La serie Guggenheim es una producción del museo Guggenheim de Bilbao que muestra las exposiciones temporales del Museo.

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La sala: Guggenheim - Expresionismo abstracto - ver ahora
Transcripción completa

El museo Guggenheim, Bilbao,

les presenta "Expresionismo abstracto",

la mayor exposición dedicada en el continente europeo

a este fenómeno clave que transformó radicalmente

el arte de nuestro tiempo.

Organizada en colaboración

con la Royal Academy of Arts de Londres,

esta muestra trae a Bilbao obras maestras de los artistas

de este fenómeno con el objetivo de poner de manifiesto

un expresionismo abstracto para el siglo XXI.

(HABLA EN INGLÉS)

El expresionismo abstracto

fue la primera vanguardia artística que emergió en los Estados Unidos.

Tuvo una gran proyección internacional,

influyó decisivamente en el desarrollo del arte.

Y convirtió a Nueva York, epicentro de este fenómeno,

en referencia y centro neurálgico del arte.

Para nosotros era una oportunidad histórica, única,

porque el expresionismo abstracto no solo es un movimiento fundamental

en la historia del arte del siglo XX,

sino que para nosotros y para la colección del museo,

es un núcleo fundacional de la colección.

Muchas de las obras icónicas de nuestra colección

forman parte de la exposición,

por eso era muy importante formar parte de este proyecto.

(Música)

La exposición "Expresionismo abstracto"

es una de las grandes citas del arte,

porque es una exposición que ha conseguido

hacer una revisión completa de lo que fue este movimiento.

Consiguiendo obras de los artistas más importantes

que formaron parte del mismo. Dedicando salas completas a artistas

como Mark Rothko, Jackson Pollock, Willem de Kooning,

Clyfford Still, del que hemos, por primera vez,

han salido de Denver algunos de sus lienzos más sublimes.

Y la sala es realmente una sala espectacular y única.

También tenemos salas dedicadas a Franz Kline,

o Arshile Gorky, o Barnett Newman o Ad Reinhardt, entre otros.

También están otra serie de artistas que igual no estuvieron representados

en la primera línea del expresionismo abstracto,

pero que también fueron figuras clave como Joan Mitchell,

o Helen Frankenthaler.

La última vez que una gran exposición

sobre expresionismo abstracto se pudo ver en Europa,

fue en 1959. En plena guerra fría.

(HABLA EN INGLÉS)

Fue la exposición más importante

que se ha hecho nunca sobre este fenómeno,

este movimiento, el expresionismo abstracto.

Y probablemente es un exposición irrepetible,

porque es muy difícil de configurar y reunir obras de tanta calidad,

que vienen de museos tan distintos del mundo.

(Música)

A mí me gusta ponerla de ejemplo en la exposición del esfuerzo

que hemos hecho para atraer todas estas obras.

Porque cuando me pongo enfrente de ellas,

y hago el discurso de: "Está bien el Guggenheim de Nueva York;

la otra viene del Art Gallery de Ontario;

la siguiente viene del Museo Sheldon de Nebraska.

esta viene del Guggenheim de Bilbao; la otra pieza viene del Whitney

de Nueva York; la otra pieza del Museo de Toledo de Ohio.

La otra pieza viene del Art Gallery de Washington".

Por lo tanto, en esa sala,

te das cuenta del esfuerzo que se ha hecho

para traer todas estas obras.

Y para conseguir que esa sala de Mark Rothko

transmita lo que era su pintura,

los campos de color, cómo trabajaba el pigmento,

cómo conseguía crear esas capas, que eran casi aterciopeladas,

pero que podías todavía intuir las diferentes capas de colores.

Era casi como espiritual, ¿no?

Y él pretendía que la gente se emocionara ante ellos.

La utilización de los campos de color

como transmisores de emociones y sentimientos

fue una de las características de los artistas de este fenómeno.

Uno de los precursores de esa utilización

fue Arshile Gorky.

Porque hay un artista que supone un nexo de unión

entre el surrealismo, el cubismo,

todo lo que estaba sucediendo en Nueva York hasta entonces

y la llegada del expresionismo abstracto,

y ese artista es Arshile Gorky.

Él destiló las corrientes anteriores

e impulsó a las corrientes posteriores,

por eso es una figura clave en el desarrollo

de la historia del arte.

Esta obra yo creo que es, dentro de esta sala,

la que más refleja ese paso.

Se llama "Agua en el molino de las flores".

Pertenece al Metropolitan y es una obra en la que ya vemos

que, aunque todavía se adivinan formas

y tiene un corte muy surrealista, sin embargo,

vemos como también deja que los campos de color

y la pintura se desplace por la obra de manera bastante libre.

Es una obra emblemática dentro de la trayectoria de Gorky.

La disposición libre de los campos de color

también se observa en la obra de Clyfford Still,

otro de los grandes artistas de esta corriente,

uno de los cuatro jinetes junto a Pollock, Rothko y De Kooning.

Se le ha dedicado una sala completa en esta exposición,

donde se aprecian perfectamente la belleza, la importancia

y la magnitud de su inmensa obra.

(Música)

El expresionismo abstracto fue un fenómeno

tremendamente heterogéneo.

En realidad, el término lo usó por primera vez

un crítico en 1946.

Y aunque los artistas eran reacios a ser definidos como tal,

se utilizó para englobar a todos estos creadores

que sí compartían ciertas preocupaciones estéticas.

Se relacionaban entre ellos, existía un caldo de cultivo,

trabajaban con las mismas galerías, frecuentaban los mismos locales...

Pero cada uno tenía un lenguaje muy particular

y eso es lo que consigue la exposición,

que vayamos de un espacio hacia otro

y que consigamos recibir esa sensación de la particularidad

de los lenguajes de cada uno de estos artistas.

Otro de los artistas que consiguió un lenguaje particular inconfundible

fue Jackson Pollock.

Desde el punto de vista académico, hay un dato revelador.

Cuando Gombrich actualiza "La historia del arte",

el libro más vendido de la historia, que data de 1950,

la obra que eligen para abrir el nuevo capítulo final

y su único desplegable

fue "Uno: número 31, 1950" de Pollock.

Incluso desde un punto de vista no académico,

Pollock es el artista más emblemático de este movimiento,

debido, entre otras causas, a su halo romántico

y su trágica muerte en accidente de coche en 1956,

a la edad de 44 años.

No obstante, más allá de la leyenda,

en la época fue vital su importancia,

sobre todo, para los demás artistas,

ya que encarnó la posibilidad real de hacer algo totalmente nuevo,

radical y original.

Todos los artistas, críticos y amantes del arte

que vieron su mural, sintieron que algo había cambiado de raíz

y para siempre, cuando Pollock pintó esa obra

para el apartamento de Peggy Guggenheim en 1943.

Su tamaño, audacia y autenticidad

tuvieron una rápida y enorme repercusión.

(Música)

Tal y como admitió De Kooning, fue Pollock quien rompió el hielo.

Supo canalizar sus influencias, sus ambiciones estéticas

y su energía creadora de una manera única.

Y quizá fue el primero en atrapar el espíritu de la época,

un espíritu confuso, revuelto y trágico.

El contexto social, político, e incluso económico

de este movimiento, era realmente desalentador:

la Primera Guerra Mundial, la Gran Depresión,

la Guerra Civil Española, la Segunda Guerra Mundial.

Barnett Newman afirmó en una ocasión...

Ese era el espíritu de la época,

una suerte de existencialismo "avant la lettre".

También había un compromiso por condenar este horror.

Robert Motherwell, por ejemplo, pintó infinidad de cuadros

con el título "Elegía a la República española".

(Música)

David Smith, el gran escultor del movimiento,

realizó sus famosas "Medallas del deshonor",

donde representó, entre horrores similares,

el bombardeo a la población civil.

Fue una época difícil.

Incluso el propio contexto artístico era difícil

para la mayoría de los artistas.

Muchos de ellos vivieron

en unas situaciones realmente lamentables.

Elaine de Kooning contaba que tenían que elegir

entre si fumar o comer,

que robaban electricidad de los vecinos...

No es esta imagen que tenemos de que rápidamente

llegaron a las galerías, les empezaron a comprar los museos

y rápidamente les llegó el éxito.

Al contrario, el expresionismo abstracto

se fue cociendo a fuego lento durante muchísimos años

en una comunidad improvisada de artistas,

escritores y galeristas, que se juntaba en bares,

galerías, clubes o estudios,

y donde cada uno, aun sin saberlo,

cumplía una determinada función.

De Kooning era un personaje de estos, lo mismo que Gorky,

eran de estos personajes claves en toda esta relación de artistas.

Tuvo una relación muy especial con Gorky,

que fue casi como el maestro de De Kooning,

pero, al mismo tiempo, tuvo mucha relación con Franz Kline.

Gracias a que De Kooning le prestó un proyector a Franz Kline,

Franz Kline empezó a trabajar su obra de una manera diferente,

como ahora la conocemos.

Entonces, De Kooning era un poco un nexo de unión entre todos ellos.

Y también es un artista clave

porque De Kooning parte de una formación muy diferente,

porque De Kooning parte de una formación europea.

La amistad de De Kooning

con el resto de pintores neoyorquinos

se veía moderada con su reconocimiento

de que siempre sería un extraño.

Cuando iba a la academia declaró en una ocasión:

"Pintaba modelos desnudos.

Estaba haciendo el dibujo de un desnudo, no Holanda".

Sin embargo, algunos de sus colegas, cuando realizaban una obra,

sentían que estaban contribuyendo a alguna verdad

o energía esencial estadounidense.

Y quizá lo estaban haciendo, porque el trabajo de todos esos años

obtuvo su recompensa

y el movimiento eclosionó a finales de los años 40,

transformando por completo el panorama del arte moderno

y otorgando a Nueva York

la capitalidad mundial del arte y la cultura.

(Música)

Como fenómeno artístico, una de las grandes revoluciones

que trajeron consigo los expresionistas abstractos

fue el tamaño de las obras,

en el cambio de escala para con el ser humano y su mirada.

Frente a sus cuadros, la percepción ya no es simplemente intelectual,

sino intelectual y física.

El espectador siente que la obra lo envuelve.

Los expresionistas abstractos

recurrieron a estas vastas extensiones de color

para engendrar un campo cargado de conciencia humana.

Barnett Newman y Mark Rothko querían que los espectadores

se acercaran a sus pinturas y se sumergieran en ellas.

El espectador está en la imagen,

está en la obra.

Aunque cada artista consiguió su propio lenguaje particular,

encontramos tantas similitudes como diferencias entre ellos.

Y es realmente interesante observar el diálogo que surge

entre dos artistas como Barnett Newman y Ad Reinhardt,

que tuvieron una relación difícil en vida.

(HABLA EN INGLÉS)

Lo realmente novedoso de este fenómeno

fue que la abstracción se tomara enérgica,

expresiva, emocional, espiritual...

Y, de ese modo, aprendiera el espíritu de una época trágica

a la que ya no le era suficiente con la representación.

(Música)

(Música animada)

(CANTAN "CARMINA BURANA")

(Música)

(VOZ EN OFF EN INGLÉS)

"Desoriente" o "Disorient"...

es el título de esta obra de Fiona Tan.

Fue producida en 2009 para la Bienal de Venecia,

para el pabellón holandés. Bueno, es una obra especial

en la medida en que Fiona Tan es una ciudadana del mundo

en la medida en que Fiona Tan es una ciudadana del mundo

también bastante especial. Ella nació en Indonesia,

creció en Australia, está radicada en Holanda.

Lo que hace Fiona Tan es confrontarnos, por una parte,

con el aspecto más mercantilista del turismo

y, por otro lado, con esa trastienda que no queremos ver en occidente

y que ha construido también de alguna manera, Asia actual.

Todo ello hilvanando a través de las palabras

de este locutor que lee a Marco Polo.

(VOZ EN OFF EN INGLÉS)

Creo que ofrece un reflejo interesante de esa actitud

que tenemos al viajar y de lo que esperamos

cuando llegamos a un lugar, ¿no?

Queremos verlo bonito, queremos ver el decorado...

Queremos ser un poco Marco Polos y, sin embargo,

cuando llegamos a confrontarnos con lo real,

pues se produce una desorientación.

(Música)

La sala: Guggenheim - Expresionismo abstracto

25 mar 2017

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