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Historia de nuestro cine - Coloquio: Óperas primas - ver ahora
Transcripción completa

(Música)

Buenas noches y bienvenidos a "Historia de nuestro cine",

que esta semana, retoma el coloquio de los viernes

después del verano.

Esta noche hablaremos de estas películas que,

para bien o para mal, nunca olvidarán sus directores.

Porque, ¿cómo se puede olvidar la primera vez?

Antes de nada, recordamos las cinco óperas primas

que hemos seleccionado esta semana y enseguida os presento

a los invitados que nos acompañan esta noche.

"Por última vez, no te muevas".

(Disparos)

"¿Otra vez pegándote?

Claro, más fácil, la culpa a mí. Ha sido este.

-¿Quieres cerrar la boca? -No lo iba a decir.

¿Decir qué?

-Pues que este... -Que te calles".

"¿Te acuerdas del nazi?

No le gustaba hablar, solo hacía así.

Saludaba.

-¿De verdad era nazi? -No, por Dios.

Y el mote, ¿se lo pusiste tú?

Tu padre."

"Jorge.

Tú y yo somos como dos peces.

Dos pececillos de agua fría, vulgares,

pero tú no te conformas con estar dentro de la pecera.

Y la pecera mola, tío".

"Fe es lo que hay que tener.

(RÍE) Sí, fe, fe... -No te rías, cabrona.

-Y tanto que hay que tener fe... -No, lo vais a arreglar la Susi y tú.

Como tú no me ayudes a mí, te vas a quedar tú como 'San Carajo'.

Lo mismo por arriba que por abajo. (RÍEN)"

Cinco óperas primas,

cinco historias y cinco trayectorias cinematográficas muy distintas.

Hoy nos acompaña el director de cine y guionista Daniel Sánchez Arévalo,

cuya ópera prima, "AzulOscuroCasiNegro",

emitíamos ayer. ¿Qué tal?

Muy bien. Ya era hora de que vinieras.

Que te hemos llamado varias veces y estás muy liado.

Si tú cada vez que me llamas, yo vengo.

Bueno no, yo creo que te hemos llamado más veces.

Gracias por estar con nosotros.

Nuestra siguiente invitaba ya sabe lo que es dirigir su ópera prima.

Ahora habrá que esperar al estreno

para saber cómo la recibe el público.

Me refiero a la escritora y guionista Celia Rico,

que debuta en la dirección con "Viaje al cuarto de una madre".

¿Qué tal, cómo estás? Muy bien.

¿Cuándo la estrenas? En un mes, ¿no? El 5 de octubre.

El 5 de octubre estrenamos, sí. ¿Nervios?

Un poquito, sí.

Enseguida hablamos de esa historia madre e hija.

Muy reciente tiene nuestro siguiente invitado

la sensación de estrenar su ópera prima,

David Victori, estrenaba hace unas semanas

su primer largometraje titulado "El pacto", ¿qué tal?

Muy bien.

También una relación entre madre e hija.

Exacto, sí.

Pero con un tono muy distinto, ahora me lo cuentas.

Y saludamos también al coordinador del programa

e historiador de cine, Luis Parés, que además,

dentro de nada, empieza el rodaje

de su primer largo documental. ¿Qué tal?

Muy bien. ¿Nervios?

La verdad es que no me lo acabo de creer,

así que bastante tranquilo. Bueno.

Vamos a hablar de óperas primas de la primera vez,

como decía al comienzo.

Poco a poco iremos analizando cada uno de los cinco títulos,

pero sí que son cinco maneras muy distintas

de comenzar en el cine, Luis.

Sí y además, ninguna de ellas es como la usual,

la que siempre ha pasado en el cine español,

que la forma más típica de entrar a la dirección era

hacer como una especie de carrera de méritos.

Empezar como auxiliar de dirección, ayudante de dirección y después,

llegar hipotéticamente a ser director.

Las cinco formas que vamos a ver esta semana son distintas

y además, están como unidas por el amor al cine.

No tanto por un aprendizaje del oficio sino por un aprendizaje

de la pasión de ver y contar historias.

Hablemos de vuestras experiencias, en vuestro caso,

el corto ha sido la manera más corta de llegar al largo.

Sobre todo,

es la manera para mí más eficaz si no es un objetivo primordial.

Si haces cortos solo para llegar al largo, para mí,

creo que te estás equivocando.

Yo empecé a hacer cortos porque es la manera de aprender,

experimentar, de formarte,

pero no como una obsesión para llegar al largometraje.

Lo importante es contar historias, de igual que sean largas o cortas.

Cuando te sientas y escribes, hay que ser muy honesto

con el material que tienes y a partir de ahí,

si te salen 20 páginas o 10 o 15, pues un corto.

Si te salen 90, un largometraje.

¿Cómo has llegado tú a estrenar tu primera película?

Además, contaste con la complicidad de Ridley Scott y Michael Fassbender

para uno de tus cortos.

Sí, la verdad es que fue una anécdota

y un evento muy importante en mi carrera.

Fue a través del festival de YouTube,

que ganamos con el anterior corto que había hecho, "La culpa",

y la verdad es que fue un proyecto...

Yo me acababa de mudar a Estados Unidos

y fue como un proyecto que rodamos ahí y una experiencia importante,

porque era un reto y la verdad es que era

muy ambicioso el proyecto.

(Música)

Creo que el corto también

es una oportunidad muy importante para el director,

para conocerse a sí mismo, porque también,

cuando no te pones a explicar historias en este medio,

no sabes muy bien cómo vas a reaccionar tú mismo en el proceso

y en los... géneros.

Y entonces,

a raíz de ir haciendo cortos cada vez más grandes

y también más complejos,

pero para mí,

cada corto ha sido un aprendizaje del oficio y sobre mí mismo también.

"Viaje al cuarto de una madre" es tu película,

la que estrenarás próximamente, dentro de un mes.

¿Cómo has llegado hasta aquí?

Tú tienes un corto solo.

Sí, yo solo tengo un corto. Que viajó a Venecia.

Viajó a Venecia, sí.

En este sentido fui un poco osada

de no hacer un corto después pero bueno,

tenía ganas de contar una historia que tal como la escribí,

era una historia larga y bueno,

decidí dar el paso al largo y de alguna manera,

al escribir el guion de "Viaje al cuarto de una madre",

seguí un poco como explorando

lo que ya había trabajado en el corto.

Fue un paso, muy natural de continuar con ese trabajo.

Siempre se dice que en una ópera prima,

uno vuelca gran parte de lo que ha vivido,

de ese imaginario que tiene.

No sé, en vuestro caso,

qué hay de todas esas vivencias y experiencias.

Porque claro, son muchos años los que uno piensa

esa primera película,

seguramente muchos más años que la segunda o tercera...

Yo de hecho estuve con el guion de "AzuOscuroCasiNegro" cinco años.

Para mí siempre había una cosa fundamental,

y creo que se refleja en casi todas las películas

de las que vamos a hablar,

yo creo que la única manera de... está todo inventado, está todo hecho,

la única manera de ser medianamente original

es partir de algún material muy cercano y muy tuyo.

Algo que, de alguna manera,

te toque muy de lleno y que lleves muy incorporado en tu sistema.

Tú has optado por el cine de género, un thriller de terror.

Una apuesta para ser una ópera prima bastante fuerte, ¿no?

Ajá, sí.

Además, como tú decías, la historia parte de una idea de mi padre,

o sea que más íntimo o cercano no puede ser.

Y un poco también de acuerdo con Daniel, que para mí,

lo interesante ha sido que en ese proceso de creación,

hay algo que estás explorando sobre ti mismo otra vez.

Para mí, cada peli, cada proyecto es una pregunta

que me hago a mí mismo

y que trato de resolver en el proceso creativo.

Drama intimista esa relación entre una madre y una hija.

Claro, en mi caso,

yo también parto de cosas muy cercanas que siento

siento y bueno,

al escribir el guion, de alguna manera,

tienes como un espacio para pensar en cosas que te preocupan.

En mi caso, es una historia de la relación a distancia

entre una madre y una hija.

Yo vivo lejos, soy de Sevilla y vivo en Barcelona,

tengo una relación, digamos a distancia con mis padres,

muy basada en el teléfono y bueno...

el cine te permite también como viajar a esos lugares

a los que no puedes viajar en la vida y, de una manera,

quería como ubicarme en casa de mis padres

y vivir un poco esa relación a distancia desde ese otro lugar

donde yo no puedo estar.

Y un poco, de querer hacer esta historia parte de eso.

De poder asomarme a lugares donde, difícilmente,

te puedes asomar en la vida.

En "Historia de nuestro cine", como su propio título indica,

tenemos que hacer historia.

Y ha evolucionado mucho también la manera de afrontar

ese primer proyecto a lo largo de las décadas.

Sí, porque digamos,

el cine personal ha estado como un poco fuera de circulación

en el cine español hasta hace relativamente poco.

Hasta un poco los años 70.

Antes lo que había era un sistema de estudio,

que aunque parezca mentira, en España era muy importante,

con unos estudios que promovían unos temas que buscaban guiones...

¿Qué pasa? Que en un momento dado, en los 60,

aparece la figura del productor independiente.

Sobre todo, caracterizada por Elías Querejeta.

En lo que se basa es en dar libertad a los autores.

En decir:

"Yo quiero escuchar tu historia y si me interesa,

yo te acompaño en el camino".

Ese cambio se produce como en los años 60 pero sobre todo,

en los 70,

que es cuando empiezan a aparecer más productores independientes:

Borau, Luis Megino, que son claramente los que dan

la posibilidad a nuevas voces a contar nuevas historias.

Ya que has citado a Borau,

vamos a comenzar hablando de la película que veíamos el lunes,

"Brandy", dirigida por José Luis Borau,

estrenada en 1962.

Es una coproducción entre España e Italia.

"Señores, muchas gracias, pero yo no sirvo para eso.

-Pues eres el único que se atrevió a enfrentarse con Moody.

-Sí, pero...

(RÍE) Estaba borracho. (GRITAN)

¡Pues sigue borracho!".

Tenemos la ópera prima de José Luis Borau,

que se formó en la Escuela Oficial de Cinematografía de Madrid.

Y es un encargo su ópera prima.

Sí, es un encargo porque Borau tuvo un poco de mala suerte.

Cuando él sale de la escuela, realmente nadie apostaba

por los alumnos que salían de la escuela.

"La escuela no estaba bien vista.

Era muy difícil pasar a la profesión.

Lo habían conseguido Bardem y Berlanga,

pero ya hacía bastantes años,

su película "Bienvenido Mister Marshall"

era del 53,

su primera película, que no se había estrenado

hasta después, era del 51.

Y yo estoy hablando del año 60, cuando terminamos nosotros.

Que el cine no se ha aprendido en las pizarras,

te lo decían constantemente.

Que el cine se aprendía llevando bocadillos y cafés al director.

Tuve que aceptar hacer una película del oeste,

un "spaghetti western" para empezar en la profesión.

A mí no me importaba nada hacerla,

pero algunos de mis compañeros se rasgaban las vestiduras

y pensaron que estaban traicionando el concepto".

A él le llegó un guion cerrado,

que se llamaba: "El sheriff de Losatumba",

en un principio.

Él lo intento adaptar,

porque el guion era la adaptación de una novela de kiosco.

Entonces él lo intento adaptar un poco más en sintonía

con lo que venía siendo el western clásico.

Y como había un tema que, a priori, él no le interesaba,

que, a priori, le era ajeno, él quiso como experimentar.

Con la puesta en escena,

intentar probar como distintas escalas de plano,

jugar con un primer término, con un segundo término.

Jugar con ese escope y jugar un poco sobre algo que le interesaba mucho.

Después veremos, a lo largo de su filmografía,

cómo jugar con los clichés de las películas de género.

Es decir, él se tomó esta película no como una obra personal,

no como con la obra con la que él podría expresar su voz propia,

sino como una forma de seguir aprendiendo,

esta vez ya digamos en la liga de los profesionales.

Antes de que me digáis lo que os ha parecido la película,

¿vosotros hubieseis aceptado un encargo para debutar en el cine?

Yo... no.

¿No? Yo creo que...

Precisamente yo...

Porque a mí me sucedió algo, sí que te hacen ofertas,

te ofrecen guiones, porque ya tienes una trayectoria con los cortos.

Y yo sabía que ese primer paso, cuando lo diera,

tenía que ser algo muy, muy personal.

Para mí era fundamental. Pero no tengo nada en contra.

Yo creo que después de escuchar a Luis,

que yo no sabía toda esta intrahistoria,

me parece muy interesante.

Y entonces, ahora me gusta más la peli

de lo que me había gustado. (RÍEN)

David.

Pues la verdad es que también opino

que es importante que tu primera película

sea una apuesta personal.

Porque de alguna manera,

es tu presentación a nivel industrial

y vas a tener que defenderla

sabiendo que es algo importante para ti.

Celia.

Pues no lo sé, la verdad.

Claro, yo me siento cómoda haciendo lo que conozco.

No sé qué hubiera pasado a lo mejor

si me hubieran propuesto adaptar una novela que me guste

y que conecte con el universo.

A lo mejor ahí, sí. No lo sé.

Hablemos ahora de lo que os ha parecido "Brandy".

No sé dentro de la filmografía de Borau

si os choca esta manera de comenzar,

o si realmente ya veis en este western,

cosas que luego se repetirían o sería una constante en su cine.

Yo lo que tengo que decir es que el sueño

de mi vida es hacer un western.

Me gustaría, antes de morirme, hacer un western.

Incluso siempre hay ciertos guiños

en todas mis películas de elementos de western.

No sé, en "Primos",

esa secuencia en la que Quim Gutiérrez está

delante de la tumba hablando con su padre muerto,

intentando encontrar explicaciones, mi padre estaba allí en el rodaje.

Me dijo: "Hijo, esto es John Ford".

Y yo: "Pues a lo mejor",

que hemos visto muchas películas y lo tengo ahí metido en vena.

Celia, ¿impresiones de "Brandy"?

Yo me quedo un poco con lo que ha comentado Luis

de esta apuesta, por...

por la puesta en escena, por la composición, muy cuidada,

que es de las cosas que me han parecido más interesantes.

Y también a mí, personalmente,

me hacía como gracia la relación con "Río Bravo",

con el personaje del "borrachín" o "el borracho",

no me acuerdo ahora cómo lo llamaban.

Pues ver ese guiño.

De hecho, "Río Bravo" es como la influencia fundamental y además,

es un hito que se fije en el personaje secundario,

no en el de Dean Martin.

Y además, con un toque un poco picarón

por parte de Borau,

porque Dean Martin se redime y deja el alcohol, y aquí,

Brandy no solo no deja el alcohol

sino que sigue bebiendo para poder seguir disparando.

Eso por un lado es bonito,

también está eso que es muy típico del western,

que es el mal.

El mal representado por algo muy concreto.

Por una especie de casta social totalmente piramidal.

Está George Rigaudy y están como sus secuaces,

que son con los que te tienes que enfrentar.

Y las armas para eso es como el convencimiento

de que puedes enfrentarte.

Muy de la historia del western,

incluso lo podríamos emparentar

con un Gary Cooper de "Solo ante el peligro".

Y luego, también me ha gustado mucho cómo te introduce en la historia.

Esos primeros tres minutos.

Tienes el personaje del borracho, del cantor y al fondo,

tienes una cosa que, de repente, explota.

Y esa explosión, de repente, te devuelve...

O sea, no te lo esperas, no sabes qué está pasando.

(Explosión)

"¿Qué ha pasado?

-Es un disparate tener almacenada tanta pólvora con este calor.

Pobre señor Hopkins."

Decía Borau que a él le gustaba coger los géneros

para luego destrozarlos y hacer con ellos lo que quisiera, ¿no?

Antes David, fuera de cámara, me pregunta:

"¿De qué género es tu próxima peli?". Y yo: "Hostia, pues no sé".

Y qué bien no saberlo, porque me gusta mucho ir

a la contra de lo que sugiere cualquier historia.

Bueno, en "AzuOscuroCasiNegro" pasa, lo hablaremos enseguida,

que no sabes muy bien dónde ubicarla.

Claro, entonces a mí, las películas

un poco inclasificables, que para mí,

mi máxima referencia en los últimos años Alexander Payne.

"¿Esto qué es: una comedia un drama?".

Pues no lo sé y no me importa, es una película.

"Y me di cuenta de que era ya muy peligroso

para mi carrera el que se me clasificara

como director digamos comercial,

como director incluido en los géneros.

Y entonces, tuve que parar porque a partir de ahí,

me ofrecían más "spaguetti westerns",

no más películas policíacas pero sí otro tipo de películas

que no entraban en mis cálculos.

Entonces comprendí que solamente siendo productor,

produciendo mis propias películas,

no tenía que dar explicaciones a nadie.

Podría autovenderme. Los guiones los escribía yo..."

¿Cómo jugaba Borau con los géneros?

Borau lo que aprende de esta película es lo siguiente,

que también es un encargo, esta vez de cine negro.

Es que los géneros son muy eficaces

porque interpelan directamente a la imagen del espectador.

Es decir, no hace falta que te acabes la descripción

de los personajes o la definición.

Con lo cual, él juega a introducir esos imaginarios en otros lugares,

aparentemente, desacordes, ¿no?

Por ejemplo, "Furtivos".

También puede ser considerada una especie de western.

No es un desierto, es un monte pero están los personajes solitarios,

esa especie de soledad que te hace tomar decisiones

que pueden ser equivocadas.

Él lo que usa es darte pequeñas claves para que tú,

inconscientemente, puedas identificar esa película con un género

y aportar muchas cosas que así, él se ahorra de contar.

Esta película, "Brandy", tuvo un presupuesto muy pequeño.

Sí, de hecho, Borau siempre se quejó del presupuesto pequeño.

Hay que pensar que esto es puro cine de consumo

y como España no podía competir

con las grandes películas americanas a nivel de presupuesto,

intentaba competir a nivel de tema.

Y Borau se quejaba de que muchas pistolas,

ni siquiera disparaban.

O que las cartucheras eran de plástico

y costaba sacar las pistolas.

(Disparo)

"(GRITA) -¿Qué ha pasado, quién ha sido?".

Seguro que los espectadores esta semana

se han sorprendido al ver la película del martes,

"Tu novia está loca", porque es la ópera prima de Enrique Urbizu,

uno de los padres del thriller español actual.

Sí, estrenó en 1988 esta comedia que ahora vamos a clasificar.

"(SUSPIRA)

Tu novia está loca.

-Sí, está peor de lo que imaginábamos, ¿eh? ".

En primer lugar, yo creo que todos tenemos

que reconocer la sorpresa de pensar

que estos fueron los orígenes de Enrique Urbizu, que ahora mismo,

hace un cine totalmente distinto.

Me miras a mí como que yo tengo que hablar...

(RÍEN)

Voy a ir luego a por ellos, pero empieza tú.

No, yo no entendía, de hecho,

busque en qué año se hizo esta película, vi a Luis María,

es el guionista,

que fue un compañero mío en "Farmacia de guardia".

Me gustó ver los orígenes pero claro,

es que los orígenes casi perdidos,

es como un eslabón perdido en la carrera de Urbizu,

porque era algo...

Me empezó a interesar, "¿Pero cómo surgió esta película?".

"Pues porque era como más provocador, lo más...

Para nosotros, digo, y lo más difícil, quizás.

Y luego, por salirnos de la tónica habitual el cine vasco, sí,

porque la temática política y aquello estaba ya

pesando demasiado y a nosotros nos interesa verlo de otra manera".

¿Cómo llega Enrique Urbizu a esto?

Pues de una forma muy natural.

Él empezó haciendo cortos en "Súper 8" porque un profesor suyo

del instituto les deja la cámara a él y a Luis María y empiezan a jugar.

"Y así estuvimos,

haciendo prácticas durante varios años

hasta que empiezo a trabajar en Creativideo,

que es una empresa que se dedica al vídeo profesional en Bilbao,

donde conocemos a Joaquín Trincado y Ana Murugarren y juntos los cuatro,

Luis, Joaquín, Ana y yo, ponemos en pie la idea de hacer una comedia.

De hacer una comedia de ese estilo y nos repartimos los trabajos".

"Así que te rogaría que te metas en tu despacho de director creativo

y no salgas hasta la hora de comer".

-Esta película tiene mucho que ver con el cine español

que se hacía en esa época.

"Sé infiel y no mires con quién", con Antonio Resines,

o "Mujeres al borde de un ataque de nervios".

Una especie de comedia disparatada pero refinada,

con unas localizaciones como muy ricas,

con mucho dinero, digamos.

Con mucho dinero los personajes, no la producción.

(RÍEN) En el fondo, esta película es

como muy fruto de su tiempo.

Esta rareza dentro de la trayectoria de Enrique Urbizu,

¿cómo la has visto?

Claro, a mí me llama mucho la atención,

quizá lo que más destacaría, la inocencia de los personajes.

Como que hay una evolución de esos personajes,

de ese Resines súper inocente,

a cómo han ido evolucionando luego los personajes

que él ha construido en sus otras películas.

Por un lado eso, y también,

me resultaba muy curioso ver cómo utilizan mucho

como el "gap" visual casi del cine mudo.

Como el momento en el que ella quiere acercarse al actor

y coge el cigarro, viene el camarero y le enciende.

O cuando van con las esposas y se chocan con las farolas,

que además es recurrente y se vuelve a repetir.

Que es un poco la estructura que se utiliza

en el "gap" visual de toda la vida.

(Música)

Yo creo que en esta peli,

él también pudo conocerse a él mismo.

Yo creo que también pudo descubrirse cómo se sentía en esto.

No sé si ahora en la actualidad,

los directores que empezamos tenemos ese margen de maniobra

y que encuentre su público.

-Y que no te encasillen también. -Exacto.

-Esto es una comedia pero luego tu carrera

o lo que tú sientes va por otro lado.

Ya parece que eso te condenaría a un tipo de cine

o la gente te ubica aquí,

ya no piensa en ti como un director del thriller

en lo que se ha convertido, maravilloso, qué gusto, ¿no?

-Sí, de hecho, descubrir esto da un poco la cosa que decir:

"Hostia, puedes hacer cambios de rumbo en tu carrera".

Fue una apuesta, sin duda, de Enrique Urbizu,

porque fue a contracorriente de ese cine

que se estaba haciendo en el País Vasco en ese momento,

a finales de los 80.

Por supuesto, de hecho, él la define

como la primera comedia vasca,

porque el gobierno vasco de hecho tenía una política en los años 80

de apoyar mucho el cine de Euskadi

pero siempre eran películas como muy ligadas

a las situaciones sociopolítica,

a ETA, a la juventud o al desempleo y tal.

Y de repente, él se plantea hacer una comedia desenfrenada y además,

con una cosa que es muy envidiable y admirable,

una libertad enorme para usar el cliché.

Porque todos los personajes son clichés.

El Gran Wyoming no puede ser más cliché.

Guillermo Montesinos, también.

Él dice: "Si es que... ¿Por qué tengo que dibujar más?

Si lo que quiero es hacer reír

y esto es el camino más rápido para hacer reír".

Entonces sí,

la película fue un poco rupturista hasta tal punto

que el gobierno vasco no la subvencionó.

"Se presentó a subvención aquí, al Misterio de Cultura

y al Gobierno Vasco.

El Ministerio de Cultura nos concedió

el 50% de adelanto de taquilla

y el Gobierno Vasco no nos dio nada.

A partir de ahí, se puso difícil el tema,

pero en base a capitalizaciones y luego,

a la inversión privada de la propia Creativideo,

se pudo sacar adelante la película".

Una comedia muy libre, ¿no?

En los 80, también era lo que tenían, con ese final...

Daba la sensación de que efectivamente,

se permitían el poder experimentar pero con película, con 35 mm,

cuando a nosotros no nos dejan ya experimentar.

Coger oficio, trabajar con actores, joder, tiene un elenco increíble,

maravilloso.

Es verdad que yo estaba todo el rato intentando encontrar Urbizu

y no le he visto en ningún momento de la película...

-Pero hay envidia, un poco de envidia.

-Claro, te has permitido esto y luego has seguido tu carrera.

Porque es verdad que ahora tienes la sensación de que...

Vosotros ahora estáis sufriéndolo un poco.

De: "Tengo una bala, y si me sale el tiro un poco para allá, se acabó".

-Sí, sí, total.

"Ya me estás cargando.

Vamos a ver si de verdad eres tan duro como en las películas".

¿Cuánto tardó en hacer "Todo por la pasta", su segunda película?

Dos años.

Y ya sí que abre ese camino que ya conocemos todos.

Sí, ahí ya es el Enrique Urbizu que todos podemos reconocer.

Un thriller muy castizo. Recordemos que roban un bingo.

Un thriller también con un toque político,

con un trasfondo ahí de que al final, es la policía.

Y sobre todo, tenía una factura tan buena,

cosa que aquí a veces, adolece...

De cierta cutrez y de cierta rapidez en algunas decisiones,

que esa película fue la que le introdujo

en la verdadera industria.

De ahí, ya dejó Bilbao, se vino a Madrid, empezó a trabajar

con Andrés Vicente Gómez, haciendo encargos.

Vamos a hablar ya de la ópera prima de Gracia Querejeta,

"Una estación de paso", estrenada en 1992.

"Ven, mira.

Alguien ha entrado en la casa del nazi.

-La casa misteriosa".

Decíamos que aquí hay cinco maneras diferentes

de afrontar un primer trabajo, claro, en el caso

de Gracia Querejeta, es que lo tenía en casa.

O sea, su padre,

uno de los productores fundamentales de la historia del cine español.

Elías Querejeta.

Sí, un productor que además, ha permitido,

ha producido muchas óperas primas, que es también muy interesante.

Es decir, un tipo con olfato y que sabía escuchar.

Sí, digamos que el caso de Gracia Querejeta es casi por ósmosis.

Está como en el aire y está a su alrededor.

Su padre trabaja ya en casa, veía continuamente...

Su madre también, figurinista.

Su madre, figurinista, visitaría el rodaje.

Y claro, ella siendo adolescente,

tiene su primera experiencia en un rodaje, coprotagonizando:

"Las palabras de Max", ópera prima de Emilio Martínez Lázaro.

"¿Cómo se llamaba?

-¿Y a ti qué te importa? -Anda, dímelo.

-Si me dices lo que escribes en el diario.

-Eso es un chantaje."

Después ya, trabaja como ayudante en una película de Carlos Saura,

empieza a hacer cortos y documentales con más o menos éxito.

"Yo he vivido siempre el mundo del cine

de una manera bastante cercana,

con poca mitificación además, respecto al cine.

Casi como una especie de trabajo y un trabajo duro.

Quizá era una tendencia natural que acabara haciendo esto, no lo sé,

hace mucho ya que dejé de cuestionarme por qué".

Y esa es una película producida por su padre,

por Elías Querejeta y sí que tiene la esencia

de las producciones de Querejeta, ¿no?

Sí lo que yo más destacaría de la película es que hoy día

no te permitiría nadie hacer esta película.

¿Por qué?

Pues porque es una película que va creciendo en ti.

Que tiene un ritmo,

es una película que habla de la vida

y de cómo las pequeñas cosas que ocurren en la vida,

que ni siquiera te enteras,

acaban teniendo mucho calado en ti y te cambian.

Entonces, esta película, hoy día,

la gente estaría haciendo zapping a los 10 minutos.

Y se van.

Pero en ese momento,

tú vas al cine y confías en que en esa experiencia

de una hora y media, esa película te va a calar,

que es una película que hay que ver con paciencia.

Y hoy día, nadie tiene paciencia ni para ver ni para hacer cine.

"¿Os habláis?

-Sí, nos hablamos, decimos...

'buenos días',

'buenas noches' y alguna cosa más".

Una historia intimista.

Hablábamos antes, también tu ópera prima va por esa vía, ¿no?

De las relaciones familiares.

¿Qué te interesa de esta ópera prima?

Pues me han interesado varias cosas.

Me ha interesado, por un lado,

me ha interesado como ópera prima esta idea de la mirada,

de conectarse con el cine, esto de asomarse a la ventana y observar,

que bueno todo el que de pequeño ha hecho eso,

se conecta muy rápido con el cine, con esa observación.

Eso me gusta que esté en una ópera prima.

Y luego, hay cosas que me han interesado mucho,

como la construcción del personaje del padre.

Que es un personaje misterioso,

que lo vas conociendo como de una manera fragmentaria,

con pequeñas pistas.

Y me gusta mucho cómo está construido por el sonido.

Hay un momento en el que están en las ventanas asomados todos.

Y vas escuchando los pasos del padre

y te invade la emoción de: "Va a llegar".

Y también me gusta mucho un momento,

que para mí, era un momento especial de la película,

que está el niño en este gesto de mirar y observar subido al árbol.

Que ve al padre bailar con la amante, con la vecina.

Y ahí, de repente, es como que cuaja toda la película y en una imagen,

descubres, ¿no?

Descubres la complejidad de la mentira,

del amor y de la muerte.

Y todas esas tres cosas tan importantes en la película,

aparecen en ese momento, con una sola mirada.

Y eso me parece muy difícil de hacer

y a mí me ha llegado en ese momento fuerte.

¿Qué es lo que le ha llegado de la película a David?

¿Dónde pones tú la mirada?

Yo creo que en el carácter.

Al final, también ella se muestra ya como una autora.

Y como, de alguna manera,

imagínate que su padre no quería que hiciera cine, ella hace esto,

que es como una muestra de contundencia

y de amor por el cine.

Pero aparte, de oficio.

Porque a mí,

lo que me sorprendió es que a mí me parece una ópera prima muy madura.

Estábamos diciendo que Enrique Urbizu, en su ópera prima,

no tiene nada que ver con su cine posterior.

Sin embargo, en esta película de Gracia Querejeta,

sí queremos constantes de su cine

que luego vamos a observar en sus otras películas.

Sí, sobre todo que se centra en un núcleo que es la familia.

Una familia donde además, hay un secreto.

Que quizás todos comparten pero no se puede explicitar.

Y luego, el miedo a que ese secreto sea explicitado.

Luego también hay como personajes ausentes,

cosa que también vemos en "Cuando vuelvas a mi lado".

Regresos, cosa que vemos en: "El último viaje de Robert Rylands".

Yo creo que aquí, ella realmente vuelca algo que tiene muy dentro.

Como cierto universo

y es como la primera configuración de ese universo.

Porque realmente, creo que hasta en sus últimas películas,

podemos establecer relaciones con esta.

Y sobre todo,

a mí lo que me llama la atención es

esa puesta en escena tan dulce que tiene.

Que tiene que ver con lo que decías tú, Daniel.

Cómo te lo va contando sin acabar nunca.

Es como si las secuencias nunca se diesen por finalizadas.

"Juan, a la ducha.

Juan, o vas a lavarte ahora mismo o te quedas sin tele toda la semana.

Y la semana es muy larga".

Hablemos del reparto también.

Una ópera prima con un reparto internacional muy interesante.

Por ejemplo, tenemos ahí a Bibi Andersson.

Y tenemos a Omero Antonutti, que te lleva directamente a "El sur".

Y con un personaje también misterioso,

que hay muchas conexiones.

De hecho, si no estuviese Omero Antonutti,

seguramente nadie la compararía con "El sur", pero al estar,

lo haces y ves muchas relaciones.

Ese padre que aparece y desaparece.

Ese secreto que el padre como que te deja.

Esa necesidad de tener que reconstruir desde...

Siendo ya adulto o más maduro como el puzzle

de lo que ha sido tu infancia.

Sí, y el reparto es excelente,

sobre todo porque la película juega

a que cada personaje sea la pieza de un puzzle.

Entonces, la historia no está completa hasta que no cuentes...

Hasta que no los puedas juntar todos.

-A mí es lo único que no me acaba de gustar de la peli.

Porque no acabo de entender por qué hay

un reparto internacional en una peli tan... castiza.

Tan nuestra.

No entiendo, me saca un poco verles doblados.

Pienso:

"¿Pero no hay actores y actrices españoles para hacer del padre,

la padre y el hermano?".

Que son actores maravillosos, eso sí es verdad, y muy icónicos.

Pero digo: "¿Esto era necesario?".

"Pero hijo, ¿qué haces?

-Vamos a encenderla.

-¿Ahora?"

La película fue bien recibida por la crítica.

Ahí ya había una directora con una visión madura,

como apuntaba David.

La película se estrenó en La Seminci y ganó un premio.

Y toda la crítica española de gente tan importante

como en aquel entonces Ángel Fernández Santos,

ya la encumbró.

Porque realmente,

en esos años 90 donde el cine español pareció despegar,

pero hacia otro lado, no hacia un cine más internacional,

de género o no sé qué, aquí veíamos como una directora muy autora.

Con unas obsesiones...

Y no solo con unas obsesiones,

sino con el conocimiento suficiente

como para poner en escena estas obsesiones.

Entonces la película fue muy aplaudida por la crítica

y después, también fue bien de público.

Hace 12 años que Daniel Sánchez Arévalo estrenaba su ópera prima,

"AzuOscuroCasiNegro", la película que veíamos ayer.

Una película, por cierto, maravillosa.

"Sabía que te ibas a acojonar.

Lo sabía.

Pero eso me deja más tranquilo.

Porque eres un tío de principios, Jorge.

Y ahora sé que puedo confiar en ti. -¿Para qué?

Para que lo hagas".

Comenzábamos hablando de los cortos,

que había sido el paso previo antes de llegar al largo.

Hay mucho de tus cortos en esta película,

especialmente de uno, que es como el origen: "Física II".

Sí, sí, siempre me ha gustado como seguir tirando del hilo.

Seguir investigando un poquito en los personajes,

en qué hubiera pasado con ellos unos años después.

Es verdad que hice un corto que se llama "Física II",

que está escrito

después de la primera versión de "AzuOscuroCasiNegro".

Y que luego, como que seguí tirando de ese hilo.

Donde termina "Física II", empieza ""AzuOscuroCasiNegro".

"Jorge.

¿Quién lo ha quemado, Jorge?

-Yo. -No, tú no."

"No, tú no.

-No me puedo quedar en la portería.

-No puedo, de verdad. No me puedo quedar contigo.

Lo he intentado, te lo juro."

Son las obsesiones en estas historias

que tienes muchos años en la cabeza,

que quieres ir descubriendo más cosas de los personajes.

Y bueno, pues...

Ayer en la presentación,

Javier Ocaña veía más humor que drama en "AzuOscuroCasiNegro"

y yo veía más drama que humor.

No sé vosotros cómo la definiríais y qué creéis que prevalece,

porque desde luego, las dos cosas están muy presentes.

Yo diría que es más drama que humor.

Yo diría que es más drama que humor, yo creo en todo,

incluso en la puesta en escena, la elección de los planos y tal,

a mí es una película que para mí, personalmente, fue muy importante.

Porque yo a Daniel le seguía toda su trayectoria de cortometrajes

y para mí era un referente.

Y yo recuerdo, personalmente,

de estar como muy pendiente de la peli y verla en el cine

y decir: "Oh, qué bien".

"Que hay que aprender a mentir. O te va a ir muy mal en la vida.

-Sí claro, porque a ti te va de puta madre".

Y Celia, qué bien sabe sacar el drama

de la comedia y la comedia del drama, ¿no?

Sí, de hecho,

creo que este las cosas más interesantes que tiene la película.

Los actores están formidables.

Y cómo va jugando con todos esos registros.

De repente, pasas como de la sonrisa a la lagrimilla.

"Te estás riendo de la gilipollez en tu hermano, a ver.

-Que no me río, ¿ves?"

Algo también que hace en su película, bueno y en su cine,

es buscar la poesía dentro de lo cotidiano.

Sí,

él lo que muestra es un espacio donde parece que no puede haber

más miseria o derrotas morales y te lo poetiza.

De forma que cada pequeña cosa puede tener varios significados.

Incluso un cierto significado de salvación como el pez

o como esas sillas, con tu nombre...

Las azoteas, ¿no?

Para mí, la película,

lo que está proponiendo es una especie de vidas cruzadas.

Cómo los personajes se van cruzando continuamente

con un denominador común, que es que todos ellos

se tienen que enfrentar a sus expectativas.

Que es como el rito iniciático,

como cuando te haces mayor,

es porque te enfrentas a tus propias expectativas.

"Bueno, soy portero.

¿De fútbol?

No, de portería".

Esto es lo que opinan ellos,

ahora cuéntanos tú qué es lo que querías transmitir.

Yo recuerdo varias cosas,

recuerdo decirle a mi director de foto:

"No quiero hacer una peli que se quede vieja".

Quería hacer una peli bastante clásica, de puesta en escena,

de cómo la íbamos a rodar, el tratamiento de la imagen...

Me daba mucho miedo dejarme llevar por las modas

de lo que en ese momento nos flipaba

de lo que a lo mejor se hacia en Hollywood

o incluso en España y que luego, cinco años después,

la vieras y dijeras: "Madre mía".

Yo no he vuelto a ver la peli, sería incapaz.

Lo que sí pudo hablar es de que es una película

que he rodado en mi barrio,

que el edificio donde viven los personajes es donde vive mi madre,

donde yo he vivido 20 y pico años de mi vida,

que esa azotea es la azotea donde mi padre

tiene su estudio de pintura,

entonces, son elementos que a mí me hacían...

Yo me levantaba y estaba del set a 100 metros, menos.

50.

Y eso hace que sea lo que sea lo que salga,

por lo menos sea un poco personal.

Porque es algo como que es tan tuyo que...

Yo no creo que nadie seamos

realmente capaces de inventar nada nuevo.

Y otra cosa que para mí también fue fundamental,

los referentes que yo tenía alrededor.

La gente que estaba haciendo cine en ese momento,

que me hizo sentir a mí que yo también podía.

Que en ese momento eran Fernando León,

con el que yo había escrito series muy malas para televisión.

Cuando yo me entero de que ha escrito "Familia"

y que se la va a producir Querejeta.

Que la va a dirigir él además,

yo le pasé el guion de "AzuOscuroCasiNegro" a Fernando,

se lo leyó.

Yo quería que lo dirigiera él, pero Fernando, obviamente, dijo:

"Déjame en paz, yo hago mis propias pelis".

Me pasó con Achero Mañas. "Toma, para ti".

Óperas primas también las de ellos. O David Trueba,

que eran como mis tres tíos más o menos de mi edad haciendo cine

con el que yo me identificaba de manera muy rotunda

y decir: "Bueno, si ellos pueden, a lo mejor, yo también puedo.

Y me vi forzado un poco a dirigir mi propia peli

porque yo solo quería ser guionista.

Y no había nadie de los que yo admiraba

que aceptaran historias que vinieran de otro.

Entonces al final, dije: "Bueno venga, va".

"Que sí papá, que ahora vamos a misa.

Es que somos muy católicos. -Ya."

Es una gran película de personajes también.

Sí, volviendo a lo de la poesía, solo el título, es poesía también.

Ya el título es una declaración de intenciones.

Y sí, es una película de personajes,

una película donde la relación entre hermanos,

donde se van cruzando estas historias, y en este sentido,

yo quizás por haberlas revisado ahora,

la conectaba también con de Gracia, que no tiene nada que ver,

pero sí que hay esta historia como familiar de los vínculos familiares.

Y estos personajes que se miran unos a otros, que se observan,

que quieren ser diferentes un poco de este determinismo.

De tener esta herencia del padre.

Y que se observan entre ellos y a través del barrio,

de estas ventanas.

No sé, yo he hecho esas dos conexiones

y me ha parecido muy interesante también que sean dos óperas primas

que apuestan por esa mirada desde la ventana,

esa cosa primigenia de asomarse

y qué historias veo a través de la ventana, de sus prismáticos.

Hablemos de los actores,

de ti siempre se ha dicho que eres un gran director de actores

pero es que yo creo que te gustan mucho los actores.

Disfrutas en el trabajo con ellos, por ejemplo aquí,

estaba debutando Quim Gutiérrez, que está maravilloso.

Y luego, además eres muy fiel con tus repartos,

repites una y otra vez.

Yo más que dirigir bien actores creo que elijo bien a actores,

que es que es diferente.

Y luego es verdad que, gracias a mi madre, Carmen Arévalo,

que es actriz, amo a los actores.

Y luego, mi "papá dos", fue Héctor Colomé,

que está en la película,

que fue pareja de mi madre durante 25 años.

Entonces aprendes a amar y respetar la profesión

y a entender que cada actor es un mundo,

que son los que luego dan la cara y que los tienes que mimar.

Y que cada uno tiene necesidades muy, muy diferentes.

"Creo que así es más fácil. -¿El qué?

Quedarme embarazada."

Y es verdad que soy muy fiel porque soy muy casero, muy de formar nido,

el hogar.

También es cierto que luego, en cada película, me dicen:

"Siempre repites con los mismos".

Es verdad pero es mentira,

porque siempre hay actores nuevos y me gusta seguir buscando,

encontrando, y enseñando el enorme talento

que hay en este país en la interpretación.

Cómo es el trabajo de los actores en la película, ¿verdad?

Sí, maravilloso, la verdad es que es de admirar.

Ahora sabiendo lo que nos está contando,

de esta forma de trabajar, la verdad es que parte del trabajo,

que es, de alguna manera, dirigir a los actores,

para mí es lo que yo disfruto más como director.

A mí, dirigir a actores es lo que me parece más difícil.

También es lo más apasionante.

Sobre todo porque no puedes practicar.

Tú puedes coger una cámara, grabar, planificar, puedes pensar.

Pero trabajar con actores, sí que hay formas de practicar,

pero es lo que, digamos, se hace más durante el rodaje,

no puedes anticipar tanto.

Antes de pasar a la película que vamos a ver hoy,

la tuya de "AzuOscuroCasiNegro", funcionó muy bien.

Varias nominaciones a los Goya, recibisteis tres Goyas finalmente.

Entre ellos, el de mejor director novel.

"Por supuesto, se lo quiero dedicar a mis padres.

Mi madre, que está por ahí y mi padre, ahí.

Por llenarme de amor y traumas para contar mis historias. Gracias".

¿Es más difícil sacar adelante la primera o la segunda película?

Yo diría que la primera.

Que es verdad que en la segunda,

todo el mundo te mira con lupa y te está esperando con el hacha.

A mí, en la primera, también había gente con el hacha.

Pero creo que es más complicado hacer una primera película hoy día.

Y sobrevivir a esa primera película.

Pero hay mucha gente con muchísimo talento.

David y yo lo hemos vivido en nuestras carnes,

haciendo cortometrajes.

Muchísima gente con talento y luego, es un embudo

por el que el solo pasa gente muy contada,

porque tiene un golpe de suerte

o porque un cortometraje llama la atención...

Tu caso, Daniel, es el de un guionista

que dio el salto a la dirección

y el caso de esta noche es el de Paco León,

un actor que decidió también ponerse detrás de la cámara,

sucedió en 2012 y el título es "Carmina o revienta".

Me llamo Carmina.

Tengo 58 años.

Y el primer cigarro me lo fumé yo con siete años."

Decíamos que en el caso de Gracia Querejeta

todo quedaba en casa,

y a otro nivel, en el caso de Paco León,

también todo quedaba en casa con su debut cinematográfico.

¿Cómo llega a ponerse detrás de la cámara con "Carmina o revienta"?

Bueno, antes de contestar a esta pregunta,

me gustaría decir que el paso de actor a director

es mucho más común en el cine español de lo que creemos.

Ahora, muchísimo. Ahora, pero por ejemplo,

grandes directores del cine español:

Juan de Orduña, Fernando Fernán Gómez,

habían sido actores antes.

Puede sonar extraño pero en realidad, es muy común.

¿Cómo llega Paco León?

Paco León era un actor reconocidísimo, popularísimo,

porque era muy gracioso y con series como "Aída"

o "7 vidas" o las imitaciones de "Homo zapping",

se había hecho conocer e incluso querer mucho.

Pero siempre tenía como cierta inteligencia

que le hacía desear ir más atrás.

De hecho, si volvemos a ver los sketches de "Homo Zapping" hoy,

vemos ahí como una inteligencia latente.

Como muy corporal, siempre midiendo el espacio que le han dejado.

Entonces, él primero practica.

Bueno, practica, se lanza a dirigir un cabaret,

"Hole", que tenía como siete relevancia.

Y en los cortos donde los llamaba,

empezaba un poco como a picotear y a enterarse de la técnica

hasta que hace una serie que se llama: "Ácaros".

Que no tiene mucho éxito, es cancelada...

-Yo trabajé con él, es que a mí me sorprendió verle dirigir,

porque la imagen que tenía de él era como actor, actor de comedia.

Y de pronto, ver cómo la energía que tiene como director,

me quedé completamente sorprendido.

Y ya en ese momento, en ese programa, veías que era como...

Es un actorazo pero es que aparte, es un súper director.

Qué interesante esa mezcla de documental, mezcla de ficción.

Yo creo que la película está más allá

de la ficción y del documental.

Para mí, es un homenaje a la madre, a su madre.

En este sentido, parte de lo más cercano

como ópera prima, además, de retratar justo lo que más conoce.

Y hacerlo de esa manera, que es Carmina delante de la cámara.

Que es que ella ya conquista al plano solo con estar ahí.

"Y ahora, aunque estoy gorda, pero yo no me veo gorda.

Que yo muchas veces digo:

'Coño, ¿tendré yo... lo contrario a la anorexia?'

Yo es que me veo bien."

Yo no la había visto, la verdad es que no sé por qué,

la vio todo el mundo y yo no la había visto.

Y me ha sorprendido mucho como esa conexión.

Igual también al verla recientemente con la de Borau,

la conexión con el western.

Es que para mí, Carmina es como el sheriff del oeste,

que está por encima de la ley.

Que además, fuma, como un sheriff, con su encendedor de la cocina.

"Yo...

No me gustaría que me enterrasen... 'tendía'.

A mí que me sentaran.

Me gustaría que me llevasen...

en un sillón, coño,

¿por qué tengo que ir en una caja?"

Hay grandes frases.

También mucha improvisación, tengo entendido, en esta película.

Porque dice que Paco León decía que era todas esas historias

que su madre le contaba desde pequeño.

Sí, a mí, la peli me fascina, me encanta.

Efectivamente, hay dos grandes descubrimientos,

que es su madre y él como director.

Y lo que yo más destaco es algo que para mí,

ha sido muy importante y que creo que es muy importante.

No esperes en tu casa a que las cosas sucedan.

No tienes que esperar.

Hoy día, hay muchas maneras de contar historias.

Antes, necesitábamos más presupuesto o más gente.

Y lo que a mí me encanta es que Paco diga:

"Yo tengo una historia que contar, voy a contarla,

me da igual las herramientas que tenga, porque puedo contarla".

"-Calla, calla. -Te voy a decir una cosa.

¿No te acuerdas de que el coche lo llevaba yo?

¿Y la niña venía a mi lado?

-¿Cómo?"

Otro gran descubrimiento, su madre,

Carmina Barrios, que es una fuerza de la naturaleza,

que tiene una verdad que, aunque no tenga que ver

tenga que ver su vida con la nuestra,

pero empatizamos directamente con ella.

Sí, es que yo, es una película que lo que siento

de alguna manera en mayúscula es que yo no sabría hacerla.

Es una película que yo no sé cómo se hace.

Tendrías que tener una madre así también.

Sí, pero ya más allá de eso,

es una película que me parece un prodigio.

A mí me pasa a veces.

Veo películas que cuando salgo de ver la película, hayas disfrutado,

viajado a nivel emocional o lo que sea,

pero hay veces que la sensación es de "yo no sé cómo se hace esto".

Y es un poco lo que me pasa con esta película.

Que de alguna manera, no sé cómo se hace.

"El germen de todo esto son historias verídicas querían pasado a ella.

Historias de mi madre.

Entonces, al principio yo pensé en buscar

la mejor manera de contar esta historia.

Pensé incluso en un monólogo,

o escribir un guion convencional y hacerlo con actores,

con una actriz profesional.

Pero yo creo que no hubiera tenido la misma fuerza

y que esto del falso documental

y utilizarla a ella directamente era lo más potente y lo más directo".

Esta es una película que se rodó en dos semanas

y con muy poco presupuesto.

Vamos, no tenía prácticamente subvención.

Sí y además, a pesar de todo eso,

sin la voluntad de controlar cada detalle,

que es lo que decías tú de la improvisación.

Aquí, la apuesta radical que hace Paco León, más allá del reparto,

que hay que mencionarlo,

trabajar con tu madre y con tu hermana haciendo

de tu madre y de tu hermana y que a la vez,

hagan de personajes que no son ni tu madre ni tu hermana

es como un doble salto mortal. Pero la apuesta de decir:

"Yo quiero que las cosas sucedan, que surjan,

que yo no las pueda controlar. Sino que las sepa registrar".

Entonces, eso es lo que acerca la película al documental.

Porque hay momentos en los que tú puedes sentir el titubeo casi

del director que no sabe si va a decir 'corten' o no.

Es lo que enriquece,

lo que le da ese toque de realidad y de verosimilitud.

Porque al final, es una peli que te crees.

"La niña, en lugar de ayudarme, lo que hace es darme más por culo.

Me llamo María, tengo 22 años y no he estudiado nada".

Es una película que también tuvo mucho impacto popular.

¿Qué os parece cómo gestionó Paco León la distribución?

Porque a la vez, se estrenó en salas, también en Internet,

se la podían descargar, también estaba disponible en DVD.

No sé si hay que buscar nuevas maneras, si el futuro va por ahí,

¿cómo lo veis?

Yo estoy muy a favor siempre y cuando...

Yo soy el primero que quiero lanzar

un mensaje de amor a los distribuidores

y exhibidores de este país, que son unos campeones.

Son mis héroes por seguir apostando por el cine en el cine y sufriendo

todo lo que hemos sufrido durante muchos años.

Y también la desbandada general de las salas de cine.

Dicho esto, también creo que está bien este tipo de películas.

Buscar maneras de comunicar.

Porque al final,

lo único que queremos todos es que nuestras películas se vean.

Sabiendo que además eso no hace que ganes más o menos dinero,

sino que queremos que todo nuestro esfuerzo, por lo menos,

la gente sepa que está ahí.

"Esto, para mí, es una alternativa a la piratería claramente.

Y no pretende invadir o robar clientes a la sala,

sino a la piratería, hacerla legal.

Yo creo que son públicos diferentes y ojalá pudieran convivir todos,

esto es una utopía que me gustaría probar."

Yo pienso que hay películas que tienen que ir en un sitio,

películas que tienen que ir en otro, cada una tiene que encontrar,

su propia forma de llegar al público.

También esto se puede hacer con una película tan pequeña

y que ha tenido un presupuesto tan pequeño como esta, ¿no?

Exacto. ¿Cómo ves esto, Celia?

Sí, yo creo que no hay una fórmula para todos,

hay que saber entender bien qué película tienes,

cuál es tu público y de qué manera y en qué canales puedes distribuirla.

Yo creo que un poco lo que pasó con esta película es que Paco

y su equipo fueron muy inteligentes

de encontrar este camino para esta película.

Igual esto mismo con otra película, no habría funcionado.

No vamos a hablar más de "Carmina o revienta",

porque no queremos 'reventar' la película

para quienes no la hayan visto.

Luis, ahora te veo porque la presentarás enseguida, contadme.

¿Empiezas a rodar en septiembre?

Empiezo a rodar en septiembre, sí. Danos alguna pista.

Pues que no va a estar ni Antonio de la Torre, ni Quim Gutiérrez,

he decidido precisamente en esa especie de ansia mía,

llevo seis años sin rodar,

y tenía muchas ganas de volver un poco a los inicios.

Y quería reinventarme dentro de mí mismo.

Entonces, bueno, es una película que yo califico,

muy sencilla y muy sentida donde...

no repito con nadie ni de mi equipo técnico

ni de mi equipo artístico, lo cual, en principio,

me genera mucha angustia, porque soy muy de familia.

Pero creo que también me llevará a otro sitio.

Claro que sí.

"El pacto" se ha estrenado hace una semanas, tu ópera prima,

cuéntanos algo de ella que no nos hayas contado

y también tienes nuevo proyecto ya en mente.

Sí, "El pacto" al final es una historia, un thriller de terror.

Protagonizado por Belén Rueda. Es una historia entre madre e hija.

Al final, es la historia de una madre que tiene que,

de alguna manera, o que se resiste al destino de su hija,

que es que su hija va a morir de forma inevitable.

Y de alguna manera,

de lo que habla este cómo nosotros nos creamos nuestro propio infierno

al no aceptar la realidad tal como es.

Esa es la película de "El pacto" y ahora tengo un proyecto que,

si todo va bien, empezaremos antes de final de año.

De una madre y una hija también trata tu ópera prima,

"Viaje al cuarto de una madre", que se estrena el próximo...

El 5 de octubre.

5 de octubre, cuenta con la participación

de RTVE y también estará en la sección

de nuevos realizadores en San Sebastián.

Háblanos de ella.

Pues es una película sobre la relación entre una madre

y una hija que se centra en ese momento de la vida

en la que todos nos vamos de casa de los padres.

La película pone el foco no solo en la hija,

que tiene este deseo de independizarse y salir del nido,

sino que también pone el foco en la madre,

que es algo que se ha visto poco en el cine.

Cómo convivir con esta ausencia dentro de casa.

Ese nido vacío, ¿verdad? Es el nido vacío, sí.

¿Cuándo empiezas a rodar tu primer largo documental?

Empezará en noviembre, más o menos.

Es un documental sobre la escuela de cine

que hubo durante el franquismo,

que es crucial para entender el cine español.

Es un poco la prolongación de lo que hacemos en el programa.

A partir del cine español,

intentar entender la sociedad española y la evolución del país.

Gracias a los cuatro, muchísima suerte con ese estreno,

suerte con los nuevos proyectos,

también con la película que acabas de estrenar.

Y de verdad que hemos disfrutado mucho de este rato hablando de cine

y de óperas primas.

Cuando se estrenó "Carmina o revienta" hace seis años,

muchos se preguntaban: "¿Es documental, ficción?

¿Es un falso documental? Quizá la respuesta sea lo de menos.

Lo importante es que, con su debut en la dirección,

Paco León consiguió sorprender, divertir y lo más importante,

abrirse un hueco como director en el nada sencillo mundo del cine.

Enseguida estamos de vuelta para presentar la película.

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Historia de nuestro cine - Coloquio: Óperas primas

07 sep 2018

Elena S. Sánchez, Celia Rico, Daniel Sánchez Arévalo, David Victori y Luis E. Parés charlan sobre las "Óperas Primas" emitidas en la semana.

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