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No recomendado para menores de 12 años Días de cine - 29/06/17 - ver ahora
Transcripción completa

Bienvenidos a "Días de cine".

Hoy nos ha quedado un programa para todos los públicos.

Cine de animación para grandes y pequeños,

historias de niños, de adolescentes, de altos ejecutivos

e incluso de ancianos en el ocaso de su vida.

Y una celebración,

la de Madrid como capital mundial del Orgullo Gay. Comenzamos.

(Música cabecera)

¿Existe el cine LGTB?

Hoy lo descubrimos en "Días de cine".

Anne Hathaway protagoniza una película de monstruos

y algo más, dirigida por Nacho Vigalondo.

La gente nos mira. -El monstruo es ella.

Un debut deslumbrante de Carla Simón,

una directora que hace cine con sentido y sensibilidad.

(Música)

Comenzamos el programa hablando de un género,

el de la animación, que desde hace años

dejó de ser solo cosa de niños. Tenemos dos ejemplos muy distintos.

Por un lado, "Gru, mi villano favorito 3",

una de esas historias de expansión y divertimento

que vuelven locos a los más pequeños,

y en la otra orilla, la japonesa, "En este rincón del mundo".

Es una película más adulta que reflexiona de una manera poética

sobre temas profundos que afectan al ser humano.

Hola, Gru.

(RÍE)

-¿Y esto qué?

¡Oh! ¡Esas niñas!

-¡Duelo de baile!

En la tercera entrega de "Gru, mi villano favorito",

al protagonista le crecen los problemas.

Por un lado, debe hacer frente a Balthazar Bratt,

una estrella infantil de los 80

que se convertirá en su peor enemigo.

¡Es una especie de monstruo! -¡Espere, eso no es un monstruo!

¡Es un hombre con hombreras!

-¡Hermano!

Por otro, la repentina aparición de Dru, su hermano gemelo,

revoluciona su vida junto a Lucy y las niñas.

Esta casa es alucinante.

-No está mal, aunque a mí no me van mucho las cosas materiales.

¿Listo para continuar la tradición familiar tú y yo?

Gru tendrá que decidir si seguir siendo un héroe

o volver a ser un villano.

Dru tiene pelo.

Esa es la principal diferencia entre los dos

y un punto de conflicto entre ambos, porque Gru siente mucha envidia.

Y es que Dru es guapo y con una melena increíble,

aunque también es menos inteligente. Son parecidos, pero no idénticos.

-¡Oh, no! ¡Corred!

-Los Minions están hartos de ser buenos.

Quieren volver a ser malos.

Y como Gru no se decide, la mayoría lo abandona

para buscar su fortuna en otra parte.

-Entonces, ¿ahora sois villanos?

-Gru envidia a su hermano porque es millonario

y vive en un gran palacio.

Parece tener todo lo que se puede tener en la vida,

pero lo curioso es que Dru quiere lo que cree que tiene Gru,

ser un villano y divertirse.

Según parece, nunca nos conformamos con lo que tenemos

y queremos siempre lo que tienen los demás.

-¡Es la hora de los gemelos!

Una vez más, los creadores de Gru y sus imprescindibles Minions

dan en la diana con una película donde la diversión está asegurada.

Como no todo es reír, de Japón llega una película muy diferente.

Un relato estremecedor sobre los estragos de la guerra.

Pero quedarnos ahí sería simplificar en exceso,

porque "En este rincón del mundo"

habla, sobre todo, de los estragos de la vida.

Y consigue hacerlo aunando realismo y poesía,

tragedia y sentido del humor.

Partiendo del manga de Fumiyo Kono, "En este rincón del mundo" narra

la tragedia de los japoneses durante la Segunda Guerra Mundial.

Y lo hace desde el punto de vista de Suzu, una joven que adora pintar.

Siguiendo el deambular de Suzu, asistimos a la dramática situación

en la que se hallaba la población japonesa en los años 30 y 40.

Una época presidida por la escasez de comida,

la miseria y el abuso de autoridad.

Y en la que las mujeres, aun siendo ciudadanas de segunda,

salvaron a sus familias del hambre

a base de ingenio y fuerza de voluntad.

Aunque Mori Masaki en "Hiroshima"

e Isao Takahata en "La tumba de las luciérnagas"

hace tiempo aproximaron la animación japonesa

a la tragedia de la bomba atómica con impactante crudeza,

"En este rincón del mundo" difiere en el punto de vista.

No se minimiza la guerra,

pero nunca se antepone a su personaje principal,

una mujer obligada a ser lo que no quiere ser.

Todo es auténtico en esta historia excepcionalmente ambientada,

en la que la exquisita animación hecha a mano

se escuda en el talento de su protagonista

para conseguir momentos de sublime belleza.

Una obra mayor que ha sido todo un éxito en Japón.

La película francesa "Aurora",

cuyo título original, "Nunca contenta", nos gustaba más

porque refleja mejor el conflicto de la película,

cuenta cómo no es necesario pertenecer a una familia

desestructurada o estar en un ambiente hostil

para estar enfadada con el mundo.

Y eso es lo que le sucede a la protagonista de esta historia,

una preadolescente encerrada en sí misma

que tendrá que encontrar su propio camino en plena edad del pavo.

Visto lo visto, todas las edades son difíciles,

pero la adolescencia se lleva la palma.

Así lo cuenta la producción francesa "Aurora",

dirigida por Émilie Deleuze, hija del filósofo Gilles Deleuze.

Inspirada en una serie de novelas escritas por Marie Desplechin,

hermana del director Arnaud Desplechin,

que hablan de una niña esquinada, enfadada con el mundo entero,

pero sobre todo consigo misma, que busca un lugar en el sol.

Al principio me pareció complicado,

porque no estoy acostumbrada a hacer películas de encargo.

En Francia se me conoce como cineasta autora.

No sabía muy bien cómo afrontarlo.

Lo que me decidió no fue tanto la fuerza de la novela

como la característica principal de la protagonista,

que lucha contra todo utilizando el lenguaje como arma.

Marie Desplechin ha aportado algo profundamente nuevo

que como cineasta me permite atreverme con el cine de género.

Esa especificidad del lenguaje como arma

que tan bien controla Aurora

y sobre la que se sostiene la comicidad del personaje.

-¿Alguien tiene constancia de que abusaran de mí

durante mi infancia?

Porque necesito saber por quién y en qué condiciones.

O seguiré siendo frígida el resto de mi vida.

Léna Magnien encarna con precoz solvencia a la Aurora del título,

hija, alumna y amiga difícil en un relato decididamente subjetivo

en el que no sucede otra cosa que el propio transcurrir de la vida.

Los conflictos propios de la edad, insatisfacción, inseguridad,

obstinación, desencuentros románticos

o titubeos existenciales.

¿Frígida?

¿Cómo que frígida?

¿Frígida como...?

-Cuando salía con el hermanastro de Lola, me aburría mucho.

Nos besábamos, nos cogíamos de la mano...

-Entonces no eres frígida. -Pues explícame por qué.

-Porque lo que fallaba ahí era el chico.

-Sabía que tenía que ponerme detrás de esa visión del mundo

que tiene el personaje. Tenía que ser humilde como directora.

Era el personaje el que tenía que estar delante.

La he filmado desde muy cerca,

y además está en casi todos los planos.

Así que si me equivocaba de actriz, sería un desastre.

Lo que me importaba es que refleja perfectamente

esta actitud tan hostil hacia el mundo.

La veía mejor con un físico pequeño.

A mí me recuerda a esos perros pequeños

que te muerden en el tobillo

convencidos de tener una fuerza tremenda.

Yo tenía la misma idea de ella.

-¿Quién eligió el vestido? -Fui yo.

A ver, ponte delante del micro un momento.

-Léna es lo opuesto a Aurora en la vida.

Muy simpática, buena estudiante, muy integrada en el mundo.

Así que necesitaba que comprendiera la cólera de Aurora.

Al principio, sobreactuaba mucho,

hasta que un día comprendió el juego de la interpretación

y me impresionó de verdad.

Fue cuando la dije: "Deja de interpretar

y explícame por qué estás enfadada.

Necesito que me lo expliques porque yo no lo entiendo".

Y desde ese momento fue extraordinaria.

"Aurora" llegará seguramente más a los adultos que al público

al que presuntamente se dirige.

En cualquier caso, resulta entretenida, divertida,

más allá de los destellos de comedia, e incluso emocionante.

En "Los últimos años del artista",

la película póstuma de Andrzej Wajda,

el espectador va a tener la oportunidad de disfrutar

del talento creativo de dos hombres clave

dentro de la cultura polaca del siglo XX.

Uno es el oscarizado director de cine,

y el otro, el pintor Wladyslaw Strzeminski,

uno de los artistas de vanguardia más destacados de Polonia,

y también con uno de los finales más dramáticos.

Fecha y lugar de nacimiento.

-21 de noviembre de 1893 en Minsk.

-¿Ciudadano soviético?

-Ciudadano polaco.

Se estrena en salas "Afterimage",

película póstuma del polaco Andrzej Wajda,

presentada en el Festival de Toronto y en el de Barcelona, Sant Jordi.

Un último trabajo del gran cineasta

en torno al pintor vanguardista Wladyslaw Strzeminski.

Por Dios, ¿está bien?

-¿No va a socorrer a un lisiado?

-Perdone...

-Soy Wladyslaw Strzeminski.

Y estoy bien.

Una especie de mártir laico que resistió con firmeza

a las imposiciones de realismo social del nuevo Estado polaco,

surgido después de la Segunda Guerra Mundial

bajo el yugo soviético.

(MEGAFONÍA) "Lograremos alcanzar los grandes retos presentados

en el primer congreso del Partido Unificado de los Trabajadores".

Tal actitud acabó degradándole de gloria nacional

a paria superviviente.

Sabe que el país ha tomado un nuevo rumbo y se opone a él.

En la Rusia zarista una cosa así

hubiera significado mandarle directo a Siberia.

Pero, por desgracia,

ahora tenemos que educar.

Strzeminski siguió aferrado a su personalísima interpretación

de los principios estéticos del constructivismo

y a su teoría de la visión,

que desvinculaba las imágenes pictóricas de la realidad

y las asociaba a la huella subjetiva que dejan en la retina.

Cuando miramos un objeto, nuestro ojo recibe su reflejo.

En el momento en que dejamos de mirarlo y apartamos la vista,

una parte del objeto se nos queda en el ojo.

La postimagen.

Un rastro del objeto que tiene su misma forma,

pero colores contrarios.

Andrzej Wajda se mantiene así fiel a la trayectoria y al espíritu

que marcó su filmografía desde el principio,

añadiendo un nuevo capítulo de su particular historia

de la Polonia contemporánea, tal como lo contábamos

en "Días de cine" hace menos de un año,

en octubre de 2016, en el reportaje

en el que le rendíamos homenaje tras su fallecimiento.

Andrzej Wajda podría ser la quintaesencia de un cineasta

cuya filmografía está íntimamente ligada

al devenir de una nación, Polonia,

que durante casi todo el siglo XX luchó por existir,

por sacudirse influencias impuestas como consecuencia de invasiones.

La principal, la ocupación soviética,

que proveyó durante cerca de cinco décadas

un trasfondo ideológico que no apoyaban los polacos.

Un país profundamente católico entregado febrilmente

a reconstruir su identidad.

Apoyándose en el sólido protagonismo del actor

y también director Boguslaw Linda,

Wajda vuelve una vez más la vista atrás

para ilustrar la dura época del estalinismo

en los años de la represión y el pensamiento único

con los que él mismo convivió en sus inicios como director.

No estoy en contra de ustedes. Solo tenemos opiniones diferentes

sobre la pintura.

(Canción en inglés)

Comenzamos las recomendaciones de hoy hablando de mujeres.

Dos historias de mujeres. Mujeres sufridoras, eso sí.

Mujeres que aguantan lo que no está escrito.

¿Cuáles son?

Una es "La mujer del animal", de Víctor Gaviria.

Un peliculón que preestrenamos en Casa de América.

Una historia real. Durísima.

Hay que tener estómago para aguantar.

E interpretada por actores no profesionales,

cosa que es más sorprendente, pero te deja hecho polvo.

Pero una historia muy interesante.

Y la otra es "Maudie",

que aunque es dura la historia de la mujer,

de la pintora Maud Lewis, es una historia más edificante.

Es una historia real también, interpretada maravillosamente bien

por Ethan Hawkey Sally Hawkins.

La semana que viene, ¿qué preestrenos tenemos?

Tenemos en los cines Golem, el martes, a las 8:30,

la última película de Volker Schlöndorff,

"Regresó a Montauk", y va a estar Schlöndorff allí

para presentar la película y para un coloquio posterior.

Recomendando bajo la lluvia. A ver si aguantamos.

En Cineteca, ¿qué tenemos la próxima semana?

Está cayendo...

Comienza un ciclo que va a traer las películas

que han sido nominadas a los Premios Platino en los últimos años,

y la primera que puede verse es de Patricio Guzmán,

"Botón de nácar".

Hablando de los Platino, se acaba de saber quién es

el Premio de Honor este año y quiénes son los presentadores.

El Premio de Honor es Edward James Olmos.

Para muchos es y será siempre Gaff en "Blade Runner".

Hizo una película maravillosa, "American Me".

Y los presentadores van a ser Carlos Latre y Natalia Oreiro.

Vamos a Talavera de la Reina para ver lo que ha sucedido

en el festival de cortos.

El festival de cortos se llama Premios Pávez

en honor a Terele Pávez,

y ha ganado un cortometraje muy divertido

que se llama "The App", de Julián Merino,

que va de una aplicación que hace cosas muy raras.

En el móvil y en la persona que la tiene en el móvil.

Vamos, antes de que se cale el libro,

a hablar de Michael Jackson, que se cumplía hace unos días

el octavo aniversario de su muerte. El octavo aniversario de su muerte.

Michael Jackson, a tenor del libro,

su sombra en el cine, en los videoclips,

es más alargada de lo que podíamos pensar.

Hizo alguna película, "Moonwalker";

hizo videoclips con John Landis, como "Thriller".

Su música está en muchas películas y en otras cosas.

La pregunta ingenua, pero llena de sentido,

"¿eres feliz?", que le hace un padre a una hija

es el macguffin de "Toni Erdmann".

En sus casi tres horas,

que para la historia que cuenta no se hacen en absoluto largas,

"Toni Erdmann" venía a contar cómo la vida de una dura ejecutiva

no tenía ningún sentido y cómo su padre,

un tipo fuera de norma, se montaba toda una trama

para hacérselo ver.

Dirigida por Maren Ade, "Toni Erdmann" tiene un tempo lento

necesario para contar la historia que cuenta.

Ganó en los Premios Europeos del Cine

y fue candidata a los Oscar.

Protagonizada por Sandra Hüller y el sorprendente Peter Simonischek,

"Toni Erdmann" viene a ser una comedia de la vida

en el más puro sentido de la expresión.

Un padre impredecible que se pone peluca

y se inventa un personaje dentudo

de comportamiento tan zafio como divertido

iluminará su sinsentido de vida.

Y es que, a veces, como la protagonista,

creemos que las cosas importantes

son cosas que no lo son de ninguna manera.

François Ozon hacía una relectura de la novela "Remordimiento",

que en su día llevó al cine Ernst Lubitsch,

aunque el propio Ozon dice que no sabía de su existencia,

en "Frantz".

Alternando el blanco y negro y el color,

y con una deslumbrante Paula Beer,

Ozon nos contaba la historia de una ausencia,

pero también del remordimiento, el perdón y la redención.

Ozon se alejaba de todos los registros previsibles

para contar desde una óptica muy actual

una historia ambientada tras la Primera Guerra Mundial.

Eso sí, incluso desde esa perspectiva,

los horrores de la guerra siguen siendo horrores.

Hablamos ahora de una de esas películas

que ponen de acuerdo a todo el mundo,

esperemos que también a los espectadores.

"Verano 1993" es una historia que no tiene artificios

de ningún tipo, cosa que celebramos,

porque a la película no le hace falta.

En ella, su debutante directora, Carla Simón,

nos cuenta una historia autobiográfica,

la de aquel verano de 1993 en que fallecieron sus padres

y todo cambió.

En el pasado Festival de Cine de Málaga

obtuvo la Biznaga de Oro.

También fue premiada como mejor ópera prima en la Berlinale.

Esos han sido solo los primeros premios

de muchos que han llegado después, y más que estarán por llegar.

Uno de los aspectos a los que tenía que enfrentarse

Carla Simón en su debut consistía en dar verosimilitud

a ese verano de rasgos autobiográficos

en el que una niña que acaba de perder a sus padres

comienza a convivir con su familia adoptiva, la de sus tíos.

He tenido la suerte de vivir en una familia

donde lo hemos hablado todo muy abiertamente.

Realmente, no tenía una necesidad de curar alguna herida

porque ya tengo 30 años y eso ya lo tengo bien curado.

Pero sí que surgió un poco de la necesidad de hablar

sobre los niños enfrentándose a la muerte, eso sí.

Era un tema que me interesaba muchísimo

y que quería seguir explorando.

Y yo creía que partir de mi material y de mi historia

era una forma de hacerlo muy concretamente.

En el tiempo detenido de la masía

se imponía un retrato sutil y también fascinante.

Allí, las circunstancias de la vida ponen a Frida en una dura tesitura:

confrontar, quizá demasiado pronto, el hecho incontestable de la muerte

y adaptarse a un nuevo entorno.

La grandeza de "Verano 1993"

consiste en estar a la altura del reto.

Una historia dura y trágica en el fondo,

de esas que dejan marcado a quien la vive,

contada con una elegancia, capacidad de observación y respeto

que la convierten en un nuevo referente del siempre delicado

y subyugante cine sobre la infancia.

Y, desde luego, uno de los secretos de "Verano 1993" es su protagonista,

Laia Artigas,

y el arte paciente y preciso que hay detrás de su interpretación.

Yo creo que para dirigir a niños no hay un método clave

o algo que digas: "Eso funciona".

Pero tengo una teoría, que es que si el niño se cree

lo que está haciendo, el espectador también.

Pero para que se lo crea

hay que crear un mundo alrededor de eso.

Y, sobre todo, hay que hacer un trabajo previo

de crear unas relaciones

que el niño entienda que existen de verdad.

Lo que pasa es que también ellas son imprevisibles.

Tenías que tener mucha escucha

porque te podían salir por cualquier sitio.

Para mí fue un trabajo muy generoso en esta parte.

Estaba tan pendiente de ellas

que me olvidaba un poco de lo que estaba haciendo yo.

Y eso para mí es muy bueno como actriz,

porque lo importante en un actor es tener un nivel de escucha muy alto

y las niñas te lo exigen constantemente.

Un niño ve las cosas desde más abajo, no se entera de todo.

Entonces, esta confusión que hay al principio

para mí era muy importante.

Que el espectador estuviera con la niña

en ese momento de mudanza, de que acaba de pasar algo muy fuerte

y empieza una nueva vida,

pero ella no puede decir, ni opinar, ni hacer nada.

Para mí fue importante una película que se llama "Ponette",

de Jacques Doillon,

que es sobre una niña de cuatro años que pierde a su madre.

Fue importante en el sentido de cómo dirigió la niña.

"El espíritu de la colmena" y "Cría cuervos" fueron películas

que me acompañaron durante todo el proceso.

Porque retratan la psicología del niño de una manera muy compleja,

que no es solo un niño inocente,

sino que tiene esa parte oscura también.

Me gusta mucho una película que se llama "Le meraviglie",

y es de una familia que vive en una casa.

Como tema rural y por cómo está filmada,

por el tono, el color y tal. También nos inspiró mucho.

A mí me gusta mucho el cine de Lucrecia Martel,

aunque no tiene nada que ver la película con las suyas,

pero sí que me gusta cómo construye los guiones

y cómo va dando la información, y ciertas cosas que se repiten.

En ese sentido, analicé mucho sus películas.

Como ya apuntábamos, "Verano 1993" entra de lleno en ese selecto club

de las imprescindibles filmografías sobre la niñez,

importantísimo período en la vida de cualquier ser humano.

Y precisamente lo que las buenas películas

sobre esta temática han conseguido

es mostrar la versión más transparente

de un cine honesto y libre de artificio.

(Canción en inglés)

Volcada desde muy joven en el teatro,

Lola Herrera es también una mujer de cine

que, de vez en cuando, se deja caer por la gran pantalla.

A ella le hemos querido preguntar por su secuencia preferida,

y la verdad es que ha escogido una película y un momento

absolutamente incuestionables.

Hemos visto mucho cine muy bueno.

Muy bueno. Porque había un cine buenísimo.

Buenísimo, buenísimo.

Te puedo decir una, que es "El padrino III".

Cuando matan a la hija a la salida de la ópera.

Es un grito en silencio y angustia más.

A mí me impresionó muchísimo.

Lo recuerdo como una cosa

que me sobrecogió al final de la película

ver a ese hombre con la boca abierta, con esa desesperación.

(Grito)

Me parece...

Esos numerazos que hacen esos actores maravillosos.

Brando... Estos lo hacían.

Que son cosas tan efectivas, tan que te encogen el alma.

¡Joder, Gloria, tienes que verlo!

-¿Qué hace?

-Está bailando. -¿Bailando? ¿Cómo?

-Oh, mierda.

Ha... Ha parado.

Marc Webb, el director de "500 días juntos"

y de dos de las entregas de "Spiderman",

estrena ahora su cuarta película.

"Un don excepcional" es un drama que, como su propio título indica,

nos habla de una niña de siete años

que tiene un don especial paran las matemáticas.

Es superdotada, acaba de perder a su madre

y pasará a vivir con su tío.

Por favor, no me obligues a ir, puede seguir enseñándome en casa.

-Ya te he enseñado todo lo que sé.

No discutas más, ya lo hemos hablando ad nauseam.

-¿Qué es ad nauseam?

-¿No lo sabes? Se ve que necesitas ir al cole.

"Un don excepcional" cuenta la historia de Mary,

una niña superdotada de siete años que vive con su tío

desde que murió su madre cuando era pequeña.

Soy buena amiga de la directora de la academia para niños superdotados.

-No, le prometí a mi hermana que Mary tendría una vida normal.

Estará mejor aquí.

Hija y nieta de grandes matemáticas, Frank vive atormentado

por hacer lo mejor para ella.

Quiere que tenga una vida normal, que aprenda a relacionarse,

que viva la vida que su madre no pudo vivir

hasta que su abuela, una mujer altiva y orgullosa,

aparece para intentar sacar todo su potencial.

¿Cuántos niños de siete años hacen cálculo avanzado?

-Hay vida de signo negativo en el exponente.

-Mary, ¿por qué no me lo has dicho?

-Frank dice que no debo corregir a los mayores.

A nadie le gustan las empollonas.

Frente a ella, solo cuenta con la ayuda de Roberta,

que es como si fuera su madre y su profesora.

Juntos forman una familia atípica.

Como alguien se lleve a esa niña lejos,

te asfixiaré mientras duermes.

A partir de este momento, la película se centra

en la batalla legal por la custodia de Mary,

sus consecuencias y cómo su abuela le anima a descifrar

uno de los problemas del milenio que su madre dejó sin resolver.

Solicitamos que le concedan la custodia total de la niña.

-¡No! ¡No!

Ante esta situación, como en otras películas,

se plantea qué es mejor para los niños.

En el primer curso ya era muy evidente

que yo no era como todos los demás.

Al principio, mi profesora le dijo que yo no prestaba atención,

que probablemente era retrasado

y que tenía un futuro muy limitado como ciudadano de Estados Unidos.

Yo solo quiero alguien con quien almorzar.

Potenciar o no sus dones, cómo tratarlos y ayudarlos

y como enfrentarse a los desafíos que implica

criar a un niño superdotado.

George, ellos te temen.

-Quizás sea mejor no ser el mejor.

Así, si pierdes, no pasa nada.

Pequeños genios adorables y muchas veces incomprendidos.

Papá, ¿por qué te apartas de mí?

-Cuando yo era pequeño,

nuestras madres querían que todos fuésemos médicos.

-Mi madre ha muerto.

-Lamento mucho oír eso.

-Vas a meter a esta niña en un laboratorio

para que debata sobre lógica matemática

con un montón de rusos durante el resto de su vida.

-Y tú quieres enterrarla bajo una piedra.

Un don innato para los números señala muchas veces

esa inteligencia por encima de la media.

Las matemáticas es uno de los campos que más llama la atención del cine.

¿Cuántas son tres más tres? -Todo el mundo sabe que son seis.

"Un don excepcional" tiene bastante en común

con "El pequeño Tate".

En la película dirigida por Jodie Foster

la soledad del niño es la protagonista.

A sus siete años, toca el piano,

es un genio de las matemáticas y el arte.

¿Por qué hablas siempre como si estuvieses leyendo un libro?

¿Y por qué no tienes tus propios hijos?

Convertirse en un maestro del ajedrez como Bobby Fischer

es el sueño de Josh.

Buena partida. -Has hecho el ridículo.

-Como un piedra.

"Vitus" nos muestra lo difícil que es asumir su don.

No es así, ¿no te das cuenta de que suena mal?

Músicos, matemáticos, físicos, niños con grandes capacidades

convertidos en adultos que arrastran problemas.

Solo en las misteriosas ecuaciones del amor

puede encontrarse alguna lógica.

En "Un don excepcional" hay que destacar

las interpretaciones de sus protagonistas.

Entre la niña y el tío la química es perfecta.

Contrólate un poco.

Mckenna Grace, a pesar de tener 11 años recién cumplidos,

tiene una extensa filmografía en cine y televisión.

Chris Evans, conocido por ser el Capitán América,

funciona en su papel de hombre melancólico,

muy distinto al que nos tiene acostumbrados.

¿Qué hacemos? -Pelear.

En 2009, Marc Webb sorprendió con su opera prima,

"500 días juntos", una comedia romántica distinta y sorprendente.

No quiero olvidarla. Quiero recuperarla.

Además de videoclips y televisión, el realizador está detrás

de la nueva saga de "Spiderman".

Sabe tratar a los actores y crear personajes

con los que es fácil empatizar.

No podemos decir que "Un don excepcional"

sea original ni novedosa,

pero sí que es un drama familiar bien planteado

que va a tocar la fibra sensible del espectador.

Muy emotiva, divertida por las ocurrencias de la niña,

trata de ser realista y va creciendo hasta el final.

Los Óscar son un buen termómetro cinematográfico.

Que la ganadora este año haya sido "Moonlight",

una película de temática gay habla afortunadamente de una normalización

y en "Días de cine" nos queremos sumar a la celebración de Madrid

como la sede mundial del orgullo gay.

Nosotros, como es lógico, lo vamos a hacer

desde una perspectiva cinéfila

y para el siguiente reportaje hemos contado

con la participación de Carla Antonelli, Jesús Generelo

y de Emma Solano.

(Música)

Creo que primero es muy importante atender a la cuestión emocional

que para las personas LGTB es vernos reflejados en un relato,

en este caso, cinematográfico.

-No tienes aspecto de... -¿Qué supones de mí?

-Para personas que hemos crecido en la creencia

de que somos seres prácticamente únicos

sin referentes en la escuela ni en la familia mi entorno de amigos,

la necesidad de vernos reflejados en la pantalla, en los relatos,

es algo muy visceral, muy, muy emocional.

Cuando el cine nos ha maltratado durante mucho tiempo,

hemos visto que era un reflejo cruel,

que te ofrecía muy pocas posibilidades de futuro,

cuando no ninguna,

que te ofrecía una visión sórdida y punible

de tu realidad.

Era muy doloroso, era recibir bofetadas una detrás de otra.

-Esta es la señora Danvers.

-Por ejemplo, los personajes lésbico

que han aparecido en el cine durante muchos años

eran o bien la carcelera

o bien la sádica que torturaba a la protagonista,

eran personajes muy terribles

y los hombres, normalmente,

o bien eran objeto de burla y ridiculizados

era el toque humorístico, o eran psicópatas.

-Tengo que asegurarme de que no está armado.

(Música)

Te voy a convertir en un personaje fantástico.

-No es que creas al ver un personaje en el cine

que tú eres así,

pero ver que ese es el reflejo que el cine, la sociedad da de ti,

el efecto psicológico ha sido devastador

para muchísimas personas.

Muchísimas personas no han conseguido superar

la homofobia interiorizada que el cine y no solo el cine,

pero el cine ha contribuido en buena medida,

ha conseguido meterle.

Que no puedes construirte la identidad sin referentes.

Es que eso es algo

que para las personas heterosexuales y no transexuales

es probablemente difícil de entender,

porque siempre se han tenido referentes

y referentes muy variados.

Las personas homosexuales, bisexuales o transexuales

realmente hemos crecido sin referentes

y eso es algo muy tremendo,

porque te impide aceptarte como eres, te impide entenderte.

Por eso, me parece muy importante que se trate

el tema de la diversidad sexual y del género en la adolescencia y infancia.

No hay muchas películas que lo traten,

pero sí hay muy buenas películas.

-Sé sincero por una vez. ¿Ese idiota te gusta? Físicamente, claro.

-¿Por qué me lo preguntas?

Te aseguro que nunca me lo he planteado.

-Pues deberías hacerlo. -¿Por qué lo reduces todo al sexo?

-Es evidente, ayer era Sergio, hoy ese idiota.

Deberías admitirlo, ¿no crees?

(Canción en inglés)

Una película como "Beautiful thing" a mí me pareció fundamental.

Conozco un amigo que la vio 12 veces seguidas.

La fue a ver 12 veces al cine seguidas,

porque hemos visto tan pocas veces reflejado

en nuestra infancia, adolescencia,

nuestro proceso de aprendizaje de las relaciones románticas,

de las relaciones sexuales.

Realmente, cuando se ve una película que te lo cuenta,

rompe las barreras de que esa película te guste,

no es que esta película te guste,

esa película saca tus entrañas fuera

y te ves reconocido de una manera muy importante.

(Canción en inglés)

Victoria dijo que tú estabas enamorada de mí,

porque si es así,

yo también lo estoy de ti.

-Creo que se está abriendo un poco camino

en el tratamiento de los personajes LGTB en el cine.

Es verdad que sigan siendo, en la mayoría de los casos,

historias complicadas.

-No soy como tú, a mí sí que me importan lo que diga la gente.

-Son las historias de mujeres que son las que más puedo consumir yo

suelen tener un final terrible,

parece que estamos abocadas a tener un futuro terrible.

-Iba a matar a mi protagonista,

pero he cambiado de opinión.

-Poco a poco se van viendo otro tipo de historias

que, digamos, construyen en positivo.

-Se está bien, ¿eh? -Sí.

-Demasiado, ¿no?

-Por ejemplo, me ha gustado mucho hace poco la película de "Carol".

Por fin ver personajes de mujeres que, aparte de su orientación sexual,

están construidas más allá y que son personajes fuertes.

Una historia es una historia dura, es en otros años, difícil,

que tiene incluso lesbofobia institucional.

Son personajes que aún así salen adelante

y se construye el final en positivo.

Son mujeres que asumen su papel y lo sacan adelante.

-No soy una mártir, no tengo ni idea de qué mejor para mí,

pero sé y lo siento hasta la médula lo que es mejor para mi hija.

Quiero poder visitarla, me da igual si son visitas supervisadas,

pero que sean regulares.

-Pero tú no puedes sentir lo mismo, yo soy una mujer.

-Yo también me siento una mujer. -Pero no lo eres.

-Entonces, ¿qué soy?

-La primera vez, una película trans, un personaje trans,

lo recuerdo perfectamente, fue en 1977..

Creo que se había estrenado el año antes

en un cine de Las Palmas,

y fue la película de Vicente Aranda, "Cambio de sexo".

-Lo que yo te propongo no tienen nada que ver

con el disfraz que llevas ahora.

Para conseguir lo que yo quiero decir

tienes que someterte a un régimen agotador.

Y lo que tal vez sea más difícil, tienes que cambiar tu mente

extirpando de ella toda señal de mentalidad masculina.

-Yo no tengo mentalidad masculina, quiero ser una mujer,

me siento una mujer.

-Me impresionó, además yo creo que era muy atrevida

para lo que era la época y me gustó mucho.

Daba un horizonte un poco de luz.

Con perspectiva de hoy la miras y es absolutamente estereotipada,

desde un prisma que hay que entender lo que es hace 40 años.

Realmente, para una persona que acababa de salir de su casa

y además acababa de salir de su casa buscando la libertad

y buscando la libertad de ser y de ser quien yo era

fue como un estallido, un estallido de cosas que eran posible.

-Dios se equivocó al enviarme ni equis de chicas.

En lugar de una "x" cayó "y" por la chimenea.

-La orientación sexual parece que a la sociedad, en general,

le entra más fácilmente por los ojos, porque son historias de amor

y es muy bonito edulcorarlo y que termine siendo aceptado,

pero la gente no entiende la identidad de género,

cuando identidad de género lo tenemos todas las personas

y el resto de personas no se le pone en duda la identidad.

Hace falta construir en ese sentido.

-¿Vas a empezar a disfrazarte de mujer continuamente?

-Mi vida entera he estado disfrazándome de hombre.

-Además, personajes que te puedan gustar

y que te puedan excitar cuando eres joven.

Son personajes, como decíamos antes,

no solo marcados por una historia de drama

o por una historia terrible,

sino, así dicho fácil, personajes que molen,

que tú digas: "Qué guay, yo puedo ser esa persona,

yo puedo ser una mujer transexual

y ser una policía, que está metida en un caso,

que lleva una investigación".

Personajes mucho más ricos en ese sentido.

-Si cotidianamente se está exponiendo que la diversidad sexual,

la diversidad y expresión de género

es algo que estás viendo en las pantallas,

de alguna manera se va asimilando y acoplando en el día a día de tu vida

y ya no te resulta extraño ver una persona por la calle,

es una herramienta poderosísima, ¿no?

-Estás exquisita.

Si juntamos comedia, thriller, acción,

cinismo, picaresca y buenas dosis de humor porteño,

el resultado, en palabras de sus protagonistas,

es una bomba de relojería.

Imanol Arias, Darío Grandinetti y Hugo Silva

protagonizan "Despido procedente".

Es una película española, pero con mucho sabor argentino,

que preestreno "Días de cine" el pasado lunes

con presencia de su director, Lucas Figueroa,

y de dos de sus protagonistas.

(Música)

Señor presidente, compañeros, aunque tarde, les traje mi propuesta.

-Javier, ¿usted es consciente?

-Y la concha de la lora de tu reputa madre en tanga.

(Música)

Yo creo que es una comedia con acción, con homenajes.

Pretendemos o quisimos que se diviertan,

así que ríanse, y si no, fuercen un poco la risa.

-Yo voy a la playa.

(Música)

Tiene muchas dosis de thriller, de acción, de misterio

y, sobre todo, de un humor negro e irónico.

-Perdón, perdóneme, ¿la calle Tacuaria 1500?

-No es por allí, creo que es por allá.

-¿La calle Tacuaria hacia dónde queda?

-Si estás así, es para allá, y si estás así, es para el otro lado.

-Cada decisión realmente que tomas importa.

-Perdone, me dio mal la dirección.

-Creo que me equivoqué, porque no soy de aquí.

-Javier, el personaje de Imanol, es un expatriado en Argentina,

que es un buen tipo vestido de tiburón.

-Hoy no trabajo por su culpa.

-Le ayudo a cobrar 1500. Dame 1000 y acá no pasó nada.

-El personaje de Darío es un buen tipo también

que tiene todas la justificaciones por las acciones que realiza

por ser el malo de la película.

-¿Cerramos en 800?

-Un personaje muy empático,

un personaje que parece que es más bueno de lo que es en el fondo.

Nada puede fallar esta semana, necesitamos concentración plena.

Y un personaje que lo poco valiente que es

la vida le obliga a aprender a serlo.

Vamos a ver, con 500 euros, ¿me deja en paz?

-Ya es tarde, con plata lo arreglabas antes.

Es un superviviente de ese mundo.

Ha trabajado ahí pisando cabezas para que no le pisen la suya.

-¿Qué estás haciendo? -No le puedo pegar.

-Este país se fue al carajo, este país se fue al carajo.

-El personaje de Hugo

es el competidor compatriota de Imanol.

-¿Qué haces acá?

-Pero ¿por qué habla argentino este tontolaba?

-De repente es un personaje que lleva ya 10 años en Buenos Aires

y es un personaje que quiere ser el más porteño de todos.

Yo sí te quiero joder, te jodo yo.

-Tomé todo lo peor de los argentinos y todo lo peor de los españoles.

-Yo creía que estabas enfadado porque a lo mejor

había intentado follarme a tu mujer, que para nada.

-Es un tipo que es mucho más pícaro, mucho más listo, mucho más trepa.

(Música)

-Vos podrás tener 20 másters

y ser director general de la recalcada concha de tu hermana,

pero te falta calle.

-A mí me interesa el recorrido que hace ese personaje

dentro de ese mundo cruel.

¿Sabe cuál es la diferencia entre ser perspicaz y un pelotudo? La corbata.

Estamos contando una historia reconocible para muchos.

A quien no le pasó, vio cómo le pasaba a alguien cercano.

Perspicaz, dícese de pelotudo con corbata.

Eso con el humor...

Yo puedo mirarte y decir:

"Mira qué perspicaz el gallego o mira qué pelotudo el gallego".

Es lo mismo.

Nosotros confiamos en que el espectador se va a sentir atractivo,

por la forma en que está contado y lo que se está contado.

-No somos nada, la concha de la lora, ¿eh?

-El conflicto de la peli, en realidad,

es una problemática universal.

Y que muestra que, aunque esté entre España y Argentina,

los problemas siguen siendo los mismos.

-La concha de la lora es extraño, ¿no?

Vamos a ver, ¿qué es la concha de la lora?

Es el coño de un loro, ¿no?

(RÍEN)

-Lucas también se ha permitido rendir pequeños homenajes

en la estética y algunas escenas.

-Os estamos viendo el carajo, ¿no?

-Yo hacía publicidad y quería hacer cine.

Entonces, dejé la publi y dije que iba a hacer una trilogía de cortos.

(Música)

Y porque hay cosas que nunca se olvidan,

tuve la suerte de que le dieron eso, 400-500 premios,

y le dieron el premio al corto más premiado.

(Música)

-¿Dónde vas con la bici? -Me han llamado por el concurso.

-Para mí fue como un hermoso experimento.

-Raúl, este es un directo,

si te confundes, tiras para adelante, ¿de acuerdo?

-Era también en estudio de investigación

a nivel de mercadotecnia.

Considerado el primer largometraje europeo.

-Eres un frikazo. Aguanta friki, ¿eh?

-El salto al largo.

Igual está mitificado, no hay tanto salto.

-Si en media hora no aparece mi hijo, te mato.

-Es ser un currante

y creo que esta película se hizo de la misma forma

que como hago un corto en ese sentido.

(Música)

-Qué bonito es Buenos Aires, coño.

Yo creo que la protagonista de esta película es la ciudad.

Cualquier comedia adquiere una dimensión

que es muy difícil encontrar en otras ciudades del mundo.

(Música)

¿Qué haces? -Qué bueno que viniste.

Estaba a punto de electrocutarlo en la pileta.

"Colossal", el cuarto largometraje de Nacho Vigalondo,

es un buen ejemplo de cómo romper las barreras

entre dos géneros aparentemente irreconciliables.

El romántico, hay una historia de amores fracasados,

y la grandilocuencia del género fantástico con monstruo.

A medio camino entre uno y otro se encuentra la protagonista,

Anne Hathaway.

(Música)

La naturaleza sin precedentes...

-¿No sientes un cosquilleo como cuando sabes que estás viendo algo

que cambiará la historia?

Nacho Vigalondo le pide prestado un monstruo

al universo japonés,

en una nueva demostración de que a osadía no hay quien le gane.

El envite que afronta ahora es 15 veces mayor

que el que fue "Extraterrestre".

Como multiplica el presupuesto en similar proporción.

Este es un mensaje del Ministerio de Defensa.

Estamos procediendo a la evacuación provisional.

A la postre, "Colossal" viene a ser el hermano rico de "Extraterrestre",

la fusión de dos mundos o géneros cinematográficos.

Por un lado, las cuentas del corazón treintañero, según esquemas,

del indie norteamericano, y el cine de monstruos radioactivos.

¡Joder, Gloria! Tienes que verlo.

Por el otro, la comedia sentimental de sabor madrileño

con la ciencia ficción de visitantes alienígenas.

(Música)

De la indigencia económica de "Extraterrestre",

rodada en un interior con cinco actores,

un aparcamiento vacío y algo que parece un trocito de ovni,

que no se mueve, en un pequeño rincón del encuadre,

Vigalondo se lanza a rodar en Canadá y Corea del Sur,

con 15 millones de presupuesto.

Anne Hathaway como estrella, montones de extras

y efectos visuales más aparentes.

Es un salto cualitativo en toda regla.

Aunque sí que es objetivamente una película más grande,

creo que cualquier película es más grande que "Extraterrestre",

la riqueza auténtica en el cine no se mide tanto en dinero como en tiempo.

Con lo cual, yo hubiese sentido abundancia

si hubiese tenido una semana más de rodaje que la que tuve.

Las claves compartidas se anudan en que lo fantástico

funciona como telón de fondo de las idas y vueltas del corazón.

Ya se sabe, separaciones mal digeridas,

viejas rencillas no superadas,

parejas que se quieren y no se soportan,

rumbos desnortados

por las truculencias del mercado laboral y sentimental

y triángulos de lados quebrados.

Me puse melodramática, ¿no?

-Dijiste que querías unas vacaciones,

que ya llevabas un año buscando trabajo,

que con tu novio no funcionó.

-Estás descontrolada. -¿Qué?

-Tus cosas están en el dormitorio. -¿Qué?

Lo fantástico se cuela en el mundo real,

pero en "Extraterrestre" los personajes hacían todo lo posible

por no tenerlo en cuenta,

mientras que en "Colossal"

las dos tramas están más y mejor integradas,

hasta el punto de propiciar una conexión mental

que solo se le podía ocurrir a un director

que tiene a gala un sentido del humor sin igual,

marca de la casa.

Absurdo, surreal y desconcertante a partes iguales.

¿Sabéis de qué película es? -¿Qué coño pasa?

-¿Alguna petición? Porque esto no va a durar mucho.

-En "Extraterrestre", la jugarreta era

que el contexto de ciencia ficción nunca llegase a cruzar la frontera

de la vida de los personajes, que no hubiese una interacción real,

que sucediese como nos sucede a nosotros viendo las noticias.

De repente vemos una masacre y nos quedamos como estábamos

y nuestra vida continúa.

Aquí sí que hay una directa vinculación entre las dos historias,

y una vinculación literal.

Los que ella hace lo hace el monstruo.

-¿Estás bien?

-Sí, tengo un tic nervioso, como un picor.

Dios mío.

La generación de treintañeros retratada en "Colossal"

no resulta muy favorecida.

Ellos son impresentables y ella, un auténtico desastre.

En este punto, Vigalondo pone pinceladas de moralismo,

pues lo que atormenta a la protagonista, Anne Hathaway,

es su inclinación a refugiarse en la bebida.

Gloria, si has pasado la noche bebiendo,

necesitas ayuda profesional. Ya me conozco la historia.

A la vez exhibe una sensibilidad feminista,

rodeada por hombres que son tres ejemplos dispares

de necedad o atolondramiento,

la protagonista se muestra resolutiva y autosuficiente.

¿Por qué me lo has dicho y me has dejado que yo...?

-Por favor, no quería que pensarás que soy un acosador.

-Demasiado tarde.

-Ya desde los cortometrajes, sin darme cuenta,

sí que he planteado una crítica

a ciertos síntomas de cierta masculinidad,

sin darme cuenta la mayoría de las veces.

Es un tema que siempre ha estado ahí

y quizás ahora lo hago más explícito que nunca

en una película como esta.

quizás ahora sí que estoy más que nunca

haciendo un discurso

sobre cierta toxicidad masculina.

"Colossal" reparte unas palabras de cal y otras de arena.

Es verdad que desdibuja las fronteras de los lugares comunes,

tanto del territorio romántico y del "monster movie",

base de un humor descolocante,

y que también que su comedia sentimental

se cobija bajo una capa de originalidad

que le hace parecer más de lo que es.

Sustraída la ingeniosa idea del monstruo,

lo que queda es más bien discreto.

Mira lo que ha tenido que pasar para que se animen las cosas.

-Monstruos en Corea del Sur.

Al término de "Colossal", nos asalta la duda

que arrastramos en todas las películas de Vigalondo.

¿Conseguirá un día con todo su talento encontrar una idea

que siga disparándose como un cohete

y alcance por fin a escapar

de la fuerza gravitacional de la ocurrencia?

Cuando eso llegue, se habrá convertido en un gran cineasta.

¿Y tu madre? Habrá sido duro para ella.

-Bueno, ella murió mucho antes.

-Joder, lo siento mucho.

-Sí, aún vivías aquí. ¿No de acuerdas? Fuiste al entierro.

(Canción en inglés)

Como sabéis, estos días Madrid se ha convertido

en el centro mundial de las reivindicaciones del colectivo LGTB.

El objetivo es hacer visible ante los ojos de la sociedad

la realidad de su situación, pero sin renunciar

a ese espíritu festivo, lúdico, alegre y divertido.

Por eso, queremos terminar el programa de hoy

con una película que reivindica la diferencia desde la música,

"Hedwig and the Angry Inch".

Así nos vamos, la semana que viene estaremos de vuelta,

hasta entonces.

(CANTAN EN INGLÉS)

  • Días de cine - 29/06/17

Días de cine - 29/06/17

29 jun 2017

Para comenzar, cintas de animación dirigidas a públicos muy diferentes: la tercera entrega de ‘Gru’, para niños; y la japonesa ‘En este rincón del mundo’, que narra la vida de una familia residente en la ciudad de Kure (Hiroshima) durante la II Guerra Mundial.
La francesa ‘Jamais contente’, de Emilie Deleuze, cuenta las desventuras de una adolescente, Aurore, de una forma fresca y divertida; la norteamericana; ‘Los últimos años del artista’, última película del cineasta polaco Andrzej Wajda, fallecido el octubre del pasado año, sigue a uno de los artistas de vanguardia polacos más importantes, Wladyslaw Strzeminski; y otra norteamericana, ‘Un don excepcional’, con Chris Evans, cuenta la historia de un hombre que tiene que hacerse cargo de la custodia de su sobrina.
Dos películas españolas que llegan a las pantallas esta semana y cuentan con la colaboración de RTVE: ‘Verano 1993’ y ‘Despido procedente’. La primera, con dirección y guion de Carla Simón, es la historia autobiográfica de una niña de seis años que afronta el primer verano con su nueva familia adoptiva tras la muerte de su madre; mientras que la segunda es una comedia protagonizada por Imanol Arias, Dario Grandinetti y Hugo Silva.
También llega ‘Colossal’, una cinta norteamericana dirigida por el español Nacho Vigalondo, protagonizada por Anne Hathaway.
Además, con motivo de la celebración del World Pride en Madrid, ‘Días de cine’ repasa cómo el cine ha plasmado la diversidad sexual en la gran pantalla. Para ello da voz a sus protagonistas para que cuenten hasta qué punto se ven, o no, y de qué forma, reflejados en el cine.

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