, que son un poco más complejos,

pero los hay también muy sencillos.

Te he visto meter ahí una botella. Hay instrumentos puente,

que lo llamamos nosotros,

instrumentos muy sencillos de hacer,

muy sencillos de tocar.

En este caso, este nos lo hizo Xavi Lozano,

que es, simplemente, hacerle dos agujeros a una botella,

otro agujero en el tapón,

no sé si veis que tiene una cuerda en el interior.

Entonces le hacemos

como una ventanita para poder meter el dedo,

metemos una cuerda o tanza de pescar,

lo sacamos y le damos tensión con este palo.

Entonces este instrumento lo llamamos "puente"

porque es muy sencillo, cualquiera lo puede conseguir

y ya tiene muchas posibilidades de empezar a...

Sí, a iniciarse, pero...

Sí, a iniciarse. Puede acabar como gran guitarrista

o como gran chelista.

Y a este le modulamos la altura

simplemente poniéndole más tensión o menos tensión.

También es un instrumento que se puede llevar a todos lados.

Lo llevamos, en este caso, a Angola a un campo de refugiados

y construimos allí con los materiales de desechos

que había, que tampoco era mucha la basura que tenían allí,

construimos instrumentos como este.

Teníais un vídeo, ¿no? Te hemos traído un vídeo.

¿Lo podemos ver? Sí, claro que sí.

Vamos a verlo. Vamos a verlo.

(CANTA)

(CANTA)

Este es un niño que estaba bastante enfermo

en el campo de refugiados,

lo llevaron al hospital y estaba un poco deprimido,

entonces, después del taller,

una de las voluntarias que está allí

le hizo este mismo instrumento.

En ese caso, le puso una vela, ¿no?,

como forma de tensar.

Y el niño este,

cuando cogió el instrumento y empezó a tocarlo,

se empezó a sentir un poco mejor.

Porque la música tiene una gran capacidad terapéutica.

Sí. Es el arte por excelencia, ¿no?

Pues sí. Hablemos más de las historias

de los, en fin, instrumentos que habéis traído. Por ejemplo,

¿quién ha construido los otros dos?

Tenemos el que construyó Miguel,

el primero, el sitar de lata de...

Este, que ya lo conocemos, es un poco parecido al sitar,

que tiene un puente bastante ancho,

por lo que resuena la cuerda más.

-O tenemos... -La "mandoliva", la guitarra de...

¿Quieres probarla?

Una especie de mandolina de aceite de oliva.

Te vamos a dejar, si nos permites,

para el último tema, para que nos acompañes.

A ver si soy capaz.

Llevamos ya muchos programas y ya es hora de que te unas.

Ya es hora de que aprenda algo.

Pues, a ver, vosotros vais a coger la guitarra eléctrica.

El "cigar box" de Serafín,

que, de hecho, es el primero que él construyó

y nos regaló a Vibra-tó,

y vamos a combinarlo también...

Con la botella. Vale. ¿Quién has dicho?

Perdona, que no he entendido bien.

¿Quién ha construido la...?

Ah, sí, el de Al Margen. Este lo construyó Serafín,

de Al Margen, del grupo de lutieres de Al Margen.

Bueno, pues nada, nos despedimos con una cancioncilla, ¿vale?

¿Necesitas una púa?

Ah, sí, una púa porque, si no, no...

Podemos darle a la cuerda de varias formas:

con la púa, con las uñas...

Con la púa va bien.

(Música)

Genial. Muchas gracias.

No tiene cámara digital, le gusta andar y hacer fotos

y desde 1996 solo fotografía paisajes.

"Boek Visual" nos presenta hoy parte de la obra de Jordi Calafell.

"La fotografía siempre nos remite a lo acaecido.

Cuando todo apunta a un presente intenso y perenne

construido con imágenes de distribución planetaria,

la fotografía analógica nos ofrece la posibilidad

de experimentar y sentir el tiempo.

Su práctica confiere a nuestra mirada

un posicionamiento sólido y sereno

sobre lo que nos rodea

que se resiste al imperativo de lo inmediato.

No tengo cámara digital y proceso personalmente

mis fotografías en el cuarto oscuro.

Desde 1996 solo realizo fotografías de paisaje.

Me gusta andar y en cada fotografía

reconozco un acto de autoafirmación,

con la cámara tomo nota de lo que veo

porque estoy aquí.

La cámara disloca la realidad que habitualmente percibimos

de forma ininterrumpida a través de nuestros cinco sentidos.

El resultado son múltiples fotografías

cuya suma nunca será la realidad que sentíamos inicialmente.

Conscientes de esta dislocación,

los fotógrafos construimos relatos con imágenes

encuadrando aquello y dejando fuera de campo lo otro.

Pero también, para algunos, la cámara

es un dispositivo que nos permite transitar

entre dualidades

de naturaleza aparentemente incompatible,

como son la nostalgia y la historia

o el mundo de los vivos

y el de los muertos.

En este ahora de tiempos líquidos

en que lo rentable

apelmaza la memoria, percibir en el paisaje

la huella de aquellos que han sido barridos

por cualquier forma de modernidad

y utilizar la cámara para relatar

es sentir el tiempo histórico.

Igual que un lugar se integra en una geografía,

mi objetivo es conseguir integrar el tiempo perdido de la nostalgia

en el tiempo de la historia,

como si cada fotografía

pudiera contener todo el pasado de un lugar."

Recomendamos hoy la lectura de este libro maravilloso

para un lector sin edad:

"El libro de los pájaros", de Nathalie Tordjman,

ilustrado por Judith Gueyfier y Julien Norwood.

Se trata de un libro

para ser compartido intergeneracionalmente

y responde a la convicción de que, por medio de una antología

de observaciones curiosas acompañadas de imágenes,

puede despertarse en el lector

la necesidad de saber más y más sobre sus protagonistas,

los pájaros. Responde a la misma pulsión

que trataban de complacer los antiguos álbumes,

pero, al estar compuesto por dibujos precisos,

en vez de otro tipo de reproducciones,

dan una idea más cercana,

más personal, más de observador tranquilo

de la naturaleza e invita mejor a la creación

y a la reflexión conjunta.

Una belleza, otra de Errata Naturae.

La Universidad de A Coruña

nos propone hoy la siguiente pregunta:

"¿Qué aporta la terapia ocupacional

a la sociedad?".

"La Universidad responde".

Terapia ocupacional es una profesión sociosanitaria.

Lo que hacemos los terapeutas ocupacionales

es trabajar con personas en una situación de vulnerabilidad,

sea por una lesión, una enfermedad, una discapacidad

o por aspectos comunitarios,

como, por ejemplo, situaciones de pobreza

o de exclusión social o en riesgo de exclusión.

Por lo tanto, la terapia ocupacional contribuye

a la sociedad en la medida

en que intenta capacitar

a las personas para que puedan promocionar

su salud, mejorar la salud

y participar en la comunidad.

La terapia ocupacional

utiliza la ocupación como promoción

de la salud y trabaja con las personas

a lo largo de todo su ciclo vital.

De hecho, nos podéis encontrar

en las Unidades de Atención Temprana,

podemos trabajar o intervenir en los colegios,

vamos a los domicilios de las personas

para valorar su entorno inmediato y trabajar

con la familia, además de poder realizar

las intervenciones en un ámbito hospitalario.

Valoramos también situaciones de riesgo

y prevenimos ciertas dificultades

que puedan tener estas personas

en su desempeño de su vida cotidiana.

Recuperamos un fragmento

del trabajo que hicimos sobre el gran creador

norteamericano Jim Campbell.

El resto lo subimos a la red.

"Desde el comienzo de la creación,

el saber y la creatividad humanos

han sido clasificados en dos conceptos relacionados

entre sí, pero, en cierto modo, antagónicos:

arte y ciencia o, lo que es lo mismo,

poesía y técnica.

Los hombres ilustres o eran artistas o eran científicos.

Salvo excepciones, rara vez han confluido

ambas facetas en la misma persona.

Ya no es chocante que haya artistas cuyos formatos

no son los tradicionales de las artes plásticas,

sino la electricidad, la electrónica, el vídeo

o los soportes digitales.

Sin embargo, el proceso contrario es menos común,

son pocos los casos de técnicos

que han decidido explorar a partir de sus conocimientos

los caminos del arte.

Este hombre es uno de ellos.

Se llama Jim Campbell.

Campbell es un ingeniero metido a artista,

un artista que trabaja con materiales intangibles,

como la electrónica y la luz,

creando piezas tan austeras como bellas y fascinantes.

La ONU ha declarado 2015 como el Año Internacional de la Luz.

Coincidiendo con este evento, el Espacio Fundación Telefónica

presenta una gran exposición retrospectiva:

'Ritmos de luz', que nos muestra el trabajo

de este interesante artista

en las diversas etapas

de su trayectoria de investigación y creación.

Una muestra donde la simbiosis entre la poesía y la técnica

alcanza su máximo esplendor."

(HABLA EN INGLÉS)

"Jim Campbell es estadounidense.

Nació en Chicago en 1956.

A finales de los años 70,

cursó estudios de Ingeniería Electrónica

y Matemáticas en el MIT, el prestigioso Instituto Tecnológico

de Massachusetts.

Una vez graduado, comenzó su vida laboral trabajando

como ingeniero en el pujante embrión cibernético

de Silicon Valley.

Pero pronto descubrió su vocación artística

y empezó a experimentar con el cine."

"Todas las obras de Campbell

tienen en común que están sustentadas en soportes tecnológicos

y tienen gran interés a nivel de contenido y forma.

No obstante, lo más significativo

de su producción son sus esculturas de luz.

Jim Campbell hace poesía lumínica

a base de dispositivos que integran

imágenes de muy baja resolución proyectadas por baterías de ledes,

una tecnología basada en diodos luminiscentes

de la que Campbell ha sido pionero

aplicándola al campo del arte."

"Toda la obra de Campbell

juega en torno a los límites de la percepción,

algo muy importante

desde el punto de vista antropológico.

La percepción es fundamental para la supervivencia.

Hemos adaptado nuestra visión para captar, en primer lugar,

la forma, la silueta de los objetos,

así como claves cerebrales

para el reconocimiento del movimiento y la memoria visual.

Gracias a ello, el ser humano

no necesita captar una imagen a la perfección

para ser capaz de reconocerla.

Al hombre primitivo le bastaba con atisbar

la silueta y los movimientos característicos

de un depredador

para saber que tenía que salir huyendo

si quería salvar su vida.

Del mismo modo, el hombre moderno puede reconocer

con muy escasa información visual

las formas y los movimientos.

Esta característica ancestral, conservada hasta nuestros días

por la especie, ha sido aprovechada por Campbell

para jugar con los límites

de la percepción humana a base de bajar hasta lo inaudito

la definición de las imágenes presentes

en sus obras."

"La definición de una imagen viene dada, fundamentalmente,

por la cantidad de puntos que la conforman:

a más puntos, más definición.

En las imágenes de vídeo, las más habituales de nuestros días,

esos puntos llamados píxeles suelen ser cientos de miles

o incluso millones.

En su obra artística, Campbell tiende a reducir al máximo

los ítems de información

apostando por la baja o incluso la bajísima definición

con una cantidad despreciable de puntos de luz si la comparamos

con los de una imagen normal.

Pese a ello, las imágenes de Campbell se ven

¡y de qué manera!

Normalmente, consideramos que, cuanto más nos acerquemos

a una imagen o cuanta más definición tenga esta,

más y mejor podremos captarla

de forma fidedigna,

pero esto no siempre es así.

Campbell juega a demostrarnos

justamente lo contrario,

que a veces hay que alejarse de la imagen para aprenderla mejor,

siguiendo, en cierto modo, los postulados enunciados

hace ya más de un siglo por el impresionismo."

Nos vamos hasta el lunes.

Tendremos con nosotros entonces al catedrático de Economía Aplicada

y exdirector de Políticas Públicas

del Instituto Universitario Ortega y Gasset,

Jesús Ruiz Huerta,

con quien hablaremos de pasado, presente y futuro

del estado de bienestar. Será uno de los varios contenidos

del programa. Y ahora, como siempre,

les deseamos un buen fin de semana a todos.

Les esperamos el lunes. Adiós.

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La aventura del saber - 28/03/19

28 mar 2019

Ofreceremos los reportajes "Exposicion Man Ray" y "Boek visual: Jordi Calafell". Además, entrevistaremos al hispanista y escritor Ian Gibson y a los músicos y profesores Miguel Guinea y Joaquín Sánchez.

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