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No recomendado para menores de 12 años Días de cine - 27/12/19 - ver ahora
Transcripción completa

En japonés dirige a dos grandes actrices francesas.

Catherine Deneuve y Julen.

Nueva versión del clásico que dirige Greta.

La redacción de "Días de cine" ha elegido a los mejores del año 2019.

Silencio, motor, se rueda.

Sacristán, primera.

-Es el salvoconducto, la carta de presentación,

la señal de la identidad a partir de las cuales

uno queda autorizado para formar parte de una historia

que se cuenta en un soporte que se arrastraba 24 imágenes

por segundo, y ahora, de otra manera,

pero el principio sigue siendo el mismo. Es contar una historia.

(Música)

El cineasta japonés Irokazu Kore- Eda

vuelve por estas fechas con un nuevo trabajo.

En este año se titula "La verdad".

Nueva incursión en su universo de la familia bajo la apariencia

de una película genuinamente francesa.

Dos nombres de peso.

Para mí ha sido una experiencia muy novedosa.

Como no hablo francés, me preocupaba que no entender

el idioma podría ser estresante.

Pero he tenido un intérprete excepcional.

Nunca me he sentido un extraño.

Encarna una diva del cine galo

y recibe la visita de su hija tras la reciente publicación

en las memorias bajo el provocador título de "La verdad".

"La verdad" es más bien gris.

-Creo que la vida no se puede dividir

entre lo que es verdad o mentira.

Son dos conceptos que se cruzan en nuestra propia vida

y ese tipo de cruce era lo que me interesaba.

Cuando Catherine Deneuve leyó la historia,

lo primero que dijo es que no se parecía a mí.

Me hizo gracia. Pero hay diálogos que ya dicho antes.

En Francia no hay ninguna actriz que lleve mi mismo ADN.

Es posible que haya algo de las dos, pero no era mi intención.

-Cuando se interpreta no se sabe nunca lo que va a pasar.

Es una foto antes del revelado, para el actor es lo mismo.

Su cuerpo y su alma le dicen lo que de verdad detrás de la escena.

Por eso hay que hacer 10 tomas, siete o cinco,

todas las que sean necesarias.

Nos echamos a la escena y a ver qué pasa,

porque lo premeditado no siempre funciona.

Se puede pensar en el conjunto, pero en el momento se vive,

se interpreta. Es como la vida, se vive y se siente.

Articula este encuentro en un tono de tragicomedia,

plantea un arreglo de cuentas,

una confrontación entre el pasado y los recuerdos de cada una.

La vida y la interpretación.

A mí me recuerda a Antón Chéjov.

Habla de la familia y de las razones humanas.

Siempre se ve en las luces y sombras de cada uno.

Hay que atravesar la sombra para ser nuevo lo mismo.

--uno mismo

Tiene esa facilidad para mostrar las habilidades

y se les quiere más todavía.

(Música)

-La claqueta es el momento que marca,

por lo menos para los actores, yo creo, el comienzo de la escena.

Normalmente pensaríamos que es cuando el director grita acción.

O incluso el momento del motor.

En realidad, cuando dicen motor quedan segundos

donde la gente está trabajando.

Hay ruido, y sonido. Cuando dicen acción, tienes que estar metido.

En realidad, para los actores,

la escena comienza con este sonido.

-Un momento.

¿Es usted Miguel de Unamuno?

Karra Elejalde desaparece en el cuerpo

de uno de los escritores y pensadores del siglo XX.

Miguel Unamuno.

Un hombre apasionado, contradictorio y reflexivo

a los que le acusaban de traidor y otros de cobarde.

Tiene que denunciar esta masacre.

-Pasaré la historia como Judas.

Le costó convencer a Amenábar para que le diese el papel.

No encajaba con el físico ni con el talante del escritor.

Adopta sus formas.

Contiene y modera su expresividad para recrear los últimos meses

y revivir un momento crucial.

No convencer es porque para convencer hay que persuadir.

(Música)

Habitual en las listas de nominados,

Antonio de la Torre brilla por "Su mirada".

El zulo donde permanece escondido.

Nadie como él para llenar de veracidad

este personaje de superviviente relegado al ostracismo.

Un antihéroe en toda regla.

Apartado de la normalidad, alternativamente angustiado,

paciente y furibundo, endemoniado,

sublime en su mirada los atormentados estados de ánimo.

Virtuosismo expresivo al alcance de pocos.

En complicidad con Belén Cuesta, su compañera de reparto.

Me has cerrado 20 años.

-No, sal.

Es casi imposible no asociar el nombre de Antonio Banderas

al de Pedro Almodóvar,

que le regaló su primer papel en "Laberinto de pasiones",

para después colaborar en otras 7 películas.

En "Dolor y Gloria" se mimetiza.

Interpreta a un actor en crisis. Repasa su vida,

su primer deseo, su primer amor.

32 años me ha costado reconciliarme con esta película.

Ha ganado el premio al mejor actor, está nominado a los Goya,

Globos de Oro y otros tantos galardones.

Se le sitúa como uno de los grandes actores.

Muchas gracias por venir.

La claqueta es uno de los elementos que se identifican

siempre con lo cinematográfico.

Cuando rueda su primera película,

el hacer esto por primera vez te daba un subidón impresionante.

Es como si contuviera toda la energía que has desplegado.

Está incluido en esa claqueta.

Es como si estuviera la película contenida dentro.

Acción, amigos.

(Música)

-¿Quién eres?

¿Cómo te definirías?

-Una persona normal.

Seis meses de trabajo.

Belén Funes. "La hija de un ladrón",

la han convertido en la mejor de la saga.

No es una tontería dadas las exigencias del personaje.

Sara es una madre soltera que vive en un piso de acogida.

Una joven con problemas de audición que solo quiere

tener un trabajo y una familia.

Este deseo termina siempre por frustrarlo

la tóxica relación que mantiene con su padre.

La angustia del vacío la empuja a aferrarse a él.

Bajo la aparente seguridad de Sara,

late el ancestral miedo a la soledad.

Greta Fernández aprovecha las dudas y temores

de su personaje para mostrar una madurez interpretativa que alcanza

en la sublima en las secuencias contra su padre.

Gran parte del mérito

se debe a la impresionante encarnación de Marta Nieto.

Avalada por "La Mostra de Venecia".

Pasa de cero a 100 en la escala de angustia

en los 18 minutos del prólogo.

Para deslizarse por un tobogán con vaivenes

a partir de un estupor con la desgracia.

Sí, mi amor, sí.

Hay algo indefinible en la materia

con la que trabaja Marta Nieto su personaje.

Contagia su dolor y nos lleva de la mano cuando

la luz se insinúa en su horizonte.

Dímelo, por favor.

Cariño.

¿Puedes hacer el favor de meterte dentro?

De secundaria habitual a brillante

protagonista de un drama intenso en con "La trinchera infinita".

Belén Cuesta llena de intensidad el personaje

que interpreta Antonio de La Torre.

Estate tranquilo.

Un salto o deslumbrante donde la expresividad elocuente

y contenida de la actriz se envuelven en el reducido espacio.

Desde los resquicios de su escondite,

como reflejo y eco de la tortuosa España de la época.

Me meto en el armario contigo. Que no tenga vida.

Estoy harta. No puedo más.

¿De qué estás harta?

¿De estar dentro?

-Harta de vivir así.

Esto que veis aquí, todos sabéis lo que es.

Es una claqueta.

Es el objeto que simboliza que el cine es un arte de imagen y sonido.

Es curioso.

Por mucho que avance la tecnología,

por mucho que el cine cada vez sea más digital y más tecnológico,

seguimos usando este trozo de madera

que nos recuerda una y otra vez que por mucho que el cine avance

y sea cada vez más tecnológico,

al final es una cuestión de imagen y sonido.

-Atención.

Queda declarado el estado de guerra en Salamanca.

Con ayuda de Dios, en toda España.

"Mientras dure la guerra",

la séptima película de Alejandro Amenábar,

declara lo sucedido al comicio de la guerra.

Unos momentos clave en la toma de poder de Franco.

Para limpiar esto hacen falta años.

Amenábar arriesga con un planteamiento imparcial.

Fiel al espíritu de los hechos,

su objetivo es tratar de entender a todos los personajes y sus razones.

No deja indiferente.

De su valentía surge el debate y la polémica.

Siempre intentamos cambiar el mundo.

Todo resuena hoy y nos hace reflexionar

sobre si seguimos sin entenderlo.

Siempre en guerra.

(Música)

Como ya hemos dicho,

"Madre" podría sentar el precedente de ganar dos veces el Goya.

Si hubieran resultado nominado este año.

No me ha dicho nada.

-Tiene que poner una denuncia.

El prólogo realiza un triple salto mortal.

La brutal angustia la abrumadora incredulidad.

El presente congelado, a 10 años después.

Todo lo del cajón está guardado.

Después viene la introspección del alma femenina.

Brillante pirueta narrativa.

Para nosotros, sin duda, está entre los cinco mejores del año.

¿Cuál es tu dirección?

Sabes donde vivo. Te vi seguirme.

"Dolor y Gloria", además de una película elegante y sincera,

se ha convertido en un ejercicio de auto sanación para Pedro Almodóvar,

que ha dibujado en un protagonista inundado de sí mismo.

Fue su vida y lo que pudo ser.

La vida está proyectada en mí mismo.

Estoy proyectado en toda la película.

-Sufrimiento físico y psicológico. Una depresión.

Antonio Banderas se convierte en el alter ego del director,

con una escenografía plagada de sus verdaderos objetos personales.

No escribes ni ruedas, ¿qué vas hacer?

Obra que cierra una trilogía.

Almodóvar ha conseguido a una de sus mejores películas,

con un elenco y un equipo inmejorable.

Tuvo que ser sistemáticamente premiado

para que nos diéramos cuenta de que tenemos

uno de los mejores cineastas de nuestra historia.

Este es el pirómano.

El gallego pasa un verano cinematográfico en "Lo que arde".

Dejarse inundar por la experiencia que nos brinda.

La crónica del pirómano que vuelve a La Aldea junto a su madre,

pero la majestuosidad del ecosistema nos envuelve a través

de unas fascinantes imágenes de una belleza sobrecogedora.

El cine de Oliver Laxe es una implicación

a la sagrada contemplación.

(Música)

El cine español contradice a los que pretenden ignorar

el pasado, volviendo su mirada sobre la guerra civil y la posguerra.

"La trinchera infinita" describe los inicios de la contienda

a través de la mirada de un topo.

Uno de aquellos que se salvaron del furor

y escondido en un zulo,

permaneciendo ocultos durante tres décadas.

Dirigida a seis manos por los responsables de "Arpía",

ambientado en una población de Andalucía,

es un relato elocuente claustrofóbico.

Poderosa impronta visual y electrizante recurso narrativo.

Para alcanzar la tragedia desde la perspectiva de un producto mínimo...

Eso no puede ser verdad.

-Cuando hacemos un plano muy complicado,

uno de los planos con mucha tensión o uno de los planos

que tiene una emoción intensa, cuando van a cantar claqueta, yo

cojo aire.

Entonces, cuando hacen clac,

aguanto la respiración hasta que acaba el plano.

Lo que viene después es sagrado. Acción.

-Os presento.

"Mujercitas", el clásico de la literatura

de Luis Mella hace 150 años, se ha adaptado al cine en ocho ocasiones.

La primera fue de manos de George Cukor.

Hemos disfrutado de las historias de estas hermanas

en diferentes versiones. La última ha llegado esta Navidad.

Estoy trabajando en una novela.

Es la historia de mi vida y mis hermanas.

Greta Gerwig, que el año pasado nos sorprendió,

nos ofrece una versión renovada y feminista repasando

un texto clásico y extrayendo su modernidad

con unos personajes dibujados con inteligencia y sensibilidad.

-Cuando volví a leer la novela me pareció rápida y moderna.

Planteaba con cuestiones de la autoría,

la propiedad del dinero y el arte.

Mantener la misión vive y que crezca.

-Ha escogido un elenco espectacular.

Nos vuelve a sorprender en el papel.

El punto de referencia para muchos jóvenes a lo largo de la historia.

Entre ellos, la propia directora.

-Pienso labrarme en mi propio camino.

Nadie se labrar su propio camino, y menos una mujer.

Necesitarás casarte. -Tú no estás casada.

-Eso es porque soy rica.

-Gracias a su obra, tenemos a gente que siempre dicen

que si no fuera por el personaje de ella, que tesoro no sería escritora.

Es genial saber que hay un personaje interpretado

muchas veces en estos años y que ha tenido

un gran impacto en la vida de la gente.

Florence es la pintora.

La más tradicional de las hermanas. Y la pianista.

Quiero ser una artista ser la mejor pintora del mundo.

-Siempre anda metiéndose en líos.

Fantásticas actrices que son la madre y la tía.

Ha sido una gozada aprender gracias a estas mujeres.

Creo que no se da cuenta.

Si sus vecinos fueran chicos, no sería lo mismo.

-No puedo, porque me he quemado el vestido.

En una narración original,

Greta Gerwig parte del presente como jóvenes adultas

y vuela hacia el pasado en idas y venidas

que nos perfilan sus ambiciones y deseos

para comprender porque son como son.

-Ahora eres la esperanza de tu familia.

-Es una película feminista.

No por eso excluye a los hombres.

Los hombres interpretan papeles importantes en la película.

Cuenta con actores maravillosos. Es un feminismo inclusivo.

-Las mujeres tienen alma y un solo corazón.

Quiero ser la mejor o nada.

-Tienen ambición, también talento.

"Mujercitas" trata con calidez ciudad familia.

Presentada hombres vulnerables y sensibles.

Mujeres que se rebelan contra lo establecido.

Universo donde los diferentes sexos se apoyan y comprenden.

Yo quería ser actriz y tener una vida en el escenario.

Que mis sueños sean diferentes no significa

que no sean importantes.

-Los personajes consiguen llegar a sus destinos

porque se sienten queridos y apoyados.

Respetados por hombres y mujeres.

Están rodeados por amor y todos hacen énfasis en ayudarse.

Con una escenografía y un vestuario sensacional,

llegan en un momento muy oportuno.

Nos recuerdan a un personaje revelador,

una escritura que lucha por abrirse un hueco en un mundo de hombres.

Estoy harta de que la gente diga que una mujer únicamente

vale para el amor, no lo soporto.

Promete estar entre las mejores.

(Música)

Hace una versión de "Alicia en el país de las maravillas".

¿Y ahora qué vamos a hacer?

Es la primera película que se estrena en la gran pantalla

en nuestro país. Aunque no sea una de sus grandes obras maestras,

es una oportunidad para disfrutar de su trabajo en la pantalla grande.

(Música)

Para mí hay dos sonidos que son sinónimo de felicidad.

La alarma de quedan 5 minutos para que de comienzo la función y otro,

sin duda, este.

(Música)

-Es una noche mágica en la que yo elijo al gato que merece otra vida.

Llega a los cines la adaptación cinematográfica del famoso musical

creado por el talentoso compositor a partir una obra literaria.

La producción teatral del musical se estrenó en Londres en 1981

y estuvo en cartel 21 años.

En Broadway fue en 1983 y se mantuvo 18 años.

Aparte ha recorrido medio mundo,

ha sido visto por decenas de millones de personas

y cosechado a su paso infinidad de premios.

¿Cómo te llamas?

¿Te ha comido la lengua el gato? -Vamos allá.

Tropieza estrepitosamente en su adaptación cinematográfica.

Adolece de la grandiosidad de los musicales.

De pequeña disfruta del espectáculo

y acaba años después dirigiéndola con el creador.

Con dirección de Tom Hooper,

responsable de "El discurso del rey"...

y también de la adaptación de "Los miserables",

que, si bien resulta abigarrada...,

sí que cabe reconocer la emoción en la narración musical

de esta historia clásica de Víctor Hugo.

Hora de divertirse.

Aquí Tom Hooper pretende ir un paso más allá

y consigue un barroquismo visual que afecta a la totalidad

de los elementos en su puesta en escena.

Destaca sobremanera la decisión de dotar a los personajes

con un vestuario o apariencia gato una creada de forma digital,

al estilo volumen del señor de los anillos,

pero de manera tan artificial que consigue estupor.

La tecnología eclipsa a la coreografía

y afecta al adaptado visual y a la historia, si queda dividida entre

tanta digitalizadas.

Algunos son actores que han tenido que aprender a cantar

y bailar. Algunos somos cantantes que hemos aprendido a interpretar

y bailarines que han interpretado a cantar y actuar. Es asombroso.

-Un redoble, por favor.

Los actores hacen lo que pueden en ese escenario descabellado.

Ahora se ha cerrado el círculo.

Conseguí el primer papel en 1981.

Justo antes del estreno me rompí el talón de Aquiles.

Un elenco de lujo protagonizan este musical

que, lejos de emocionar, o siquiera entretener, produce pesadez.

Nunca te había visto, ¿verdad?

(Música)

¿Cómo quieres que firme?

Como Alexis López,

como guionista, con López Alexis, como productor...

La mayoría de la gente me conoce como Apatxete,

que es como ahora figuró.

La claqueta epara la fantasía de la realidad. Vamos allá.

"Hasta siempre, hijo mío", fue una de las grandes revelaciones

de la última Berlinale donde los protagonistas recibieron

el Oso de Plata. De trabajo de ambos es clave para que la película

alcance los niveles de emotividad a los que llega el espectador.

La calidad y las facciones de la melancolía convierten

a este personaje en la imagen viva del dolor.

El parece un padre poco afectuoso y exigente,

pero progresivamente se revela como un ser humano excepcional capaz

de ofrecer amor sin límites.

Afronta la herida de perder a un hijo volcándose en los demás.

Antítesis del egoísmo es un personaje rico en matices.

Ojos azules, cara nidada, tamaño mediano y un gran talento

el de Leonardo DiCaprio es cada vez menos discutido.

Este año, batiéndose en duelo interpretativo con Brad Pitt,

se hace con el cuarto puesto en los actores internacionales encarnando

a la estrella en la alarmante pérdida de su fulgor.

Su papel bien podría compartir ADN con el celebrado bróker

perdido en el mundo de los excesos de "El lobo de Wall Street".

Pero es que además el actor tiene una enorme ternura.

La humanidad de una persona insegura con desencanto creciente

que busca conseguir derrumbar los complejos que atenazan su carrera,

algo que el actor conozca de su propia lucha

por ganar el respeto de la industria que ahora le encumbra.

Presencia esencial en "Parásitos" con una película muy coral.

Su forma de trabajar es dar vuelo a las interpretaciones

de sus compañeros.

No necesita robar una escena.

Sabe cuál es su lugar en cada momento de la película.

Su interpretación de un padre apático con una película sumida

en la marginalidad le da el punto de apoyo para trazar un arco completo

en la evolución del personaje.

Capaz de pasar del minimalismo y la comedia al drama

en milésimas de segundo es uno de los grandes actores

del cine reciente.

Christian Bale se enfrenta a uno de los mejores papeles de su carrera,

el vicepresidente en la estupenda película

de la que hablaremos enseguida, "El vicio del poder".

La mimesis con el personaje es impresionante

y nos ayuda a entender mejor a este hombre gris, de pocas palabras

y poderosas antenas que fue escalando silenciosamente posiciones

hasta llegar a ser, probablemente, el hombre más poderoso del mundo

en esos tiempos convulsos tras los atentados del 11S y la invasión de

Irak.

Sus tics, la manera de estar, de escuchar y ese rictus de media

sonrisa tan característico deja claro que Bale es el actor

más fiable a la hora de encargar a un personaje histórico,

mediático y real, tal y como estrena su otra película estrenada este año.

Aunque ya sabíamos que Joaquin Phoenix era un grandísimo actor,

este 2019 ha despejado las dudas que le podrían quedar

a los no convencidos. Nos ha regalado dos espectaculares

interpretaciones en dos películas diferentes.

Hizo del hermano pequeño bronco, muriendo y que no debería

sorprender.

Y para hacer de el Joker perdió peso, bastantes kilos,

pero no abandonó el punto de locura.

Perturbador, vulnerable, desequilibrado y amenazante,

pero lleno de razones, Joaquin Phoenix es el mejor

actor internacional de 2019 para "Días de cine".

Para mí la claqueta es un objeto de deseo. Siempre lo ha sido.

Además, de repente, entendí que todo lo que estábamos haciendo

en la película se iba separando en pequeñas piezas de un puzle

que están diferenciadas por la claqueta.

Así que hubo un día que me di cuenta que si la claqueta no hace clac,

yo no puedo volar.

(Música)

En la pasada edición de nuestros premios, Margot Robie

y se posicionó en la cima de la lista.

Este año se mantiene en la foto de los ganadores.

Tarantino ha transformado a la actriz en Sharon Tate.

Y logra ganarse nuestra simpatía.

Registro de simplicidad que es el responsable de la magia que esconde

este ejercicio de justicia poética del director.

Su secuencia camuflada entre el público viendo

a la propia mujer en "La mansión de los siete placeres",

o en la que escucha música en el tocadiscos de su dormitorio

queda entre los planos indelebles de los cinéfilos que nos deja 2019

y la década, que termina con él.

"Retrato de una mujer en llamas" reúne dos grandes interpretaciones.

Una la de esta modelo que no desea se retratara en esta oda

al lirismo romántico que la directora modula

con desbordante austeridad.

Nos encontramos en una isla de la Bretaña francesa a finales

del siglo XVIII, un lugar inhóspito que sirve de marco

para este encuentro entre una pintora y esa joven que acaba

de dejar el convento y asume su futuro matrimonio

por obediencia de su madre.

Sentirse mirada, medida, examinada para reconocerse

y reconocer el otro y, de esa manera, capturar el amor

en este poético y acertado título de "Retrato de una mujer en llamas".

El tercer lugar, un puesto por delante,

está su compañera de reparto.

La pintora que tiene el encanto de retratar a alguien

que no desea ser retratado.

Cada encuentro entre la pintora y la modelo se convierte

en un posado robado.

Un acto de indagación del otro que pasa por adquirir forma de deseo

y termina por desembocar en una pasión de asombrosa delicadeza

entre la artista y la modelo objeto de su retrato.

Un soberbio manual acerca del surgimiento del amor, el dolor

y la dicha de la pasión que surge a partir de la mirada

de las dos monumentales protagonistas.

Esta puede ser la tortuosa senda de una madre para llegar hasta su hijo,

pero el accidentado trayecto no tendría lugar sin esta

impresionante actriz.

Es una profesora de violín que arrastra una infancia desgraciada

junto a un padre alérgico a cualquier muestra de cariño.

Su afán por convertirla en la más virtuosa violinista

es una máquina perfecta en cuanto a su profesión

y utiliza uno de sus alumnos hasta llevarlo al agotamiento.

Inmersa en la conflictiva personalidad de ella,

la actriz resplandece en cada plano

hasta convertir el último en una inolvidable clase magistral

de interpretación.

(Música)

Una belleza de pelirroja atípica y una en catalogables

de expresividad han convertido a esta irlandesa en uno

de los descubrimientos más felices y prometedores de los últimos tiempos

en tan solo dos películas.

Primero asumió un romanticismo enfermizo como patito feo

en un meritorio thriller en comento.

Después un cuento amable de superación donde sorprendió

a todo el mundo como cantante.

Viajó desde Glasgow para convertirse en cantante de country

y dejando atrás su papel de madre soltera.

Conservo dos plaquetas de mis películas. La primera,

una que entregaba el equipo de cámara en "Ágora" al tío más guay

del rodaje y me la llevé yo.

Fue gran ilusión pero se la regalaban al director.

A pesar de sus 83 años está en plena forma y entra en nuestra lista

hablando de la precariedad de los falsos autónomos y la consecuencia

de esa presión en sus familias.

Es un mensajero que trabaja por cuenta propia

y descubre las tramas del sistema de la engañosa etiqueta

de ser su propio jefe mientras intenta tener cohesionado

el tejido familiar.

Su magia es hacernos testigos invisibles, colocarnos en el corazón

de unas escenas que se antojan reales y vivir junto

a sus personajes los infortunios de un mundo que funciona

con unos engranajes en los que muchas veces no reparamos.

En estas fechas donde los paquetes van de un lado a otro,

esta película es un aguijón en nuestras acomodadas conciencias.

"Cafarnaúm" golpea el alma, emocional, y,

y transporta hasta el virus donde un niño de 12 años demanda

a sus padres por haberle dado una vida de supervivencia y sufrimiento

en las calles padeciendo situaciones escalofriantes.

La libanesa directora cuenta esta historia con unos personajes

con los que ha ganado premios internacionales,

entre ellos el del jurado de Cannes.

Se ha convertido en la película de medio oriente con mayor recaudación

de todos los tiempos. Un melodrama que retrata la miseria,

revuelve las tripas y conmueve.

Relegada en esta lista por la lejanía de su estreno,

la flamante ganadora de la Palma de oro en Cannes

constata que el japonés Irokazu Kore-Eda es uno de los nombres

incuestionables del cine actual.

Un nuevo retrato de familia alternativa al borde

de la marginalidad que relativiza los lazos sanguíneos

frente a los sentimientos y el roce de la convivencia.

La mirada perspicaz del cineasta, descarnada y tierna al mismo tiempo,

perfila unos personajes pintorescos y entrañables que suplen

sus carencias con una compleja y fascinante mezcla de sabiduría

emocional e ironía existencial.

El siete es un número que dicen que da suerte.

No es de extrañar que sea el puesto en el que queda

lo nuevo de Quentin Tarantino.

Rey midas que este 2019 ha conseguido

que "Érase una vez en Hollywood" arrasará en taquilla

y el aplauso casi unánime de la crítica.

Decía el director que había querido hacer su "Roma" particular

del Hollywood de finales de los 60 y comparte con la cinta de Cuar/c>on

ese gusto nostálgico, en la falta por el revival alcanzado su cenit.

Esta es la coletilla con la que inician los cuentos infantiles

y algo de esas fabulaciones ha impreso a los fotogramas

de su cinta donde impregna al cine de su capacidad de soñar.

Esta es una de esas películas con una marcada vocación mítica.

Un western a la tradicional que sigue los pasos de dos hermanos

sanguinarios.

Magníficamente interpretados.

Un par de asesinos a sueldo en un paisaje reconocible,

ese que aún está por conquistar.

Están los códigos legendarios de un género

en el que se reescribe ni se ofrece al espectador un mundo violento

que obliga a los protagonistas a ser algo que no quieren.

Ya había demostrado en "La gran apuesta" que su estilo cómico

casaba muy bien con el retrato ajustado y lúcido de una realidad

histórica protagonizada por políticos.

En "El vicio del poder" la habilidad se ha perfeccionado

hasta encontrar la tecla perfecta para contar el mandato de Bush hijo

y su todopoderoso vicepresidente.

Recordemos que este equipo tomó la decisión de invadir Irak

aduciendo aquellas supuestas armas de destrucción masiva

que jamás se encontraron.

Así que este vicepresidente, que significa también vicio en inglés,

así se llama la película,

es un retrato coral y una caricatura que prácticamente sale sola.

Esta es una de esas películas que a la salida del cine se quedan dentro

y no hacen sino crecer con el paso de los días. A ello contribuye

una historia que parte de lo individual y llega a lo general,

pero muy inteligente y sensible manera de contar la que convierte

las tres horas de duración en una experiencia enriquecedora.

Crónica de la reciente historia de China en la que la política del hijo

único y la deriva al capitalismo marca la vida de un grupo de amigos.

Esta película devuelve la fe en el ser humano.

Para lograrlo construye un puzle conmovedor con un magistral

uso del tiempo cinematográfico, las elipsis y saltos en el tiempo

no hacen sino ensanchar las fronteras del humanismo que impregna

cada uno de los planos.

Como con cada una de sus películas,

Nuri Bilge Ceylan nos obliga a incluirle entre los grandes

directores con "El peral salvaje".

El turco desliza los sentimientos que el espectador abriga

hacia los personajes con tal sutileza que uno nunca piensa

si siente hacia ellos lo mismo que al principio. En "El peral salvaje"

disecciona en carne viva una tortuosa relación paternofilial.

Un dominio magistral del tiempo narrativo y un talento cautivador

para fijar los valores del ser humano definen

el cine de Nuri Bilge Ceylan.

Con el título tampoco cinéfilo de "Joker" nadie hubiera pensado

hace un año que la película del 2019 que iba a promocionar a mediomundo

fuese una revisitación de ese personaje de risa irritante

de Batman pero muy alejado del mundo de los superhéroes.

Aquí hay que reclamar la autoría siguiendo las declaraciones

del director, de Joaquin Phoenix,

que se metía en la piel de ese pobre diablo apaleado

por la sociedad en una revisitación en siglo XXI de películas que ya nos

lo enseñaban.

Esta es la demostración de que el cine aún puede contar

muchas cosas y, sobre todo, arrastrando masas a las salas

porque, en el fondo, ¿quién no se ha sentido alguna vez como él?

Este es un título que no engaña.

Una familia pobre trata de infiltrarse en el hogar de otra

rica.

A partir de ahí la película se convierte

en un encadenamiento de géneros.

Drama, thriller y comedia negra pasados por el filtro de la ironía,

la crítica social o el rumor absurdo.

la crítica social o el humor absurdo.

El director ya demostró su habilidad para meter en el molde del género

ocupaciones de índole social y política y ancho de este

un rompecabezas de estilo que encaja de manera asombrosa.

Una película hecha de rupturas que logra su coherencia

gracias a ellas.

El coreano monta un mecanismo que es crítica social,

estudio de costumbres y reflexión humanista, una máquina

que nos machaca y hace cosquillas.

Otra contradicción que demuestra una cosa:

es un auténtico maestro del cine.

Bueno, esta es mi firma y esta es la claqueta

que yo siempre me he pillado un dedo.

No he dado mucho a la claqueta.

Eusebio Poncela observa a su próxima víctima

y lo que descubre nos deja anonadados.

Nos adentramos en los misterios de un mito pictórico.

La infanta ha pedido un vaso de agua y justo en el momento

en que se presenta, aparecen los reyes.

Aparecen las dudas

y sobre si lo que vemos es un reflejo especular.

Un reflejo que hubiera mantenido la huella especular de Margarita

y las Meninas y hasta el perro.

Nos brinda una brillante lección de historia de arte con multitud

de capas de imagen, texturas, proyecciones planas y corpóreas,

el espacio en el que los personajes cobran vida.

Está pintando un escenario de los más inquietantes

que he visto nunca en la vida.

(Música)

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Días de cine - 27/12/19

27 dic 2019

Días de cine repasa lo mejor de 2019 en su último programa del año en una edición que será la antesala de los VII Premios Días de Cine que tendrán lugar el 14 de enero en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid.
La actriz Sandra Martín es la madrina del programa, que también señala los estrenos destacados de las salas: la francesa 'La verdad', o 'Mujercitas', la nueva versión del clásico de Louisa May Alcott, dirigida por Greta Gerwig.
El espacio de cine de La 2 desvela sus listas, elaboradas por la redacción de Días de cine, de lo mejor internacional y nacional, películas, actores, actrices... y otros premios como el Premio del Público, para 'El Crack 0'; Premio Somos Cine, 'El hoy', participada por RTVE; Premio El Futuro es Mujer para Belén Funes por 'La hija de un ladrón'; Premio Ha nacido una estrella, para Greta Fernández y Premio Vida en sombras, para Pedro Almodóvar por 'Dolor y gloria'.
Además, el programa pone en marcha otros reconocimientos, como Premio Mejor Película de Animación para 'Buñuel en el laberinto de las tortugas'; Mejor Documental, para 'El cuadro'; Mejor edición en dvd y blu ray para 'La casa de Alfred Hitchcock' y el Premio Elegidos para la gloria, este año para la actriz Julieta Serrano.

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