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No recomendado para menores de 12 años Días de cine - 30/11/17 - ver ahora
Transcripción completa

Buenas noches. Bienvenidos.

Hoy tenemos una amplia presencia del cine de autor.

Desde clásicos como Godard hasta a autores más nuevos.

También cine de animación para toda la familia.

Y un icono popular que habla fenomenal.

Comenzamos.

(Música cabecera)

Dejad todos los móviles en el centro de la mesa.

Lo que nos llegue, lo leemos y lo escuchamos todos juntos.

Álex de la Iglesia dirige una comedia negra

sobre la hipocresía y la mentira con un espléndido reparto.

Julia Roberts protagoniza un emotivo drama familiar

sobre una madre y su hijo.

Tío, esto es gracias a la cirugía estética.

Cuesta un montón quedar tan guapo.

"Días de cine" rinde homenaje a un magnífico actor

que ha encarnado a uno de los grandes iconos del cine.

(Música)

La nueva película de Yorgos Lanthimos,

"El sacrificio de un ciervo sagrado",

tiene título de tragedia griega y, en efecto, lo es.

Una libérrima adaptación de la "Ifigenia" de Eurípides

de la mano del enfant terrible del cine europeo,

que sacudió en el pasado festival de cine de Cannes

por su extrema crudeza.

Colin Farrell repite de nuevo con Lanthimos

en esta bajada a los infiernos de la culpa y el castigo,

y lo hace muy bien acompañado por Nicole Kidman.

La vida es como una película de terror.

Hay un asesino en serie y, al final, te mata.

(GRITAN)

Para aliviar el mal trago, los griegos inventaron la tragedia.

Delegando en manos de dioses inmisericordes

la responsabilidad de nuestro destino cruel.

Yorgos Lanthimos se mueve como pez abisal

en las aguas de la tragedia griega.

El fin último de todas sus películas

es provocar la catarsis del espectador

mediante afiladas alegorías sobre la condición humana,

como "Canino".

(GRITA)

La película que le dio justa fama internacional.

Una demoledora disección de la familia

como nido de perversiones, que diría Simone de Beauvoir.

(Sirena)

El cine de Yorgos Lanthimos es un saco de cristales rotos

que cortan con solo mirarlos,

por mucho que un negrísimo sentido del humor

pretenda falsamente arreglar las cosas.

Sus guiones, escritos mano a mano con Efthymis Filippou,

desprecian el relato realista

para adentrarse en sofisticadas arquitecturas narrativas,

tan frías y distantes como "Langosta",

distópica charada intelectual en torno al amor

que pone a prueba la adhesión del espectador.

Si giramos la cabeza a la izquierda, decimos:

"Te quiero más que a nada en el mundo".

Si giramos a la derecha, quiere decir:

"Cuidado, estamos en peligro".

Con tales antecedentes, nadie esperaba que su nueva película

fuera ni luminosa ni ligera,

pero "El sacrificio de un ciervo sagrado"

es mucho más que una fábula oscura sobre el peso de la culpa.

Es, digámoslo ya, una majestuosa obra maestra

del cine de la crueldad, no apta para paladares veganos.

Siento mucho lo de tu hijo. -No es nada grave.

-Sí lo es.

Charles Baudelaire elaboró su "Poesía de la crueldad"

como respuesta a la crueldad del mundo

y al optimismo superficial del arte mayoritario.

Suyo es el verso: "Yo soy la herida y el cuchillo",

que encaja como un guante en el fondo y la forma

de "El sacrificio de un ciervo sagrado".

Sí que tienes más pelo que yo, pero no tres veces más.

Mi madre y yo pensamos que estaría bien

que esta noche vinieras a cenar.

Podríamos acabar de ver la película.

No entiendo por qué debería pagar yo el precio,

por qué tendrían que pagarlo mis hijos.

-Es lo único más parecido a la justicia que se me ocurre.

El resultado es un cruce de tragedia griega

y thriller sobrenatural que dejó en shock a la crítica

en el pasado festival de Cannes.

Puro cine de terror trascendente,

hecho de solemnes movimientos de steadycam,

grandes angulares y un perturbador diseño sonoro.

Un elaborado estilo visual que nos remite a "El resplandor",

de Stanley Kubrick.

Qué niño tan encantador.

Que sea Nicole Kidman, excepcional como siempre,

quien da la réplica a Colin Farrell

asocia "El sacrificio de un ciervo sagrado"

a otro clásico de Kubrick, su obra póstuma, "Eyes Wide Shut",

en lo que tiene de áspera disección del mundo de la pareja.

Pedro Almodóvar, en calidad de presidente del jurado,

pudo pasar a la historia del festival de Cannes

premiando con la Palma de Oro esta película fuera de norma,

pero, a falta de apoyos suficientes,

tuvo que conformarse con darle un ex aequo al mejor guion,

claramente insuficiente y casi hasta incongruente,

teniendo en cuenta que lo que distingue a Lanthimos

por encima de cualquier otra consideración

es su mirada de cineasta.

Juzguen ustedes mismos

y vayan a ver "El sacrificio de un ciervo sagrado",

bien pertrechados, eso sí, de betadine y tiritas.

Merece la pena.

Ya verás, tú tampoco podrás moverte. Te acostumbrarás.

-¿Dónde está? ¿Qué le has hecho?

En "Días de cine" celebramos la llegada

de un cine búlgaro más que interesante.

Si el año pasado hablábamos de la película ganadora

en el Festival de Cine de Gijón, "Un minuto de gloria",

ahora llega a las pantallas una película que pasó por Cannes,

también por Gijón, y que está muy bien.

Se titula "Destinos" y es un duro retrato

de la Bulgaria actual a través de un reparto muy coral.

Le diré una cosa,

he aprendido más respecto a Norteamérica en los taxis

que en todos los coches oficiales del país.

Para adentrarse en territorio desconocido,

nada mejor que subirse a un taxi

y tener de entrada una conversación con el conductor.

El mundo de la noche les pertenece, al igual que sus secretos.

Taxi, la ciudad y la noche siempre darán juego en el cine.

Tenemos personajes difícilmente olvidables,

como el Roberto Benigni de "Noche en la Tierra".

Otro especialista en dar la brasa, si se nos permite la expresión,

obsequiando a sus pasajeros

con delirantes teorías para explicar el mundo.

¿Sabe? Alguien debería tirar de la manta.

Sí, tirar de la manta en el Vaticano.

-¿Por qué conduce un taxi? La guerra ha terminado.

-Nunca me pierdo algo que me guste. Entrad.

Hemos visto taxistas empáticos.

Y clientes cuya presencia equivale a una condena.

Otros que quizá pertenezcan al mundo del mañana.

Y no faltan aquellos con más morro que espalda

que dejan colgado al cliente y, además, con el contador puesto,

mientras viven o reviven la historia de su vida.

Amigo, le doy 20 minutos. No espero más.

Una profesión a menudo refugio,

como es el caso del director iraní Jafar Panahi.

Y esto conecta muy bien con la estupenda

y muy recomendable película búlgara de la que por fin hablamos,

"Destinos".

Esta historia comienza cuando cogí un taxi en Sofía,

y el taxista me pareció un personaje de lo más interesante.

Era un profesor de física nuclear

de la Academia de Ciencias de Bulgaria.

Y por la noche era taxista.

Él fue quien me contó algo que se escucha en la película:

los pesimistas realistas se han marchado al extranjero

y solo quedan los optimistas.

Su actividad en el taxi

es el síntoma de una estructura social paralela.

Hay mucha gente que trabaja por una pequeña cantidad de dinero

y que son científicos, maestros, músicos,

incluso gente que ha perdido su empleo.

Lo hacen, con frecuencia, para sobrevivir,

lo que significa que coger un taxi

sea entrar en un espacio donde se encuentra gente interesante.

No sé cómo es en España,

pero en Bulgaria los taxistas suelen charlar con sus clientes,

así es que las historias reales que me contó me sirvieron

para empezar a trabajar el guion.

Al hacerlo, se iba componiendo un retrato de la sociedad búlgara.

En mi película hay hasta seis taxistas.

Cinco de ellos, inspirados en la vida real.

Y el sexto lo tomé de un relato de Chéjov,

autor que sigue teniendo un perfecto encaje en el mundo de hoy

y no solo de Bulgaria.

"Destinos" acaba componiendo un fresco en movimiento

narrado con soltura y convicción

que nos habla del desencanto de una sociedad

que protagonizó una transición radical

dejando secuelas en el camino.

En esa transición, cambiamos la religión del comunismo

por la religión del mercado.

Y, por supuesto, esa célebre mano invisible

que tan buenos frutos da a nivel económico y financiero

ha hecho lo contrario en áreas tan sensibles como la educación,

la sanidad o la cultura.

Nosotros tenemos ahora en Bulgaria lo que llamamos la generación Skype,

una generación que creció sin sus padres

porque estos emigraron.

Por ejemplo, en España hay 200 000 búlgaros,

y esa generación tiene problemas de valores morales,

de distinguir lo bueno y lo malo,

porque Skype no puede sustituir una relación paternofilial

del día a día, y para mí este es el mayor problema.

Stephan Komandarev, exprofesional de la medicina,

nos contó una jugosa anécdota

en el preestreno que hicimos la semana pasada.

Yo era médico antes de hacer cine.

Trabajé varios años en una clínica psiquiátrica.

Y mis amigos me decían que había dejado la psiquiatría

porque había mucha gente loca para irme al cine,

donde todavía hay más locos.

(Risas, aplausos)

No sabemos si todo psiquiatra

podría ser además un magnífico cineasta,

como es el caso del director de "Destinos",

pero sí sabemos que muchos cineastas se adentran magistralmente

en la mente humana.

Aunque tiene la factura de cine independiente americano

y parece un título propio de un festival como Sundance,

"La vida y nada más" es el segundo largometraje

del director español Antonio Méndez Esparza.

Ya hablamos de esta película en San Sebastián

porque estaba en Sección Oficial.

Un interesante ejercicio de hiperrealismo

para hablarnos de la cotidianidad de una familia desestructurada

que vive al norte del Estado de Florida.

Transcurre en la periferia de alguna ciudad al norte de Florida

y sus personajes son afroamericanos,

pero "La vida y nada más" está dirigida

por el español Antonio Méndez Esparza.

La película se estrena ahora

tras pasar por el Festival de San Sebastián,

nominada ya a los prestigiosos Premios Spirit

del cine independiente

en las categorías de Premio John Cassavetes

a mejor película de menos de 500 000 dólares

y a mejor actriz por el estupendo trabajo

de la debutante Regina Williams.

¿Qué coño quieres, Andrew?

Tienes que sentar esa cabeza.

-Para algunas madres afroamericanas,

siempre hay un cierto temor por los hijos varones.

Existe esa idea de riesgo. Está muy presente.

-Me he metido en líos y la clase de persona que soy.

Por eso soy idóneo para el puesto.

Porque he estado en el mismo sitio en que estáis ahora.

La propuesta de Méndez Esparza, con actores no profesionales

y la factura característica de las películas

que participan en el Festival de Sundance,

se centra en la difícil supervivencia de una madre abnegada

que posterga su propia felicidad al bienestar de sus dos hijos.

Veo que no has mencionado a tu padre. ¿Qué relación tienes con él?

-No tengo ninguna. -¿Y eso por qué?

-Está en la cárcel.

-Es un proceso paulatino.

Empieza siendo la historia de una madre,

luego se convierte en la historia de una madre y un hijo,

y voy incorporando elementos que creo que son importantes

para la historia.

-Solo queríamos salir un rato. -Oh.

-Estoy buscando un sitio donde tomar algo tranquilo, ¿sabes?

-Pues te equivocas de mujer.

Más allá de lo que cuenta,

con mirada limpia y aliento neorrealista,

"La vida y nada más" resulta especialmente interesante

por los peculiares métodos de trabajo

con los que el cineasta plantea su proyecto

como una progresión permanente.

La vida depende de las decisiones que tomas.

Estás en esa edad en que debes tomar mejores decisiones para ti mismo.

-Durante el rodaje, el guion lo aparcamos, lo escondemos,

y, a pesar de que por la noche miramos qué escenas faltan por hacer,

y vamos abrazando mucho lo que suceda en el rodaje.

Muchísimas escenas de la película

son fruto de poder explorar en el set con los actores

o incluso de encuentros fortuitos.

-Podríamos investigar qué fue lo que pasó,

pero, a fin de cuentas, o estás libre,

o muerto, o en la cárcel.

-A pesar de que construimos una historia que no está ocurriendo,

pero ya el hecho de filmar, vamos a filmar en una clínica real,

ya te abre una oportunidad.

Es verdad que siempre soy muy insistente

en intentar encontrar personas

que, en el caso de ciertas instituciones,

jueces, abogados, médicos, policías,

que sean policías y abogados de verdad.

-Es la vida, somos madres. -Es verdad.

-Por desgracia, nosotras no podemos joderlos,

dejarlos preñados y mandarlos a parir al hospital.

-De un texto de Zavattini en el que él mostraba,

de alguna manera, cierta...,

como pérdida con la idea de la historia.

Él quería abrazar el presente constantemente.

Sin embargo, en esta película hay un momento que la historia

empieza a tener mucho peso, o sea que también caigo

en la trampa que Zavattini avisa.

Pero esta idea del primer espíritu neorrealista,

que es huir de la historia y abrazar el presente,

y que el presente de por sí fuera tan fascinante

que sostuviera una película.

Antonio Méndez Esparza es una rara avis

dentro del cine español.

Soy español, de eso no hay duda.

Ayer comentaba, un poco entre bromas,

que si has crecido católico, es muy difícil escapar de eso.

Es como: "Crecí católico". Luego puedes hacerte lo que quieras,

pero tienes eso. Y yo he nacido español.

"Aquí y allá", su primera película,

contaba el regreso a un pueblo de México

de un hombre tras pasar un tiempo trabajando en Estados Unidos.

En ella practicaba ya esta peculiar manera de proyectar su mirada,

pausada y perspicaz, de emigrante él mismo,

sobre personas humildes que, de algún modo,

se interpretan a sí mismas,

compensando sus limitados recursos interpretativos

con una autenticidad que traspasa la pantalla.

"La vida y nada más" se resume como pocas en su propio título.

Como un elaborado ejercicio de contemplación del mundo cotidiano

de los supervivientes.

Como una personalísima manera de retratar las pequeñas tragedias

en toda su grandeza.

Gélido mundo.

-Porque es un mundo muy frío para un chico.

Ahora y siempre estamos muy concienciados

con la violencia de género.

El cine, ¿cómo ha retratado este tema a lo largo de la historia?

Si empezamos pensando en un momento mítico

de la historia del cine, que es la bofetada de Gilda,

vemos lo que ha cambiado la cosa. Esa bofetada es mítica,

forma parte de la historia. Hoy no se podría.

Hoy chirriaría muchísimo y sería inaceptable.

Vamos a recomendar alguna película que trate este tema,

que también lo denuncie. Por ejemplo, este año veíamos,

tú también tuviste la ocasión de verla en Málaga.

"La mujer del animal" es una película durísima,

colombiana, que trata esto en los suburbios de Medellín.

Una película tremenda. Hace un retrato de un animal.

Además, viéndola, mira que nos quejamos en Europa

o en el mundo civilizado de estas cosas,

pero eso va mucho más allá. Tenemos más títulos.

Aquí, en España. Un título emblemático,

yo creo que clásico, de esto es "Te doy mis ojos",

de Icíar Bollaín.

En cineteca, ¿la semana que viene qué tenemos?

Bueno, esta semana.

Esta semana, el viernes y el sábado hay la ocasión de ver un documental

que se ha hecho sobre el último proyecto inconcluso de David Lean,

que se llamaba "Nostromo", una novela de Joseph Conrad.

Hubiese sido maravillosa.

Nunca pudo terminarla, murió David Lean.

Y el documental cuenta esa historia que nunca pudimos ver.

Esta semana no tenemos preestrenos.

También es puente, hay que hacer otras cosas,

os vais fuera de Madrid, así que vamos a descansar.

Pero vamos a repartir pósters para quienes, como tú,

sean unos locos frikis y les encante tenerlos.

Nos pueden mandar mail por dos cosas.

Una, porque vamos a darles unos pósters preciosos

de "Terminator 2: El juicio final", que se va a reestrenar en 3D.

No sé yo lo del 3D, porque la película no era en 3D,

pero se va a reestrenar. El póster es muy bonito.

Los que nos manden un mail al correo en pantalla,

se lo mandaremos. A los cinco primeros.

Y vamos a... Y la gente puede ya votar

para nuestros premios. ¡Ay, sí! Importantísimo.

Había películas que se me habían quedado en el tintero

y hay que votar por la película que más os ha gustado.

En vuestro caso, del cine español. Efectivamente.

El premio lo entregaremos en la gala de enero.

Vamos con aniversarios. "Casablanca".

Dos aniversarios. "Casablanca", que ha hecho 75 años hace unos días,

y este libro colectivo, de un montón de gente,

habla de diferentes aspectos de la película.

La película es mítica,

es la quintaesencia del cine de estudios.

Una película que sería imposible

haber hecho en otro momento histórico.

Y cómo es posible que una película donde los actores no sabían

lo que estaban haciendo, al final saliese lo que salió:

una obra maestra. Totalmente.

¿Y el otro?

El centenario de Jean-Pierre Melville,

que recordamos en el programa en octubre.

Albert Galera ha hecho un libro que se llama "Sombras y silencios",

de Jean-Pierre Melville,

y nos habla de este hombre, que era un cineasta de género,

que ha influido a muchos autores después.

Anda, mira, el prólogo lo ha escrito un tal Gerardo Sánchez.

Bueno, habrá que leerlo. Habrá que leerlo.

Pues hasta aquí las recomendaciones.

Márgenes, el festival dedicado a nuevas narrativas audiovisuales

procedentes de América Latina, España y Portugal,

ha hecho entrega de su premio especial,

máximo galardón del certamen, al cineasta colombiano Luis Ospina.

(Música)

Casi toda mi carrera es documental,

aunque he hecho dos películas de ficción,

una de vampiros y otra de cine negro.

-¡Cámara!

¡Claqueta!

¡Acción!

Luis Ospina es el último superviviente

del denominado Grupo de Cali, o Caliwood,

un colectivo de cinéfilos irreductibles

formado por Carlos Mayolo, Andrés Caicedo

y el propio Luis Ospina,

que, durante las décadas de los 70 y los 80,

llevaron a cabo en la ciudad de Cali una ingente actividad

alrededor del cine.

Un cineclub, una revista de cine y un buen puñado de filmes

de diferentes géneros forman su legado.

En los documentales es memoria.

Yo he tenido esa obsesión

de que el documental

siempre es para guardar memoria

de lo que ha pasado o de lo que está pasando.

-Para mí, usted es como que le toca hacer esto

porque es el que queda de eso que fue.

"Todo comenzó por el fin", última película de Luis Ospina,

es un tributo a ese grupo y a esos años.

Un testimonio de vida de tres horas y media de duración

llevado a cabo con multitud de material de residuo.

Es un documental de...,

un poco un filme testamento,

porque el primer día de rodaje

enfermé gravemente de un cáncer.

Entonces, decidí incorporar ese presente que estaba viviendo

a una película que iba a hacer sobre el pasado.

Con lo que está pasando ahora, la película da un vuelco.

Es decir, no es seguro que yo me vaya a morir;

pero, si yo me muero, la película tiene que cambiar.

Es muy importante que haya festivales como Márgenes,

que, como su nombre indica,

se mete por los lados de las cosas

y tampoco hace diferencia entre la ficción y el documental.

Márgenes es un festival innovador, diferente.

Nacido en 2012, Márgenes simultanea la exhibición de su programación

tanto online en streaming como de manera tradicional

en cines repartidos en varias sedes.

Este año, Barcelona, Ciudad de México, Córdoba,

Madrid, Montevideo y Santiago de Chile

acogen la programación de un festival convertido

en escaparate de la vanguardia audiovisual contemporánea.

Mucho, bueno y variado cine europeo para ver en casa.

Si empezamos por lo que nos toca más cerca,

"Verano 1993" es, sin duda, una de las películas españolas del año.

Por allí por donde ha pasado ha ganado premios

y lleva meses en salas.

Además de ser la película preseleccionada

por la Academia de Cine para competir por España

en la carrera hacia los Oscar. Nosotros, en "Días de cine",

no vamos a ocultar que nos ha encantado

y que hemos apostado por ella desde el primer momento.

Un primoroso trabajo autobiográfico lleno de sensibilidad

y buen hacer de Carla Simón con apenas cuatro actores,

dos adultos y dos niñas, para contarnos la crónica

de ese verano en el que Frida, una niña interpretada primorosamente

por Laia Artigas, trata de adaptarse a una nueva vida con sus tíos

tras la muerte de sus padres.

De Portugal nos llegaba este año la bellísima "Cartas de la guerra",

todo un poema epistolar basada en un libro de António Lobo Antunes

que contaba sus experiencias autobiográficas

en la guerra de Angola.

Rodada en un exquisito blanco y negro,

la película narra en off la relación epistolar

entre el soldado y su esposa en Portugal.

"Cartas de la guerra" es lo más parecido que podamos pensar,

cinematográficamente hablando, a un fado.

La tristeza y la melancolía inundan sus imágenes

de principio a fin

y nos hipnotizan con el dulce fraseo del portugués.

De la Europa del sur nos vamos a la Europa del este.

Hacemos parada en Polonia,

y la estación es "Estados Unidos del Amor".

Un retrato emocional escrito y dirigido por Tomasz Wasilewski,

que toma como protagonistas a cuatro mujeres de 1990,

tratando de huir de la represión sexual

y el amor, que les es esquivo,

tras la reciente caída del comunismo.

Tras el bello título de "Estados Unidos del Amor",

tenemos un retrato en color pero que respira el blanco y negro

de la tristeza y la sordidez de las vidas

que no pueden aspirar a la felicidad.

Y si vamos más al este, llegamos a Rusia

de la mano de Andréi Konchalovski,

quien tras enamorarnos con su anterior título,

"El cartero de las noches blancas", nos ofrecía un retrato,

en blanco y negro y en un austero cuatro tercios,

de la Segunda Guerra Mundial y la resistencia

por medio de tres historias que se cruzan

en un tiempo tan crítico.

Olga, una aristócrata rusa miembro de la resistencia francesa

que acaba en la cárcel;

Zhyul, un funcionario francés colaboracionista;

y Khelmut, un alto oficial de las SS.

Una fina línea une a esas tres personas,

y la historia que cuentan, que es la historia de Europa

durante la Segunda Guerra Mundial.

En ocasiones, la cartelera nos da la oportunidad

de revisar algunos de los trabajos de los grandes del cine.

Y este fin de semana tenemos una de esas ocasiones.

Se estrena "Grandeza y decadencia de un pequeño comercio de cine".

Una película de Jean-Luc Godard de mediados de los 80

que es prácticamente inédita porque fue hecha para televisión

y solo se emitió en una ocasión.

Dos festivales, el de Locarno y el de Gijón,

la han recuperado en su programación este año.

(Hablan en francés)

Debería ser un acontecimiento, pequeño o grande,

el estreno de un film de Godard

que solo se ha visto una vez en 30 años.

Algún mal pensado dirá que razones habrá,

pero conviene recordar

que "Grandeza y decadencia de un pequeño comercio de cine"

se emitió en Francia el año 1986 en horario de máxima audiencia.

A pesar de ser un encargo que formaba parte

de una serie de televisión,

Godard llevó, una vez más, el agua a su propio molino.

A partir de una novela negra del escritor James Hadley Chase,

el autor de "Pierrot le Fou" abordaba el vidrioso tema

del futuro del cine en la era de la televisión.

Con Jean-Pierre Léaud y Jean-Pierre Mocky

en los papeles de un director y un productor

que preparan una película, Godard compone un retablo

sobre la trastienda de la creación cinematográfica,

poniendo al equipo de rodaje delante y detrás de la cámara.

Gaspard Bazin prepara su próxima película

y organiza "castings" para elegir a los figurantes.

Jean Almereyda es un productor venido a menos

que busca financiación de forma no siempre ortodoxa.

Entre ambos, está Eurídice, la enigmática mujer de Almereyda,

que quiere ser actriz.

(Música dramática)

Esta trama sirve para hablar de todo lo que le interesa a Godard:

el pasado, el presente y el futuro del cine,

el clasicismo y la modernidad, el arte y el dinero,

o los grandes traumas del siglo XX.

Con su irreverencia habitual, el director plantea

que el vídeo y la televisión ofrecen novedosas posibilidades

al medio cinematográfico.

De hecho, "Grandeza y decadencia" se rodó

en formato de vídeo de una pulgada.

Y ahora ha sido primorosamente restaurada en 2K

con la supervisión de Caroline Champetier,

directora de fotografía de la película.

"Grandeza y decadencia de un pequeño comercio de cine"

es puro Godard en su faceta más híbrida.

Mezcla y agitación de formas y contenidos

aptos para todos los que quieran ver y entender.

(Música)

En octubre se cumplían 30 años del estreno de una película mítica:

"La princesa prometida".

Y esta semana, uno de sus protagonistas,

Íñigo Montoya, o lo que es lo mismo, Mandy Patinkin, cumplía 65.

Y, además, estrena película: "Wonder".

Queremos que conozcáis mejor a una persona que demuestra

que para ser un héroe no hace falta llevar espada.

(HABLA EN INGLÉS)

-Servilleta.

Servilleta, por favor. ¿Sí?

(Risas)

Gracias.

¡Ah! (RÍE)

(Música)

(CANTA EN INGLÉS)

(CANTAN EN INGLÉS)

(HABLA EN INGLÉS)

(HABLA EN INGLÉS)

(Música)

(Música)

La llegada de lo nuevo de Pixar a la cartelera

nos recuerda que la cuenta atrás para la Navidad ya ha comenzado.

"Coco" aterriza en la cartelera española

tras convertirse en la película animada más taquillera en México.

Y claro, no es de extrañar si tenemos en cuenta

que habla de una las tradiciones más arraigadas en el país,

el Día de los Muertos.

Emocional, divertida y tierna a partes iguales.

(Hablan en inglés)

(Sonido rítmico)

Festividad del Día de los Muertos, México.

Miguel es un niño que desea convertirse en guitarrista

a pesar de la desaprobación familiar.

Un rechazo que viene de lejos y representa una herida muy viva.

Aunque la vida...

Pues la música es mi lengua y el mundo es mi familia.

Pero no quiere ni puede dejar de lado su pasión.

Avatares del destino, acaba en el reino de los muertos,

donde entrará en contacto con sus ancestros,

desentrañando la verdad que pende sobre el misterio familiar.

Soy Miguel.

Soy tu... tataranieto.

Cabía esperar que Pixar, una de las productoras "mainstream"

de espíritu más progresista de Hollywood,

elaborara una película rigurosa con la cultura mexicana y sus mitos.

Tanto que "Coco" ha sido un éxito de taquilla impresionante

en el país latino.

La convulsa fecha de su estreno convierte a la película, además,

en un acto de conciliación frente a las agresiones verbales

vertidas contra México por parte de un presidente electo

que parece un mal sueño.

Bienvenidos. ¿Algo que declarar?

Pues ya que lo pregunta... Sí.

(HABLA EN INGLÉS)

Empezamos a trabajar en la película hace seis años.

Entonces era una época política muy distinta.

Pero aquí estamos y, desde luego, contentos de que llegue a las salas

una película con un mensaje positivo acerca de México y su cultura

en esta época de división y negatividad.

(Ladridos)

Pasamos mucho tiempo en México en la preparación de la película

y oímos muchas historias.

Pero de todas aquellas leyendas aztecas

solo quedó en la película el perro Dante.

Porque ellos creían que si querías viajar al más allá

debía acompañarte uno de esos perros.

Pero el resto está basado, sobre todo,

en cómo las familias viven realmente las tradiciones del Día de Muertos.

En cuestión de contenido, "Coco" trae consigo

valores que contrastan con la cultura americana,

que tan bien encarnaba en toda su potencia seductora

otro éxito reciente como "La La Land".

Este es el sueño. Es conflicto, es compromiso.

Es pura, pura emoción.

En esta, alcanzar eso tan abstracto y discutible que es el éxito,

suponía una aspiración irrenunciable asociada a la destrucción

de cualquier vínculo afectivo.

"Coco" no resta importancia a los anhelos de su protagonista

pero antepone otros valores.

En este sentido, parece un rumor latino importante

a favor de repensar determinados axiomas.

Tratamos de explorar ese tema.

Tenemos personajes en la película que eligen la fama y el éxito

por encima de la familia y vemos los resultados de eso.

Luego, otros personajes que lidian con esa cuestión.

Porque, para ellos, familia y sueño son igualmente importantes.

Y todo esto, en realidad, es una herencia

del propio espíritu familiar de la festividad del Día de Muertos.

(Música emotiva)

Aunque sus creadores dicen no haber visto

"El cuento de la princesa Kaguya", de Isao Takahata,

vemos similitudes con esta maravilla de la animación contemporánea.

Similitudes vinculadas no al estilo creativo,

sino a la visión con respecto a la muerte.

Nostálgica y conmovedora asociación con la memoria y la afectividad.

Vinieron a enseñarnos la película a los estudios,

pero nosotros no pudimos verla porque estábamos muy liados.

En realidad, la idea viene

de una creencia real en México que no conocíamos

y que invita a pensar que uno no muere realmente

hasta que no existe alguien en la vida que lo recuerde.

Al principio nos pareció una idea periférica,

pero poco a poco se convirtió en el centro del guion.

-¿Miguel? -¿Ustedes quiénes son?

Es tu familia.

(Música)

Lo primero que me planteo es que me guste a mí.

Que me guste a mí como espectador.

Si coincido con la mayoría, tendré éxito, si no, no.

No te lo puedes plantear, porque a la hora de rodar,

si estás pensando en otra cosa que en la eficacia de cada plano,

puedes tener problemas.

Sobre todo, te puedes perder. No me interesa eso.

Prefiero pensar solamente en que la película funcione para mí.

(Música)

¿El teléfono móvil es la caja fuerte de nuestra vida más privada?

¿Si lo dejamos al alcance de cualquiera,

puede ser potencialmente peligroso?

Prácticamente nadie pasaría esa prueba.

Si no lo creéis o si pensáis que estoy siendo exagerada,

no tenéis más que ver "Perfectos desconocidos",

lo nuevo de Álex de la Iglesia, y después hablamos.

Eso sí, en el camino os lo vais a pasar muy bien.

-¿No podíamos haber ido a cenar a un restaurante?

-Si quieres cojo esta mierda, la tiro y pedimos pizzas.

¿Quieres discutir?

Esta noche hay luna de sangre, se vuelve roja.

Dice que vuelve loca a la gente.

No necesitamos ningún eclipse para eso.

-Es una cena, no un examen, ¿vale? -Vosotros os conocéis de siempre

y yo soy la nueva, a mí no me aceptan en el grupo.

Tres parejas de amigos, y uno más que llega sin acompañante,

se reúnen a cenar bajo el poderoso influjo

de una luna llena enrojecida por un eclipse.

De repente, alguien propone un juego con los teléfonos móviles

y este se convierte en dinamita pura

que manda por los aires todas las convenciones y secretos

que ocultan cada uno de los asistentes.

Dejad todos los móviles en el centro de la mesa.

Mensajes, WhatsApps, llamadas, lo que nos llegue,

lo leemos y lo escuchamos todos juntos.

-Como no tenemos secretos, ¿no? -¿Qué secretos?

Si nos conocemos de memoria todos ya.

-Yo no le veo la gracia. -Algo esconderás.

-Yo no. -Entonces, empieza tú.

(Hablan en italiano)

Es la primera vez que Álex de la Iglesia

recoge un material tan acabado y cerrado

como la película homónima de Paolo Genovese,

"Perfetti sconosciuti",

que obtuvo un gran éxito de crítica y público

amén de ganar el David di Donatello como mejor película en Italia

el año pasado.

Me atraía muchísimo lo alejado que era de mi manera de trabajar.

Y me gustaban muchísimo los diálogos.

Me parecía una película terriblemente ágil

y que trataba un asunto que a mí me tocaba muchísimo.

Me preocupa mucho esa pérdida de intimidad

que estamos viviendo.

Ahí va el mío.

-Muy bien. -Ya no hay marcha atrás.

Se trata, por tanto, de un "remake".

Y Álex de la Iglesia se animó a intentar acercar

la versión original italiana a su universo particular.

A priori, bastante alejado,

teniendo en cuenta que prácticamente toda la acción

se desarrolla en un interior cerrado.

Cuando no había de esto, no había tantos problemas.

No, el problema siempre está ahí.

-Los hombres sois todos unos cerdos. -Madre mía.

El móvil no tiene la culpa de nada.

Nosotros somos unos cerdos, ¿y vosotras qué sois, monjitas?

"Perfectos desconocidos" respeta en un alto porcentaje

diálogos y situaciones de su referente.

Pero la estrategia de Álex de la Iglesia

pasó por darle una vuelta de tuerca de humor

y un punto de locura a una reflexión de fondo

que no deja de ser muy seria

para hacernos reconocible al director bilbaíno.

Sí, sin duda, es cierto.

Yo mismo decía: "¿Tú crees que esto es necesario?".

Y yo decía: "No, pero me encanta".

-Va, tú primero. -Déjame a mí.

-Y él me decía a veces: "Hazla como más tonta".

Y yo decía: "No es tonta, es la más inteligente".

Tiene una inteligencia emocional soberbia y yo quería hacerla así,

muy niña pero con sus 30 años.

(LEE) "Deseo tu cuerpo".

-Pues empezamos bien. -La madre que nos parió.

Ernesto y Eduard siempre tenían alguna idea estrambótica

que no estaba escrita en el guion ni que les había dicho Álex.

O que sí se le había propuesto y Álex decía: "¡Eso me gusta!".

Sin pretender profundizar demasiado,

"Perfectos desconocidos" deja para la reflexión

un afilado diagnóstico sobre la convivencia en pareja.

La vida sexual insatisfecha y la mentira y la infidelidad

como aliados peligrosos para la conservación del matrimonio.

A mí me parece que no es muy esperanzador el mensaje.

-No. -Yo creo que...

Bueno, habla de las relaciones de pareja

y de hasta dónde somos capaces de mentir o de engañar.

O, por decirlo más suavemente,

de tener una parcela de intimidad propia.

Y yo creo que eso es fundamental dentro de la pareja.

Sí, pero ¿y la hipocresía?

-Claro, lo único... -¿Dónde queda?

El problema es lo que se vende y lo que se hace.

(Golpes en puerta)

No sé quién llama así.

Ver cómo se mueven los bichitos, cómo se engañan, cómo se mienten,

cómo se ocultan cosas.

Y tiene su gracia y su sentido verlo desde ese punto de vista.

Creo que ese es el punto de vista de la película.

Y luego, la película no ahonda solamente en las miserias.

Realmente, también presenta personajes

que son buenos.

El personaje de Eduard,

la lección que le da a Belén, que es psicóloga, es su mujer,

con la relación que está teniendo con la hija,

como lo hace, lo hace muy bien.

Yo cada vez que veo esa escena me emociona.

¿No os gustaría que esta noche... pasase algo?

¿Eh? ¿Algo diferente?

Uy, ¿y si pasa algo malo?

Sabíamos que los personajes, a medida que la luna se ponía roja,

iban siendo tomados por esa energía de la luna.

Y eso también justificaba mucho nuestro accionar

y que cada vez se iba revolucionando más.

En mi caso, una mujer alcohólica,

y que a medida que avanzaba la película

se iba emborrachando cada vez más.

Claro, para mí fue un reto muy grande.

Diálogos servidos por un buen elenco de actrices y actores...

-He traído vino. -¿Y es dinámico?

...que mantienen al espectador en un jubiloso estado de ánimo

trufado de sonrisas y alguna carcajada.

Sin pedirle a cambio que renuncie a su inteligencia.

Lo cual, sin duda, es muy buena noticia.

(Música)

Menuda banda de hijos de puta.

(RÍE)

Joder, qué fuerte.

(Música)

Se agradece que "Wonder", la historia de un niño de diez años

nacido con una deformidad facial y operado hasta en 27 ocasiones

no caiga en la lágrima fácil con un tratamiento sensiblero.

Al revés, es una película que termina siendo luminosa,

en gran medida gracias a la luz que transmite ese pequeño gran actor

que ya descubrimos en "La habitación".

-Me llamo Augie Pullman.

Sé que no soy un niño de diez años normal.

(Habla en inglés)

He pasado por 27 operaciones.

Me han ayudado a respirar, a ver, a oír sin audífono.

Pero ninguno ha conseguido que parezca normal.

El dicho de que la belleza está en el interior,

en "Wonder" se demuestra real.

Basada en la novela homónima de la escritora R.J. Palacio

y dirigida por Stephen Chbosky,

guionista de la última adaptación de "La bella y la bestia"

y realizador de "Las ventajas de ser un marginado".

Brindemos por nuestro nuevo amigo.

Creía que nadie se fijaba en mí.

"Wonder es la historia de un niño de diez años

con malformaciones faciales en un año muy importante en su vida.

-La semana que viene empiezo quinto.

Y como nunca he ido a la escuela de verdad,

estoy total y absolutamente muerto de miedo.

Por favor, Señor, que sean buenos con él.

Le acompañamos y descubrimos su punto de vista.

Lo primero que Augie ve de los demás son sus zapatos.

Siempre se siente observado y ser uno más en el colegio

se convierte en un reto desde el primer día.

Si te miran, deja que te miren.

Todo es nuevo para él.

Una aventura en la que descubrirá valores

como la amistad, la traición y el valor.

No me gusta comer delante de los demás.

¿Qué ocurre?

Mastico como una tortuga prehistórica de la ciénaga.

¿En serio? ¡Yo también!

Pero "Wonder" no es solo la historia de Augie.

Con una estructura en capítulos un tanto extraña,

la película también nos descubre otros personajes

que orbitan a su alrededor, como sus padres,

su hermana, que siempre se ha visto eclipsada por él,

y su amigo Jack.

¡Qué cara! No había visto nada tan feo en mi vida.

Si yo tuviera esa pinta, me pondría una capucha en la cara.

Si Augie se enfrenta al acoso escolar, rechazo y soledad,

Jack debe hacer frente a la presión social

por ser su amigo.

-¿Quién aspiro a llegar a ser?

Es la pregunta que deberíamos hacernos continuamente.

-Eh, Jack, ven a sentarte aquí. -Un segundo.

¡Acción!

Cabe destacar la frescura de Noah Jupe

y el gran trabajo de Jacob Tremblay,

que ya demostró su talento en "La habitación".

¿Vamos a ir a otro planeta?

(NIEGA) -En el mismo, pero en otro sitio.

Julia Roberts y Owen Wilson funcionan como padres y pareja,

y siempre resulta enriquecedora la presencia de Sônia Braga

en un pequeño cameo,

y la humanidad que imprime a sus personajes Mandy Patinkin.

Todos tenemos marcas en la cara.

Este es el mapa que nos muestra dónde vamos.

Y este mapa...

...muestra dónde hemos estado.

Los prejuicios, el miedo a no encajar,

las relaciones familiares, la amistad y la bondad

son algunos temas que aborda la película.

Tú no eres feo, y cualquiera que se moleste en conocerte lo verá.

Cuando puedas elegir entre tener razón o ser amable...

...elige ser amable.

-Si de verdad quieres ver cómo es la gente,

no tienes más que mirar.

Eres el chico más duro de ese colegio.

Demuéstralo, no puedes pasar desapercibido

si naciste para destacar.

Tierna y emotiva, "Wonder" resulta inspiradora.

Y como indica el título de la novela,

supone una lección.

Un drama lleno de buenos sentimientos

que consigue que empaticemos

y cuya gran virtud es no caer en la lágrima fácil.

Aunque a veces nos haga llorar, otras resulta divertida.

¿Has pensado en hacerte la cirugía estética?

Tío, esto es gracias a la cirugía estética.

Cuesta un montón quedar tan guapo.

(Música)

(Hablan en italiano)

(Música)

La protagonista de hoy,

como habéis visto en "El momento Días de cine",

es Cabiria, aquella prostituta con un corazón de oro

que era maltratada a manos de algunos hombres

rompiendo así el corazón de los espectadores.

Hoy y siempre estamos muy concienciados

con la violencia de género

y os prometemos un amplio reportaje en 2018

en el que hablaremos de cómo el cine ha abordado este tema

y también cómo lo ha denunciado.

Pero nos vamos a despedir con un atisbo de esperanza,

con esa vuelta al mundo de Cabiria al final de la película

y esa maravillosa Giulietta Masina.

El mundo puede ser mucho mejor de lo que es.

Pero claro, todos tenemos que poner de nuestra parte.

Hasta la semana que viene.

(Música)

(LADRA)

(INAUDIBLE)

"Buonasera".

  • Días de cine - 30/11/17

Días de cine - 30/11/17

30 nov 2017

Mandy Patinkin cumple este jueves 65 años. Para el gran público, este actor es el inolvidable Íñigo de Montoya de ‘La princesa prometida’Días de cine tuvo la oportunidad de entrevistarlo durante el rodaje de ‘La reina de España’, donde habló de su carrera y de otros temas que le interesan, como los derechos humanos.
El programa también hablará de ‘El sacrificio de un ciervo sagrado’, la nueva película de Yorgos Lanthimos, que sigue fiel a su estilo. Este último trabajo es la adaptación de una tragedia griega y cuenta con un reparto estelar encabezado por Nicole Kidman y Colin Farrell.
Entre los estrenos de esta semana también está ‘Perfectos desconocidos’, el remake de una película italiana que gozó de gran éxito en 2016. Se trata de una comedia negra sobre la hipocresía y las mentiras en las parejas. Álex de la Iglesia se ha puesto al mando de un reparto protagonizado por Eduard Fernández, Ernesto Alterio, Belén Rueda y Eduardo Noriega.
‘Coco’ es la nueva propuesta de Disney y Pixar que retrata las tradiciones mejicanas del Día de los Muertos. Una cinta de animación que narra la historia de un niño que quiere convertirse en músico.
Además, llega a las pantallas ‘Wonder’, un drama familiar protagonizado por Julia Roberts y Jacob Tremblay. Tremblay interpreta un niño con una enfermedad que le produce tremendas deformaciones en el rostro. La película se centra en su día a día y en su enfrentamiento con las reacciones de los demás.
Entre el resto de estrenos destaca el documental español ‘La vida y nada más’; ‘Destinos’, una potente historia de ficción que viene de Bulgaria; y ‘Grandeza y decadencia de un pequeño negocio de cine’, dirigida por Jean-Luc Godard.

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