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No recomendado para menores de 12 años Días de cine - 28/12/17 - ver ahora
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¿Qué tal? Buenas noches. Bienvenidos.

La fecha, 28 de diciembre, invita a las bromas,

pero en "Días de cine" nos tomamos el programa muy en serio.

Ni más ni menos que os vamos a desvelar quiénes han sido,

a nuestro juicio, los mejores trabajos de 2017

nacionales e internacionales. Comenzamos.

(Música cabecera)

James Franco ganó la Concha de Oro en San Sebastián con una película

sobre alguien peor que Ed Wood.

(TODOS) ¡Sí!

-Estamos enamorados.

Margarethe von Trotta estrena una comedia

sobre dos mujeres que no se soportan.

Lárgate de mi casa. -Nuestra casa.

La redacción de "Días de cine"

ha elegido a los mejores del año 2017.

Antes de desvelar quiénes son a juicio de "Días de cine"

los mejores de 2017,

vamos a hablar de algunos de los estrenos de la semana.

Comenzamos con dos películas que nos hablan de dos maneras

muy distintas de ser artista. También hablan de la amistad.

Y tienen otro punto en común, ambas están dirigidas

por dos actores: Stanley Tucci y James Franco.

A Ed Wood le ha salido un duro competidor

para ostentar el título de peor director de la historia.

Su nombre, Tommy Wiseau; la película, "The Room".

Contando sus peripecias, James Franco ganó la Concha de Oro

y se consolida como un director al que hay que seguir la pista.

"The Room" lleva proyectándose en las salas americanas

desde hace 14 años,

aunque yo no supe de su existencia hasta que leí el libro de Greg,

el personaje que interpreta Dave en la película.

Me fascinó y fui a verla.

La gente gritaba y lanzaba cosas contra la pantalla.

Era todo un fenómeno.

Una historia increíble, pero también un canto a la amistad

y a no dejar de perseguir tus sueños.

-Me intrigaba por qué Greg se sentía atraído por una persona tan rara.

En realidad, los dos eran actores luchando por hacerse un hueco,

y cuando empiezas, todo el mundo te dice que no lo conseguirás.

Ellos encontraron apoyo el uno en el otro.

-Yo creo que Tommy Wiseau cambió después de hacer su película.

Antes era un luchador enfurecido.

Quería marcar la diferencia y ser alguien en Hollywood.

"The Room" primero fracasó,

pero pronto se convirtió en una película de culto.

De repente, Tommy sintió que tenía una familia,

ya no estaba solo, y eso le dulcificó.

"The Room" tiene diálogos geniales.

Tommy Wiseau pone tanto de sí mismo

que es una forma de expresión personal genuina.

Es sorprendente cómo pudo tomar de una manera tan perfecta

decisiones tan equivocadas.

Yo puedo ver una y otra vez las películas de Wes Anderson

y siempre descubro detalles nuevos.

Con "The Room" es lo mismo.

La puedes ver 30 veces y te sigues dando cuenta de cosas

que pueden ser ridículas o malísimas, pero que tienen su propia magia.

-A mí me encanta. Es la película que he visto más veces en mi vida.

Creo que si puedes ver tantas veces una película

no es apropiado decir que sea mala.

Se presentó en la última Berlinale,

donde pudimos entrevistar al actor Stanley Tucci,

aquí en funciones de director,

y al también actor Armie Hammer, al que pronto veremos

en la estupenda "Call Me By Your Name".

"Final Portrait", estrenada aquí como "El arte de la amistad",

recrea un acontecimiento real en la vida del escultor

y pintor Alberto Giacometti,

el retrato, uno de los últimos de su producción artística,

del crítico de arte y escritor norteamericano James Lord.

Tienes una cabeza de bruto.

-Gracias. -Sí.

Pareces un matón.

-Gracias.

-Si te pintase tal como te estoy viendo

y un policía viese el cuadro, te encerraría en la cárcel ya mismo.

Estamos en París en 1964.

Una ciudad que ha recobrado su vitalidad cultural

y su condición de referencia en el mundo del arte,

e incluiríamos por aquel entonces al cine.

Durante las sesiones de posado, se termina de forjar una amistad

entre el crítico de arte y el artista,

interpretado solventemente, como es de esperar

cuando se trata de Geoffrey Rush.

Es esa clase de película pequeña que no puedes abrirla mucho,

ya que, si lo hiciéramos, costaría más dinero

y perderíamos la intensidad de la escena,

el proceso de creación del retrato.

Lo más complicado fue orquestar todos aquellos matices y altibajos

que se dan en el proceso.

Introdujimos escenas de la vida de Giacometti fuera del taller,

pero lo que más me interesaba es ese aspecto de él como artista.

El hacer hincapié en algo que me atrae mucho,

el no rendirse y perseverar

para conseguir esa visión singular como artista.

Recrear esos tiempos de posado y ejecución artística

significa confiar en dos actores que van a trabajar

cada matiz del momento.

En el caso del retratado, a cargo de Armie Hammer,

incluso ser generoso y dejar espacio para que se luzca el oponente.

Sí, por supuesto.

-Aquellas sesiones fueron muy útiles para James Lord, mi personaje,

ya que las conversaciones que tuvo con Giacometti

le sirvieron para escribir la biografía del artista.

-No te rías. -Perdón.

Un filme pequeño, sencillo, agradable e ilustrativo

sobre el proceso de creación de un artista.

En este caso, un Giacometti amable, incluso entrañable,

en la parte final de su vida.

Como sabéis, tenemos que pasar de puntillas

por los estrenos de la semana. Vamos con tres títulos.

Una comedia española muy futbolera,

un drama francés ambientado en la Segunda Guerra Mundial

y también un biopic protagonizado por Hugh Jackman,

que ya está nominado a los Globos de Oro como mejor actor.

"El gran showman" se inspira libremente

en la vida de Phineas Taylor Barnum,

el empresario americano creador del Circo Ringling.

Están despedidos.

Espero que tenga suerte en el futuro.

Para llevar a cabo un musical sobre un emprendedor

en pos de sus sueños.

Esta no es la vida que te prometí. Ni mucho menos.

No es un biopic en su sentido más estricto.

Es una historia épica sobre el camino al éxito de un soñador

en la que Hugh Jackman demuestra, una vez más, que sabe cantar.

Creo que tengo una idea.

Empieza el espectáculo.

El cineasta australiano Michael Gracey

debuta como director con "El gran showman".

Una película con mucha energía, con mucho color

y con números musicales resultones.

Un musical de esos que en los momentos emotivos

se arrancan a cantar protagonizado por Hugh Jackman,

junto a Michelle Williams, Zac Efron y Zendaya.

Para hacer algo nuevo, hay que romper con lo convencional.

Segunda adaptación de la novela homónima

del autor francés Joseph Joffo,

"Una bolsa de canicas" vuelve al conocido terreno

de la ocupación de Francia por el ejército nazi

y la accidentada huida de los protagonistas, judíos,

hacia territorio liberado.

Es demasiado peligroso. -Baja la cabeza.

En esta ocasión, se trata de dos hermanos de corta edad

a quienes a sus padres encomiendan viajar solos desde París

con la intención de buscar refugio en Niza,

provistos de un poco de dinero y suficiente astucia

como para traspasar las líneas enemigas

y eludir los peligros que les salen al paso.

Pero todo el mundo tenía miedo, aunque todos fingieran.

El quebequés Christian Duguay proporciona una narración

convencional desprovista de grandes sobresaltos,

esquivando con fría pulcritud los tintes sórdidos

y resaltando el carácter bonachón de casi todo el mundo,

exceptuados los nazis.

Quietos. No, tú te quedas aquí.

-Nunca lo conseguiremos. -No digas eso.

La simpatía de los chicos

y una fotografía y ambientación costumbristas

son las bazas que el director juega a fondo

para tratar de evitar, sin conseguirlo,

la sensación de déjà vu que procura su película.

Saldrás adelante.

Este tufillo a monje de clausura, ¿no lo oléis?

-Harán un parador de turismo y no hay modo de solucionarlo.

-O sí.

Monta un equipo de fútbol, Munilla, y gana la Champions Clerum.

Un monasterio a punto de quebrar tiene una oportunidad

para la salvación: ganar la Champions Clerum;

o, dicho de otro modo,

el torneo de fútbol europeo para religiosos.

Y aún nadie ha conseguido ganar a la selección vaticana.

-Corre, Simón, que ya tenemos cinco balones.

-Esto no está bien, Ramón. -Es de pago. Será por balones.

-¡Cabrones!

-¡No entráis!

Perfecto. Karra Elejalde, el hermano mayor,

lo tiene chupado, si no fuera porque ninguno de los miembros

de su congregación sabe dar una patada al balón.

Así, las oportunidades de salvar el monasterio merman,

pero comienza la trama de la película.

Chuta, Simón. Sin misericordia.

Macarena García, Alain Hernández o El Langui

acompañan a Elejalde en esta comedia,

que se estrenará en salas el próximo 5 de enero.

O somos el emblema de la cristiandad o moriremos en el intento.

(Música)

Vamos a comenzar con los trabajos más destacados del año,

y lo hacemos con la que, a nuestro juicio,

es la mejor película española de 2017.

Un año muy interesante porque ha habido mucha variedad

de estilos, géneros y tonos.

Vamos a ser sinceros, entre la primera posición

y la segunda tan solo ha habido un punto de diferencia.

Pero en "Días de cine" celebramos que esos dos trabajos

están dirigidos por debutantes. Habrá que seguirles la pista.

Ahí van, del cinco al uno, los mejores trabajos españoles

de 2017.

El dúo de directores Jon Garaño y Aitor Arregi

abordan en "Handia" la historia del gigante de Altzo.

Le voy a hablar en su idioma.

Un guipuzcoano que vivió a mitad del siglo XIX

atrapado en un cuerpo que no dejó de crecer hasta su muerte,

a los 43 años de edad.

Pasen. -Pasa.

-Pasen por debajo.

Un personaje real convertido en leyenda

que sirve en "Handia" para narrar una emotiva fábula

de amor fraternal.

¿Y usted quién es? -Su hermano. Martín.

-Donde lo ven, Miguel Joaquín sigue creciendo.

Rodada en euskera, ambientada con esmero,

fotografiada con mimo y arropada por unos efectos visuales

de impactante realismo, "Handia" podría pensarse

como el cuento de una criatura solitaria y triste.

La película cuenta con 13 nominaciones

a los próximos premios Goya.

Vida.

¿Qué podemos esperar de ella?

Con discreción llegaba la última película de Mateo Gil,

"Proyecto Lázaro", que se ha colado como cuarta mejor película española

de 2017.

Con una puesta en escena transparente, rodada en inglés

y con unos efectos especiales que son tan eficaces como justos,

"Proyecto Lázaro" nos hablaba de alguna de esas grandes preguntas

que los humanos nos hacemos desde que habitamos las cavernas.

¿Quiénes somos? ¿Qué hacemos aquí? ¿Por qué vivimos?

Y, sobre todo, la gran pregunta de todas:

¿por qué hemos de morir?

Después de casi un siglo fallecido, Marc Jarvis,

el primer humano resucitado de la historia.

"Proyecto Lázaro", cuyo título tiene evidentes resonancias bíblicas,

también evoca al mito de Frankenstein

y al moderno Prometeo para ese viaje en dos vidas,

o quizá sea solo una, de su protagonista,

para demostrarnos que de todo se aprende

y que hay preguntas que nunca tendrán respuestas.

Tranquilo, estamos aquí.

Estoy aquí.

(TV) "Blanqueo de capitales, corrupción urbanística,

malversación de fondos públicos, tráfico de influencias...".

Fue una sorpresa que inmediatamente nos cautivó.

Una película diferente y casi hecha al margen de la industria,

como un acto de fe y voluntad,

y a la vez tremendamente pertinente e incisiva.

No tiene más dinero.

¿Ya está?

Mi padre no necesita robar.

Víctor García León tuvo la acertada intuición

de hacer un autorretrato colectivo a partir del lenguaje televisivo

del reality, en el que un personaje es seguido por una cámara.

Comida y calefacción.

El camino del samurái.

Así, entre bandazos y despropósitos, le acompáñanos por el solar patrio

y su inevitable polarización ideológica,

tratada de la única manera posible, a través del humor.

Huele un poco a pies, ¿no? ¿Es peligroso comprar comida aquí?

Reseñar el descubrimiento de Santi Alverú,

nominado al Goya al mejor actor revelación,

que cumple con creces el increíble reto

de mantener en todo momento el tipo frente a esa vida retransmitida

que es "Selfie".

Mañana con energía.

-Lucía será tu supervisora. -Hola, buenos días.

-¿Papá?

¿Qué haces aquí?

En el baile de los debutantes del cine español del año

destaca con fuerza el nombre de Lino Escalera

con "No sé decir adiós",

un drama sobre las relaciones familiares, la soledad

y el miedo a afrontar los envites de la vida,

entre ellos, la muerte.

Papá.

-¿Qué? ¿Qué pasa? -Te van a dar quimioterapia.

Lino Escalera habla de los grandes temas

sin subrayar nada.

Confía al espectador la continuidad dramática

de una historia hecha de silencios,

y cede a sus actores la batuta de unos personajes

perfectamente trazados desde guion.

Yo creo que la vida hay que entenderla como viene.

Todo ello con un estilo casi minimalista

y despojado de retórica visual,

donde cada encuadre tiene su razón de ser.

El palmarés del pasado Festival de Málaga

quiso decir alto y claro que la ópera prima de Lino Escalera

era la gran triunfadora,

distinguiéndola con cuatro galardones,

incluido el especial del jurado.

Desde entonces, no ha dejado de recibir reconocimientos

en medio de un inusual consenso de la crítica.

Papá, ¿sabes lo que tienes? -Sí.

-¿Quieres que hablemos? -Ahora no, estoy viendo eso.

Carla Simón se enfrenta en su debut como directora a un gran reto:

reflejar parte de sus vivencias como niña en el verano de 1993.

La película nos cuenta cómo Frida, una niña de seis años

que ha perdido a su madre, afronta la muerte y el cambio de vida

cuando se marcha a vivir con sus tíos lejos de la ciudad.

El reparto, y sobre todo la niña, Laia Artigas,

es uno de los grandes secretos de la película.

Dura, honesta, libre de artificios,

tierna y deslumbrante,

"Verano 1993", multipremiada y con nueve nominaciones,

podría ser la gran revelación de los Goya.

Esa mirada llena de verdad

es para el programa la marca del buen cine.

Entre las mejores interpretaciones masculinas españolas del año

encontramos una revelación,

también la consolidación de un talento

y al gran veterano desplegando toda su maestría.

Se trata de tres actores de generaciones distintas

pero que tienen algo en común:

sus personajes se enfrentan a la enfermedad.

Eneko Sagardoy tiene 23 años y mide 1,84 m.

Altura que la magia del cine convierte en los 2,42

que llegó a alcanzar Miguel Joaquín Eleizegi,

el gigante de Altzo,

el legendario personaje al que Eneko da vida en "Handia".

Eneko Sagardoy consigue humanizar un personaje

que hasta los 20 años era normal, edad en la que enfermó

y ya no paró de crecer hasta su muerte a los 43 años de edad.

Un personaje trágico que, como Eneko nos muestra,

sentía claustrofobia de su propio cuerpo.

Eneko Sagardoy está nominado a mejor actor revelación

en los Goya 2017.

Pocas veces un actor se ha tenido que enfrentar

a un papel protagonista que lleva el spoiler

en el título de la película.

Andrés Gertrúdix lo hace con holgada solvencia

a las órdenes de Fernando Franco en "Morir", donde asistimos

a ese proceso tan vital como es la muerte,

en este caso anunciada, de su personaje.

Con apenas dos actores en pantalla, Andrés Gertrúdix y Marián Álvarez,

asistimos tanto a la manera de enfrentarse

con el hecho de morir por parte de Luis

como a la batalla de su compañera en ese camino.

Está bonito.

Con economía de gestos, sin forzar ningún momento delicado,

haciendo del "menos es más" una virtud,

en "Morir", Andrés Gertrúdix nos ofrecía toda una lección de vida.

Pero ¿cómo te metes por aquí?

Tenías que haber cogido el desvío.

Qué decir a estas alturas de uno de los grandes actores

de la historia del cine y el teatro españoles.

No hace falta ser cinéfilo para asociar el rostro de Juan Diego

a un puñado de interpretaciones memorables,

a las que se suma ahora ese padre que se encamina hacia la muerte,

ansioso por apurar la vida hasta el último trago.

Póngame otra, haga el favor. -Joder, papá.

-Haga el favor.

Lo que Juan Diego hace en "No sé decir adiós"

no se aprende en las escuelas si no lo llevas en la sangre.

Puro virtuosismo de un actor que en su prolífica carrera

no ha dejado de asumir riesgos, apostar por directores debutantes

y entregarse a sus personajes con honestidad brutal,

consciente de que él solo es un médium.

No me acuerdo mucho, pero sé...

que me la follé dos veces.

Cierto que Juan Diego ha recibido a estas alturas

todos los premios y homenajes que merece,

pero a nosotros nos hace ilusión darle el de "Días de cine"

al mejor actor del año por "No sé decir adiós".

Enhorabuena, maestro.

¿Tú qué vas a comprar?

No hace falta que compres nada.

Madurez, veteranía, verdad y, por supuesto, talento

es lo que comparten las tres actrices españolas

finalistas en los premios "Días de cine".

Actrices con mayúsculas que, pasados los 40,

dejan claro que, ya sea para hacernos reír o llorar,

la experiencia es un grado.

"Brava" no nos descubre el talento de Laia Marull

porque ya éramos conscientes de su fuerza interpretativa,

pero sí le da una nueva oportunidad de explorar pantanos psicológicos.

Marull interpreta magistralmente el estado de shock

de una empleada de banca pequeñoburguesa

que sufre una agresión sexual en el metro.

Culpa, desorientación existencial, incapacidad para comunicar...

Sus agarraderas son pocas.

Apenas puede servirse de escuetos diálogos

sobre los que sostener su propuesta.

En el fondo, no solo no le hacen falta,

muy al contrario, llena de sentido el silencio.

¿Se puede ser más tonto que este tío? -Carlos, por favor.

Maribel Verdú ha logrado una de las grandes interpretaciones

de 2017 en una película arriesgada

que pedía una actriz capaz de saltar sin red.

Y su director, Pablo Berger,

ha tenido la inteligencia de ofrecerle ese trampolín.

Vamos, arrea.

Porque el salto que da Maribel Verdú es muy largo.

Es difícil entrar en el terreno de la comedia costumbrista

sin caer en los clichés.

La actriz demuestra cómo utilizar los tópicos

para darles la vuelta.

¿Qué es eso? -Tu desayuno.

-Que sepas...

que sigo muy enfadada contigo.

Tenemos que vernos, hay un problema.

Carlos está haciendo unas cosas muy raras.

Maribel Verdú sabe hacer un personaje de maruja

rehuyendo de la caricatura.

¡Cerveza!

Y al mismo tiempo, dotarlo de humor, ternura e inteligencia.

Es la prueba de que estamos ante una actriz

que rompe constantemente sus límites.

¿Pero yo cómo sé si el que está conmigo

es mi marido o es el otro?

Ya me apaño yo.

¡Eh, joven!

Una copa para mi amiga. -No, yo ya estoy bien.

-¡Por favor, tía! ¡Una copa, va!

Nathalie Poza ha encontrado por fin en la Carla de "No sé decir adiós"

el gran personaje protagonista que merecía su talento de actriz,

mil veces demostrado sobre las tablas.

Oye, aquí no se puede fumar.

Ya te lo tendrías que haber aprendido.

-Ahora lo apago.

Es un personaje que entraña una enorme complejidad,

pues su psicologismo se compone básicamente hacia adentro

y se expresa a través de gestos sutiles

que denotan un mundo interior bronco.

Nathalie Poza consigue el milagro interpretativo

de que los silencios sean tan elocuentes o más

que sus escasos diálogos.

Tía, yo he visto a este chico. Es tonto el culo.

No sé si es la cosa maternal o...

No te podría explicar exactamente, pero me lo quiero follar yo también.

Si ella sola se basta para llenar el plano,

cuando lo comparte con grandes como Lola Dueñas o Juan Diego,

las chispas saltan hasta el patio de butacas

en secuencias memorables como esta.

¿Me pones otro gin-tonic, por favor?

-Señorita, en vaso de tubo. Con un hielo. Cargadito.

Antes de desvelar quiénes son los finalistas y ganadores

de los premios "Días de cine" en el apartado internacional,

hablamos de dos películas que llegan a la cartelera desde Alemania.

Una es una comedia, la otra es un drama,

pero ambas están protagonizadas por mujeres

y dirigidas también por mujeres.

Una es Margarethe von Trotta, y la otra, Doris Dörrie.

Estamos enamorados. -¡Os acabáis de conocer!

-Ya sabes cómo es.

O cómo era.

Von Trotta construye situaciones con un marcado carácter teatral.

Tan viejas como recurrentes.

Amor.

Jade, una mujer de 40 años,

se siente muy infeliz porque su pareja, Nick,

la ha abandonado por otra mucho más joven,

como ya hiciera anteriormente cuando se vinculó con ella

dejando de lado a su mujer e hija.

¡Nick!

¡Oh!

-Hola.

-Lárgate de mi casa. -Nuestra casa.

-No leí el acuerdo prematrimonial. Dijiste que estaba bien.

Sobre el telón de fondo del mundo de la moda

en el que trabaja la desconsolada Jade,

y en el espacio común a las dos mujeres desasistidas,

el apartamento que Nick les ha cedido para que lo compartan,

se desarrolla un psicodrama de alcance limitado

con un toque de humor desangelado.

No podía ver esa cosa ni un segundo más.

-¿Dónde está mi cuadro? -En tu habitación.

"Olvídate de Nick" abunda en la conocida oposición

entre la manera en que hombres y mujeres envejecen,

y en los intereses que son comunes a ellas

y terminan por aflorar más allá de sus aparentes divergencias.

Con un planteamiento feminista de cortos vuelos.

Las dos juntas por fin.

Tenía el presentimiento de que os llevaríais genial

cuando yo estuviera fuera.

(MEGAFONÍA) "Señores pasajeros,

en unos minutos realizaremos una breve parada en Fukushima".

Tras presentarse en el Festival de Cine Alemán de Madrid

del año pasado, llega a las salas "Recuerdos desde Fukushima",

un nuevo trabajo de la cineasta Doris Dörrie,

que ya había situado en Japón algunas de sus películas anteriores,

como "Cerezo sin flor".

Ahora sigue los pasos de una joven alemana

por el paisaje de la catástrofe nuclear

y el maremoto de 2011, como parte de una pintoresca ONG,

y desemboca en su encuentro iniciático

con una antigua geisha entre las ruinas.

Quiero ayudar.

-Estuve medio año después de la catástrofe,

en noviembre de 2011, porque quería verlo con mis propios ojos.

A raíz de Fukushima, el gobierno alemán

decidió iniciar el apagón nuclear.

Eso, junto a mi propia experiencia de la devastación

y el sufrimiento de la gente, fue el detonante de la película.

Pensé que era una historia que merece la pena contarse.

-Cuando llegué a casa, no quedaba nada.

¿Qué harías si te ocurriera a ti?

El título original, "Fukushima mon amour",

y la magnífica fotografía en blanco y negro,

evocan inevitablemente al clásico de Alain Resnais sobre Hiroshima,

subrayando así el calado de esa confrontación

entre dos puntos de vista

desde una doble perspectiva cultural y personal.

¿Qué hace exactamente una geisha?

-Canta, baila, sonríe...

Cosas para entretener.

-La catástrofe de Marie es una pequeña herida personal,

mientras Satomi lo ha perdido todo.

A sus seres queridos, su casa...

La película habla de cómo superar la pérdida,

de cómo vivir con el dolor.

-Soy la última geisha que conoce esta canción.

Morirá conmigo.

-Las dos sacan provecho.

La una de la otra y personalizan el choque entre culturas,

pero también expresa cómo Occidente y Oriente se complementan.

La alemana aprende a vivir el momento,

a soltar el lastre del pasado,

y la japonesa, a liberarse de esas normas rígidas

que también la bloquean.

-Todo es un sueño.

Nuestra vida es un sueño.

(Música)

Cine de autor, cine independiente americano,

animación, documental, musical.

Si algo de cine, la lista de "Días de cine"

de lo mejor del año es la diversidad.

Una lista heterogénea que pone de manifiesto

la riqueza que hemos tenido este 2017 en la cartelera.

Ha sido muy difícil llegar a esta lista final,

porque han salido muchas más películas que en años anteriores,

así que hemos tenido que afinar muchísimo,

pero estos son del 10 al 1

los mejores trabajos internacionales de 2017.

(Música)

"Cartas de la guerra" es el extraordinario debut

del portugués Ivo Ferreira.

El director lleva al cine la novela epistolar de Lobo Antunes

con un profundo respeto por la palabra.

Las películas se plantea en función de la relación

entre las imágenes de la guerra de Angola

y la lectura en off de las cartas

que el protagonista envía a su mujer,

una relación de la que está excluido el diálogo.

Rodada en un hermoso blanco y negro,

"Cartas de la guerra" logra una estilización

que evita el verismo fácil del género bélico.

Sin embargo, esa estilización de la imagen confrontada con la voz

logra transmitir todo el desconcierto del protagonista.

La palabra se impone al horror y el absurdo de la guerra

para ponerlos en evidencia.

-El escritor y ensayista afroamericano James Baldwin

dedicó su vida a contar la historia de Estados Unidos

desde el lado de los sometidos, la raza negra.

En 1979 inició un libro sobre tres líderes

en la lucha contra la segregación, muertos por sus ideas,

Malcolm X, Medgar Evers y Martin Luther King.

El cineasta haitiano Raoul Peck ha querido rescatar del olvido

la treintena de folios que Baldwin dejó escritos

para elaborar un documental ejemplar de título provocador,

"I Am Not Your Negro", coincidiendo con el fin de la era Obama

y la escalada de la tensión racial en las calles de Norteamérica.

No hace falta ser negro para sentirse profundamente concernido

por "I Am Not Your Negro".

Su alcance universal concierne a cualquier minoría sometida,

obliga al espectador a posicionarse y, sobre todo,

pone en valor el legado intelectual de James Baldwin,

poco conocido en nuestro país.

Primera coproducción del estudio japonés Ghibli,

la meca de la animación mundial con un autor europeo,

"La tortuga roja" es el feliz encuentro de Hayao Miyazaki,

el director de la deliciosa "El viaje de Chihiro",

con Michael Dudok de Wit, que ya había afanado del Oscar

al Mejor Cortometraje de Animación en 2001 con "Father and Daughter".

(GRITA)

Armado con el trazo delicado y colorista de la escuela belga,

Michael Dudok eleva un canto a la naturaleza,

a la belleza del azul del cielo y del batir de las olas,

de la vida salvaje y de las normas irrebatibles

a las que esta debe someterse y, muy especialmente,

al proceso de crecimiento y maduración del ser humano

en su afán por alejarse del primitivismo

y desentrañar los misterios de la existencia.

(Música)

Sin pronunciar una sola palabra,

entregado a instantes mágicos y dolorosos,

en su combate por la supervivencia, consumiendo el ciclo de la vida

reflejado en los ojos del mítico animal,

el hombre aprende a respetarse respetando

y la fábula de la tortuga roja conjuga la máxima hondura

con la más humilde y bella expresión de sencillez formal.

(Música)

Mi piso ahora no está en venta y no lo voy a vender, ¿comprende?

Lamentamos su ausencia en el palmarés de Cannes

donde se exhibió por primera vez.

Pero, por suerte, el público español tuvo la oportunidad

de disfrutar esta delicada película un año más tarde.

Ahora mismo está viviendo en un edificio, incómodo, viejo,

sin seguridad, sin estructura y que está vacío.

-Pues esta vivienda es el piso donde os criasteis vosotros.

Doña Clara, interpretada por una mítica Sonia Braga,

resiste las presiones de un grupo inmobiliario

que ha logrado echar de su edificio a todos los inquilinos menos a ella.

Pero lejos de ser solo una película de discurso anticapitalista,

Kleber Mendonça, su director, propone un universo

donde el paso del tiempo y la añoranza se mezclan

con prodigiosa belleza con la madura vitalidad de su protagonista.

Me voy a la playa.

-Acerca la lanza a la orilla, a la altura del acuario.

-¿Doña Clara se va a bañar? -Afirmativo.

(Música)

"Moonlight" fue la gran sorpresa de los Oscar.

Obtuvo tres estatuillas,

Mejor Película, Guión Adaptado y Actor de Reparto.

En tres etapas y con tres actores distintos,

descubrimos a Chiron, un chico pobre, negro y homosexual

con una vida difícil.

La presión social puede más que ser quien realmente quiere ser,

pero su vida aún puede dar un giro.

"Moonlight" es un drama envolvente, profundamente emotivo,

y un tanto amargo sobre la identidad,

el amor y la amistad.

Sin grandes alardes y con un ritmo pausado,

"Moonlight" nos va atrapando.

Barry Jenkins apuesta por el riesgo,

juega a la perfección con las elipsis, las transiciones,

los contrastes y la música.

(Música)

Como de casi todos los géneros clásicos del cine,

se dice del musical que forma parte del pasado.

("City of Stars")

Con "La La Land", el cine de las canciones y los números de baile

recupera una vitalidad portentosa digna de otra época.

(Música)

"La La Land", anecdóticamente retitulada en España

"La ciudad de las estrellas",

coloca en primer término a la grandiosa pareja

que componen Emma Stone y Ryan Gosling

para contar una historia de amor

que sigue alrededor de la capacidad de soñar

o de evocar los maravillosos aspectos de la vida

que pudieron haber sido y nunca serán.

"La La Land" obtuvo seis Premios Oscar,

incluyendo Mejor Director en su edición 2017.

Acabo mi jornada.

Tomo una cerveza en el bar.

Bajo la mirada hacia el vaso y siento que me alegro.

En la última película de Jim Jarmusch,

se condensan los axiomas poéticos que lleva tentando

desde el inicio de su carrera en forma de un bellísimo haiku.

Exquisito bocado para paladares

capaces de disfrutar del espectáculo mínimo de la cotidianeidad.

(Música)

Un chófer de autobús, su novia, el perro de ambos

y una serie de secuencias con parecida estructura

que se repetían de forma excelsa.

Poemas en boca de este conductor

que, en manos de la dirección de Jarmusch,

se convertían en metáfora precisa sobre la belleza de la observación.

No premiarla con la Palma de Oro fue, probablemente,

el mayor error cometido por el Festival de Cannes

en sus últimas ediciones.

Sí, es muy interesante. -¿Que tal tu día?

-Como siempre.

-¿Has escrito algo? -Sí, un poco.

El director italiano Paolo Virzì nos habla de la condición humana

al modo de Cervantes en "Locas de alegría".

Dos mujeres de distinta condición y clase social

coinciden en eso que antes llamábamos manicomio

y ahora tiene nombres eufemísticos.

Beatrice y Donatella lucharán contra sus particulares molinos de viento

mientras recomponen su dignidad.

(Música)

En el camino, locas de alegría hay momentos

exultantes, dolorosos y tragicómicos

y detrás, un director de cine, Paolo Virzì.

El banco le prestó a vuestra madre lo justo

para que siguiera siendo pobre y poder quitarle sus tierras.

Estrenada el año pasado por estas fechas,

"Comanchería" entusiasmó por igual a crítica y público

gracias a la originalidad de su propuesta,

una película de atracos en la que los buenos son los atracadores

y los malos, los banqueros.

¡Todo el mundo al suelo!

-¿Llevan mucho tiempo por aquí?

-Lo suficiente para ver cómo robaban un banco

que lleva robándome 30 años.

Un western de vocación social y estirpe clásica

que rezuma cinefilia por todos sus poros

al tiempo que revisa las señas de identidad del género

con atrevimiento posmoderno.

¿Y por qué aceptaste hacerlo?

-Porque me lo pediste, hermanito.

Lo protagonizan dos hermanos tan distintos como Caín y Abel,

pero unidos por un mismo deseo de redención

y por un fatalismo digno de un guion de Paul Schrader.

Añadan al cóctel un trazado de "road movie"

con música nada menos que de Nick Cave.

El escocés David Mackenzie firma este prodigio

que, apenas un año después, se mantiene vigente

convertido en un clásico moderno.

(Música)

Estás haciendo algo bueno. Lo hacemos los dos.

-Hasta el final.

Desde la delicadeza y con un tono muy personal,

"En cuerpo y alma" es el relato de la improbable historia de amor

entre dos seres introvertidos hasta la sociopatía.

Ella es la nueva inspectora de Calidad

y él es el director financiero de la empresa en la que coinciden,

un matadero.

Dos personas atribuladas que, de forma casual,

descubren que comparten el mismo sueño

sobre una pareja de ciervos en un bosque nevado.

Será la disculpa que ambos necesitaban para, a partir de ahí,

intentar iniciar una relación.

"En cuerpo y alma" es la vuelta a la dirección

de la húngara Ildikó Enyedi, después de 18 años de silencio.

Una historia que obtuvo el Oso de Oro en la pasada Berlinale

y ha sido elegida como candidata por Hungría

para competir en los Oscar 2018. Una gran película.

El mejor actor internacional del 2017, según "Días de cine",

es un corazón rebelde, un fuera de serie

que, a sus 68 años, sigue disfrutando y haciéndonos disfrutar

de su espléndida madurez.

Pero también me gustaría destacar a la segunda posición.

Es un actor argentino, recordad que el año pasado

ganó el premio Óscar Martínez.

Quiere decir que corren buenos tiempos

para el tiempo latinoamericano,

pero comenzamos por el final, vamos con la lista del 5 al 1.

(Música)

Louis Garrel conseguía convencernos con desparpajo

de que a aquel que se escondía tras su apariencia

era aquel al que Hazanavicius llamaba "Redoutable"

y aquí, en su estreno español, "Mal genio".

Louis Garrel hacia visible lo que está en el imaginario colectivo

de muchos cinéfilos, la condición de mal genio

del genio que fue y es Jean-Luc Godard

en los tiempos en los que se sitúa la película

basada en autobiografía de Anne Wiazemsky,

la musa y compañera de Godard en aquellos años.

Y que nos muestra el trabajo de Louis Garrel

a un tipo tan genial como pagado de sí mismo,

tan enamorado del cine como de su musa,

pero también de su ego,

a un tipo tan comprometido políticamente como incomprendido,

a un bocazas en suma siempre genial en su mal genio.

Otro más.

Cuando eres pequeño, te enseñan que hay tres dimensiones.

Hemos visto a Adam Driver

como la nueva encarnación del reverso tenebroso,

como un advenedizo trepa que le roba las ideas a Ben Stiller

o como adolescente tardío lleno de filosofía existencial.

Siempre como un tipo brillante que nos permitía pensar en él

como una de las grandes esperanzas de la interpretación.

En "Paterson", en su personaje de conductor

a modo de guiño a su apellido, nos lo confirmaba plenamente.

Trabajo en un poema para ti.

-¿Un poema de amor?

-Supongo que si es para ti es de amor.

Con gestos pausados, Adam Driver nos invitaba a conocer

a su conductor Paterson,

entre recitados de una poesía tan cotidiana como auténtica.

Nada parece alterar a Paterson,

ni su perro juguetón ni los pasteles inconmovibles de su buena esposa.

Paterson sencillamente es poesía.

Y, además, conductor de autobús en Paterson.

-Casi cualquier trabajo de Joaquín Phoenix

merece estar en una lista como esta,

entre los mejores actores de su época.

Este año ha regalado a la historia

un personaje especialmente contundente y perturbador

como protagonista absoluto de "En realidad nunca estuviste aquí",

thriller contenido formalmente depurado y argumentalmente enfermizo

dirigido por la escocesa Lynne Ramsay.

Phoenix encarna a un exmarine reconvertido en matón a sueldo,

un sicario implacable y eficaz,

todo un profesional de la violencia por encargo

que convive con su madre demenciada y se ve implicado

en una oscura trama de abuso y trata de menores

con connotaciones políticas.

El hermetismo del personaje juega a favor

de la rotundidad física de este actor,

que no necesita gran cosa para inspirar inquietud.

(Música suspense)

Ricardo Darín es como el rey Midas,

todo lo que toca lo convierte en oro.

Y este año su riqueza actoral marca una nueva etapa

en su madurez interpretativa.

Yo no vine a cazar. -¿Y qué vas a comer esta noche?

En "Nieve negra", Darín se enfunda el traje de hosco cazador

que vive aislado en medio de la Patagonia.

Él es el hermano malo del cuento, el lobo feroz.

O no.

¿Tú piensa que si yo no tuviera la existencia del bien y del mal,

podría dedicarme a la política?

En "La cordillera", Darín se engalana

y se viste de presidente argentino para guiarnos

por el pérfido entramado de la política.

En la Cumbre Latinoamericana a la que asiste,

escudriña a sus compañeros con la misma mirada analítica

con la que parece mirar en su interior.

Solo él es el hombre llano, auténtico o no.

El mal existe, señorita.

Dos personajes opacos que hacen escaso uso de la palabra hablada,

pero Darín dice y mucho con la mirada,

con su manera de moverse

y convierte la ambigüedad en escuela de interpretación.

Muchas de las virtudes de "Comanchería"

viene de un sólido guión de personaje

escrito por Taylor Sheridan con diálogos afilados y concisos

que firmaría a gusto el mismísimo Tarantino.

Pero de poco sirve un buen guión sin los actores adecuados

y el de "Comanchería" está servido por un gran cuarteto de actores

capitaneado por un maravilloso Jeff Bridges.

Su interpretación de un veterano texas ranger

a la caza de los escurridizos atracadores

es un excelente ejemplo del virtuosismo actoral de Jeff Bridges

y de esa bonhomía tan suya que ha volcado

en un puñado de personajes memorables

a lo largo de su dilatada carrera.

Su nombre volvió a sonar con fuerza en los últimos Oscar,

nominado por "Comanchería" al Mejor Actor de Reparto.

Poco importa que al final

se lo llevase Mahershala Ali por "Moonlight".

Gracias a la película de Mackenzie, volvimos a recordar

por qué queremos tanto a ese clásico discreto del cine americano

llamado Jeff Bridges.

Si las miramos a ellas,

nos encontramos con dos grandes sorpresas,

dos reconocidas veteranas y una estrella indiscutible.

El número uno lo ocupa la que es, a nuestro juicio,

la gran revelación de este 2017.

Es una actriz británica

tan desconocida como brutal en su interpretación,

pero vamos a comenzar con el nombre de la actriz

que ha quedado en quinta posición.

(Música)

Valeria Bruni Tedeshi es Beatrice,

la parte exultante y volcánica de la pareja de protagonistas

de "Locas de alegría",

un delirante retrato de la locura

a través de dos encantadores y desequilibrados

personajes femeninos.

En una casa de reposo, eufemismo de manicomio,

coinciden dos juguetes rotos.

Una, Beatrice, ya ha cumplido los 50.

Es extrovertida, manipuladora y clasista,

un torbellino incontrolable

interpretado por Valeria Bruni Tedeshi.

Junto a ella o frente a ella, Donatella,

su contrapunto interpretado por Micaela Ramazzotti.

Magníficas las dos.

Memorable Valeria Bruni Tedeshi.

-Emma Stone comenzaba 2017 ganando el Globo de Oro

y el Oscar como Mejor Actriz por "La la land".

Su entrañable interpretación como Mia nos conquistaba.

La actriz de ojos tan imposibles que parecen los de un dibujo animado

daba vida a aquella aspirante a estrella

en "La ciudad de las estrellas".

Reía, lloraba, cantaba y bailaba.

(Canción en inglés)

Fracasaba y triunfaba en un musical más agridulce que feliz

donde una radiante Emma Stone hacía de todo y todo bien.

Pero dando pruebas de su versatilidad,

en este 2017 nos regalaba además otro gran trabajo

como la tenista Billie Jean King en "La batalla de los sexos",

quien en 1973 se enfrentó y ganó al extenista

y, sobre todo, fanfarrón y machista Bobby Riggs

en un histórico partido intergénero que puso las cosas en su sitio.

Jonathan Dayton y Valerie Faris traían aquella historia a 2017

para hablar de hombres, de mujeres y de igualdad.

(Música)

Una de las sorpresas del año ha sido la actriz húngara Alexandra Borbély.

Su interpretación de un personaje incapacitado para sentir emociones

como el cariño o el amor

es de una paradójica calidez.

Ella se encarga, con impasible eficacia,

del control de calidad de un matadero,

un lugar que parece el adecuado

para una persona maníaca, distante e introvertida.

Este personaje esquivo provoca la incomodidad

de los otros y del propio espectador con sus actitudes.

Pero Alexandra Borbély sabe mostrar lo suficiente del animal asustado

que se esconde bajo su piel.

Sus medios son la economía de gestos

junto al control de las miradas y las palabras.

Un minimalismo que se hace grande

gracias a un precioso y preciso sentido del ritmo.

Un trabajo de precisión que descubre a una excelente actriz

con el don de la sutileza.

(Música)

Cuando escuchamos que apenas hay películas para actrices maduras,

algo que estadísticamente es cierto,

podríamos poner como ejemplo a seguir el luminoso trabajo

de la actriz brasileña Sonia Braga en "Doña Clara",

interpretando a un indomable y lúcida luchadora

que, al mismo tiempo, sabe apreciar y valorar

lo que la vida le da.

Su hogar frente al mar lleno de recuerdos

es el último reducto sobre el que descansa

la dignidad del personaje

y de ahí sacan la convicción y fuerza

para plantar cara a la operación inmobiliaria

que pretende echarla de su espacio sagrado.

Vemos a un otrora mito del cine brasileño,

la espectacular Sonia Braga recogiendo,

al igual que su personaje,

la herencia de un pasado en el que curtirse.

Se intuye lo que la actriz ha prestado al personaje

y el resultado no puede ser más convincente

y disfrutable hasta el punto de que todos quisiéramos madurar como ella.

(Música)

Lo de Florence Pugh ha sido llegar y besar el santo.

El mérito es enteramente suyo,

por encarnar con desarmante valentía

un personaje tan destinado como esa Lady Macbeth

que nada tiene que ver con la de Shakespeare,

sino con un clásico de la literatura rusa del siglo XIX

cuya vigencia hoy día duele.

Mi padre... os compró.

Junto con un pedazo de tierra

que ni siquiera sirve para que paste una vaca.

Porque cuenta una historia

de represión y sometimiento femenino al macho

que alimenta el odio y la necesidad de empoderamiento de la mujer

hasta extremos irrespirables por su crueldad.

El arco evolutivo del personaje es mayúsculo,

de víctima a verdugo nada menos.

Y Florence Pugh se entrega a ello con una contención apabullante,

sin miedo a perder la empatía del espectador.

Su interpretación aquilata los muchos méritos

de esta brillante ópera prima, ganadora del Premio Discovery

en los recientes Félix del cine europeo

y proyecta el porvenir de Florence Pugh

al firmamento del cine británico con apenas 21 años.

¿Me quieres? -Por supuesto.

-¿Y me adoras? -Por supuesto.

Para un programa como "Días de cine",

donde mi mamo es con especial cuidado

el género documental, es una alegría poder decir que 2017

ha sido un gran año para el cine de lo real.

Tanto que ha sido imposible quedarnos con una única película.

Han sido dos títulos los ganadores.

Por lo tanto, un premio ex aequo.

Dos películas que tienen mucho en común, aunque son muy diferentes.

Por ejemplo, las dos hablan de dos personalidades brillantes

que amaban lo que hacían.

Uno cineasta, el otro escritor y los dos vivieron en sus carnes

la marginación y también del rechazo por su condición.

Con ellos, reivindicándoles, nos vamos a despedir

hasta la semana que viene, adiós.

Uno era judío; otro, negro.

Uno era cineasta; otro, escritor.

Ambos apasionados por sus trabajos y brillantes.

Ambos sufrieron la discriminación por su condición.

Uno murió de SIDA, Howard Brookner,

y otro, James Baldwin, por un cáncer de estómago.

Los dos eran homosexuales.

De ambos hemos podido ver este año sendos documentales

que la redacción de "Días de cine" ha estimado

como los mejores de este 2017.

(Música)

"Uncle Howard" era el retrato hecho desde una intensa lejanía emocional

por parte de su sobrino, Aaron Brookner,

por el que descubríamos a un tipo que participó

de la más excitante escena cultural de Nueva York

de finales de los 70 y comienzos de los 80.

(Canción en inglés)

El haitiano Raoul Peck se servía de la voz en off de Samuel L. Jackson

para leer los textos de James Baldwin

y ofrecernos en la excepcional "I Am Not Your Negro"

uno de los más emotivos retratos que se han hecho jamás

sobre la opresión y la injusticia.

En el hecho de que el discurso de James Baldwin

trate sobre la segregación y el racismo no lo hace menos válido,

pues la fuerza y la dignidad de su discurso es tal

y la puesta en imagen por parte de Raoul Peck es tan contundente

que tenemos claro desde el primer minuto

que ese alegato emocional es válido

para cualquier injusticia en el mundo

convirtiéndolo en un grito universal.

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Días de cine - 28/12/17

28 dic 2017

Días de cine dedica su último programa de 2017 a seleccionar lo que para el equipo del programa ha sido lo más destacado del año: mejores películas, nacionales e internacionales, y mejores actores y actrices de dentro y fuera de nuestro país. El resultado de la votación vertebra un programa que será la antesala de los V Premios 'Días de cine', cuya entrega tendrá lugar el 15 de enero en la Sala Azcona de Cineteca, en Matadero Madrid.

Además, el espacio se fija también en los últimos estrenos del año como 'The disaster artist', con la que James Franco ganó la Concha de Oro en San Sebastián; el drama 'Final portrait''El gran showman', con Hugh Jackman, Michelle Williams y Zac Efron; la cinta francesa 'Una bolsa de canicas'; y un adelanto de algunos estrenos que llegarán en enero como la española 'Que baje Dios y lo vea'.

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