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No recomendado para menores de 12 años Días de cine - 22/02/18 - ver ahora
Transcripción completa

Esta semana la actualidad cinematográfica nos obliga a mirar

al primer gran festival del año, la Berlinale.

Estaremos en Berlín, pero, por supuesto, no vamos a perder de vista

lo que sucede en la cartelera española, comenzamos.

(Música)

Me pones de los nervios. -Ya.

-Es perfecto.

Esta semana llega a los cines dos de las películas favoritas

de la próxima edición de los Oscar.

¿Qué ha pasado?

-Hubo una explosión, circule.

Diane Kruger protagoniza una cinta que firma Fatih Akin

y que ganó el Globo de Oro a la Mejor Película Extranjera.

¡Tengo que ir con mi familia!

Pero no solo de Oscar y Globos vive el cine.

Un año más hemos acudido

a un certamen imprescindible, la Berlinale.

(Música)

Menos mal que Marlene Dietrich no quemó finalmente Berlín.

Así podemos disfrutar todos los años de la Berlinale.

Enseguida estaremos en la capital alemana,

pero vamos a comenzar con algunos de los estrenos de la semana

y empezamos con dos veteranos de altura,

Ridley Scott y Christopher Plummer.

El director ya tiene 80 años; el actor, 88,

y nos traen una de esas historias reales

que muchas veces superan la ficción.

"Todo el dinero del mundo" nos sitúa ante una pregunta tremenda,

¿cuánto dinero estarías dispuesto a pagar por la vida de tu nieto?

(Música)

Señor Getty, lo han secuestrado.

-¿Cuanto pagaría por recuperar a su nieto si no son 17 millones?

-Nada.

Un suceso que conmocionó al mundo por su reacción y sus consecuencias.

Cortaron una oreja de su nieto.

Hay que pagar el rescate, señor Getty.

-Me temo que no me sobra el dinero para esto.

-No hay nadie más rico que usted.

¿Qué necesitaría para sentirse seguro?

-Más.

Un viejo avaro que prefiere las cosas a las personas,

porque no decepcionan.

Un secuestrador exagerado con buen corazón.

17 millones de o le quitarán un ojo, una oreja, una mano.

No me diga que no tienen dinero.

Una madre angustiada, demasiado contenida,

que hará cualquier cosa por conseguir el dinero

y pagar el rescate de su hijo.

Un chico que no conseguimos que nos importe demasiado.

Lucho contra un imperio.

En su aventura cuenta con la ayuda de un exagente de la CIA,

poco activo, experto en seguridad y asesor de Getty.

Está protegido de todas las amenazas, o amigos que le amenazan,

sea yo mismo.

-Mamá, solo quiero ir a casa.

Tal y como se presenta,

la película podría ser una fábula sobre la avaricia,

pero "Todo el dinero del mundo" se basa en el libro de John Pearson

que se inspira en el secuestro del nieto de 16 años del multimillonario

por parte de una organización paramilitar italiana en 1973.

No se trata de dinero, se trata de poder.

-Negocios. -Error.

-Dígale que voy.

Resulta sorprendente que un director solvente como es Ridley Scott

no aproveche el tirón de una historia interesante

con una trama que podría dar mucho juego.

Nos presenta una gran producción en la que fallan los personajes.

¡No!

No es fácil empatizar con ellos.

Unos son caricaturas y otros parecen vacíos.

Adornan la historia para crear tensión, pero le falta brío.

(Canción en inglés)

A "Todo el dinero del mundo" le persigue la polémica.

Cuando la película estaba acabada, a seis semanas del estreno

y con el caso Weinstein de fondo,

saltó el escándalo de Kevin Spacey como presunto abusador de menores.

El director de "Alien" o "Blade Runner"

no podía permitir que las acciones de una persona

arruinaran el trabajo de todos los demás,

así que decidió rodar en nueve días todas sus escenas

con el que fuera su primera opción desde el principio,

Christopher Plummer.

Ridley Scott los eligió a ambos, pero apostó por el primero

por su popularidad.

Con su trabajo, Plummer aporta humanidad al personaje.

Con el retrato de villano que Scott hace en la película,

se potencia el drama familiar en un filme

que parece querer recordarnos lo malo de la codicia,

lo que provoca y que el dinero, al menos en este caso,

no da la felicidad.

Es mi hijo, yo no puedo abandonar.

(Música)

Gerardo, se acerca el 3 de marzo, los Oscar.

Yo creo que debemos recomendar algunas de las películas

que están nominadas.

Una está nominada a Mejor Película que es "El hilo invisible",

de Paul Thomas Anderson.

Yo fui a verla con mucho miedo,

porque últimamente no me está gustando nada

Paul Thomas Anderson y me ha gustado la película.

Sobra un poco de música para mi gusto o bastante música.

Dos interpretaciones maravillosas. Dos interpretaciones estupendas,

una puesta en escena suntuosa, y un modo de contar

totalmente distinto al que utiliza Sean Baker en "The Florida Project",

con Willem Dafoe nominado como secundario.

Debería ganarlo.

Una película brillante y luminosa sobre el lado más oscuro

en versión americana. Y sobre la infancia.

Aquí, en la Sala Azcona, Los lunes al cine, Marilyn.

Si la gente no viene ya, el mundo está muy mal.

Pueden venir a ver el lunes "La tentación vive arriba",

"The Seven Year Itch", que en inglés viene a decir

algo así como el picor del séptimo año

o el desasosiego séptimo año,

que es el que tienen los casados en Estados Unidos

en el séptimo año de casados y necesitan buscar una aventurilla,

¿con quién? Con la vecina que guarda el sujetador en el frigorífico,

que es Marilyn Monroe. Qué gracia, ¿eh?

Bueno, hablemos de "Errementari", que es una película

que vamos a preestrenar la semana que viene.

"Errementari" es una película que se vio en Sitges, fantástica,

en euskera, se va a poder ver aquí con presentación de Eneko Sagardoy,

reciente Goya a Actor Revelación,

que participa también en esta película.

Es participada por TVE en los Cines Golem, a las 22:00 el martes.

¿Qué es eso de "Los ojos sin rostro"?

"Los ojos sin rostro" es el título

de una película preciosa de Georges Franju

y el título de este segundo volumen

de un libro dedicado a cineastas europeos,

algunos son muy desconocidos y otros no tanto

como Alberto Cavalcanti.

De Alberto Cavalcanti la foto de portada es de "Al caer la noche",

una película estupenda del año 45, creo recordar.

Nos redescubre a estos cineastas que él, yo, algunos de esos,

no los conozco.

Ya han salido a las nominaciones a los Platino.

Ya han salido, sí.

Será el 28 de abril, pero películas como "Abracadabra",

"El autor", "La librería" o "Perfectos desconocidos"

tiene nominaciones. Me alegro.

Y luego Natalie Poza, qué casualidad, está también nominada.

Claro que sí, se la tiene que llevar el Platino.

Los Yago, recordemos, que se han celebrado,

se han celebrado esta semana y ha reconocido

a esos olvidados de los Premios Goya.

En este caso han sido Verónica, Marian Álvarez y "Julia ist".

(Música)

Tiempo ya para hablar de la edición número 68 de la Berlinale,

que también ha querido alzar la voz en favor de la mujer.

En "Días de cine" contamos para este reportaje

con la complicidad de una joven cineasta española,

que conoce muy bien Berlín y sus circunstancias.

Ella es Elena Martín, la directora

de esa pequeña joya titulada "Julia ist".

En este primer reportaje de la Berlinale,

nos vamos a centrar en lo mejor que nos ha dejado la Sección Oficial

y también en aquellos títulos que ya se han asegurado

llegar a las salas.

(Música)

La edición número 68 de la Berlinale

recoge uno de los asuntos de actualidad,

reclamando más presencia de la mujer en la industria del cine.

(Canción en inglés)

Nosotros apoyamos mediáticamente esta corriente

y resaltamos la numerosa presencia femenina,

operas primas prometedoras y sensibilidades

a las que damos la bienvenida.

De todo ello hablaremos más en el segundo reportaje y, además,

desde ya contamos con la presencia de una directora, Elena Martín,

que a sus 25 años ha dirigido dos obras de teatro,

ha interpretado otras tantas películas

y ha dirigido y protagonizado una de las propuestas

más subyugantes del pasado año.

Quizás no es suficientemente reconocida.

"Julia ist", film que se desarrolla mayoritariamente en Berlín.

Creo que era de Thomas Mann

que era sobre la figura de los genios.

Me acuerdo que decía, que hablaba de la autobiografía,

y hablaba de convertir una vida en novelesca,

vivir la vida para que pueda ser contada.

Esta idea me gusta mucho,

porque a mí me pasa mucho como este desdoblamiento,

que a veces me ha llegado a preocupar

de estar viviendo una situación intensa,

incluso dolorosa para mí y pensar:

"¿Dónde pondría la cámara? Podría aprovechar este momento".

Y aunque sea un microsegundo, pero me salgo de la situación

y pienso: "Umm".

(Canción en inglés)

¿No crees original?

Hablamos de lo más destacable de la Sección Oficial,

cuyo primer título reseñables fue el film paraguayo "Las herederas",

debut de Marcelo Martinessi.

Un retrato agridulce de una mujer lesbiana

a las puertas de la tercera edad

en un país de costumbres conservadoras y herméticas,

marcado en el pasado por dictaduras militares.

Buenos días.

-Una sociedad pudorosa, en la que se habla de todo

menos de lo que importa.

Quería hacer una película en la que eso se sienta,

en la que no haya necesidad de ver a dos mujeres en la cama,

porque ya te das cuenta de que hay una relación

de la que nadie habla mucho o que está todo el tiempo velada.

Es importante que de alguna manera que el pudor

sea una forma de narrar.

"Tres días en Quiberon" rememora la última entrevista

que concediera Romy Schneider en su retiro antes de su prematura muerte.

La actriz vienesa Marie Bäumer, con un razonable parecido,

despliega la soledad y altibajos emocionales

de una actriz que se confiesa ante el periodista.

(Música)

"Transit" es lo último de Christian Petzold

y llegará a nuestras pantallas.

El director alemán propone una puesta en escena original.

Adapta la novela de Anna Seghers,

sobre los refugiados de la Segunda Guerra Mundial,

pero en la Marsella actual.

De tal forma que el mundo de ayer y el de hoy

coexisten reforzando el drama intemporal de los exiliados.

Si, por ejemplo, yo hiciera a una película sobre la guerra civil

con personajes anarquistas, comunistas y franquistas

y los pusiera caminando y cruzando por la calle

por el Madrid actual, el público español lo entendería.

"La priere", que también veremos no dentro de mucho,

retrata el internamiento a la desesperada de un joven

enganchado a la heroína en un centro de desintoxicación religioso.

Apartando, al menos temporalmente, posibles prejuicios anticlericales,

el proceso de rehabilitación mostrado con toda su crudeza

deja vislumbrar la esperanza manifestada

en el afecto y el contacto humano que incondicionalmente brilla

entre los internados.

Por supuesto, las personas son más importantes que las instituciones.

El hecho es que nadie puede curarse si no es por sí mismo.

Y a través de la relación con los demás.

Destacar el importante papel secundario de un Alex Brendemuhl,

cuyo dominio de idiomas le está permitiendo

expandir fronteras profesionales en Francia y Alemania.

Es un personaje que desprende e irradia

mucho amor, mucha confianza, mucha serenidad.

Me apetecía mucho interpretar un personaje así.

Y hablando de adicciones, "Don't worry, he won't get far on foot"

nos permitirá también en breve disfrutar

de las memorias del dibujante de viñetas John Callahan,

que traslada al cine Gus Van Sant,

mostrando el tránsito de un alcohólico

posteriormente en silla de ruedas tras un accidente de coche

a una rehabilitación que incluiría la recuperación de su autoestima

a través de sus tiras cómicas.

(Canción en ingles)

Lo mejor, ver en la segunda parte del film,

a un Joaquín Phoenix que cree en la vida.

(Canción en inglés)

Me doy cuenta de que la frescura y la energía junto con la experiencia

es como, para mí, ahí está la alquimia realmente.

Encontrar ese punto de fragilidad y a la vez avanzar

hacia lo hondo, de alguna forma.

(Canción en inglés)

"Happy Prince" es el biopic que siempre quiso hacer Rupert Everett

sobre Oscar Wilde.

Centrado principalmente en el último tramo de su vida,

ya arruinado en París, desde donde evoca

episodios de su pasado que explican

sus momentos de gloria y defenestración,

a raíz del escándalo que su homosexualidad

provocaría en plena sociedad victoriana.

Everett interpreta a Wilde y además escribe y dirige.

Lo que a través de Oscar Wilde es que fue el último gran vagabundo

en cierto sentido, viviendo en las calles de París,

pidiendo para beber, sucio y maloliente.

Moviéndose de un hotel barato a otro.

Un hombre que una vez fue la vida y el alma de los cafés londinenses

y el centro de la cultura inglesa.

Y dos películas que recrean sendos sucesos trágicos.

Uno ocurrido hace más de 40 años,

el secuestro de un avión de Air France,

finalmente desviado a Entebbe por milicias antiisraelíes,

con la participación de dos terroristas,

que interpretan Daniel Brühl y Rosamund Pike.

Dirige el brasileño José Padilha, premiado en la Berlinale

con el máximo galardón por "Tropa de élite".

Para interpretar a un terrorista no puedes pensar en él

como un ser unidimensional y agresivo.

Tienes que encontrar lo que le motiva, en lo que cree.

"Utoya, julio 22", de Erik Poppe, director de "La decisión del rey",

sobre la matanza que perpetró Anders Breivik

en la isla noruega en 2011 y de la que no hay imágenes disponibles.

(Música)

También estando delante de la cámara como actriz

como el calor que sienten del ojo que está muy cerca

y que sabes, sabes que está leyendo.

De alguna manera, no eres tú intentando explicar,

si no que eres tú dejándote robar, de alguna forma.

Eso a mí me parece muy bonito.

(Música)

En unos minutos volvemos con la segunda parte de la Berlinale.

(Música)

Uno de los pocos títulos españoles

que se ha podido ver estos días en la Berlinale

y que, por cierto, ha tenido muy buena acogida de crítica y público,

ha sido "La enfermedad del domingo".

Es una película madura, que está rodada con un gusto exquisito

y magníficamente interpretada por Susi Sánchez y Barbara Lennie.

No nos extraña el resultado, si tenemos en cuenta

la corta pero personal y atractiva trayectoria

de su director, Ramón Salazar,

y este fin de semana la película llega a las salas españolas.

No es la primera vez que Ramón Salazar pisa la Berlinale.

En 2001 presentó allí su primer largo, "Piedras",

una película sobre cinco mujeres en la que el director

ya dejaba constancia de su interés por el universo femenino.

Que eructen, que se tiren pedos en tu cara.

Y que vean el fútbol y que se vayan de putas.

¡Esto no! ¡Esto no!

Casi 20 años después, Salazar estrena "La enfermedad del domingo",

un drama intimista sobre el abandono,

el dolor y los límites del perdón.

Tu familia no lo sabe, ¿verdad? ¿Nunca se lo has dicho a nadie?

Tenemos que engañar a todo el mundo. -Nadie lo supo nunca.

Susi Sánchez es Anabel,

una severa mujer volcada en labores filantrópicas.

Bárbara Lennie es Chiara,

la hija la que abandonó hace más de 30 años.

El rígido universo de Anabel se tambaleaba cuando Chiara

le plantea una sorprendente petición,

quiere que pasen diez días juntas.

De ese breve periodo de tiempo dependerá

que y cada una de ellas aprenda a convivir con sus propios fantasmas.

Tengo otra hija

a la que no veo desde que tenía ocho años.

Me ha pedido que pasemos unos días juntas.

-¿La abandonaste? -Sí.

-¿Por qué?

Contando con absoluta complicidad de sus actrices,

Ramón Salazar pone en pie un drama con tintes oníricos

que confirma su desbordante sensibilidad.

¿Mamá no viene? -No se encuentra bien.

Y para los que se queden con ganas de saber más,

no se pierdan "El domingo",

un cortometraje que muestra el día

que marcó la vida de las dos mujeres.

Inquieto y perspicaz, Ramón Salazar no se cansa de explorar

nuevas vías de comunicación con el espectador.

El corto se rodó a la vez que la película,

pero funcionan de manera independiente.

(Música)

El título de "La enfermedad del domingo" es, básicamente,

por algo que yo sentía los domingos por la tarde cuando era pequeño,

que era una desolación y un desasosiego

porque ya se acababa el domingo

y ahí me surgió la idea de cómo sería

vivir en un domingo por la tarde eternamente.

-No sé dónde está el límite en esta situación.

-Tranquila.

Hoy basta con que friegues los platos.

-Yo con Susi Sánchez trabajamos en la película anterior,

en un personaje secundario,

y yo creo que el germen de "La enfermedad el domingo"

fue querer escribirle la protagonista a ella.

Incluso antes de saber de qué iba la historia.

He tenido la suerte de que Susi me ha acompañado en todo el proceso

de escritura del guion.

-Confiabas en que ya hubiera pasado el tiempo suficiente.

¿Para qué? ¿Para que me olvidara?

-Bárbara entró a través de una pruebas,

en la que interpretó, yo creo,

la secuencia más difícil de la película.

-Dime, ¿qué quieres que haga?

-Que no te pongas babosa, me entran ganas de escupirte.

-Y yo pensé: "Sin haber hablado con ella y ya consigue esto,

me interesa mucho tener a esta mujer en ensayos

y en la construcción de este personaje".

-Es una mujer que ha ido conformando su vida y su identidad

como ha ido pudiendo y, de alguna manera,

vive sabiendo que su vida está en otro lado.

-No entiendo que estés enfadada.

-Tú qué vas a entender.

Una tipa que deja abandonada a su hija de ocho años no entiende nada.

-Yo creo que el vínculo no se pierda jamás.

Mi marido sabía que existías.

Desde hace años.

Anabel, digamos, el personaje de la madre,

encuentra su instinto de madre cuando ya tiene 62 años.

A través de ella.

¿Quieres saber por qué me fui?

-Los personajes acarrean un dolor tan profundo

que hubo un planteamiento interesante para nosotros

que era qué pasaría si esta película

es simplemente el deseo de que esto ocurra.

Y puede que no esté ocurriendo, puede que simplemente esté ocurriendo

en el deseo tanto de una como de otra.

Entonces, hay una cosa deliberada en la puesta en escena,

hay una búsqueda para que el tratamiento no sea naturalista.

Parece que están solas en el mundo.

-Estás muy guapa.

-Yo quiero... -Yo no quiero.

-Entonces, ¿qué quieres? ¿Por qué estás aquí?

Ramón ha escrito una historia desgarradora,

pero desde un lugar de mucha sutileza y mucha poesía.

No hace concesiones al espectador, no son emociones de lágrima fácil.

Él nos va a buscar, no va a provocar que el espectador llore.

Quiere que le cale la historia.

-Juega a otras cosas también, juega a la tensión, al ministerio.

Hay algo, algo de una búsqueda

que no sabes muy bien hacia dónde está yendo.

-La película no deja de generar preguntas, la mayoría sin respuesta.

-¿Qué quieres que haga?

-¿Seguro que quiere saber lo que quiero de ti?

-A mí en el cine si algo no me gusta es que no me hagan pensar.

(Música)

El alemán Fatih Akin estrena "En la sombra".

Es un thriller que trata de contar una historia filosófica

de una manera entretenida, así es como lo define el propio director.

Y esa historia es la de una mujer que en un atentado terrorista

pierde a su hijo y también a su marido

y pasará del duelo a la venganza.

Diane Kruger está soberbia en esta interpretación.

De hecho, ganó el premio en el pasado Festival de Cine de Cannes,

a la Mejor Interpretación Femenina,

y esta semana su director ha estado con "Días de cine"

para reestrenarla.

(Canción en inglés)

La protagonista de "En la sombra", la nueva película de Fatih Akin,

pierde a su pareja y a su hijo en las primeras secuencias

en un atentado con bomba.

El relato se queda con ella y cuenta quién es, cómo era su vida

y lo que hace a continuación en su empeño de esclarecer

lo que ocurrió y sus oscuras razones.

Cuando me preguntan de qué trata la película,

siempre digo que, en realidad, es sobre una familia.

De una madre que se queda sin hijo,

de una esposa que se queda sin marido.

La seguimos todo el tiempo, desde muy cerca.

El personaje de Diane Kruger está en la tradición de Bresson,

pero yo no soy Bresson, trabajo con varias ópticas diferentes.

El peso de "En la sombra" se sustenta

sobre el magnífico trabajo de Diane Kruger,

por el que ganó el premio de Interpretación

en el pasado Festival de Cannes,

componiendo un personaje desgarrado, marcado por un pasado

que por momentos, paradójicamente,

está a punto de convertirla en culpable.

Cuando estaba escribiendo esta espectacular historia,

cuando se la contaba a alguien,

siempre me decían que parecía increíble,

así que tenía que hacerla creíble.

Mi trabajo consiste en recopilar y conectar detalles.

En la primera parte, los detalles

giran en torno a alguien destrozado de dolor,

la acompañamos en el duelo, así que es un melodrama.

La segunda parte es un drama judicial,

en el que tengo que convencer al público

de que lo que ocurre en el juicio es verdad, que puede suceder.

La tercera parte se parece más a un thriller.

Resulta llamativo que sea esta la primera vez que Diane Kruger

rueda en alemán, después de haber saltado al cine

tras lucir su belleza en las pasarelas

al servicio de las marcas más sofisticadas y prestigiosas.

Hasta ahora se había movido

entre el cine francés y la industria norteamericana

brillando en papeles de creciente importancia.

Pensé en quién podría ser la mejor actriz

y me vino Diane Kruger a la cabeza.

Buscaba una mujer rubia, de ojos azules y muy bella.

Pensaba en la película en la tradición de Bresson.

Así que como se la vería en cada toma,

necesitaba a alguien verdaderamente hermoso.

No podía conformarme con alguien de aspecto común, normal, me aburriría.

Para que esta historia resultara creíble,

necesitaba a alguien más grande que la vida

para poder confrontarla con la realidad.

Además, ha sido muy disciplinada, la más disciplinada

de las actrices con las que he trabajado.

Fatih Akin prolonga con "En la sombra"

una carrera que conocimos con la contundente "Contra la pared",

que él caracteriza como un cineasta inquieto,

comprometido con sus relatos, marcado siempre por sus orígenes

y su condición de turco residente en Alemania.

Hipersensible a temas como el racismo,

la intolerancia o la mezcla de culturas,

con una narrativa poderosa repleta de momentos inspirados

incluso en sus títulos menos conseguidos.

(RÍEN)

-La película es una catarsis.

La gente necesita catarsis.

Cuando vemos las noticias del día, lidiamos con nuestros miedos

y necesitamos una catarsis.

"En la sombra" está sembrada de temas espinosos

en su doble dimensión política y moral.

Por un lado, se adentra en la denuncia del resurgir del nazismo

en esta época de contrastes raciales y culturales.

Por otro, arriesga en el pantanoso dilema de asumir

algunos principios del Antiguo Testamento,

cuando el estado y las instituciones desatienden

su comprensible necesidad de justicia y reparación.

Como director, quiero que el estilo esté al servicio de lo que cuento,

nunca ante pongo el estilo.

No digo este es mi estilo en la película tiene que ser así.

No, yo me pregunto cuál es la historia,

que es lo que quiero contar, qué retórica es la apropiada

para contar lo que quiero contar.

-Para finalizar, os hablaremos de lo más importante,

sobre todo, en la Sección Oficial, visto aquí, en Berlín,

durante esta última semana.

Cine casi siempre brillante,

comprometido y, en ocasiones, de gran calidad.

Qué pena que al heredar "Días de cine"

no haya heredado también un poquito de la brillantez de mi predecesor.

Bueno, se hace lo que se puede.

yo prefiero pensar que hacemos géneros distintos.

Vamos a volver a Berlín para hablar, en esta ocasión,

de la presencia española en el festival

y también de aquellas sorpresas que hemos encontrado

en otras secciones paralelas

y continuamos dándole voz a las mujeres.

(Música)

Para mí es mucho más fácil, para mi salud mental

y mi sensación de independencia

y mi autocultivo estar sola,

no estar en pareja, no estar enamorada.

De repente, mis ideas, mi biología cuadra con mis acciones.

Entonces, cuando estoy enamorada, de repente empieza a haber

un desbalance entre lo que creo y lo que hago.

Y, entonces, eso a mí me parece un terreno muy fértil.

(Música hip-hop)

En la sección Panorama,

interesante debut en el largometraje de Meritxell Colell,

"Con el viento" indagan sus ancestros burgaleses

por la rama materna y reconstruye el encuentro familiar

con el telón de fondo de la venta de la casa.

La protagonista, Mónica García,

es una mujer de pocas palabras que se expresa a través del cuerpo,

como bailarina que es.

Ana Martínez, Concha Canal y nuestra Elena Martín

completan un reparto muy sólido en este film austero de silencios

y emociones suspendidas.

Esto no nos vale para nada.

Pero además descubrimos a un nuevo miembro de esta nueva

y excelsa generación de cineastas catalanas,

que además de brindarnos buen cine,

nos regalan el oído con sus comentarios.

Para ello fuimos a un cine de barrio, el Neues Off,

que como muchos otros, colaboran con la Berlinale,

proyectando un día a la semana sus películas.

Porque pasa muchas veces.

Ser familia no quiere decir que tengas algo que decirte con el otro.

Hay muchas cosas que cuesta decir

y que, cuanto más pasa el tiempo, más difícil será decirlas.

Ahí se abre una gran brecha que abre el espacio del silencio

y el silencio abre el espacio del sonido.

-Mimada. Niña mimada. Consentida.

-Que se pueda hacer otro cine.

Un cine de proximidad, un cine muy pegado a la vida.

Ahí sí que creo que estamos un colectivo de cineastas jóvenes

que, de alguna manera, reivindicamos eso.

El cine cotidiano como un acto político.

En estos momentos en que la realidad es tan virtual,

qué bonito hacer cine sobre la vida.

Volver un poco a eso tan sencillo y tan profundo.

Diana Toucedo es gallega afincada en Barcelona

e hizo el montaje de "Júlia Ist".

En "Trinta Lumes" retorna a la mística rural de su tierra natal

para componer un relato hipnótico,

habitado por la belleza y el sobrecogedor misterio

de la vida incorpórea,

que bien podría ser algo así como el Hanging Rock peninsular

entre el documental y la ficción.

Para mí El Courel era un lugar muy mágico, muy especial,

porque había una serie de elementos que constituían

aquello de lo que yo quería hablar, estaban allá

de una forma directa, muy manifiesta y, además,

el poeta Uxío Novoneyra, que es un poeta gallego muy reconocido

de esa zona, me había creado una imagen de El Courel

muy... Fascinante, que quería descubrir.

De "La enfermedad del domingo" ya hemos hablado hace unos minutos.

Pero queremos mencionar que estuvo aquí, en la Berlinale.

Para mí sorprendente,

porque el público alemán se ha reído mucho en la película,

siendo lo que es.

Tienen un humor diferente al nuestro.

Me ha gustado mucho su relación con la muerte y con lo oscuro.

-La verdad es que ha sido una especie maravillosa.

Es la primera vez que vengo a Berlín.

Espero que no sea la última.

Estoy muy contenta y agradecida.

-No es verdad que mira al pasado,

estamos peleando por el futuro.

Almudena Carracedo ganadora de un Emmy

en su etapa en Los Ángeles, presenta junto a Robert Bahar

el documental apadrinado por los hermanos Almodóvar,

"El silencio de los otros".

Sobre los familiares de las víctimas del franquismo

cuyos restos aún permanecen sin exhumar.

La recogida de firmas de apoyo...

-Ya no es una conversación que se basa en esta narrativa aprendida...

"Es que otra vez...".

No, es una conversación más humana.

Pero ¿qué hacemos?

Esta es una realidad que tenemos en el 2018.

¿Qué hacemos?

-Yo había oído de tu metodología.

La posibilidad de hablar de una película sin haberla visto.

-Si es inventado no puede ser criticado.

Y en la semana de la crítica, que también la hay en Berlín,

un documental divertido, a veces surreal

y también entrañable, sobre un peculiar crítico de cine.

Óscar Peyrou.

Argentino viviendo en Madrid

y regular invitado de festivales de cine de medio mundo

como forma de vida.

Muy buena. -¿Pero nada del festival?

-No.

-Retratarlo siempre de una forma muy ambigua.

En el terreno entre la ficción y el documental.

Sí nos parecía interesante, no para describir los festivales,

sino más bien la sociedad.

La sociedad actual.

(Música)

Como el arte de la seducción y no de la imposición.

Para mí el feminismo se trata de esto.

De reivindicar la energía femenina del mundo,

venga de quien venga.

No, esta película no es de la Berlinale.

"The Square" es la última palma de oro de Cannes.

En ella se menciona la artista argentina Lola Arias

y se la atribuye la obra que da título a la película.

Lola Arias está aquí para presentar su interesantísima obra,

pero nos comentó algo que no sabíamos.

Ha demandando a Ruben Östlund por utilizar su nombre sin permiso.

Creo que es un hecho muy concreto de sexismo, de colonialismo,

de paternalismo, quizá creía que me estaba haciendo un favor

usando mi nombre, que me da publicidad,

no lo sé qué es lo que pensó.

Por qué alguien decide por otro...

-No sabíamos bien dónde ir.

Agarramos una camioneta y nos fuimos.

Lola ha reunido a veteranos de la guerra de las Malvinas

de ambos bandos, los ha convertido en actores

y los que pudieron haberse matado en el frente

ahora forman una compañía itinerante

que representará en noviembre en Madrid

en los teatros del canal la obra escénica del mismo nombre.

-Interesante la película que hace transparente

cómo es un proceso de trabajo artístico.

Cómo es trabajar con gente que no proviene del arte

y construir algo juntos.

No nos olvidamos, como todos los años,

de citar a los Berlinale Talents.

Hablamos con la hispano argentina Sofía Victoria Rodrigo,

directora de fotografía.

Una especialidad poco frecuentada por mujeres,

aunque la reciente nominación al Oscar

a la mejor fotografía de Rachel Morrison

sin duda, va a ayudar a revertir la tendencia.

-Creo que siempre fui muy sensible a la luz de una forma anímica,

digamos, desde toda mi vida.

Diferentes tipos de luz me incitaron diferentes respuestas anímicas.

Sobre todo, hoy en día,

que no es necesario, las cámaras son más sensibles,

se puede iluminar de una forma más naturalista también.

También hemos entrevistado a hombres como al flamante Oso de Oro

de honor de la presente edición de la Berlinale, Willem Dafoe

y esto nos contó en su reciente nominación al Oscar

por su extraordinario papel en "The Florida Project".

(Aplausos)

Soy el único nominado por la película,

así que, de algún modo la represento, no es por mí, es por la película.

Por eso puedo decir con el subconsciente que quiero ganar.

(Música)

Y si hemos dedicado esta Berlinale a mujeres que nos han deleitado

con su estimulante conversación y buen cine,

queremos despedirnos escuchando a Elena Martín a petición nuestra

recitar unas palabras de la poetisa bonaerense Alejandra Pizarnik,

con imágenes de películas venidas de todo el mundo a la Berlinale.

Soy mujer

y un entrañable calor me abriga cuando el mundo me golpea.

Es el calor de otras mujeres,

ya que ellas quisieron de la vida este rincón sensible,

luchador, de piel suave y corazón guerrero.

(Música)

Celebramos que el 2018 ha comenzado con grandes personajes femeninos

en el cine, en el caso de "Yo, Tonya".

El atractivo es doble porque ese personaje es real.

Se trata de Tonya Harding,

la primera mujer estadounidense que completó un salto de triple Axel

en una competición de patinaje sobre hielo.

Fue en 1991.

Pero aquel triunfo profesional

no se correspondió con una vida de ensueño.

Cada uno tenemos nuestra verdad.

"Yo, Tonya" parte de una historia real fascinante.

Era la mejor patinadora del mundo en aquel momento.

A principios de los 90 del pasado siglo,

Tonya Harding era una de las atletas más prometedoras

del equipo olímpico de patinaje sobre hielo de Estados Unidos.

Toda mi vida me habían dicho que nunca llegaría a nada.

Pero ¿saben qué? A lo mejor sí.

Dotada de un talento natural para desenvolverse en la pista,

fue la primera mujer en realizar un triple Axel en una competición.

Una suerte del patinaje que aúna habilidad,

técnica y mucho malabarismo.

¿Ya habéis follado?

-Queremos ver una familia americana normal.

-No tengo una familia americana normal.

-Has patinado como una boyera sin gracia. Qué vergüenza.

-Eres guapa de cojones.

Fuera de la pista, su vida privada era un desastre.

Qué va.

Rodeada por una madre tóxica y un marido detestable,

a lo que cabe añadir la mala suerte o las malas decisiones,

llevaron a Tonya Harding a ser procesada por la policía

y sentenciada por la opinión pública americana del momento.

(Música)

¿Qué está pasando?

-Somos del FBI.

-¿Saben algo?

-¿Qué sabe sobre Tonya Harding?

-No conozco a un ningún Tony Harding.

-¿No es su guardaespaldas?

-Me pareció una historia muy divertida y muy loca.

Muy trágica.

Era todas esas cosas a la vez

y no quise que fuese solo una de ellas.

-¿Cuándo me tratarán con justicia?

-Tenemos en cuenta la presentación. -Que te den por el culo.

El guionista Steven Rogers junto con el director Craig Gillespie,

afrontan esta historia desde la controversia.

Desde las entrevistas contradictorias y reales

realizadas por separado a Tonya Harding

y a su exmarido, Jeff Gillooly.

"Yo, Tonya" no toma partido. Solo muestra los hechos.

No es muy frecuente encontrar un guión que tenga un tono

con el que se pueda jugar tanto como este.

Todo eso estaba en el guión de Steven.

Al tratarse de un material tan original

lleno de historias contradictorias,

el público podía participar y tomar sus propias decisiones.

-Mis enemigos siempre decían: "Tonya, di la verdad".

Margot Robbie, la protagonista y productora de esta historia.

Una interpretación magistral con el enorme mérito

de no haber contado con la ayuda de dobles para llevarlo a cabo.

Estuve mirando videos de Tonya sin parar

mientras preparaba mi personaje.

Me encantó detectar ciertos detalles que me ayudaron

a descifrar al personaje de cara a interpretarlo.

-¿Cuando era niña me quisiste alguna vez?

-Te convertí en una campeona sabiendo que me odiarías,

ese es el sacrificio de una madre. -Me condenaste.

Allison Janney es LaVona Golden.

La excéntrica madre de la campeona.

Una impresionante interpretación que,

al igual que ocurre con Margot Robbie,

consigue hacer indistinguible a la persona real de su personaje.

No lo haces limpio, me cago en la leche.

-No digas tacos delante de las niñas, LaVona.

-Yo no digo tacos, coño.

-¿La verdad?

Este personaje me ha cambiado la vida.

Ganar el BAFTA el domingo pasado y estar nominada al Oscar

es un momento muy emocionante de mi carrera.

Realidad y ficción se confunden en "Yo, Tonya".

Una gran película que avanza como si de un falso documental se tratara.

La trama deportiva es secundaria.

Lo verdaderamente interesante es explorar

la estrecha línea que existe entre el éxito y el fracaso.

"Yo, Tonya" es una crítica de nuestra cultura

y nuestra forma de consumir los medios.

Y lo mucho que disfrutamos viendo caer a la gente.

-América.

Quieren alguien a quien amar,

pero también a alguien a quien odiar.

Cuando hace cinco años Martin Scorsese

la convirtió en la sufridora mujer de "El Lobo de Wall Street",

ya podíamos intuir lo que "Yo, Tonya" ha venido a confirmar.

Que Margot Robbie es una gran actriz.

No solo protagoniza la película, también la produce.

(Música)

Scorsese tuvo buen ojo, no cabe duda.

Al elegir a Margot Robbie

en la audición para el personaje de Naomi Lapaglia

en la mujer del corredor de bolsa neoyorquino Jordan Belfort,

que encarnaba Leonardo DiCaprio en "El lobo de Wall Street".

Margot Robbie decidió hacerse notar

propinando un sonoro tortazo al actor fetiche del director

italoamericano, seguido de la expresión convincente,

que en inglés empieza por F y en español por J.

(Música)

Ese rasgo de carácter que supuso para ella

un salto cualitativo definitivo,

revela algo que su apariencia dulce y frágil,

un poquito tirando a muñeca Barbie, esconde.

Fuerza y determinación para labrarse su propia carrera

convirtiéndose en productora.

Obviamente, es nuestra primera incursión como productora

y no podía haber salido mejor.

Así que estoy increíblemente orgullosa y contenta

por cómo ha salido todo,

y como actriz, es la primera vez que tengo un papel protagonista.

El nombre de mi personaje sale en el título,

algo que no me había pasado antes.

La carrera de Margot Robbie, que comenzó en 2007

sin haber cumplido los 18 años de edad,

se había ido cociendo aceleradamente en papeles menores

de series de televisión y en tres títulos cinematográficos.

Por esa época,

tuvo un papel principal en el thriller "I.C.U.".

Se llamaba Charlotte. Prima de Jimmy.

Iba a quedarse en casa dos meses enteros.

Y unos años después,

otro más pequeño en una comedia dramática.

Tim, ¿me pones crema?

(GRITA) (RÍEN)

-Quiero unirme.

-No tienes la preparación necesaria. -A lo mejor puedes enseñarme...

en tu cuarto.

En 2014 compite con un Will Smith como estafadora de altos vuelos

en una comedia que, curiosamente, rodó algunas escenas en España.

¿Te crees muy sexy? -Un poco.

-¿Sí? Vale, vamos.

Del primer plano en un futuro postapocalíptico,

saltó a un reparto colectivo de vuelta al mundo

de las altas finanzas.

Y de la jungla de cristal especuladora...

a la jungla africana como acompañante secundaria

de un Tarzán con pantalones que no ha dejado huella.

Más presencia tuvo como reportera de guerra en Afganistán.

Más ruido de nuevo junto a Will Smith y muchos otros,

bajo el feroz aspecto de psicópata desvergonzada

que atrajo todos los focos sobre ella.

(Música)

Con varios títulos pendientes de estreno,

nos ha dejado boquiabiertos con su inenarrable retrato

de Tonya Harding,

para el que ha debido soportar largas sesiones

de entrenamiento físico y patinaje sobre hielo.

Ha valido la pena,

porque su despliegue de recursos dramáticos es tan apabullante

que supondrá, estamos seguros, la consagración definitiva

de Margot Robbie como actriz de carácter.

Y qué carácter.

(Música)

La actriz y guionista Greta Gerwig

debuta en la dirección con "Lady Bird".

Es una historia de maduración y a la vez una carta de amor a sus raíces.

Tiene cinco nominaciones a los Oscar.

Es una historia que comienza con una frase que lo resume todo.

Quien hable del hedonismo en California

es que nunca ha pasado una Navidad en Sacramento.

¿Lady Bird es tu nombre de pila? -Sí.

Me ha sido dado por mí y para mí.

Como Christine, la protagonista de su ópera prima,

Greta Gerwig nació en Sacramento,

quinta esencia de la América provinciana.

Creció en el seno de una familia liberal de clase media.

Mamá, los huevos no están hechos. -Vale, pues háztelos tú.

Estudió en un colegio de monjas con escaso entusiasmo por su parte.

Y no te interesa ninguna universidad católica.

-Para nada.

Y llegó a la adolescencia con picores de todo tipo

y la necesidad imperiosa de volar.

Yo quiero ir donde está la cultura, como en Nueva York.

-¡Cómo es posible!

Greta Gerwig ha querido llamar "Lady Bird"

a su primer largometraje, del mismo modo que su protagonista

lo elige como grito de guerra.

Como un acto de autoafirmación.

Me llamo Lady Bird. -Oh, venga, de eso nada.

Es un nombre ridículo. -Llámame Lady Bird.

(GRITA)

Tras hacerse un nombre en los selectos ambientes

del cine indio americano como actriz y escritora,

Greta Gerwig necesitaba demostrar que es algo más

que la musa de ese cine de bajo presupuesto

y guionista de algunas películas estupendas

de su pareja Noah Baumbach.

Siempre he querido hacer de todo

y he sido guionista a lo largo de casi toda mi carrera.

Pero creo que a veces, cuando eres actriz además de guionista,

la gente no se cree necesariamente que hayas escrito tú la película.

No sé por qué, pero supongo que cuando te ven actuar

se imaginan que solo has escrito los diálogos de tu personaje

y eso no es verdad.

Las películas que he escrito, especialmente con Noah Baumbach,

"Frances Ha" y "Mistress America", las escribimos juntos.

Son tanto suyas como mías.

Todo eso que había hecho como guionista

llevaba tiempo queriendo hacerlo como directora.

El salto a la dirección no es tanto una transición

como la sensación de que, por fin,

puedo ocupar el lugar que llevaba mucho tiempo

esforzándome por alcanzar.

-¡Es que tú siempre necesitas ser el centro de atención!

Gerwig debuta en la dirección

con una historia marcadamente autobiográfica.

Un relato de iniciación escrito

en primera persona del femenino singular.

En parte, la inspiración para la película es que me parece

que había muchas historias de chicos que se hacen mayores.

Historias masculinas sobre la aventura de convertirse

en personas y forjarse una identidad. "Amarcord" va de eso.

"Los 400 golpes" va de eso.

Hay una larga lista de películas sobre chicos

que pasan por ese trance.

Yo quería hacer lo mismo con una chica.

Quería mostrar la aventura de una chica que se convierte en la que es

y que ese fuera el centro de la película,

sin necesidad de que la justificase una relación romántica.

Las citas las carga el diablo

y Lady Bird sale perdiendo en la comparación,

pues ni de lejos alcanza la inspiración política de Fellini,

y la ambición humanística del clásico de Linklater.

No te pago para ligar. -No estaba ligando.

-Ojalá lo hicieras.

Tampoco las necesita para hacer una buena película

sobre el tránsito de la adolescencia a la edad adulta

con todo su despliegue de feromonas que la acompañan.

Por momentos, Lady Bird parece una versión cool

de aquellas comedias juveniles de John Hughes.

Tendríamos que tener un modo de transporte más digno.

-Espero que te regalen un coche con carné incluido.

-Seguiremos con el autobús.

-Me encantaban las películas que hacía John Hughes.

Yo era muy fan de Molly Ringwald.

-¿Vais de rollo místico femenino o de qué?

-Eran increíbles, pero se trataba más bien de películas románticas.

Desde luego, también hay en "Lady Bird"

un homenaje a la chica de rosa.

Quería que el personaje se pusiese ese vestido rosa.

Quería hacer ese homenaje porque no quería renegar

del placer de aquellas películas, pero a la vez quería subvertirlas.

"Lady Bird" fija las coordenadas vitales de su personaje

a principios del siglo XXI. Casi antes de ayer.

Sin embargo, tan lejos de la revolución digital

que estaba a punto de llegar para cambiarlo todo.

No teníamos ese testimonio hasta hace poco.

Creo que quizá por eso ahora abundan.

Tanto "El diario de una chica adolescente"

como "Pariah" son películas dirigidas por una generación de chicas

que no teníamos esa clase de películas.

Ahora somos lo bastante mayores para ser directoras

y hemos dicho: "Oye, ¿qué pasa con nosotras?".

"Lady Bird" dialoga con las nuevas aportaciones al relato de iniciación

en clave femenina, aunque carece de la radical mirada

de Julia Ducournau en "Crudo".

Y, desde luego, está muy lejos del desparpajo autocrítico

y el procaz sentido del humor de Marielle Heller

en "Diario de una adolescente".

Está claro que no te admitirán.

-¿Nos sentamos? -No, este calzado.

-Como arrastras los pies... -Me pones de los nervios.

-Cariño... -¡Es perfecto!

-Como actriz, he hecho toda una serie de películas,

pero las que he coescrito y producido han supuesto un paso importante

hacia la autoría.

He estado presente en tantos aspectos del proceso,

desde la preproducción hasta el montaje y el acabado final,

que ha sido algo muy transformador y me he sentido lista

para hacer una película entera yo sola.

Precisamente, porque he estado en muchos rodajes

y te des cuenta de que en muchas maneras de crear una película.

No hay una sola manera de hacer las cosas.

Viendo cómo cada director usa los actores de una manera diferente,

rueda de una manera diferente, ilumina de una manera diferente,

se comunica con su equipo de una manera diferente,

he sentido que esa experiencia tan diversa

me daba las herramientas para crear el tipo de ambiente de rodaje

que quería crear y hacer el tipo de película que quería hacer.

-Lady Bird, aquí está tu amorcito.

-Hola, Danny, el famoso Danny. Eres adorable.

Larry, ¿a que es adorable? -Es adorable.

El cine de Greta Gerwig hace de la modestia

su mejor virtud.

Del naturalismo de sus diálogos su mayor encanto

y de la sobriedad formal, sumar reconocibles rasgos de estilo.

La cámara de "Lady Bird" mira a sus personajes sin aceptación.

Tan discreta que podría emitirse por la radio.

Bienvenidas sean sus cinco nominaciones a los Oscar,

incluidas las más codiciadas, película, guión y dirección.

Aunque solo fuera porque Greta Gerwig

es la quinta mujer nominada a mejor dirección

en toda la historia de los Oscar.

Sería la segunda en ganarlo después de Kathryn Bigelow.

Demasiado para el campo de nabos que sigue siendo Hollywood...

Oh, hola. Estás guapísima.

¿Qué llevas en esa bolsa? -No te preocupes, pesada...

-A mi abuela la encantará tu vestido. -Oh, bien.

(Aplausos)

(Piano)

Ahí teníamos a Marlene Dietrich cantando cínicamente

al mercado negro en Berlín occidente de la mano de Billy Wilder.

En "Días de cine" nos gusta hacer caso a los que saben,

y en lugar de utilizar el programa para mandar mensajes,

preferimos hablar de puro cine.

Un año más, la Berlinale ha sido protagonista en el programa

y nos vamos a despedir con una película que 90 años después

sigue siendo una sinfonía en su memoria.

Dentro de siete días traeremos más cine

y muchas más cosas.

Hasta entonces.

(Música)

(Música créditos)

  • Días de cine - 22/02/18

Días de cine - 22/02/18

22 feb 2018

Con los Oscar cada vez más cerca, llega a las pantallas una película indie que entra en la disputa del premio a Mejor película: 'Lady Bird', el debut en la dirección de Greta Gerwig con Saoirse Ronan como protagonista.

Otro título que quiere jugar sus bazas en los Oscar es 'Yo, Tonya', que opta, además de al mejor montaje, a los Oscar a mejor actriz para Margot Robbie, y Allison Janney, como mejor secundaria. Un cínico y descarnado retrato del sueño americano.

El espacio de cine de La 2 también habla del estreno de 'Todo el dinero del mundo', un thriller de Ridley Scott basado en hechos reales que tuvo que cambiar al personaje de Kevin Spacey por Christopher Plummer, nominado al Oscar como mejor secundario.

También llega la nueva película de Ramón Salazar, 'La enfermedad del domingo', interpretada por Bárbara Lennie y Susi Sánchez y que cuenta con la participación de RTVE; y 'En la sombra', lo nuevo de Fatih Akin, protagonizada por Diane Kruger, que se ha presentado esta semana en Madrid en un preestreno de 'Días de cine'.

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