Dirigido por: Ana María Peláez

Serie de documentales sobre los personajes más destacados de la cultura española del siglo XX cada semana en La 2 y en RTVE.es. Dirigido por Ana María Peláez

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Para todos los públicos  Imprescindibles - Michel Camilo, todos los colores del piano - Ver ahora
Transcripción completa

El primer instrumento fue el corazón,

cuando el hombre se percata de que hay un pulso

y que ese pulso se acelera o se desacelera

dependiendo de cómo tu te sientas, ahí comienza la música.

De niño, pues siempre he tenido una sensibilidad con la naturaleza,

todo comienza, que ves un verde pero ya no es un solo verde,

sino que son muchos verdes,

es decir, todos esos tonos diferentes existen en sonido,

simplemente lo que uno tiene que hacer

es tratar de darse cuenta hasta donde está la amplitud de un color

y dónde está el brillo, dónde está lo más tenue,

de ahí, uno comienza a agregar con la luz

y la luz con el color, pues se puede traducir todo a música,

eso es lo que yo trato de hacer en el piano.

Mucha gente no entiende muchas veces los colores ultra brillantes

que existen en mi música, pero se olvidan de que yo vengo del Caribe

y en el Caribe hay huracanes, ¿sabes? ósea hay una pasión fuerte en la vida

y claro, eso tratarlo de llevarlo al piano,

pues requiere cierto toque

y requiere cierta agresión en cierta forma, o agresividad,

para lograr esos clímax inmensos, pero, claro,

mucha gente no lo entiende,

dice: ¿porqué este hombre aporrea el piano?

pues no, no es un aporreo, esto es tratar de lograr,

quizás, ese tambor,

es una herencia africana también, que existe en el Caribe,

porque somos mestizos

y tenemos allí, la gran bisabuela o tatarabuela que fue de África

y entonces hay algo ahí que vamos a tratar de capturar,

es tratar de traducir los tambores

a la mano izquierda del piano, sobre todo,

y eso es ritmo, ese ritmo intenso que, de esta forma, es una liberación,

¿sabes? es una revelación de la vida.

Michel es una fuerza de la naturaleza,

es, va más allá de todo, es un huracán

y aunque sea muy conocido por el ritmo, por la velocidad,

por el virtuosismo, por todas esas cosas,

luego es un músico muy delicado,

te puede tocar baladas maravillosas

o puede tocar en cualquier contexto, realmente.

Es muy buen productor de si mismo, ¿no?,

tiene sus conciertos de piano solo, sus dúos con Tomatito,

su trío, la "big band", o quintetos o sextetos,

las músicas de cine o de teatro,

porque el empezó en Broadway tocando con Bob Fosse,

y la carrera, digamos, paralela clásica

que ha empezado hace unos años

y que yo creo que es espectacular.

El mar Caribe es un mar que, que es muy especial,

es, aguas turquesas, transparentes, no contaminadas, ¿sabes?,

donde vienen los peces, se te acercan,

estás nadando con los peces siempre,

lo cual lo hace muy vivo, un mar lleno de vida,

la luz es muy especial también en el Caribe,

por eso escribí Caribe en La, también,

porque el La es brillante total y es sol también,

es un tono muy claro, ¿sabes?,

yo no lo escucho en ningún otro tono.

Entonces, como eso, estás sacando provecho

porque la última nota en el piano es La,

con lo cual tienes la fundamental del piano, del instrumento

y está el piano a tope, bien abierto,

y la última es Do, que está en La, también, básicamente.

Donde toco un La, no solamente está oyendo eso,

está oyendo todo,

es lo que pasa, si yo aprieto aquí,

y hago,

escuchas, ¿no?, esos son los armónicos.

Por los cuatro años y medio,

mis padres me regalaron un acordeoncito, pequeño,

por suerte estaba afinado

y pude sacar la melodía de, "Cumpleaños feliz"

y se dieron cuenta, ¡Oh, tiene oído!,

claro, la familia como habían dos generaciones de músicos

decían: uno más.

Siempre aprendí mucho de ver a mis tíos,

porque mi tío también tocaba acordeón,

y otro tocaba piano, otro tocaba guitarra,

otro tocaba percusión,

ya, como al año de haber comenzado a tocar,

comencé a sacar melodías propias.

Y también los padres, como tenían el ojo encima dicen:

Ah, también está sacando melodías de el,

entonces contrataron a un músico, que también tocaba el acordeón,

que venía a la casa y yo le dictaba,

sesiones como de una hora

y le dictaba lo que yo estaba haciendo

y el lo pasaba a música,

ya a los nueve años,

le pido a los padres que quería estudiar piano,

y dicen: bueno, vamos a hacer un trato, tu

te vamos a poner en el Conservatorio Nacional de Música,

en la escuela elemental

y depende de cómo te vaya, te compraremos un piano más adelante,

y me inscribieron, y como no había piano en la casa,

para poder practicar las lecciones por el primer año entero,

me dibujaba el teclado en una cartulina,

este mismo teclado en una cartulina,

y después practicaba,

como tenía el oído ya bien desarrollado,

a mi me daba igual, yo sacaba todas las lecciones,

luego iba donde la maestra, que era maravillosa,

me recuerdo el nombre, Maricucha del Monte, se llamaba

y me recuerdo que, cada vez que tocaba bien,

me regalaba un caramelito y eso es maravilloso para un niño,

¿sabes?, que te celebren de esa forma.

Te digo una cosa, un aparte, un paréntesis,

te confieso que, cuando fui a estudiar solfeo,

no se porqué, fue como recordar, era como que yo me lo sabía ya,

quizás porque creo en la reencarnación,

pues, de una forma u otra, me pusieron el papel delante

y yo decía: Ah, si esto es Mi, esto es Sol, esto es,

y salían los nombres de las líneas, es un fenómeno muy raro.

Un tema que se llama "Remembers", como añoranzas,

que se convirtió en el segundo tema del concierto de piano y orquesta,

el segundo movimiento,

pues claro, el tono que elegí fue Si menor, ¿sabes?,

combinado con Re, porque va a Re menor, también, pero,

con lo cual ya moduló,

y cayó en Re menor,

la mañana en que yo lo pensé, fue como una ascensión del espíritu,

de una tercera menor, de aquí, comienzo aquí

y después cambia,

fíjate la diferencia.

Todo comenzó, en realidad, hace como 12 años,

harán 15 años, quizás,

cuando conocí a las hermanas Labèque, a Katia y Marielle,

las conocí en Francia, en Cannes.

Ellas me escucharon tocar y dijeron: Pero ¿tu eres clásico?

Y yo: no, yo soy jazz,

bueno, pues tu tocas el piano como si fueras un pianista clásico.

Veo en este concierto de Michel,

yo podía escuchar que su base estaba clásica,

para mi estaba cierto que podía tocar jazz

pero sus dedos, su técnica,

estaba en una técnica de un pianista clásico.

Y luego me invitaron a irme de gira con ellas, a tres pianos.

Tres pianos, pero, eso no lo puedo hacer,

me han matado, Michel me ha matado.

Iba a la sala y decía, cuando el está tocando,

me miraba, ¿se oye?, si, si, Michel, se oye.

Te oigo muy bien.

Es que tiene una fuerza, que es increíble.

El solo toca más notas que las dos unidas.

- Juntas. - Las dos juntas.

Una vez, estábamos ensayando con el mambú,

estábamos muy contentas y hemos dicho a Michel:

bueno, vienes al ensayo, así, acaso puedes decir algo

a nuestros percusionistas,

y el vino y no dijo nada y después le dije yo:

¿no dices nada? y me ha dicho: es así de lejos

del feeling de un percusionista latino

que no puedo decir nada porque esta gente no saben,

y claro que nos ha cambiado a nosotras mucho

la percepción de ese tipo de música donde el elemento latino

que para el es muy importante, le faltaba.

Ellas me decían: a ti te quedaría muy bien

todo lo que es swing, porque tu tienes ese toque,

y ahí fue que ellas plantaron la idea de,

métete con lo que es swing, porque te va a quedar bien.

Cuando llegué a New York, mi primer trabajo en New York

es en un foso de Broadway,

tocando una obra que fue un gran éxito,

que era del gran director de cine Bob Fosse,

pues, estaba en medio del teatro de Broadway

y al mismo tiempo estaba en lo clásico, en Juilliard

y estudiaba con Jacob Lateiner,

y los lunes por la noche me iba al Spanish Harlem

a hacer descarga de jazz,

fíjate por donde andaba mi camino en un club de jazz,

al teatro de Broadway, a la escuela de clásico

y estaba entre todos estos mundos, que eso es lo que es New York,

que es un gran caldero de música y de cultura, encontrada.

Todo eso te va influenciando.

Eso es energía pura, te va directamente a las neuronas.

Por eso, quizás, una vez al año toco en Blue Note, en New York

una semana entera,

y toco 12 show,

y es para tener el público cerca, la vivencia del jazz,

las raíces del jazz profundo, que es con el público al lado de ti,

y sentir a la gente respirando, anhelando, suspirando, llorando,

lo que sea, todo el sentir del público

es el jazz.

Gershwin, verdaderamente fue un genio

porque cuando el escribe "Rhapsody in Blue",

en ese momento no sabía como orquestar,

que no había tenido este tipo de formación,

sin embargo tenía la técnica pianística, apabullante,

una nueva forma de tocar el piano,

no el, el famoso tren, ¿no? era,

que dicen que lo escribió, esa parte

en un tren que cogió de New York a Boston

y se le ocurrió esa parte mientras escuchaba el tren caminando,

yo digo también que era un amante de lo latino,

de lo cubano, en esa época

y el, ahí dentro de eso también hay una cosa que va,

que viene del ragtime, porque el ragtime va en estos acentos,

y esos acentos están aquí,

y está todo, siempre a cinco pasos, muy de Gershwin,

viene del ragtime, y a la vez se conecta

con la tradición de la clave de la contradanza cubana, ¿sabes?

y de la habanera,

y el iba de vacaciones a Cuba.

Cuando se estrenó "Rhapsody in Blue"

también estaba Rachmaninoff en la audiencia,

junto con Stravinsky y Holloway también estaba allí

y a ellos les encantó la obra,

Prokófiev, sin embargo, estaba en la audiencia

y no le gustó nada la obra,

pero claro, Holloway y Rachmaninoff

eran grandes fanáticos del jazz también,

mucha gente desconoce que Holloway invitaba a Art Tatum a su casa

y le tocaba la versión de "People to" de solo piano

que la transcribió Holloway nota por nota,

y se la sabía de memoria y la tocaba,

todos ellos iban a la calle 52 a los clubes de jazz

a escuchar a los jazzistas,

y se que es cierto, que siempre ha existido eso

ese amor de los clásicos por el jazz,

Stravinsky era un gran fanático del jazz,

por eso también escribió ragtime,

que yo digo que Bill Evans, hubiera sido imposible, en el jazz,

sin Ravel y sin Debussy

y, casualmente, Debussy y Ravel eran grandes fanáticos del jazz,

igual que Bernstein, que entendía el jazz

y por eso fue capaz de escribir,

en el "West Side Story".

Bernstein era el venir del mundo del jazz,

un pianista que está tocando jazz toda su vida,

lo enfoca de una manera diferente siempre,

que el pianista que toca clásica

y que, de vez en cuando, toca el concierto de Gershwin,

pero, efectivamente, le da un sabor

que le va muy bien a la obra,

es lo lógico, es un concierto

que a pesar de tener un trasfondo como Gershwin quería,

de pianismo clásico, pero, sin embargo, es música de jazz.

Que es de, bueno Chopin le llamaba la surprise,

ósea la,

es, en realidad, utilizar el martillo,

dejar que el martillo toque, no apretar,

sino al contrario, tocar hacia arriba,

que es totalmente diferente el concepto

que apretar hacia abajo, la calidad del sonido cambia.

Cuando tu haces,

y entonces, claro, no es lo mismo hacer,

que hacer,

son diferentes sonidos, ¿no?

uno comienza a valorar esto lo hago así,

o lo hago así.

Entonces lo mismo que ha hecho,

hacia arriba, no hacia abajo.

No es lo mismo hacer,

eso ya es más pesado, lleva otro tipo de color,

¿sabes?, es saltarín, saltarín,

es como pellizcando las teclas, literalmente,

como si fuera arco y flechas.

Esta es una de las acústicas mejores del mundo,

finalmente escucho todo balanceado,

está la orquesta a tope, se sienten las texturas orquestales,

clarísimas,

hay una riqueza armónica, ¿sabes? de eso de,

si te fijas, plano sonoro, eso es importantísimo,

aquí hay tres planos sonoros,

está este,

está este, y la melodía,

ósea que son diferentes texturas que aquí el ambiente te lo refuerza

y te lo completa.

Como aparte de su gran talento en la improvisación en la música jazz,

como, digamos, una obra de esas

que tiene esas combinaciones tan importantes

entre el repertorio y el color jazzístico,

con un esquema muy clásico

y para nosotros, bueno, lo más bonito es, sobre todo,

ese momento de hacer música y de, simplemente, comunicarnos

en este lenguaje que todos disfrutamos tanto.

La pregunta un alumno es:

¿cómo hago para tocar tan rápido como usted?

Yo le digo: bueno, esa pregunta es incorrecta,

pero te la voy a responder,

mientras más rápido toques, respiras más lento,

y ahí está el secreto.

Bueno, eso lo heredo de las artes marciales,

si no, no tienes fuerza, no tienes energía,

no tienes ataque, no tienes ictus.

Aunque sea una contradicción, mucha gente desconoce

que yo estudié 12 años de taekwondo

y en una de las clases, casualmente,

era simplemente cerrar los ojos y pararse,

y sentir el planeta,

¿sabes? dice: ya que está hablando y párate,

no, trata de pararte por una hora y sabrás lo que te estoy diciendo,

sentirás el movimiento de la tierra

y afinar los oídos, sentidos, hacerte consciente de tu espacio,

que va más allá, de tu espacio tripartito,

de tu propia alma,

entonces cambia tu estructuralidad,

todo eso también lo he utilizado en la música.

Los griegos tenían muy claro que el que iba a ser político

no podía estudiar música, porque ablandaba el espíritu,

y siempre se hablaba de la palabra neuma,

que significaba aire,

había que tener aire en la música

y hoy día todavía se practica, sobre todo a nivel clásico,

es el hecho de poder tocar una pieza y poder hacer algo,

música sola, como tener una frase,

y el lo describió así, como,

pero, ¿qué pasa? solamente dilatando una coma,

un nanosegundo,

inmediatamente adquiere emoción, sentimiento.

¿Sabes lo que te digo?

Es como que las manos cada una va por su lado,

pero están juntas,

y eso es lo que crea esa expansividad y el sentimiento

y la pasión.

Si lo toco mecánico, pues no tiene el mismo sentido,

y ahí está la cosa, el dominio del tiempo,

el dominio de la paciencia

y el control absoluto del sonido.

El primero que estaba, digamos reclutado ya

para "Calle 54", desde el principio, lógicamente

era Michel,

está colocado en un momento de "Calle 54"

que yo digo, es como que metes la velocidad,

ósea, cuando entra Michel es rock-and roll.

Una película donde no hubiera ni actores, ni diálogo, ni nada,

es que fuera pura, pura música,

ósea que ahí nace "Calle 54".

Es un momento donde la gente grita, vibra, aplaude

y hay una especie de catarsis con el público

en el momento del número de Michel en la película

y, además, lo he comprobado en países diferentes,

de culturas distintas, de continentes distintos,

da igual, en el momento que entra Michel Camilo con el trío y tal,

se monta el show allí, ¿no?

Fernando Trueba es un gran amigo,

de hecho nos llamamos uno a otro amiguetes,

desde el 84, mi primera visita a Madrid,

al Palacio de Deportes,

yo vine como pianista de Paquito de Rivera,

del Quinteto de Paquito de Rivera,

y en la audiencia estaba Fernando Trueba.

La verdad es que el descubrimiento en aquel concierto,

porque fue Michel, porque yo a Paquito ya le conocía,

y estuvo espectacular, ¿no?

y todos decíamos ¿de dónde ha salido este joven pianista?

Pues Fernando viene y, ¿quién tu eres?

No te conocía, y tal, y me ha encantado como tocaste

y yo le digo, Fernando me estoy muriendo de hambre,

y me dice el,

Ah, pues estamos aquí mismo, ven, vámonos de tapas y de copas

y ahí nos hicimos muy buenos amigos.

Yo estaba tan entusiasmado con Michel

que cuando escribimos el guión de "Two Much",

yo lo escribí ya pensando en el,

para que el hiciera la música y todo.

"Two Much" fue un reto, porque ya era la gran orquesta,

y fue grabado en New York

con una relación de músicos de la Filarmónica de New York,

con la cual yo siempre he trabajado mucho

en estudios de grabación, haciendo todo tipo de proyectos,

y, bueno, fue banda sonora a tope, con la imagen, tipo Hollywood.

Y el tema, ¿sabes tu que yo por teléfono,

a Fernando, desde New York, de mi casa,

a ver que te parece esto?

Antes de ver la película ni nada, antes de el comenzar a rodar,

simplemente porque lo leí en el guión.

Por teléfono le toqué,

Y todo eso va debajo del diálogo de los actores,

eso juega ya el subconsciente de donde se van enamorando ellos.

Más adelante, por supuesto, se ha hecho mucho más conocido ya

porque hice la otra versión de concierto con Tomatito,

le puse la guitarra y el quejío flamenco,

que ya lo llevamos a otro nivel para el primer "Spain"

y entonces lo metimos allí,

y ya se vuelven mucho más intensas.

Lo había visto en el amor pero ya con otro,

vamos a decir desgarro,

y, claro, ha dado la vuelta al mundo ese tema

y al mismo Tomatito le encantaba tanto

que hasta la grabó con la OCNE aquí en Madrid.

Hay una anécdota que cuando grabamos el "Two Much",

que yo estaba la cabina delante, decía,

falta un tono a la guitarra, no se que,

tiene que ser más aterciopelado,

ah, espera, y cuando viene dice: me he cortado las uñas,

¿te acuerdas? Me he cortado las uñas y tal,

y yo, ¿y ahora? ¿qué hacemos?

No, no, te voy a dar lo que tu quieres,

y ese color, hasta ahí llegamos nosotros buscando

lo que hace la diferencia.

Yo vengo ahora de New York

y estuvo hablando que tenía que venir aquí hoy,

y yo digo, ahora voy a llegar allí, para tocar el concierto con Michel

y dice, bueno, y el espectáculo ¿cómo lo hacéis?

Digo, ¿el espectáculo?, como dicen ellos allí,

somos dos gentes "na" más, dice, ¿cómo?

Si, si, y empezaron a preguntarme

y a reírse, a reírse pero de nervios

como diciendo, joder macho, ¿qué tocas?

- ¿Cómo lo haces? - ¿Cómo lo haces?

Dos personas porque lo más fácil es decir un percusionista,

llevas tu el tiempo y nosotros tocamos ahí

y nos liberamos un poquito también del tiempo,

la primera vez cuando lo dijo era como,

era muy complicado, y lo han complicado, ¿no?

porque ahí, yo me adelanto, el tiene que adelantarse conmigo,

el se adelanta, se atrasa, yo me tengo que ir con el,

sino eso sería una descompensación, ¿no? rítmica

y, si, si. - Hay que estar muy pendiente.

- Y al final me la pegó, como dicen aquí, me la coló,

pero llevaba razón.

Por ejemplo, alguien como el,

es el tema de Charlie Haden, el lo escribió,

se titula "Nuestra canción de amor española"

y lo grabó con Pat Metheny, a dúo, lo escuchamos,

y, bueno, pero esto es muy perfecto para el,

como mejoría ahí, con el sentido verdadero de,

tiene acordes de jazz, pero, al mismo tiempo,

tiene ahora el corazón flamenco.

Una melodía preciosa, pero que se presta a todo,

y ya luego cuando improvisamos,

el entrenamiento a la improvisación.

En esa mezcla, esa mezcla completa que todo vale en general,

entramos al jazz, salimos del jazz,

- Esperemos que guste a la gente. - Lo pasamos muy bien.

- Esa, esa es la clave. - Esa es la clave.

Ya nos conocemos más, ya nos miramos,

y estamos ahí, a lo que digamos.

Cuando regreso de gira,

quizás tomo un receso de un par de semanas,

lejos de la música, es como volver a tabla rasa

y entonces, en ese vacío, surgen las ideas,

se queda uno con el buen sabor de boca de una buena gira

y con tanta música como haces, tantas emociones, sentimientos,

todo eso se queda ahí, en el horno, como quién dice,

y luego se cocina solo.

De hecho, ya pensando en el próximo concierto de piano.

Así que lo tengo ya visualizándolo, como un triple concierto,

como es el número tres,

pienso hacer algo que no se utiliza,

que será para trío de jazz con sinfónica.

Ya ahí, junto los dos mundos, ya a tope, jazz y clásico,

en una sola obra, ¿sabes?, es normal en la arquitectura clásica

pero con el jazz por el medio

y porque tengo buenos músicos ahora,

acabo de hacer una gira por Escandinavia con ellos,

y en Italia también, pero de ahí, de esa gira,

ya lo estoy viendo, lo estoy escuchando.

Cliff viene de San Diego, California y Cliff también, comenzó conmigo

cuando tenía,

mucha gente no conoce que Lincoln es mitad indio siux,

de la tribu siux, su papá era indio americano,

que es de la tribu de los siux, ósea que el también tiene mestizaje,

igual que nosotros, ¿no?

El trío siempre ha sido el centro de todas mis funciones,

he hecho muchos proyectos en solo, dúo, trío, sexteto, big band

y hasta sinfónica, orquesta sinfónica,

entonces el trío siempre ha sido como la célula central de todo,

el tronco del árbol, ¿no?

Yo lo llamo música de cámara para sesión de ritmo,

porque no solamente toca la melodía, sino toca en el medio tutti

y unísinos y complicaciones, ¿no? que lo hacen más interesante todo

y además lo mantiene más interesado en la música.

El reto es, primero combinar muchos diferentes estilos,

no solamente latino, viene ya por añadidura,

sino también los tradicionales de jazz, brasileños,

dentro de mi trío hay mucha música brasileña también,

hay muchos colores.

Es la flexibilidad lo que se requiere aquí en este trío,

decimos en New York, una expresión que dice: orejas grandes,

la manera de escuchar lo que va a pasar con antelación,

es como un séptimo sentido, ya no un sexto, sino un séptimo.

Si alguien, de repente, vamos a decir, a ver si lo decimos,

que a propósito se queda detrás o vira el ritmo,

pues no pasa nada, todo el mundo sabe exactamente donde está,

y en un momento dado converge de nuevo,

entonces eso es como tensión y relajación, completamente,

se crea un poco de tensión y, al mismo tiempo,

siempre hay un centro común, donde nos encontramos todos.

Al fin y al cabo, el arte es el lenguaje más íntimo del alma,

que es poderosísimo,

que es lo que hace que un público sonría con sonidos

y que se acelere el pulso, que puedan vibrar,

que puedan recordarse esos seres queridos,

hay un misterio dentro de todo esto,

cuando te vuelves artista, ya no músico, sino artista,

tratas de dominar ese lenguaje,

que es el lenguaje que nos une a todos

y que hace que todo el mundo vibre,

pues ese lugar en el tiempo es como una zona de encuentro,

como decir un aposento alto, donde todo el mundo entra,

y si logramos que se nos unan en ese momento

en base a sonido

que, al fin y al cabo, también es aire en movimiento

pues ahí se forma la magia, lo que llaman los gaditanos el duende

o se aparece el ángel, ¿sabes? y eso es lo que todo artista persigue,

comunicar con su público

y que todo el mundo se vuelva uno solo,

aunque sea en ese momento,

y se encuentren en ese lugar en el tiempo,

en ese sentido, simplemente es muy simple,

es una cosa que va a pasar.

Ya con ese patrón ya estableces esa vibración armónica,

porque hay un choque de aquí, de estas dos notas,

que en realidad son disonantes,

pero si las tocas no juntas se crea esa vibración interna,

nos está hablando la vibración, ¿no?

y, simplemente,

esa vibración es neutralizada por esta quinta,

que las pone en un lugar en el tiempo,

en distinta forma,

le pones la melodía encima.

¿Sabes?, todas las he dado siempre en ese intervalo, ¿no?

y, basado en esa pequeña disonancia que, al fin y al cabo, lo que hace

es, hace que las notas tengan más profundidad

y que sea expansivo todo,

y es el típico ejemplo de menos es más,

donde se vuelve todo muy íntimo, muy cariñoso, muy tierno,

pero, al mismo tiempo, tiene una profundidad sonora

y amplitud, por los armónicos que están en juego totalmente,

lo que están escuchando en realidad no es esto,

arriba, todos los armónicos encima de su sonoridad

y esto es subliminal,

lo cual lo vuelve espiritual.

La gente, aullaba en ese concierto,

habían traído una súper banda de New York,

que hay unos músicos espectaculares y sonaron aquella noche increíble,

yo creo que Michel estaba en su tierra,

pero era, el que vuelve a su país habiendo triunfado fuera

y, iba a hacerles el gran regalo, ¿no? de aquella noche.

El estaba localizando en Miami, para la película "Two Much"

y yo tenía un concierto de big band en Santo Domingo

en Altos de Chavón, un anfiteatro inmenso,

con 100.000 personas de audiencia, y, hombre,

si estás libre este fin de semana acércate y nos ruedas.

Si, si, ahí me lió y fui y rodamos

en unas condiciones terribles, técnicas,

las cámaras estaban estropeadas, no estaban igualadas unas a otras

y la imagen deja mucho que desear, pero la música fue tan espectacular,

yo creo que es uno de los mejores conciertos

que yo he estado en mi vida.

Y es para mi un documento histórico,

no porque sea mío, sino por el nivel de musicalidad

que hubo esa noche

y como cada arreglo fue redefinido al instante,

porque no estaba apañado así,

sino que fue cómo los músicos fueron cambiando en el momento, ¿no?

Lo pillamos siempre el espíritu del momento

y como se hizo jazz a un alto nivel,

y hay una libertad total creativa esa noche.

Yo creo que tuve la ventaja de que como tocaba desde niño,

desde los cuatro años y medio y la familia siempre te celebraba,

una familia inmensa que tenemos los Camilo allá,

en Santo Domingo,

pues todos me celebraban siempre, desde niño,

ven, tócales algo al tío, o a la tía, o a los primos,

entonces, pues uno le pierde el miedo escénico,

porque siempre tocaba delante de alguien.

Cuando me siento delante de un público, no hay medios,

fíjate que ni me tiemblan los dedos,

al contrario, sino que me siento y, por suerte,

conecto con la música y lo que es importante,

ponerse al servicio de la música,

de manera que no haya el ego,

el ego es lo más difícil para un artista,

si comienzas a pensar en otras cosas pues ahí se pierde el hilo musical

y el discurso musical, el ensayo del compositor

si logras tocar al público, aunque sea ínfimamente en el alma

y que el público se enamore o que se le acelere el pulso,

que se sonría, que llore, lo que sea, pero que vibre,

pues ya lo has logrado.

Y lo más importante es con un público que reacciona

y no se contiene, porque entonces te das cuenta que los has hecho bien

y que, por suerte, Dios te ha dado este momento de magia,

que es irrepetible y que es único

y es donde uno da las gracias de estar vivo

y de poder estar en este momento en este lugar, en este entorno

y que todo en ese momento se vuelve luz.

(Aplausos)

Imprescindibles - Michel Camilo, todos los colores del piano

56:13 24 abr 2017

Documental que acompaña al pianista y compositor en sus giras mientras recuerda su trayectoria y su obra. A lo largo de la cinta se escuchan además declaraciones del músico dominicano y de quienes han trabajado con él, como el director de cine Fernando Trueba, las pianistas Katia y Mariele Labèque, el guitarrista Tomatito o el director de orquesta, Jesús López Cobos, entre otros.

Histórico de emisiones:
14/11/2014

Documental que acompaña al pianista y compositor en sus giras mientras recuerda su trayectoria y su obra. A lo largo de la cinta se escuchan además declaraciones del músico dominicano y de quienes han trabajado con él, como el director de cine Fernando Trueba, las pianistas Katia y Mariele Labèque, el guitarrista Tomatito o el director de orquesta, Jesús López Cobos, entre otros.

Histórico de emisiones:
14/11/2014

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    La Chana - presentación

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    1:49 pasado miércoles En los años 60, 70 y 80 La Chana fue una de las más grandes estrellas del mundo del flamenco. La bailaora gitana autodidacta irrumpió en los escenarios en plena edad dorada del flamenco, deslumbrando el público gracias a su estilo innovador caracterizado por sus novedosas combinaciones rítmicas, nada tradicionales, y por su velocidad, expresión y fuerza sin precedentes. Sus actuaciones se anunciaban en colosales carteles alrededor de todo Madrid. Peter Sellers, con el cual actuó en la película The Bobo (1967), la invitó a Hollywood. Pero nunca fue. Repentinamente, en la cúspide de su carrera, desapareció de los escenarios. Siguiendo el backstage de la última importante actuación de La Chana, en 2013, se desenmaraña la historia de una vida turbulenta para revelar el secreto que truncó su prometedora carrera: fue víctima, durante 18 años, de abusos domésticos por parte de su primer marido. LA CHANA no trata sobre una vida que pudo haber sido, sino de la increíble fuerza de La Chana que le permitió superar las complicadas circunstancias de su vida. Es una historia sobre los procesos de creación y su fuerza, sobre el amor, la amistad y la reinvención. La Chana nos lleva a la esencia de su pasión, revelándonos una historia poética e inspiradora, cristalizada en los inevitables conflictos de una vida extrema y contradictoria; entre el artista encima del escenario y la mujer detrás del telón. Gracias a una amiga en común, la flamencologa y músicologa Beatriz del Pozo, conozco a La Chana en el 2012 y en seguida iniciamos el proyecto documental. A medida que me empieza a explicar su historia de vida, empieza también a exponer las conexiones entre su necesidad de crear y las duras circunstancias vitales por las que pasó. La mujer poderosa en el escenario se yuxtapone a una mujer con las alas cortadas detrás del telón. La Chana se encuentra en un momento de su vida donde se enfrenta a su vejez y a la imagen de mujer y bailarina que una vez fue. Su particular confrontación con esta situación la hace aún más bella e impresionante como personaje. El lunes, 28 de mayo, a las 20.50 horas, en Imprescindibles de La 2

  • 59:44 pasado lunes Documental biográfico sobre la personalidad y las facetas como escritor, periodista y cineasta de Gonzalo Suarez, un acercamiento a su peculiar forma de hacer ficción. Histórico de emisiones: 19/12/2016

  • 54:24 14 may 2018 Josep Renau (1907-1982), multifacético artista valenciano, activista político e intelectual comprometido fue nombrado Director General de Bellas Artes del Ministerio de Instrucción Pública y Bellas Artes en 1936, jugó un gran papel en la salvaguarda y evacuación de las colecciones artísticas antes de los bombardeos y su encargo a Picasso, derivó en la realización del “Guernica” para el pabellón español de la Exposición Internacional de París de 1937. Debido a su compromiso político tuvo que huir de España tras la Guerra Civil, recalando primero en México, donde se desarrolló como cartelista antes de asentarse en Alemania, país en el que continuó con su carrera artística. Filmado entre Valencia y Alemania, “Josep Renau. El arte en peligro” pasea por la infancia del artista en las calles del Cabañal para luego viajar hasta lo que era la República Democrática Alemana, donde desarrolló los murales que todavía se encuentran en la ciudad de Halle-Neustandt. El trabajo recoge las voces y testimonios de Marta Hoffman, artista y amiga del creador; José Miguel G. Cortés, director del Instituto Valenciano de Arte Moderno; Fernando Bellón, biógrafo de Renau; Manuel García, crítico de arte y Doro Balaguer, amigo y fundador de la Fundación Josep Renau, entre otros.

  • 2:56 10 may 2018 Josep Renau (1907-1982), multifacético artista valenciano, activista político e intelectual comprometido fue nombrado Director General de Bellas Artes del Ministerio de Instrucción Pública y Bellas Artes en 1936, jugó un gran papel en la salvaguarda y evacuación de las colecciones artísticas antes de los bombardeos y su encargo a Picasso, derivó en la realización del “Guernica” para el pabellón español de la Exposición Internacional de París de 1937. Son muchos los motivos por los que Josep Renau es un imprescindible de nuestra cultura. Cartelista fotomontador, teórico del arte, pintor, muralista, dibujante de películas de animación... hablar de Renau es hablar de un hombre del Renacimiento solo que nacido en los albores del siglo XX. En el diseño gráfico introdujo novedades como el uso del aerógrafo y tras dejar atrás su etapa como artista “decó” se sumergió en las aguas de las primeras vanguardias situándose así como cabeza visible en España de movimientos como el constructivismo ruso o el dadaísmo alemán. Su compromiso político le llevó muy pronto a abandonar su fulgurante carrera y los trillados caminos del mercado del arte para zambullirse en la producción de obras abiertamente políticas y muy críticas con el fascismo que acechaba Europa. Su colaboración con importantes revistas del momento de carácter anarquista como Estudios, Orto o Nueva Cultura así lo demuestran. Josep Renau, el lunes, 14 de mayo, a las 20.50 horas, en Imprescindibles de La 2

  • 2:30 10 may 2018 Filmado entre Valencia y Alemania, “Josep Renau. El arte en peligro” pasea por la infancia del artista en las calles del Cabañal para luego viajar hasta lo que era la República Democrática Alemana, donde desarrolló los murales que todavía se encuentran en la ciudad de Halle-Neustandt. El trabajo recoge las voces y testimonios de Marta Hoffman, artista y amiga del creador; José Miguel G. Cortés, director del Instituto Valenciano de Arte Moderno; Fernando Bellón, biógrafo de Renau; Manuel García, crítico de arte y Doro Balaguer, amigo y fundador de la Fundación Josep Renau, entre otros.

  • 3:37 09 may 2018 Josep Renau (1907-1982), multifacético artista valenciano, activista político e intelectual comprometido fue nombrado Director General de Bellas Artes del Ministerio de Instrucción Pública y Bellas Artes en 1936, jugó un gran papel en la salvaguarda y evacuación de las colecciones artísticas antes de los bombardeos y su encargo a Picasso, derivó en la realización del “Guernica” para el pabellón español de la Exposición Internacional de París de 1937.

  • Salvador Espriu

    Salvador Espriu

    57:13 07 may 2018

    57:13 07 may 2018 Documental dedicado a la personalidad y la obra del poeta Salvador Espriu, al que se le llamó el poeta de la muerte, pero también era el poeta de la vida, ya que muerte y vida para el poeta no son dos cosas contradictorias. Histórico de emisiones: 01/12/2013

  • 2:21 17 abr 2018 En el Día de las Letras, el día de Sant Jordi, el Día del Libro, en Imprescindibles estrenamos este documental sobre el destacado escritor barcelonés. “La verdad sobre el caso Mendoza” no es un documental dedicado a relatar la brillante trayectoria de Eduardo Mendoza. De hecho, nuestro relato se detiene en 1975, fecha de la aparición de su primer libro, La verdad sobre el caso Savolta, que significó a la vez su debut literario y su consagración como uno de los autores más populares y respetados de la literatura española. Porque más que el relato de una exitosa carrera literaria, cuajada de reconocimientos, de éxitos de crítica y público, de traducciones a decenas de lenguas y coronada por el premio Cervantes, queríamos explorar los años de iniciación del autor, años de formación, de búsqueda y de aprendizaje. Averiguar, en la medida de lo posible, quién y cómo era Eduardo Mendoza antes de alcanzar la notoriedad. Basado en un relato autobiográfico escrito ex profeso por el autor y en una serie de entrevistas y revisiones de su archivo personal, el documental nos permitirá conocer algo de los orígenes familiares del escritor, de sus primeras lecturas, los balbuceos de su vocación, el deseo de escapar de una España gris y asfixiante, sus estudios en Londres, así como las circunstancias que concurrieron en la concepción, la redacción y la edición de la novela con la que alcanzaría una inesperada notoriedad con apenas treinta y dos años. “La verdad sobre el caso Mendoza” propone una mirada íntima y cercana, no exenta de humor, a uno de los autores capitales de la cultura española de las últimas décadas.

  • 1:54 17 abr 2018 “La verdad sobre el caso Mendoza” no es un documental dedicado a relatar la brillante trayectoria de Eduardo Mendoza. De hecho, nuestro relato se detiene en 1975, fecha de la aparición de su primer libro, La verdad sobre el caso Savolta, que significó a la vez su debut literario y su consagración como uno de los autores más populares y respetados de la literatura española. Porque más que el relato de una exitosa carrera literaria, cuajada de reconocimientos, de éxitos de crítica y público, de traducciones a decenas de lenguas y coronada por el premio Cervantes, queríamos explorar los años de iniciación del autor, años de formación, de búsqueda y de aprendizaje. Averiguar, en la medida de lo posible, quién y cómo era Eduardo Mendoza antes de alcanzar la notoriedad. Basado en un relato autobiográfico escrito ex profeso por el autor y en una serie de entrevistas y revisiones de su archivo personal, el documental nos permitirá conocer algo de los orígenes familiares del escritor, de sus primeras lecturas, los balbuceos de su vocación, el deseo de escapar de una España gris y asfixiante, sus estudios en Londres, así como las circunstancias que concurrieron en la concepción, la redacción y la edición de la novela con la que alcanzaría una inesperada notoriedad con apenas treinta y dos años. “La verdad sobre el caso Mendoza” propone una mirada íntima y cercana, no exenta de humor, a uno de los autores capitales de la cultura española de las últimas décadas.

  • Jardiel Poncela

    Jardiel Poncela

    56:25 26 mar 2018

    56:25 26 mar 2018 Inverosímil, Jardiel Poncela, bucea en la creatividad de un autor, que para el dramaturgo Sergi Belbel, es uno de los grandes del teatro de todos los tiempos, un out sider avanzado a su tiempo. Jardiel fue un escritor con una abundante producción literaria, poco comprendido, incluso censurado, tanto por la II República, como por el franquismo "fue también director de cine en Hollywood, escenógrafo, director de actores, diseñador de un edificio teatral". Nos lo cuentan, entre otros, sus nietos, Paloma Paso, Enrique Gallud y Carlos Dorrell, Gil Parrondo, Román Gubern, Jesús García Dueñas Además, Pepe Viyuela interpreta las palabras de Jardiel. Histórico de emisiones: 19/12/2014

  • 57:07 12 mar 2018 El documental retrocede en el tiempo y llega a los recuerdos infantiles de espectadores que se pegaban al televisor para ver y escuchar al carismático divulgador y naturalista Félix Rodríguez de la Fuente en unos programas que cambiaron la mentalidad de los españoles en relación con la naturaleza. 'El animal humano' cuenta con testimonios de su hija menor, Odile, su viuda Marcelle Parmentier, compañeros de trabajo y reconocidos científicos y naturalistas como Luis Miguel Domínguez o Carlos Tabernero, profesor de la historia de la ciencia. Además, ha profundizado en el archivo personal del naturalista donde se encuentran miles de documentos entre los que destaca la correspondencia que mantuvo con su público.

  • 2:34 06 mar 2018 Un emotivo homenaje al hombre que consiguió cambiar la mentalidad de los españoles en relación con el medio ambiente Félix Rodríguez de la Fuente hubiera cumplido 90 años el próximo 14 de marzo No te pierdas el especial de RTVE.es sobre Félix Rodríguez de la Fuente Estreno: el lunes 12 de marzo a las 21.00 horas, en “Imprescindibles” de La 2 Pre-estreno el martes 6 de marzo, a las 20.30 horas, en Cineteca Madrid La 2 ha preparado una programación especial dedicada a Félix para toda la semana del 12 al 18 de marzo

  • 00:35 01 mar 2018 La obra que le catapultó fue “el hombre y la tierra” una serie de documental que estuvo en antena desde 1974 hasta 1981, un año después de su muerte. “el hombre y la tierra” se divide en tres grandes bloques: las series venezolana y americana primera y última respectivamente y la ibérica considerada por muchos su obra magna.

  • 00:24 01 mar 2018 Félix Rodríguez de la Fuente fue una de las personalidades más influyentes de la segunda mitad del siglo XX hasta el punto de marcar con su trabajo a un par de generaciones de españoles.

  • 00:29 01 mar 2018 A Rodríguez de la Fuente se le conocía como al amigo de los animales, una apreciación que su hija Odile considera errónea “él sentía una profunda admiración por la humanidad y lo que más le preocupaba era la capacidad de la raza humana para hacerse daño a si misma”.

  • 00:35 01 mar 2018 “Su verdadero público eran los niños, porque pensaba que la juventud el día de mañana se dejarían de tanta palabra y pasarían a los hechos” explica su viuda Marcelle Parmentier. Rodríguez de la Fuente sembró intencionadamente la conciencia ecológica, tan pronto llegó a la televisión se dio cuenta de su poder de seducción, de su talento para comunicar y supo sacarle partido en una España que sólo distinguía a su fauna en función de si era una buena pieza de caza o que sólo valoraba sus paisajes y ecosistemas por la rentabilidad económica de sus recursos…. “Querido amigo Félix (….) pienso que Dios ha puesto en el mundo a los animales para que los veamos correr y crecer y no para matarlos, por eso me gustan mucho sus programas” (Carmen, 1976) Este fragmento corresponde a una carta enviada a Rodríguez de la Fuente por una niña de 8 años. El documental ha tenido el privilegio de hurgar en el archivo personal del naturalista: miles de documentos entre los que destaca la correspondencia que mantuvo con su público infantil y adulto. Como cuenta el profesor de historia de la ciencia Carlos Tabernero “esas cartas tienen un valor histórico incalculable porque en ellas se puede ver el nacimiento de la cultura ecologista con Félix como inductor desde su posición mediática”

  • 00:45 01 mar 2018 Un fragmento del documental "El animal humano", dedicado al gran Félix Rodríguez de la Fuente.  El gran naturalista defiende al lobo ibérico, para salvarlo de la extinción y ganar el cariño de los espectadores.

  • 2:16 27 feb 2018 ¿Quién fue la primera mujer que osó franquear la entrada de una redacción? ¿Cuánto ha cambiado el oficio desde entonces? Josefina Carabias (1908-1980) fue la primera periodista todo terreno tal y como hoy lo entendemos. Su vida ilustra perfectamente lo que significó para una mujer entrar en el mundo laboral. El retrato de Josefina Carabias, el lunes, 5 de marzo, a las 21.00h. n La 2

  • Jaume Plensa

    Jaume Plensa

    58:10 26 feb 2018

    58:10 26 feb 2018 Este documental es un recorrido por la obra del escultor español Jaume Plensa, conocido internacionalmente por su compromiso con el arte en espacios públicos y por ser uno de los máximos exponentes de la escena escultórica actual. Histórico de emisiones: 11/11/2010 14/03/2014

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