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No recomendado para menores de 12 años Días de cine - 22/06/17 - ver ahora
Transcripción completa

¿Qué tal? Buenas noches, bienvenidos.

Hoy nos ha quedado un "Días de cine" de lo más ecléctico.

Comenzamos hablando

de un superviviente inesperado de la crisis,

terminaremos con una heroína feminista

y a caballo entre una y otra nos vamos a detener en un tipo

que decía que prefería bailar él a hacer bailar a la cámara,

comenzamos.

(Música)

Es nuestro deber defender el mundo. Es lo que voy a hacer.

En el mundo superheroico, tampoco existe la paridad.

¿Conseguirá Wonder Woman cambiar las cosas?

Víctor García León hace un divertido y tremendo retrato del país

visto desde la pantalla de un dispositivo móvil.

Se cumplen 30 años de la muerte del genial bailarín

y "Días de cine" le dedica un homenaje muy especial.

(Música)

Comenzamos el programa de hoy hablando de "Selfie",

la que a nuestro juicio debería ser la comedia del verano o del año,

¿por qué? Por desprejuiciada, por diferente, por cañera, por fresca.

Está protagonizada por un personaje que se llama Bosco.

Es un cretino al que su padre acaban de meterle en la cárcel.

Perdona, Elena, solo una cosa. ¿Cómo que un cretino?

Un poco cretino sí que eres en la película.

Ya, pero pobre Bosco. ¿Pobre Bosco?

Carismático, gamberro, eh...

Eso es ser un cretino, perdona.

Yo estoy hablando de Bosco, no estoy hablando de Santi,

no te des por aludido.

Entiende que al final tengo que defender ahí un poco.

Vale que sois "Días de cine" y la cadena es de las buenas.

La buena. Vale, no lo sé.

Espero que el programa no siga así, va a subir, ¿no?

Claro que va a subir, va a ir a más siempre.

Nosotros siempre vamos a dar más, terminamos con Fred Astaire.

Vale, está bien, entonces dale. ¿Nos hacemos un selfie?

¿Con Bosco o con Santi? Con el más guapo.

(Música)

No tiene más dinero que la gente normal.

Mi padre no necesita robar. Esta es la piscina.

Mención especial del jurado y premio de la crítica

en la última edición del Festival de Málaga.

"Selfie" es auténtico cine independiente

que responde a una iniciativa personal de Víctor García León.

Grabar en formato de reality, la peripecia de Bosco,

hijo de un ministro del PP, encarcelado por corrupción.

El camino del samurái.

Esta gente colabora bastante entre ellos,

¿por qué no me van a ayudar a mí?

Este barrio es un barrio de verdad.

Su repentina orfandad le lleva a vivir

una especie de viaje iniciático que le conduce en Lavapiés.

Allí, en el barrio multicultural,

Bosco compite con un simpatizante de Podemos

por el amor de Macarena, una chica ciega.

Hay mucho amor. -Quita, coño.

Delirante alegoría en torno a un país llamado España

contada con un humor cercano al esperpento.

Macarena Sanz y Javier Caramiñana

secundan a la revelación de "Selfie", Santiago Alverú,

monologuista y cómico que demuestra ser un excelente actor,

sin cuya presencia, "Selfie" sería impensable.

Tráfico de influencias, delitos fiscales, estafa procesal.

-Gracias a este tipo de lenguaje, tan frívolo e inmediato y absurdo,

nos ha permitido, precisamente,

meternos en sitios donde no nos hubiéramos podido meter

en una película convencional.

Creo que esta especie de comando checheno

que hemos hecho con una cámara

nos ha dado como la libertad de enseñar un país

que, en general, poco enseñado en el cine.

-Mi padre estudió Derecho, se casó con mi madre,

luego entró en política, se hizo ministro y ya está.

Al final, cuando tú haces un selfie, siempre dejas cosas fuera.

Al final, Víctor ha decidido que eso es lo gracioso,

ahí está la comedia,

en lo que este tío deja fuera de campo.

La película seria hubiese sido el ministro, la vida del ministro,

el ministro en la cárcel, pero Víctor ha cogido y ha dicho:

"No, no, no, la comedia, lo gracioso

y a la vez lo más representativo y lo más real,

está aquí al lado con este personaje".

Entonces, eso beneficia mucho todo lo que dejamos fuera de campo

y es lo más divertido, es lo que hace la comedia, al fin y al cabo.

Los ricos no roban, ¿roba la duquesa de Alba? No.

El título lo dice todo.

Esta película se podría haber llamado "Retrato", "Aurretrato",

no sé, "Tríptico", pero "Selfie" al final es la forma de llamar,

es una forma que tenemos de contar todo lo que está pasando,

porque hay que ponerle comedia.

Por muy serio que te quieras poner, al final la política

ha entrado en un juego de cultura pop

que yo creo que no le beneficia demasiado.

Yo creo que estamos jugando con decisiones estéticas

cuando deberíamos estar jugando Con decisiones políticas reales.

¡Sí se puede! ¡Sí se puede!

-En la película soy ciega, soy de Podemos.

Trabajo dando clases de español en diferentes centros sociales

y resulta que me enamoro.

Me enamoro de un tío bastante despreciable,

pero como no le veo, me enamoro mucho de él.

Escucho las barbaridades que dice, pero me lo tomo con humor

y por eso me enamora, con el humor suyo.

(Motor)

Eh, eh.

-Yo doy muchas gracias al universo por traerme a Santi,

porque sin él la película no me la imagino ya.

Me parece una bestia de la interpretación

y es un actor sin saberlo.

Además, es pijo, de verdad,

con lo cual, tiene una manera de mover el flequillo

y una dentadura,

que sería absolutamente imposible de trasladar a ningún actor del método.

No hay manera de que Bardem mueva el flequillo

como lo mueve Santi, por mucho que se empeñe.

La verdad es que fue un milagro,

porque fue el único al que vimos para el papel.

Yo hice un casting de una persona, que fue Santi.

-Amigo, hermano.

¿Conoces a una chica que se llama Macarena?

-No, no la conozco. -Vale, gracias.

-Sí que es verdad que la película empieza como un falso documental,

muy agresivo, y poco a poco se va convirtiendo en otra cosa.

Entonces, la cámara tiene una presencia al principio

que luego pierde.

La idea es que no te des mucha cuenta,

que te vayan colocando en una película de ficción poco a poco

sin que quiebre la cosa.

-¿Tú crees que la gente diría lo de Venezuela si no hubiese algo ahí?

"Selfie", un proyecto que arrancó al margen de la industria

y que fue creciendo hasta interesar a los actores financieros del cine,

tiene todas las papeletas para ser la comedia del año.

Un planteamiento original que retrata

el eterno problema de las dos Españas,

echa mano de forma inteligente y novedosa,

del lenguaje del reality,

para ofrecernos un autorretrato demoledor y a la vez muy divertido.

No se la pierdan.

Que la película se estrena el viernes y va a ir bien seguro,

pero he venido a "Días de cine" y a TVE

a ver si me ayudan.

Me ha dicho la gente de "Días de cine"

que igual podía yo quedarme aquí y pedir trabajo.

La peli se estrena y yo creo que va a ir bien, va a ir bien,

pero por se acaso.

-No está el director ahora, vuelve mañana.

-Es TVE, no sé qué esperaba.

(Música)

Gerardo Olivares regresa para hacer

una de las cosas que más le gustan,

poner al espectador en contacto con la naturaleza,

a través del cine.

"Hermanos del viento" es un canto a la supervivencia y a la vida,

una entrañable película que mezcla ficción y realidad

y nos habla de la relación del hombre con el animal.

(Música)

"Hermanos del viento" yo creo que es un canto a la naturaleza.

La naturaleza es la protagonista.

De hecho, cuando se empezó a escribir la ficción,

teníamos muy claro que no podíamos competir

con las secuencias de naturaleza.

(Música)

Para mí era muy importante crear ese vínculo

entre el niño y el águila, que ese vínculo de amistad

y luego que el espectador, de alguna manera,

viera el águila,

no como un animal salvaje, como una rapaz,

sino como algo más cercano.

(Música)

Yo todo lo que he hecho en mi carrera profesional,

todo, todo, absolutamente todo, ha sido con TVE.

(Música)

Yo empecé haciendo una serie en el año 91

que se llamó "La ruta de las Córdobas".

Eso, al final, lo que era era una excusa

para dar una visión del continente americano

a través de los ojos de unos chicos jóvenes

con ganas de comerse el mundo. Fue un éxito, la verdad.

(Música)

En el año 2004, empiezo a rodar un documental en África

sobre los tuareg, los nómadas que viven en el desierto del Sáhara.

(Música)

Dentro de la caravana había cinco personas, cinco personajes.

Yo convertí esas personas en personajes.

-Los que viajéis, os vais aquí,

pero los que os vayáis a Libia, seguís conmigo.

-Era muy interesante.

Era contar una historia real,

pero con momentos de ficción,

que formaban parte de la vida de estas personas.

-Escuchad, escuchad.

La final la televisa mañana. Será a las 8:00 de la mañana.

-Ahí es ya cuando planteó la película de "La gran final".

Es la historia de tres tribus,

una en Mongolia, otra en el desierto y otra en el Amazonas,

que son unos forofos del fútbol.

Esa noche se celebra la final del Mundial entre Brasil y Alemania

y se tienen que buscar una tele como fuera.

-Alto ahí, si no me lleváis, la rompo, lo juro.

-Creó una unión de ficción.

Como estaba rodado con actores no profesionales,

en los lugares reales, era todo tan de verdad,

que la gente pensó que era un documental.

Yo en mi vida me había planteado rodar ficción.

(Música)

"Entre lobos" fue la primera película de esta trilogía

que termina con "Hermanos del viento",

y que siguió con "El faro de las orcas".

Un poco de la conexión de la infancia con la naturaleza,

a través de tres historias, tres personajes,

de tres niños que tenían una infancia complicada, difícil.

(Música)

En el caso de "Hermanos del viento", un niño con un águila, pura ficción.

-Te estaba esperando.

Pensé que nunca volverías.

-Hemos desarrollado hasta una cámara

con la Universidad Tecnológica de Friburgo,

que la tenemos patentada, que se llama la "eagle cam",

y eso nos ha permitido sacar unas imágenes de escorzo

que son brutales.

(Música)

Se han usado 17 águilas.

La mayoría de las águilas vienen

de un centro de recuperación de aves rapaces.

Eso no quiere decir

que la secuencia más espectacular que tiene la película

desde mi punto de vista que es cuando el águila real

intenta cazar un rebeco.

Estábamos nosotros ahí, rodando los rebecos,

y apareció esta águila real, totalmente salvaje,

y se fue a cazar un rebeco.

(Música)

Hay una secuencia de naturaleza,

hay una secuencia de naturaleza en interacción con los personajes,

pero en las secuencias de naturaleza, evidentemente,

van por otro lado, porque necesitan de mucho tiempo.

(Música)

Siempre se plantea una historia muy sencilla

desde el punto de vista de ficción,

es la relación de amistad entre este polluelo y el niño,

y, evidentemente, yo estoy más que contento,

porque creo que hemos hecho un trabajo increíble.

(Música)

Fred Astaire va a ser, sin duda, uno de los grandes protagonistas

del programa de hoy, cuando se cumplen 30 años de su fallecimiento,

pero para ir calentando motores, y antes de que llegue ese homenaje,

hablamos del director Whit Stillman,

al que cuando preguntamos por su secuencia preferida,

hizo alusión a un tema de "Señorita en desgracia",

en el que se inspiró para su película "Damiselas en apuros".

Había una secuencia de "Gold Diggers",

que creo que es algo maravilloso.

Es fascinante para mí.

"Gold Diggers 1935" quiere decir

son los musicales de Warners en los años 30.

(CANTA)

-Es un enorme musical.

Es la historia de una mujer en Nueva York

y es muy art decó de los años, principios de los años 30.

Es mágico, es maravilloso, es triste,

es muchas cosas.

(CANTA)

Si no era eso,

me encantó el número de "Things are looking up".

(CANTA)

Es eso me ha dado el título de "Damiselas en apuros".

Y también la canción que está la película,

"Things are looking up".

(CANTAN)

-Me encantaría ver un programa que ponen las secuencias de Fred Astaire,

"Things are looking up"

y nuestra película "Things are looking up".

(CANTA EN INGLÉS)

(Música)

El pasado viernes fallecía en Los Ángeles John Avildsen,

uno de esos tipos de la antigua industria del cine

que valían para todo, un todoterreno,

que consiguió el Óscar al Mejor Director en 1976 por "Rocky",

y que firmó, entre otras, la famosa trilogía de "Karate Kid".

Con pantalón blanco, pesando 86 kilos,

hijo predilecto de Filadelfia,

el potro italiano ¡Rocky Balboa!

Rocky le valió a John Avildsen

el Oscar como Mejor Director en 1976.

Acaba de fallecer en Los Ángeles a los 81 años,

dejando tras de sí una filmografía irregular

con unos cuantos títulos apreciables y heterogéneos

que le acreditan como un hombre de la industria a la antigua usanza.

Solvente en producciones de distintos tamaños y naturalezas

con unos cuantos rotundos éxitos de taquilla en su cuenta personal.

Nacido en Chicago en 1935, alcanzó temprana notoriedad

con "Salvad al tigre", un drama introspectivo

por el que Jack Lemon consiguió un Oscar

encarnando a un maduro ejecutivo

sumido en una profunda crisis profesional y existencial.

Nuestra relaciones profesionales datan de unos...

De unos 15 años.

Su reputación como director de actores

le puso al frente de un reparto de lujo en "La fórmula",

con Marlon Brando, George Scott, John Gielgud,

en una intriga que se adelantaba en varias décadas

a las inquietudes medioambientales

y sobre los límites de los recursos energéticos.

¿Qué proyecto era Génesis?

-Fue al sintético.

John Avildsen pasó algunos apuros en el rodaje

de la travilaria comedia "Mis locos vecinos"

por enfrentamientos con John Belushi,

empeñado en que le sustituyesen por otro director,

como, por otra parte le había ocurrido, al parecer,

en "Fiebre del Sábado noche" o "Serpico".

¿Has cerrado con llave? -Son una pareja de locos,

son dementes, casos clínicos, tanto él como ella.

Avildsen será recordado, sobre todo, como director de "Rocky".

Un proyecto ideado, escrito y protagonizado

por Sylvester Stallone, a cuyo entorno

solo volvería en la quinta entrega de la exitosa serie.

También como responsable de otra rentable propuesta de acción,

la trilogía completa de "Karate Kid",

para la que sustituyó la épica del boxeo

por la mística iniciática de las artes marciales.

Eh, mira ojo, siempre mira ojo.

Comenzamos las recomendaciones hoy con un nombre propio,

un nombre de mujer que a mí me encanta,

porque adorada, Chavela Vargas.

La vi muchas veces en directo y ahora un documental maravilloso

que ya preestrenamos aquí, está en la cartelera.

Qué suerte tuviste, yo no la pude ver,

pero me he enamorado de ella mucho más después de ver la película,

que es maravillosa.

Una mujer desgarrada, una historia tremenda personal

y una película que hay que ver sí o sí.

Se bebió la vida y nos la cantó, maravillosa, Chavela.

Vamos a hablar de los preestrenos de esta semana, tenemos dos.

Tenemos dos, uno el lunes, una película española,

una comedia veraniega, con Imanol Arias y Hugo Silva,

en Cine Palacio y la Prensa, se llama "Despido procedente".

El título no tiene nada que ver con la realidad o sí.

¿Y la otra?

La otra el jueves en los Cines Golem.

Se llama "United States of Love", una película polaca

que cuenta a la manera polaca los últimos años del comunismo

en esa Polonia llena de hormigón y cemento y gris.

Los lunes al cine, en la sala Azcona,

aquí, en Cineteca, por favor, un clásico del cine español.

Yo me atrevería a decir que es mi película preferida,

pero, claro, estando "Viridiana" lo tengo difícil.

"La tía Tula", de Miguel Picazo, peliculón.

Esa es una de las grandísimas películas del cine español

imprescindible, y además gratis, hay que venir.

Ya estamos en pleno verano, Valencia no es un mal lugar para estar,

y Cinema Jove cumple 32 años.

32 añitos, con muy buen cine como siempre.

Este año que no podemos estar,

pero van a tener allí como invitados y premiados

a Pablo Trapero y Elena Martín.

Gerardo, estaba repasando los títulos de los cortos que han ganado

el Festival de Cortos de RNE. Menudos titulitos, ¿no?

Empieza tú.

Novena edición, "La primera hostia con hache".

La segunda, "Cariño, me he follado a Bunbury".

Y la tercera "De ilusiones también se vive".

Se van a entregar los premios el día 28

en el auditorio de TVE.

El corto ganador se podrá ver en televisión

y tiene un premio de 3000 euros.

El pasado fin de semana Filmadrid también entregaba sus premios.

¿Cómo fue el palmarés?

Un palmarés muy interesante.

Filmadrid dio unos premios oficiales por el jurado oficial

de en la sección oficial

a "The impossible picture" y "Afternoon Clouds",

una película preciosa india,

que "Días de cine" también estuvo ahí de premiarla.

Pero "Días de cine", que damos muchos premios,

lo dimos a "Antiporno", una película japonesa muy interesante

sobre la mujer, la sexualidad los roles, la ficción y la realidad.

Y a una película mexicana preciosa que se llama "Casa Rosel".

Libros. Jonas Mekas, anda mira, algo tiene que ver con Filmadrid.

Jonas Mekas estuvo en Filmadrid, fue invitado de excepción.

Con 96 años, el tío está como una rosa,

y este libro es un clásico.

Sobre de sus escritos que van mucho más allá del cine.

Es una de esas cosas que hablan del arte del cine,

pero también, sobre todo, de la vida.

De 1958 a... De una persona que lo ha vivido todo.

Y, por supuesto, Fred Astaire, que es el protagonista de este programa.

Esta semana es protagonista Fred Astaire y este libro,

uno de esos libros muy especiales, que yo compré hace más de 25 años

y que, entre otras cosas,

tiene todos los números musicales de las películas de Fred Astaire

desglosados plano a plano.

Unas fotos maravillosos, un libro precioso.

Me consta que está todavía disponible en algunos sitios,

nuevo o de segunda mano, pero se puede comprar.

Una auténtica joya. Un libro precioso.

Hasta aquí las recomendaciones de esta semana.

No nos digáis que no os damos ideas, ¿eh?

(Música)

Una extraña familia desde luego no oficial

es lo que nos muestra "Boi Neon",

película brasileña escrita y dirigida por Gabriel Mascaró.

"Boi Neon" es una especie de western

al estilo de aquellos norteamericanos

centrados en el mundo de los rodeos,

solo que adaptado a la realidad del Brasil que nos muestra.

Y como mandan los cánones, detrás de cada personaje

hay unos sueños por cumplir.

Cruda, directa, con una fotografía bellísima,

la película en su retrato

de un mundo tan pequeño y acotado a unos personajes,

consigue hacer el retrato

de un país que cambia a pasos agigantados.

(Música)

Blanco y negro, un ring, unos guantes de boxeo

y, por supuesto, un boxeador y un título en ciernes.

Con esos elementos, "El día más feliz en la vida de Oli Maki"

lo tiene todo para cumplir con la ortodoxia de las películas de boxeo.

Pero, ahí está la gracia, siendo una película de boxeo,

es también algo más, y eso que las películas de boxeo, las buenas,

son siempre algo más.

Estupenda película finlandesa,

parece que gracias al cine de Aki Kaurismäki,

ya nos hemos acostumbrado a un humor de tempo lento, cáustico y irónico.

(Música)

Maud Lewis fue una pintora autodidacta canadiense,

que alcanzó la fama a mediados del siglo pasado,

gracias a su estilo naif.

Aquejada de artritis reumatoide desde niña,

viajó hasta Nueva Escocia para trabajar como empleada de hogar

en una minúscula casa de un rudo pescador

que, finalmente, se convertiría en su marido.

La película "Maudie" nos acerca

la fascinante personalidad artística de esta mujer,

gracias a una historia de amor difícil,

pero que llega a conmover, sobre todo,

por las interpretaciones de Ethan Hawke

y como muy especialmente, de Sally Hawkins en el papel de Maudie.

Estoy pensando en contratar a una mujer

para que me ayude en casa.

Quiero poner un anuncio, ya sabes. "Se busca criada".

(TOCA LA PUERTA)

-Soy Maudie.

Maud y Everett pasarían el resto de sus vidas

entre las cuatro paredes de aquella humilde cabaña

de apenas 14 metros cuadrados, aislados del mundo.

Ella descubrió que pintando podía volar tan lejos como quisiera.

¿Quién te ha dicho que pintes fusiladas en las paredes?

-No soy cursiladas, son pájaros.

-Cuando ves la casa real por primera vez, te impresiona.

No hay un centímetro que no esté pintado.

Lo pintó todo menos una esquinita y al final también la pintó un poco.

Así vivieron, sin calefacción ni electricidad ni agua corriente,

pero fueron felices.

(Música)

Eres mucho mejor que yo. -Contigo tengo todo lo que quiero.

Me envió unas fotos de amor muy representativa.

Sentada junto a una ventana cuando tenía unos 65 años.

Al ver sus increíbles manos cargadas de trabajo,

ni siquiera tuve que leer el guión para decidirme.

-Yo nunca pedí esto, mi cara en televisión

para que todos se rían de mí.

Desde que llegaste a mi vida, no hay más que dolor.

Conmueve pensar que el amor terminará prendiendo

entre aquellos dos seres tan dispares.

Ella desvalida y luminosa como sus pinturas;

él, violento y oscuro.

Es cierto que él era un tipo oscuro, malhumorado y poco hospitalario,

pero en su interior tenía una belleza y un amor que mostraba a diario.

Aún así, da la sensación de que la convivencia entre ambos

debió ser mucho más bronca que lo que muestra

esta película con sabor a almíbar.

Cuando interpretas a una persona real,

hay ciertos aspectos de su vida que hay que respetar.

Y otros en los que tienes que sentirte libre,

porque no se trata de un documental.

Ethan Hawke lo intenta con todo el arsenal de recursos

que le han dado justa fama como actor,

pero sus rasgos de galán no ayudan a hacerlo creíble.

No, no, no, esto no va a funcionar.

-¿Hola?

Ver a Sally Hawkins encajando como un guante en Maudie

es todo un espectáculo.

Una interpretación muy de Oscar,

que podría darle su segunda nominación tras "Blue Jasmine".

Tiene una sensibilidad muy poderosa.

Son 40 kilos de pura furia, eso es lo que pienso de ella.

(Música)

Si Maudie pudo hacer todo lo que hizo en aquella época,

con su discapacidad, luchando contra viento y marea,

nosotros podemos hacer cualquier cosa.

-¿Ha pintado usted esa gallinita alegre?

-Pues sí, había una gallina en el corral muy gorda.

Quería algo que recordarse sus días de felicidad y la pinté.

(Música)

El 22 de junio se cumplían 30 años

del fallecimiento de un bailarín genial,

uno de los principales responsables

de la grandeza del musical de Hollywood.

Es prácticamente imposible resumir la trayectoria

de un hombre tan grande como Fred Astaire

y, por eso, hemos recurrido

a un experto bailarín de claqué, coreógrafo y profesor.

Se llama Chema Marín y él nos va a ayudar

a ponernos en los zapatos del hombre que paso a paso

consiguió hacer del baile un arte casi soñado.

(Música)

Yo tenía ocho años y recuerdo perfectamente que TVE

estaba programando un ciclo que se llamaba "Melodías de Broadway".

Empezaba con "La calle 42"

y terminaba con "Melodías de Broadway 1955".

Claro, yo cuando vi ese ciclo,

me quedé absolutamente maravillado. Dije: "Yo quiero hacer eso".

(Música)

El origen del claqué es mezcla de bailes irlandeses,

ingleses y escoceses.

En la época de las colonias inglesas,

cuando los llevaban a los esclavos el barco,

ellos fusionaron esos ritmos con sus ritmos tribales.

Cuando ellos iban en travesía a América,

lógicamente, estaban encerrados y no los dejaban hablar

ni comunicarse entre ellos.

Lo que hacían era crear, crearon un código de lenguaje

que se comunicaban a través del claqué.

Fred Astair tenía un estilo tan particular

que él no caminaba, él bailaba.

Fred Astair empieza a bailar más o menos por casualidad.

La hermana iba a una academia de baile y Adele era la estrella.

El talento de la familia.

Entonces, una de las veces que estaba él viendo a la hermana,

de repente en el pasillo ve unas zapatillas de ballet en el suelo

se las pone y empieza a bailar, saltar,

ha intentar imitar un niño de seis años,

intentar imitar lo que hacían los bailarines.

Al cabo de esto, le ve el profesor de Adele

y le dice a la mamá que el niño tiene talento.

Que conviene que le apunte a la academia

porque puede ser una futura promesa.

¿Por qué Fred Astaire es único y nadie le ha podido imitar?

Por su cuerpo.

Él tenía las piernas muy largas y los brazos muy largos.

Entonces, claro.

Eso también condiciona el estilo de un bailarín.

El cuerpo de Gene Kelly era mucho más musculoso. Era más fuerte.

Fred Astaire era muy estilizado.

Tenía un baile muy clásico.

Básicamente eran bailes de salón, ballet y claqué.

Y Gene Kelly era un bailarín atlético.

Era casi malabarista, contorsionista.

Hay una diferencia entre el sistema inglés el americano.

El estilo inglés, por ejemplo, sería...

Ellos bailan más con puntas. Utilizando lo que se dice el shuffle.

Se utiliza mucho.

Los americanos utilizan más la planta.

Planta y tacón. Aparte de contratiempos y diferentes ritmos.

Os voy a demostrar, por ejemplo,

lo que sería un paso del sistema inglés.

Ahora, un paso del estilo americano,

por ejemplo sería utilizando las plantas

y el contratiempo.

La sonrisa. La sonrisa es importantísima.

Si tú tienes que trasmitir que no estás haciendo nada.

Que lo que estás haciendo lo puede hacer todo el mundo

sin ninguna dificultad.

Cuando llega Fred Astaire al cine

ya era una estrella de Broadway.

De hecho, cuando lo reclaman,

hizo de sí mismo porque era una estrella.

Era como un toque de distinción.

Fred Astaire creó lo que se llama el ritmo roto.

¿En qué consistía? Era muy sencillo.

Estar bailando al compás de la música,

salirse de ese compás, acelerar y regresar otra vez

al ritmo original.

Hacía lo que quería con el ritmo.

En una escena de "Límites en el cielo",

se resbala, vuelve a caer y sigue adelante.

Es increíble.

Katherine Hepburn,

como ella también en esa época era una estrella de la RKO,

los reporteros la preguntaron: "¿Katherine, qué opinas de la pareja

Fred Astaire y Ginger Rogers?".

Ella dijo: "Fred Astaire aporta a Ginger clase,

Ginger aporta a Fred sensualidad".

Él siempre enseñaba y se preocupaba

de que sus parejas de baile aprendieran,

lo hicieron todo perfecto.

Claro que hubo una excepción. La rubia Betty Hutton.

Esta es la única vez que Fred Astaire ha tenido que ser animado

por el coreógrafo. ¿Por qué?

Betty Hutton estaba pasando una época malísima.

Tenía ataques de pánico.

Para Fred Astaire fue una pesadilla.

El coreógrafo le tuvo que decir:

"Tú puedes, Fred Astaire, tú puedes, Fred Astaire".

Hasta que al final se animó,

dejó a Betty Hutton en sus números

y él se quedó ensayando el número del piano.

Es un número superespectacular

y es el único número que ha tenido

Fred Astaire en toda su carrera acrobático.

Un paso muy característico de Fred Astaire

que lo repetía en un montón de películas.

(Música)

La gente piensa que el gran rival de Fred Astaire fue un hombre,

Gene Kelly.

Nada más lejos de la realidad.

El gran rival de Fred Astaire fue una mujer.

Eleanor Powell.

Es, sin duda alguna,

el dueto de claqué más espectacular y más complicado

en la historia del cine.

Es muy típico en claqué en cualquier número

de repente haber un silencio de un compás o dos compases

y se retoman con la música.

Pero es que en este baile hay un gran silencio de 24 compases.

Es mucho tiempo.

Lo que me maravilla es cómo son capaces

de seguir en ese silencio, seguir con el ritmo,

no irse de paso y retomarlo cuando viene la música.

Otro momento muy complicado son los famosos giros.

34 giros. ¿Cuál es la complicación?

Están haciendo, están comenzando a girar,

hacen zigzag, pero aparte de hacer zigzag,

están entre cruzándose ellos mismos.

Literalmente están, como se dice vulgarmente,

rizando el rizo.

(Aplausos)

Una constante en toda la carrera de Fred Astaire

era no repetirse.

(Música)

Exigía que los números se grabaran de una vez o, por lo menos,

en dos tomas.

En "Bodas reales" hay un número muy curioso

y es el más espectacular.

Es el más conocido.

Es el de la famosa habitación que gira.

Todo estaba anclado. Todo eso se le ocurría a él.

Él lo proponía y el estudio tenía que realizarlo.

De todas formas, a él le daban carta blanca.

Sin embargo, en esta película,

hay otro número que pasa completamente desapercibido.

Es la famosa escena que está el barco moviéndose, están en la travesía,

está moviéndose.

Respecto a la coreografía, es mucho más complicado

que el número de la habitación que gira.

Y otra cosa curiosa.

El número del barco es inspirado en un hecho real.

Eso le sucedió a Fred Astaire con su hermana Adele

cuando iban de travesía para Inglaterra

en sus famosas giras.

Fred Astaire también era muy famoso por sus característicos giros.

Aquí tenéis uno de ellos.

Le molestaba, en cierto modo, que sus parejas fueran más altas que él.

Le molestaba un poquito.

Entonces, ¿qué pasaba?

Cyd Charisse era altísima, tenía unas piernas muy largas.

Tenía que bailar agachada.

Como decimos en ballet, en plie, tenía que bailar agachada

para no sobrepasarle.

Hay una escena muy graciosa en "El desfile de Pascua".

Cuando Ann Miller lleva ese vestido maravilloso blanco y rojo,

se la ve, mientras está bailando con los bailarines,

con los taconazos rojos impresionantes.

Cuando lo saca a bailar y van a la pista, si te fijas bien,

ella ya está con zapatos de bailarina planos.

"Zapatillas más largas", desgraciadamente,

coincide con la muerte de su esposa.

Estaba pasando por una situación muy triste, pero bueno,

tuvo que salir adelante y hacerlo.

Si tú ves la película, puedes observar a Fred Astaire

con los ojos rojos hinchados y, lógicamente es de llorar.

Nunca quiso que se hiciera una película sobre su vida

porque no podía soportar la idea de que otra mujer

pudiera interpretar el papel de su esposa.

(Música)

Hay tres números por los que siento predilección de Fred Astaire.

Uno sería de la película "Blue Skies" el "Puttin On the Ritz".

Para mí, en ese número, se concentra toda la esencia de Fred Astaire.

Otro número que me encanta es el del "Sombrero de copa",

que está ametrallando a los bailarines.

Cuando Fred Astaire lo estrenó en Broadway,

ese número no impactó, no tuvo ningún éxito.

Sin embargo, es un número clave de Fred Astaire.

Y otro de ellos sería el de "Desfile de Pascua"

porque esa sería como la esencia de los números

de principios del siglo pasado.

(Música)

(Aplausos)

Para quienes como yo, os hayáis quedado con ganas de más,

vais a poder disfrutar de un reportaje más amplio

sobre Fred Astaire en la página web RTVE.es.

Ahora pasamos a hablar de "La casa de la esperanza".

Es un drama ambientado en la Segunda Guerra Mundial.

Está basado en hechos reales.

Cuya principal baza es que está protagonizado

por una actriz que nos encanta y que siempre está bien.

Jessica Chastain.

Buenos días. Disfruten de la visita.

"La casa de la esperanza" es una de esas películas

bien intencionadas que cuentan una historia real,

emocionante y edificante.

Cómo Jan y Antonina Zabinski,

encargados del zoo de Varsovia durante la ocupación nazi,

salvaron a muchos judíos y también a bastantes animales

arriesgando sus vidas.

Han invadido todo el país.

El principal reclamo es su protagonista, Jessica Chastain.

Involucrada, asimismo, en la producción.

Y de ella nos habló el mes pasado,

cuando vino a promocionar "El caso Sloane".

Por los niños más pequeños.

-Me llama la atención que "El caso Sloane"

y "La casa de la esperanza" se estrenen en España

en un breve espacio de tiempo.

La gente ver dos personajes completamente diferentes.

Para mí fue maravilloso interpretar a una mujer tan compasiva.

-Podríamos esconderlos.

Quizá el afán de "La casa de la esperanza"

por recalcar ese lado humano y enternecedor no juegue a favor,

lo que, sin embargo,

no impide que alcance momentos genuinamente conmovedores,

especialmente cuando está la actriz norteamericana en pantalla.

No podéis hacer ningún ruido.

La complejidad de la historia se debió perder

en algún momento del proceso, si es que la tuvo,

porque resulta un producto apto para un público familiar,

quizá ideal para una tarde de asueto,

bajo la premisa, probablemente cierta,

de que el trato dispensado a los animales

es un buen indicador de cómo esas mismas personas

tratan a sus semejantes.

"Wonder Woman" llega a la cartelera española

con la etiqueta de ser la primera película de superhéroes

protagonizada por una mujer en 12 años.

Si a esto le añadimos que es una mujer quien la dirige,

la rareza es mucho mayor.

Lo que está claro es que la descompensación entre superhéroes

y superheroínas en la ficción es más que evidente.

Menos mal que en la vida real pasa todo lo contrario.

En "Días de cine" nos hemos preguntado

si son tan extraños estos personajes femeninos fuertes en el cine.

¿Qué demonios es esto?

Gran expectativa la que despierta "Wonder Woman".

Lógico, teniendo cuenta el enorme éxito de taquilla obtenido

en Estados Unidos.

Pero su agenda mediática en realidad no ha venido marcada

por lo económico.

La campaña de la película ha estado perfilada en torno

a la importancia que tiene el que, al fin, tras muchos años,

12 contabilizan algunos,

haya hecho una película de superhéroes

con una mujer como gran protagonista.

En "Días de cine" no minusvaloramos la importancia que esto tiene

en términos de necesaria evolución de los modelos de género,

pero tampoco queremos dejarnos llevar del todo por la corriente.

Nos preguntamos cuánto hay de mercadotecnia

en el mantra que pretende hacer de "Wonder Woman"

un manantial en el desierto.

¿Realmente es esta una película tan singular y novedosa

en el estilo de heroína que nos presenta?

Le he dado.

Aquí una breve respuesta visual.

A la derecha.

(Música)

Pórtate bien, chica. Pon tu apellido y tu nombre.

-¡Mi nombre es Nikita!

-Gracias, gracias, gracias.

-Quiero asegurarme de que no le hace nada a ninguna chica.

-Estamos tan indefensas...

(A LA VEZ) Buenos días, Charlie. -Dylan, Alex, Natalie...

Espero que estéis descansadas y preparadas

para nuestra próxima misión.

Siempre esperando que vengan para salvar a la chica.

Pues yo soy la mujer gato.

-No me toque.

(Continúa la música)

Pueden pensar que no muchas de estas imágenes pertenecen

a películas de superhéroes, lo que nos parece discutible.

Aún así, recurriremos a un ejemplo cercano.

Señorita, no se mueva. Levante las manos, por favor.

Hace tan solo tres años,

Luc Besson obtuvo un éxito de taquilla espectacular

con "Lucy".

450 000 000 en taquilla siendo una producción europea.

Poca broma.

Su capacidad cerebral aumenta por minutos.

Quizás muchos la invaliden como superheroína,

porque esta no era hija de Marvel o DC,

las dos grandes editoriales norteamericanas de cómics.

Pero lo cierto es que "Lucy" era un personaje femenino poderoso

que contenía un interesante discurso de género

y, como Spiderman o Lobezno, la protagonista sufría

una génesis mutante que le concedía poderes sobrenaturales.

Si hubiera una forma de acceder al 100 % de nuestro cerebro.

¿Qué hace que una heroína sea más o menos feminista?

Sobre feminismo y ficción nos habla Elisa McCausland,

autora de un interesante libro

titulado "Wonder Woman: El feminismo como superpoder".

Tanto la iconografía, la ciencia ficción...

"La princesa guerrera", "Buffy"...

-No puedes morir. Bebe.

-La ficción cinematográfica, la audiovisual, en general, el cómic,

ha estado alimentando a lo largo de la historia de la cultura popular

toda esa potencia.

Que en una ficción haya

como una especie de sublimación feminista de la épica.

Hay una verdadera aventura de la heroína y de la superheroína.

Es de conocerse, darse cuenta del contexto y querer cambiarlo.

Para mí es una de las claves de lo que sería

el arquetipo de la superheroína. Encontrarse con el superhéroe.

-Antes fuiste humana. -Pero ya no, ¿verdad?

Enfermé y ahora si algo subhumano. Algo que se debe exterminar.

-Yo soy bastante defensora de todas las sagas "Resident Evil"

y de W. S. Anderson y Milla Jovovich.

-¿Qué me dices de esto? -Vuestro matrimonio es falso.

-Jo, tío. Un arma de gay. Menuda mierda.

Hay otros personajes como puede ser, por ejemplo, Hit-Girl,

en las películas de "Kick-Ass".

Para mí es, eminentemente feminista.

Y cómo, además, utiliza la violencia como una sublimación simbólica.

La violencia y la acción siempre ha estado muy asignada a género.

A género masculino.

Entonces también hay ahí una reapropiación interesante.

Sobre todo si se hace con un sentido de la apropiación

y de explosión simbólica.

Te das cuenta de que sí importa en el momento en el que afecta.

Por eso la ficción es un terreno tan interesante,

y sobre todo la ficción audiovisual.

Y que hay imágenes, qué potencia de imágenes

se puede extraer de ello.

-Pero la informaré,

pues concienciarse de la gravedad de la situación

le motivará más a la hora de completar la misión.

-Nunca he dejado de completarlas.

-Lo que a mí me parece importantísimo en "Wonder Woman",

especialmente los cómics primeros.

De esa idea de extrañamiento,

esa idea de ella codificada en un espacio utópico

en el que solamente hay mujeres, otro tipo de relación.

Cómo alguien así llega al mundo del hombre

y ella misma es un artefacto que hace que se revelen todas las estructuras

alrededor de ella, porque es algo que no cuadra.

Eso, por ejemplo, en el principio de la película.

Hay unos cuantos guiños interesantes.

-Bienvenida a nuestro querido Londres.

-Es horrible. -No es para todo el mundo.

-Me preguntabas antes un poco por la idea

de si esto se estaba capitalizando en una idea de feminismo de mercado

y, desde luego, es lógico.

Lo que es curioso es que un target tan determinado

y tan programado para el consumo, como somos las mujeres,

no hayan visto, no se haya confiado antes.

Entonces, qué mejor escenario que empezar a hackear

que los superhéroes.

-Nunca bajes la guardia. No esperes que la batalla sea justa.

"Wonder Woman" es la película acontecimiento de la temporada.

La recuperación de un mito femenino y feminista

del cómic que estaba en stand by en términos audiovisuales,

desde los años 70.

Dijo que viniera a por ti. ¿Nos vamos ya, por favor?

En aquellos días fue Lynda Carter quien puso su rostro en televisión.

Aprovechando las ínfulas libertarias de "La primavera del amor"

y sus valores de reivindicación feminista.

No vivimos nada que se parezca a "La primavera del amor",

pero sí un cierto avance en materia de género

que permite descubrir al personaje como icono de masas.

Si nadie más va a defender el mundo, lo haré yo.

Esta adaptación la dirige Patty Jenkins,

con apropiados antecedentes en su filmografía

como "Monster".

La película que hizo ganar un Oscar a Charlize Theron.

En aquella, la actriz deformaba su rostro

para dar vida a una prostituta real condenada por asesinar

a ocho hombres.

(GRITA)

Aquí, por supuesto, la cosa es menos cruenta,

pero sí tiene claras connotaciones sobre empoderamiento femenino.

"Wonder Woman" viene a conquistar un trozo del terreno de ficción

que casi siempre corresponde a hombres.

Nadie la rescata, es ella quien salva a él, a ellos y a todos.

La producción retrata un personaje femenino fuerte,

decidido y con valores de justicia, equilibrio y proporción.

Por supuesto, se obvia el carácter irascible

propio de los dioses del Olimpo.

Mitología de la que bebe el personaje.

Pero sí nos llega la idea de que, con mujeres así,

lo mejor que podría ocurrir es que acabaran por conquistar

todas las cotas de poder habidas y por haber.

Cosa que, al parecer, vaticinaban sus creadores.

(Música)

Superwoman se convierte así en un símbolo esencialmente positivo

que escapa del oscurantismo mental propio de personajes como Batman.

También de la factoría DC.

En nombre del bien,

tu crueldad contra este mundo ha llegado a su fin.

Desde pequeña me inspiró mucho "Superman: la película".

El concepto que hay detrás los superhéroes en general.

Si yo fuera, si tuviera la fuerza, ¿podría yo ser así?

Para las chicas, en particular, "Wonder Woman"

era la única gloriosa referencia entre los superhéroes.

Para mí simboliza la inspiración de ser la mejor versión de ti mismo.

Creo en el género de superhéroes, pero en ella, incluso más

que en el resto, porque defiende el amor, la generosidad y la verdad.

Solo usa la violencia en casos donde se necesita.

Qué gran icono con el que fantasear en convertirse un día.

Atribuimos a Jenkins el elegante clasicismo

desplegado en "Wonder Woman".

Parece evidente que las secuencias de acción

deben algo también a uno de sus gestores en la sombra,

Zack Snyder.

Muy probablemente,

Snyder también tiene algo que ver en la acertada implementación

de la modelo israelí Gal Gadot

como rostro y figura propia de la diosa a la que ha de interpretar.

La testigo como personaje secundario

en "Batman v. Superman: El amanecer de la justicia".

Una wonder woman israelí que aparece desligada de la bandera americana

en su atuendo.

Eco de una últimas modificaciones implementadas,

pero pensamos que también reflejo de una industria

que hoy necesita de la taquilla mundial

para recuperar de sus elevadas inversiones.

Así no llegaremos muy lejos. Baja, por favor.

Baja la espada.

Esta nueva adaptación emplaza la historia

en la Primera Guerra Mundial.

Resulta un acierto porque, a diferencia de la segunda guerra,

en esta era difícil establecer claros antagonistas.

Aporta pinceladas de confusión al personaje.

Por aquí.

¿Por qué no quedamos todos en la oficina?

Mientras tanto, la guardaré yo. -No, de eso nada.

-Es una mujer con muchas caras.

Puede ser una gran luchadora.

También ser vulnerable y sentirse confundida.

Puede ser fuerte y segura,

pero al mismo tiempo curiosa.

Mi objetivo era que cualquier persona pudiere sentirse cerca del personaje.

No importa si hombre o mujer.

-Prométame que la protegerá con su vida.

(Aplausos)

(Música)

Fred Astaire creó una nueva manera de bailar,

pero detrás de esa genialidad había mucho tiempo de trabajo.

Alex Piñeiro y Txema Marín lo saben bien.

A pesar de eso, han decidido dedicar una buena cantidad de esfuerzo

y horas para recrear un número de este artista,

genial bailarín llamado Fred Astaire.

Con nuestro homenaje al baile y, por supuesto,

al trabajo que hay detrás, nos despedimos.

Dentro de siete días estaremos de vuelta.

Hasta entonces.

(Música)

(Continua la música)

  • Días de cine - 22/06/17

Días de cine - 22/06/17

22 jun 2017

El 22 de junio de 1987, hace ahora 30 años, fallecía el que ha sido, con permiso de Gene Kelly, el más grande bailarín que ha dado el cine: Fred AstaireDías de cine le recuerda y trata de desentrañar el misterio de su baile con la ayuda del bailarín y coreógrafo Chema Marin.

El espacio de cine de La 2 se adentra después en los estrenos de la semana, como ‘Selfie’, una divertida película de Víctor García León protagonizada por Bosco (Santiago Alverú), el hijo de un político acusado y detenido por corrupción, que ha vivido en una burbuja pija y a quien las circunstancias le llevarán a compartir vida con unas personas a las que nunca habría conocido.

Dirigida por Gerardo Olivares llega ‘Hermanos del viento’, coproducción entre España y Austria con unas imágenes espectaculares; y desde Canadá, ‘Maudie, el color de la vida’, dirigida por Aisling Walsh y protagonizada por Ethan Hawke y Sally Hawkins. La actriz da vida a la pintora Maud Dowley, quien a pesar de sufrir en su juventud una artritis reumatoide que la condicionó toda su vida, supo convertir su pasión por la pintura en su vida.

Un drama sobre el Holocausto es ‘La casa de la esperanza’, que tiene como protagonistas a Jessica Chastain y Daniel Bruhl; mientras que la esperada ‘Wonder woman’, que cuenta entre sus protagonistas con Elena Anaya, trae la acción a la cartelera. Días de cine habla sobre esta cinta y también sobre el rol de la mujer en el cine de súper-héroes.

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