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No recomendado para menores de 12 años Días de cine - 18/01/18 - ver ahora
Transcripción completa

Buenas noches, bienvenidos.

Todavía con la resaca cinematográfica y emocional

que nos ha dejado la V edición de los Premios Días de Cine,

afrontamos nuestro programa 1182.

Comenzamos.

(Música cabecera)

(Aplausos)

Ya son cinco años de nuestros premios.

El mejor premio: celebrarlo con los amigos.

Un ritmo acelerado y vital

para una historia sobre el sida a comienzos de los 90

Gran Premio del jurado en el Festival de Cine de Cannes.

Uníos a nosotros.

He venido a pedirte consejo, Bob. A nada más.

Steven Spielberg sigue reescribiendo de forma ejemplar

la historia reciente de EE.UU.

(Música)

Vamos a comenzar el programa hablando de uno de los títulos

más esperados de 2018 por parte de los cinéfilos.

"120 pulsaciones por minuto", Gran Premio del jurado en Cannes.

Es el tercer largometraje de Robin Campillo.

Una historia que recupera aquel movimiento

que hubo a principios de los 90

que reivindicaba la protección frente al sida.

Es una espléndida película que pasa de lo colectivo a lo individual

de una manera realmente asombrosa.

(Música)

Se estrena "120 pulsaciones por minuto",

dirigida por Robin Campillo.

Flamante ganadora del Gran Premio del jurado

en el pasado Festival de Cannes

y presente en la sección Perlas de San Sebastián.

Una mirada a los primeros años 90,

cuando el sida era ya una siniestra epidemia

que aún estigmatizaba socialmente a quienes la sufrían,

y en París surgió un combativo movimiento

denominado "Act up", que reclamó transparencia

a los laboratorios implicados en los nuevos tratamientos

y responsabilidad y protección a los políticos.

Habías dicho que lo tendrías todo preparado.

¿Qué ocurre?

No sabía nada, no creo que lo espere nadie.

Hace ya mucho, desde 1992,

quería hacer una película sobre los orígenes del sida.

Pero no tenía claro cómo.

Todo parecía demasiado mortífero y triste.

Así que fue mucho más tarde cuando descubrí

que podía centrar la película sobre el poder del grupo.

Sobre su alegría y su fuerza. Pero tenía miedo a equivocarme,

a decepcionar a los viejos militantes que viven todavía,

que estaban muy inquietos.

Fue mi productor el que me dijo: "Deja de recular.

Hay que hacer la película ya. Ahora".

"120 pulsaciones por minuto" es, en parte, una película coral

que cuenta la intensa actividad de los militantes de "Act up"

en asambleas, manifestaciones, boicot a diversos actos públicos,

o resolutivas incursiones en las sedes

de las compañías farmacéuticas.

Pero pasa con pasmosa facilidad

a centrarse en la intimidad de unos pocos personajes.

Había trabajado mucho con Laurent Cantet

sobre cómo hacer una película que hable de un colectivo

de una manera caótica, sin saber de dónde surgiría la ficción.

Construí las escenas de reunión para hacer evolucionar la película

hacia dos o tres personajes.

Necesitaba un espacio para mostrar a esos personajes

que se sentían solos en los 90.

Que se agruparon en torno a algunas personalidades muy fuertes

y que cuando la enfermedad avanzaba se separaban del grupo

para refugiarse en una relación, una aventura

o mejor, en una historia de amor bastante precaria y frágil.

"120 pulsaciones por minuto" es el tercer largometraje

de Robin Campillo, al que conocemos apenas

por su paso por festivales

y como estrecho colaborador de Laurent Cantet

como coguionista y montador.

(Risas)

Con Laurent Cantet hemos desarrollado métodos de trabajo

como rodar con varias cámaras

o sobre la cuestión de la puesta en escena.

Nunca se hace cine en solitario,

y yo lo he hecho con amigos y gente cercana.

Me gusta especialmente hacer el "casting".

Para mí es esencial porque me aporta los actores y los espacios.

Diría que es incluso más importante que la escritura del guion.

Hice muchísimos ensayos

porque me permitía observar de golpe 10 o 12 personalidades,

y así ahorro mucho tiempo.

Y otra cosa que me gusta es incorporar actores extranjeros,

vengan de donde vengan.

Tuvimos acceso a muchas cosas.

A películas documentales, libros, etcétera.

Pero nunca con la intención de reconstituir una época

o imitar, o ser fiel,

o copiar a tal personaje real de la historia. No.

Nos dieron mucha cantidad de material.

Te diría que en igual medida de información que emocional

para que nosotros pudiéramos apropiarnos

de esa energía tan particular,

de esa electricidad que unía a esta gente.

Y que lo pudiéramos encarnar con mucha libertad.

Nahuel Pérez Biscayart,

que tiene el papel principal,

porque me gusta ese aspecto cosmopolita.

Aunque sea una historia muy francesa. Quería que se viera ese contraste.

Nahuel es un actor muy barroco, con mucha gracia y energía,

como un diablo que sale de una botella.

Y frente a él puse a alguien más reservado,

más encerrado en sí mismo, más inquieto, como Arnaud Valois.

El efecto de que las nuevas terapias

hayan mejorado la vida de la gente

y que el sida se haya transformado en una enfermedad crónica

parece que ha desmovilizado a los Gobiernos.

Aunque parece evidente que hay muchas cosas que hacer,

como insistir en la información y facilitar el acceso

a los estupendos profilácticos que evitan los riesgos de epidemia.

Hay muchas posibilidades de continuar avanzando

pero, en realidad, los Gobiernos, Europa,

los países occidentales en general, no se lo toman en serio.

Y es triste, porque la contaminación continúa.

A veces está bien volver sobre una época tan dura

y comprender que la movilización es posible,

que es mejor comprometerse con la lucha

que colgar mensajes radicales en Facebook.

Creo que falta un poco de presencia física

en la lucha política actual.

(Música)

"Zama" es lo nuevo de Lucrecia Martel,

una de las cineastas más lúcidas y poderosas del panorama latino.

Es la primera vez que la directora argentina

se enfrenta a una historia de época,

y lo hace adaptando una novela nada sencilla.

El resultado es una película muy erudita,

también autoral, pero donde mantiene todos sus rasgos de estilo

y donde destaca especialmente la interpretación de su protagonista

Daniel Giménez Cacho.

Lucrecia nos ha contado en una entrevista

cuáles son las claves de "Zama".

¿Esta mujer cómo está?

Lucrecia Martel irrumpió en el planeta Cine en 2001...

(Quejido)

...con un oscuro brote de talento de extraña y vigorosa secuencia,

en palabras del crítico Ángel Fernández Santos.

Levántate que va a llover.

De aquella "Ciénaga", deudora de Buñuel,

a los lodos de "Zama",

median otras dos fábulas de perversa ambigüedad.

Hechas de miradas turbadoras y silencios percutantes.

Protagonizadas por una burguesía que se enfrenta a sus conflictos

con laxitud provinciana.

Tenés que cortarte el pelo.

Historias de soledad, culpa y deseo que Martel se complace en tensar,

como cuerdas de guitarra siempre a punto de romperse.

(Móvil)

(Música y móvil)

-"Señora mía, mi Marta.

El gobernador me dice que no falta mucho para mi partida".

Casi diez años le ha costado levantar su cuarta película

tras fracasar en su empeño de llevar al cine

el clásico del cómic Argentino "El Eternauta".

Tampoco ha sido fácil levantar "Zama",

adaptación de una novela de Antonio di Benedetto

que muchos daban por inadaptable.

¿Quizás sabés por qué?

Porque está esa mala costumbre de pensar...

De creer que los libros cinematográficos

son los que tienen un argumento evidente.

Quizás también porque es un poco difícil la lectura de "Zama".

Con el tiempo, fue transformándose para un pequeño grupo de gente

que conocía la existencia del libro, como más eruditos, más académicos.

En una posición sobre...

Como una posición latinoamericana sobre el existencialismo.

-Diego...

¿Qué te han hecho?

¿Cuándo vas a volver?

"Zama" cuenta la tragedia beckettiana

de un hombre ridículo.

-Diego de Zama.

Interpretado con deslumbrante contención

por Daniel Giménez Cacho.

Un funcionario de la Corona española

que espera y desespera en el culo del mundo

la llegada de una carta del rey que le rehabilite

con un traslado a una colonia como Dios manda.

-¿Hace cuánto que está aquí?

Mucho tiempo ya.

-Lo que a mí me conmovió del personaje,

de lo que hace Di Benedetto,

es esa trampa en la que estamos por querer ser alguien

o porque creemos que somos alguien y, entonces, merecemos tales cosas.

Y ya entramos en una trampa

de premios que nos deben llegar.

Hay gente que la tratás una cosa cotidiana, mínima,

y te das cuenta que siente que la humanidad le debe algo.

Y siempre está un poco enojada y qué sé yo.

A mí me parece que es un mal muy fuerte en nuestra época.

(Risas)

"Zama", apellido poco glorioso de nuestro atribulado protagonista,

podría ser también el nombre de un pez

que según cuenta la película, se pasa la vida luchando

para que el agua no le eche fuera del río.

-Estos fríos peces.

Tan apegados al elemento que les repele.

Emplean todas sus energías en la conquista de la permanencia.

Es muy curioso cómo nos hemos dado maña,

en todos estos siglos,

para hacer de la vida algo que nos repele.

Y lo logramos.

O sea, que por un lado, qué exitosos somos que logramos...

Y creo que la contradicción...

¿Cómo logramos eso?

Con ese terror infinito a la muerte.

-La muerte nos pone condiciones.

No quisiera ofender su investidura con un velorio de pobres.

"Zama" está ambientada en las postrimerías

del Imperio colonial español de ultramar.

Un mundo que, en palabras de la directora,

fue arrasado antes de ser conocido.

Y que, por tanto, permanece en el delirio.

Sinceramente, yo, por supuesto,

mucho tiempo estuve, como todos los latinoamericanos,

indignada con la historia, la leyenda.

Que no es leyenda, la historia de las masacres y los saqueos.

Pero hoy más me enoja la historia a partir de la independencia.

Más me enoja nuestra construcción heroica anticolonia

y donde finalmente se legitimó todo el despojo de la colonia.

Que se trate de la primera película de época de Lucrecia Martel,

con un vibrante tercer acto de aventura extrema digno de Herzog,

pudiera hacer pensar que marca un cambio de rumbo

en su filmografía.

Pero que nadie se inquiete, "Zama" es Martel en estado puro.

Sus encuadres opresivos, el uso narrativo del fuera de campo,

las texturas sonoras...

Todos esos rasgos de estilo

que definen su poderosa mirada de cineasta

están presentes en la película.

El doctor don Diego de Zama.

El enérgico, el ejecutivo.

El pacificador de indios.

El que hizo justicia sin emplear la espada.

¿Sabés qué?

Esas no son cosas de las que yo tengo una consciencia tan clara.

Yo sé cómo es el procedimiento, la construcción,

pero no sé cuáles son mis rasgos autorales.

Eso es muy difícil para el que lo hace distinguir:

"Este es mi estilo".

Sí sé cómo hago las cosas.

Sé por dónde empiezo a pensar y qué sé yo.

Y en ese sentido, las cuatro películas son iguales.

-Diego, ¿qué te han hecho?

(Música)

El martes se cumplirán 40 años del debut de "Mazinger Z" en TVE.

La serie se convirtió en un éxito inmediato,

aunque las quejas por su violencia

hicieron que se censuraran algunos capítulos

y que solo se emitiesen 33 de los 92 de la serie original.

Marcó nuestra infancia porque era

uno de los primeros dibujos japoneses que veíamos.

Además, era el primer robot tripulado de la historia.

-La conquista del mundo por el Doctor Infierno

había empezado.

Sin embargo, Koji Kabuto no sabe cómo manejar el Mazinger Z.

¿Cómo podrá luchar el robot contra el terrible ejército

de brutos mecánicos del Doctor Infierno?

-Esta va a ser la última batalla del Mazinger Z.

Ahora Mazinger llega por primera vez a los cines españoles

gracias a "Mazinger Z: Infinity",

que celebra el 45 aniversario del personaje

y los 50 años de su creador, Go Nagai,

en el mundo de la animación.

Es una operación de dos objetivos.

El rescate de Tetsuya Tsurugi y la destrucción del Infinity.

Esto va a ser divertido, ya lo verás.

La película es una continuación de la serie original.

En ella recuperan a los protagonistas, los villanos,

y a casi todos los robots de la saga

desde el propio Mazinger Z a Afrodita A,

sin olvidar a los malvados robots gigantes

que nos fascinaron desde los primeros episodios.

Además, incluye nuevos personajes como el Mazinger Z Infinity

al que se refiere el título.

-"Se ha realizado una encuesta con la pregunta:

¿Qué haría usted ante el Doctor Infierno?

El 25 % opina que hay que enfrentarse a él.

El 23, que hay que dialogar.

Y el restante 52 no sabe o no contesta".

-El Mazinger Z no tuvo bastante, quiere recibir otra vez.

J3, queremos su sangre. No le dejes hasta acabar con él.

Tras el final de la serie original y su secuela, "Great Mazinger",

diez años después de la derrota del Doctor Infierno...

¡Lo conseguiste!

¡Hurra! ¡Lo ha destruido!

Muy bien, Koji. Buen trabajo.

¿Qué?

...reaparece con un nuevo ejército de robots gigantes

a los que Mazinger Z deberá vencer,

abandonando su retiro para salvar a la humanidad.

"Mazinger Z: Infinity" es una gran superproducción

que utiliza un sistema de animación híbrido

que mezcla los métodos tradicionales en 2D

con los últimos avances en animación digital.

-"Fuerzas enemigas desconocidas han penetrado en la planta de Texas.

Pero sin son... ¡bestias mecánicas!".

-¡Despega!

¿Dónde estaban escondidos todos estos?

El Gran Mazinger y yo, Tetsuya Tsurugi, os derrotaremos.

El resultado es una película espectacular

con una historia trepidante y un argumento un poco enrevesado

para los que simplemente busquen peleas de robots gigantes.

¡Tomad, os lo devuelvo!

Una respetuosa puesta al día

de uno de los personajes más famosos del manga y la animación japoneses

que nos hará revivir momentos inolvidables de la infancia

con frases como "Puños fuera" o "Fuego de pecho".

¡Puños fuera!

Mazinger Z regresa dispuesto a conquistar a una nueva generación

y hacer disfrutar a los nostálgicos de la serie.

-¿Este mundo es merecedor de su existencia?

(Música)

Gerardo, estaba pensando

que, en realidad, nunca estuviste aquí.

Tengo mis dudas, pero más allá de la pregunta metafísica

me viene muy bien que me hagas esa pregunta o afirmación

para recomendar una película estupenda.

Sí.

Cuyo protagonista, Joaquin Phoenix, ha sido uno de nuestros elegidos

entre los mejores actores de 2017.

Una película de Lynne Ramsay.

Algunos dicen que es una especie de "Taxi driver" contemporáneo.

Es una especie de personaje redentor con una madre un poco posesiva.

Es una película seca, dura, pero no tiene desperdicio.

No perdamos de vista "Tres anuncios en las afueras",

que es otro de los peliculones del 2018.

Esta que viene de ganar los Globos de Oro

y va camino de los Óscar, pero bien.

Esta película es fabulosa.

Ganó un Globo de Oro también, Martin McDonagh la dirige.

Una historia de redención, son dos oportunidades,

y personajes que aparentemente son de desecho, casi,

pero tienen su segunda oportunidad y cartas epistolares maravillosas.

Una película que ya lleva bastante tiempo en cartelera,

otra más reciente...

Vamos con títulos que se pueden ver la semana que viene.

Aquí en Cineteca, "Stromboli", un clásico maravilloso.

"Stromboli" es una preciosidad.

Se puede ver aquí en "Los lunes al cine" gratis.

Luego la gente puede ver un documental:

"Ingrid Bergman in her own words", para conocer a esta mujer

que le escribió aquella carta tan bonita a Roberto Rossellini,

fruto de la cual... Ahí se enamoraron.

En "Stromboli", qué bonito. Se enamoraron.

Y para quienes no vengan a Cineteca,

también tienen un preestreno "Días de cine".

Tenéis que enviar el correo. ¿Cuál es ese preestreno?

Pues el primero, el lunes, es "Déjate llevar".

Toni Servillo y Verónica Echegui de protagonistas.

Es una película italiana. ¿Y el otro?

El martes va a ser "The Florida Project".

Promete ser una de las películas del año.

Dirigida por Sean Baker, que estará presente

para presentar la película.

¿Tenemos libros hoy? Tenemos libros. Mira.

Anda, qué nombre: Christopher Nolan. Dos directores peculiares.

A Christopher Nolan la gente le conocerá

desde "Memento" y su anterior película tan peculiar,

a la última, que a mí me encanta, que es "Dunkerque".

Alguna tiene que no me gusta mucho, pero en general me gusta.

Pasa con todos los cineastas, no nos va a gustar todo.

Roman Polanski tiene alguna película más floja.

Me da mucha rabia que se hable de él por cosas que no son el cine.

Es un cineasta excepcional.

Pues son dos libros de Cátedra,

que tiene una colección de libros de cine muy interesantes

que se suman a los que hay: "Polanski" y "Christopher Nolan".

La pasada semana recomendábamos a los espectadores

el documental sobre María Moliner

que se ha podido ver esta semana aquí, en Cineteca.

Y hemos estado hablando con su directora Vicky Calavia.

(Música)

-Enfocar un documental que hable mayoritariamente sobre un diccionario

era una labor un poco complicada a priori.

Entonces, había unos expertos: filólogos, hispanistas, escritores,

historiadores, pedagogos... Incontestables.

Tenían que hablar de María y su contexto.

Ella misma lo dijo siempre:

"Mi gran labor, mi gran tarea y mi gran hecho en la vida

es el diccionario".

Ella escribía todo a mano, ordenada todo a mano.

Eso complicaba mucho su labor.

-Se decidió a llevar a cabo, precisamente,

la labor de hacer un diccionario de uso del español como diciendo:

"Ahora es cuando yo hago un diccionario

que supere las características del diccionario académico

o de otros diccionarios.

Un diccionario verdaderamente original".

Fue a contracorriente de la Real Academia,

a la que corrigió.

De su entorno, en una España franquista

con un entorno cultural muy duro.

Como si estuviera en un desierto.

(Música)

Me dedico a documentar personajes un tanto olvidados

o a los que no se les ha hecho justicia todavía.

Y María Moliner yo creo que es uno de ellos.

Como mujer, todavía más.

Republicana, una persona que quería llevar la cultura

a cualquier lugar de España

y a cualquier persona de cualquier clase social y económica.

Y si se la conoce por su diccionario, su obra magna,

yo creo que había que rescatar todo lo que hace María Moliner

antes del diccionario.

Su labor con las Misiones Pedagógicas en esa España tan interesante

de la Segunda República.

(Música)

Cualquier amante del cine tiene la obligación de ver

"Las películas de mi vida", una arrolladora lección de cine

a cargo del director Bertrand Tavernier.

Se trata de un documental de tres horas que pasan volando.

Porque Tavernier tiene la virtud de contarlo

desde el amor al cine francés y con la sabiduría

de quien parece haber visto todas las películas.

Su eficacia se basa en su capacidad de transmitir verdades

que conviene recordar.

Por ejemplo, que Jacques Renoir, Jacques Becker o Melville

son deberes gozosos e ineludibles para cualquiera que ame el cine.

Pero hay más, mucho más.

Tavernier posee una memoria prodigiosa

y no disimula lo que hay de subjetivo en sus elecciones.

Pero ahí reside también lo que da sabor al guiso,

en esa capacidad evocadora llena de emoción.

Para quien se quede con ganas de más,

la edición en DVD y Blu-ray incluye un corto

donde Tavernier explica las razones por las que ha hecho esta película.

Y donde también aparece su amigo y cómplice Thierry Frémaux.

Thierry Frémaux es el responsable de otra joya:

"¡Lumière! Comienza la aventura".

Con soberana inteligencia,

Frémaux enlaza 108 películas de los hermanos Lumière

y con ellas construye un panorama sorprendente y riquísimo

de los inicios del cine.

Los Lumière no solo se limitaron a rodar la realidad.

También hicieron comedia y esbozaron elementos narrativos

que se desarrollarían posteriormente.

El agudo comentario de Frémaux nos descubre auténticos tesoros

en esas imágenes primigenias restauradas pacientemente

y que ahora pueden ser vistas con toda su calidad original.

No es casual que "Días de cine" haya concedido un premio especial

a una película realmente especial.

(Música)

Se titula "Europa" y es el debut en el largometraje

de Miguel Ángel Pérez Blanco.

No estamos hablando de una lección ni de historia, ni de geografía,

ni de política.

Más bien es una película difícil de calificar

porque no es nada convencional.

Hemos estado con su director y nos ha ayudado a descifrarla.

(Música)

Un filme como "Europa"

encuentra en el Festival de Cine de Autor de Barcelona,

donde se presentó hace unos meses, y otros espacios semejantes,

el ecosistema apropiado para anidar,

alejado de las salas de cine comercial

o "normal", con muchas comillas.

Entiéndase esto como aviso a navegantes.

Porque si a ustedes no les convencen las propuestas

escasamente comprometidas con la narrativa convencional,

sepan que esta no lo está en absoluto.

Lo que pasa es que siempre hay, por mi parte,

una cuestión, que es la búsqueda de una verdad.

Pero no la búsqueda de una verdad en términos absolutos,

sino en términos estéticos.

Que algo, a base del trabajo de la forma, se revele

y eso sea una verdad estética. Yo creo que es lo único importante.

Sin que se entienda que desde aquí animamos al consumo

de sustancias psicotrópicas, también les advertiremos

de que bajo su influjo probablemente sería más encontrarle el intríngulis

y disfrutar del primer largometraje, un poco corto, pues dura 60 minutos,

dirigido por Miguel Ángel Pérez Blanco.

Decimos esto porque el filme busca provocar

un estado de ensoñación que no es fácil de alcanzar.

La película no tiene un espacio ni un lugar concreto.

Es casi como un círculo oscuro, donde hay detalles.

Pero no hay una identificación.

Y la película se mueve en esa deriva narrativa

hacia la búsqueda de una identidad.

Tampoco es fácil, ni tal vez necesario,

sintetizar un argumento que parece un pretexto, muy ligero,

para orquestar imágenes de lectura libre

a gusto del consumidor.

Comenzamos a escribir una película

que trata sobre el encuentro de dos cuerpos.

La película comienza con una pareja, termina con una pareja.

Y esa pareja es como una especie de vehículo

que habla sobre el "tú" y el "yo"

para tratar de acceder a algo mucho más ambicioso,

que es el "nosotros", es un conjunto.

En este sentido, debe entenderse la calificación

que le dio en su día este programa.

Uno de los ejercicios formalmente más radicales del año.

¡Y tanto!

La película, al final, es de espacios muy concretos.

También porque es una sensación que yo tenía y quería mantener.

La película tenía que ser oscura y el sonido debía complementarlo.

Como una "performance".

Y exige del trabajo y de la atención del espectador.

Porque yo creo que hay que ser exigentes, ¿no?

(Música suspense)

(Música)

(Música suspense)

Hay obras en las que son más importantes

los silencios que las palabras,

en las que la imagen se transforma en poesía

y la fotografía en arte con mayúsculas.

(Música suspense)

Este es el caso de "El mar nos mira de lejos",

donde el binomio director-guionista de "Dead Slow Ahead" regresan,

esta vez intercambiándose los papeles.

Con Manuel Muñoz Rivas detrás de la cámara

y Mauro Herce colaborando con el guion de esta pieza documental

en la que los cineastas nos sumergen en el universo

de uno de los últimos paraísos olvidados del continente europeo,

situado en las inmediaciones del Parque Nacional de Doñana.

(Música suspense)

En el territorio me pareció identificar cosas

que me servían para yo construir mis propias metáforas,

para hablar del tiempo,

para hacer una exploración muy cinematográfica de tiempo-espacio

dentro de estas coordenadas.

Bueno, creo que tenía la intuición de que se podía hacer una peli

que basculase entre una escala humana de retratos de personajes

y una otra dimensión un poco más abstracta,

que tiene que ver con eso, una sensibilidad del tiempo.

(Música suspense)

La leyenda de la antigua civilización dartésica

enterrada bajo las dunas de arena, en la que innumerables exploradores

han acudido desde principios del siglo XIX

en busca de sus vestigios nunca descubiertos.

Ejerce un paralelismo con la de sus actuales moradores,

los hombres de las cabañas,

una comunidad formada por pescadores que reside apartada y olvidada

del bullicio de la sociedad moderna.

(Música suspense)

Me reconozco un poco en esa idea, sobre todo al inicio,

que es una mirada un poco romántica sobre ese lugar,

de esos hombres que están en los márgenes

viviendo un poco, al menos espacialmente,

desconectados.

Ambos pueblos ejercen de leit motiv para adentrarnos a través de ellos

en un espectacular viaje hacia la belleza en tiempo y espacio

de este inquietante y utópico territorio.

(Música)

Lo que creo que propone la película es

el consuelo que encontramos en la belleza y en lo sensual,

los cambios de la luz, una pequeña historia de amor de verano,

vínculos afectivos entre personas que se encuentran.

(Música)

Sus larguísimos planos panorámicos,

sus encuadres artísticamente pictóricos

y su implacable estilo inmersivo de sus secuencias

y su descriptivismo visual pueden no estar hechos

para el paladar todos los espectadores

en estos tiempos frenéticos,

pero puede ser una delicia para aquellos que sepan valorar

la calidad fotográfica de sus imágenes

y la excelsa narratividad de su lenguaje fílmico,

que nos sumerge durante sus 90 minutos de duración

en un universo que resulta imposible dejar de contemplar.

(Música)

Con la celebración el pasado sábado de los Forqué,

los galardones que entregan los productores,

queda oficialmente inaugurada

la temporada de premios de nuestro cine.

Fue una gala en la que hubo muchas anécdotas,

pero la más importante de todas ellas

es ese Premio Ex Equo al Mejor Largometraje,

que recayó en dos películas literarias,

"El autor" y "La librería".

Volare, oh, oh, oh,

cantaré, oh, oh, oh.

Bienvenidos a esta 23 edición de los Premios Forqué

y bienvenidos a Aragón.

-Tengo que decirte que es para mí un sueño estar aquí a tu vera

presentando la gala de los Forqué,

los premios más madrugadores del cine español.

Y a la tierra más chica se hacia de un raro color.

Vamos allá.

Y el Premio Forqué al Mejor Largometraje Documental es para...

¡"Muchos hijos, un mono y un castillo", de Gustavo Salmerón!"

(Música)

Llevaba muchos años buscando una historia, buscando, buscando,

no encontraba una historia para dirigir,

¿y qué haces cuando no encuentras algo?

Le preguntas a tu madre.

Ella te dice siempre: "¿Has mirado en su sitio?"

Y allí estaba, en su sitio.

-Gracias, muchas gracias.

No tengo palabras para poder expresar lo que en este momento siento.

-Y el Premio para la Mejor Interpretación Masculina es para...

-¡Javier Gutiérrez por "El autor"!

-Es un premio muy importante para la película, para "El autor".

Pienso mucho en Manuel Martín Cuenca, el director.

Cuesta mucho levantar una película y cada premio es,

bueno, es un pasito muy pequeño, pero también gigante a la vez,

porque le da como una nueva vida a las películas.

-Sepamos ya quién es la mejor actriz de este año.

-Y la ganadora es... ¡Nathalie Poza!

(Aplausos)

Esta película es una película sobre la muerte,

pero también es una historia de amor,

una historia de amor complicada como todas las de padres e hijas.

Yo le dediqué el rodaje a mi padre, que era un artista,

y lo tuvo muy difícil.

Sacrificó mucho para que yo ahora esté aquí.

-Recibamos con un gran aplauso a uno de los hombres

más importantes de nuestra industria, ¡Don Carlos Saura!

-He hecho más de 40 películas.

Siempre digo que tengo 7 hijos.

Tengo 86 años, no quiero decirlo, porque parece demasiado, pero en fin,

espero también continuar trabajando,

haciendo películas, que es lo que yo más quiero.

(Música)

Ya me ha tocado a mí.

Estaba yo angustiado. Digo: "No me va a tocar nunca".

Había pensado yo una idea macabra, que al final alguien me decía:

"Mira, chico, esta medalla para ti no, eres muy mayor.

Es mejor para otras personas más jóvenes y como más dinámicas".

Pero, en fin, me ha tocado.

-Vamos a conocer cuál es la ganadora de 2017.

(Música)

El Premio Forqué al Mejor Largometraje es para...

-Hay sorpresa, hay empate.

Señoras y señores, son dos películas las ganadoras

del Premio Forqué de este año a la Mejor Película y no es un error,

como en la última edición de los Oscar.

Mejor Largometraje para "El autor".

-Que está empatado con "La librería".

-¡Guau!

(Música)

Yo preferiría que fuera solo para nosotros,

pero, bueno, pero si es con una película

que tiene que ver con la literatura y los libros, bueno, vale,

tiene un punto coherente, pero yo...

Para qué nos vamos a engañar,

yo hubiera preferido solo para "La librería".

-Ojalá que este cine, tan potente, el cine español, diverso,

tan bello, tan rico, se mantenga en los próximos años

y sigamos haciendo películas.

(Música)

Desde Francia también nos llega esta semana

"El pequeño Karl Marx".

Es una película que, como su propio título indica,

nos habla de los años de juventud del economista y filósofo,

en complicidad con Friedrich Engels,

aquellos años decisivos, previos a sus grandes escritos,

que luego serían los que pasarían a la posteridad.

¿Karl? Quiero presentarle a Friedrich Engels.

-¿No nos hemos visto antes?

Se estrena "El joven Karl Marx", una coproducción europea,

que reconstruye los años de juventud del filósofo alemán,

en la década de los 40 del siglo XIX,

en torno a los sucesivos encuentros

que marcaron su vida y su pensamiento,

con la que sería su esposa y madre de sus dos hijas

y con su amigo, colaborador y cómplice, Friedrich Engels.

Un relato magníficamente ambientado y apoyado en un reparto competente,

en el que apenas reconocemos a Olivier Gourmet,

en el papel del revolucionario Proudhon.

Veo que le encanta la pelea, jovencito, o al menos la discusión.

-La contradicción.

-Cierto, es su mujer. -Sobre todo, materialista.

Resulta sorprendente, además de paradójico,

que Marx no haya aparecido nunca como personaje,

al menos como protagonista, a lo largo de la historia del cine.

Tampoco Engels, por cierto, y, sin embargo,

la sombra de su pensamiento como inspirador del comunismo,

de la lucha de clases o de las teorías económicas

que continúan plenamente vigentes a la hora de analizar

los mecanismos esenciales del capitalismo

planean sobre una inabarcable lista de títulos

de todas las épocas y nacionalidades.

El comunismo es astuto. Apela a vuestros sentimientos.

Igual que este pequeño gatito,

que también apela a vuestros sentimientos, ¿no?

Pero el comunismo es una epidemia que puede destruir al mundo.

"El joven Karl Marx" está dirigida por el haitiano Raoul Peck,

al que hemos conocido recientemente

a través del magnífico documental "I Am Not Your Negro",

inspirado en los escritos y méritos del activista James Baldwin,

en los que identifica la historia de Estados Unidos

con la represión sistemática de los afroamericanos.

Raoul Peck, que llegó a ser ministro de Cultura de su país de origen,

continúa con "El joven Karl Marx"

dentro de los márgenes reivindicativos

que han venido marcando su combativa filmografía.

Mi amigo Marx es periodista.

Está investigando un tema que nos interesa.

-El trabajo infantil en las fábricas. ¿Cuántos hay en la suya?

El relato de Raoul Peck va ganando peso ideológico

a medida que avanza, sin llegar a perder en ningún momento

un tono folletinesco que le permite conectar con todo tipo de públicos

abordando reflexiones profundas y de gran calado

sobre la identificación de la clase obrera

en los albores de la revolución industrial,

la definición de términos como proletariado y lucha de clases

o pormenorizar episodios como la fundación de la Liga Comunista

tras la disolución de la Liga de los Justos,

a la que tanto Marx como Engels pertenecieron.

El comité de Londres les pide, primero,

integrarse en la Liga de los Justos.

Segundo, ayudar en su reorganización.

Y tercero, colaborar en el desarrollo de un nuevo programa

que será debatido por todos los miembros.

¿Lo han entendido?

La película que ahora se estrena,

formalmente impecable y argumentalmente rigurosa,

viene a ensanchar una vía poco explorada

desde las premisas más convencionales del cine histórico.

Estoy cansado de folletos, manifiestos y panfletos.

-Ya basta.

Sabes tan bien como yo que todo este enorme trabajo,

los libros, artículos, conferencias habrán sido en vano

si no podemos escribir un simple libro

que lo resuma todo y que todos lo entiendan.

(Música)

Seguro que sabéis que el pasado martes celebramos

la quinta edición de los Premios Días de Cine,

una fiesta en la que se respiraba amor por el cine.

Hubo momentos muy emotivos,

quedó de manifiesto que la veteranía es un grado

y las protagonistas fueron ellas.

(Canción en inglés)

Pues nada, ya van cinco años desde que empezamos a hacer esta locura.

Yo espero que la gente lo pase bien.

Espero que las películas que hemos premiado

sean las que marcan tendencia, como ha pasado estos años atrás.

(Canción en inglés)

Que me ha apoyado desde mi primera película,

"Torremolinos 73", "Blancanieves", "Abracadabra",

amigo de Elena, del equipo, o sea, esto es como una fiesta o boda.

Una gran boda como las bodas de "Abracadabra".

(Canción en inglés)

Buenas noches y bienvenidos a la 5 edición de los Premios Días de Cine.

(Música)

El director de la película es el sobrino de Howard Brookner.

(Aplausos)

Muchísimas gracias por este premio.

Gracias a "Días de Cine" y ojalá que algún día

pueda hacer una película aquí.

-La dificultad de recopilarlo, de restaurarlo, de perseguirlo.

-Cuesta mucho trabajo.

-Este documental excepcional realmente nos impresionó.

-Es un honor recibir este premio, muchas gracias a "Días de cine".

-Comenzó siendo chica de la Cruz Roja, chica yeyé,

fue chica de Oro y hasta chica del Cable.

Una artista total y un ser humano excepcional.

-Quiero dar las gracias a "Días de cine" especialmente,

porque si yo no estuviese en activo,

a lo mejor no lo recibía con tanta ilusión.

-Una maravillosa familia que conviven con ella.

-El cariño que me da es, las miradas de amor.

Hay miradas de amor de personas normales.

-Y hay un montón de títulos memorables en su filmografía.

-Mejor Película Internacional de este año 2017.

-Demuestra que su futuro es muy prometedor.

-Un actor grande, grande de verdad.

-Es el premio, quizás, más importantes sin lugar a dudas.

El más importante que he recibido en mi vida.

(Aplausos)

-Recibir un premio por sus personaje estupendo en esta película.

-Esto, en el fondo, es un acto de amor.

(Aplausos)

La delicadeza, la sutilidad, la capacidad de observación.

-"Días de cine" es un programa

que creo que todos lo tenemos en el corazón,

que es necesario y que podemos estar muy orgullosos de tener.

-Y decía Hitchcock que para el cine eran 400 butacas por llenar.

Por favor, id al cine. Por Hitchcock y porque es lo más bonito que hay.

Adiós.

(Música)

"Los archivos del Pentágono", lo nuevo de Spielberg,

aborda un caso célebre de principios de los 70,

un poco antes del Watergate, donde se puso en juego

la libertad de prensa.

Aquellos documentos que salieron a la luz dejaban claro

que el gobierno estadounidense había mentido

respecto a la guerra de Vietnam.

Tanto el "Washington Post" como el "New York Times"

decidieron publicarlos en contra de las amenazas de Nixon

y posteriormente un tribunal les dio la razón.

Es la primera vez que Meryl Streep trabaja con Spielberg

y Tom Hanks se repite.

(Música suspense)

¿Tienes los papeles?

-Aún no.

Ni la guerra de Vietnam se estaba ganando

ni las razones para entrar en ese conflicto armado

eran las que se habían divulgado a la opinión pública.

El "Times" tiene 7000 páginas en las que se detalla

cómo la Casa Blanca ha mentido sobre la guerra de Vietnam

durante 30 años.

Daniel Ellsberg, un exanalista de la Inteligencia Militar,

filtró los documentos secretos que el secretario de Defensa

durante las presidencias de Kennedy y Johnson, Robert McNamara,

había recopilado.

¡Nixon es un hijo de puta! ¡Te odia! ¡Odia a Ben!

Lleva años queriendo acabar con el periódico

y no se andará con chiquitas.

Primero el "New York Times"

y después el "Washington Post" con más ahínco

publicaron esos documentos que provocaron

la denuncia de la administración Nixon ante los tribunales.

La libertad de prensa estaba en juego.

Les preocupa que haya una mujer al frente del periódico,

que no sea capaz de tomar decisiones difíciles.

-Gracias, Arthur, por su franqueza.

De eso va "Los archivos del Pentágono",

"The Post" en el original.

Los personajes principales de este episodio recalcitrante

fueron Katherine Graham, propietaria del "Washington Post",

y Ben Bradlee, director del mismo.

Y sí, "Los archivos del Pentágono" se puede considerar

la precuela de "Todos los hombres del presidente",

que aborda la confrontación final a raíz del Caso Watergate,

cuyo resultado sería la dimisión del presidente Nixon.

De hecho, tres meses después del caso de Los papeles del Pentágono,

un joven periodista entraría a formar parte

de la plantilla del periódico, Bob Woodward.

Ben, podría tener algo importante.

-Debe de ser una mercancía muy valiosa.

-Son solo secretos de Estado.

-Es una historia muy buena y, además, verdadera.

Sobre una mujer que encuentra su voz

y sobre un presidente que trató de coartar

los derechos que nos garantiza la primera enmienda

y amordazar la libertad de prensa.

Me pareció que era algo muy contemporáneo.

De hecho, cuando leí el guion, me primera reacción fue decir:

"Estamos en las mismas".

Al hilo de lo que Carl Bernstein llegaría a afirmar no hace mucho,

hoy en día no podría haber una victoria tan clara de la prensa

si el problema de fondo sigue intacto,

su forma de manifestarse ha cambiado.

(Música)

De hecho, no deja de llamarnos la atención

que los actuales cineastas prefieran referirse a episodios del pasado,

donde los papeles estaban mucho más claros.

La censura frente a la libertad de expresión.

Queda pendiente, pero eso ya es otro cantar,

alguna película que actualice esta misma temática

manifestada bajo las nuevas formas que la censura adquiere el presente.

Estaremos en el Supremo la semana que viene.

-Lo que significa... -Que podríamos ir a la cárcel.

Tom Hanks encarna a Bradlee.

Recordemos que en "Todos los hombres del presidente"

era Jason Robards quien lo hacía.

Si el gobierno gana, el "Washington Post" como tal dejará de existir.

Meryl Streep es Katherine Graham, una mujer valiente

que hizo un incalculable favor

a los valores de la democracia estadounidense.

He venido a pedirte consejo, Bob, no permiso.

-No es el informe completo, pero son más de 4000 páginas.

Spielberg juega sobre seguro

y dota a los trepidantes días que abarcaron la crisis

de un atractivo innegable, basado en una perfecta ambientación.

De hecho, el "Washington Post" parece el mismo set

de "Todos los hombres del presidente".

Si nosotros no les pedimos cuentas, ¿quién va a hacerlo?

Unas interpretaciones a la altura de lo que se espera

y un buen guion que mantiene la tensión y el debate

a través de afilados diálogos.

¿Cree que su periódico tiene recursos para afrontar algo así?

No parece casual que uno de los guionistas, Josh Singer,

haya participado también en el guion de la estupenda "Spotlight".

¿Podría tu equipo ocuparse de ello?

-Todos nuestros presidentes han tenido una relación de amor odio

con la prensa, no hay que olvidarlo. También Clinton y Obama.

Hay quien considera a la prensa el cuarto poder

en el sentido de que exige cuentas al gobierno,

lo cual es maravilloso, pero al mismo tiempo

siempre ha habido una relación ambigua

entre los medios de comunicación y cualquier administración.

De hecho, en nuestra película se ve que Bradlee era íntimo de Kennedy

y Graham de McNamara.

Estamos hablando de alianzas cuestionables.

Ahí fue cuando la prensa empezó a darse cuenta

de que a lo mejor no era buena idea hacerse amigo de la gente

sobre la que uno tiene que escribir.

(Canción en inglés)

"Los archivos del Pentágono"

se une al gran clásico del periodismo de investigación

"Todos los hombres del presidente",

como un imprescindible díptico sobre los años gloriosos de la prensa

como necesario contrapoder.

¿Sabes los delicado que sería para mí?

Hay quien verá analogías entre la presidencia de Nixon

y la del actual inquilino de la Casa Blanca,

pero aquí es donde queremos aportar la certera y pertinente reflexión

que el célebre periodista Bob Woodward

hizo recientemente en el veterano programa matutino de la CBS,

"Face the Nation".

Woodward afirmaba que en la última entrevista

que tuvo con Robert McNamara

este le contó que la gran lección final

del error de Vietnam consistía en darse cuenta

de que los asesores de Nixon

tendrían que haberle hecho ver la realidad

y sentarse a contemplar todas las opciones

aún a costa, por supuesto, de crear un conflicto

y decir algo que no se quiere escuchar.

El no hacerlo supuso el aislamiento del presidente en su burbuja.

Ni es la primera vez ni será la última.

(Canción en inglés)

Decía Groucho Marx que la política es el arte de buscar problemas,

encontrarlos, hacer un diagnóstico falso

y aplica remedios equivocados.

Hasta ahí podemos leer, siempre sabio Groucho Marx.

Hoy nos vamos a despedir rindiendo homenaje

a la cantante de los Cramberries que nos dejaba esta semana

y lo vamos a hacer recuperando una secuencia de "Chungking Express"

y uno de sus temas cantado en cantonés por Faye Wong.

("Dreams")

  • Días de cine - 18/01/18

Días de cine - 18/01/18

18 ene 2018

Días de cine ha celebrado la gala de entrega de sus V Premios, que reconocen lo mejor del cine nacional e internacional, los mejores documentales y la mejor edición en DVD/Blu Ray de 2017.
'Verano 1993', dirigida por Carla Simón y con participación de RTVE, recogió el premio como mejor película española. El premio a la mejor cinta internacional fue para la húngara 'En cuerpo y alma', de Ildikó Enyedi.
El programa de La 2 reconoció también a los mejores intérpretes de 2017: Nathalie Poza y Juan Diego, ambos premiados por la película 'No sé decir adiós', asistieron a la ceremonia y recogieron sus galardones. En el apartado internacional, los premios a los mejores intérpretes fueron para Jeff Bridges por 'Comanchería', y Florence Pugh por su papel en 'Lady Macbeth'.
El premio a mejor documental lo comparten dos producciones: 'I am not your negro', de Raoul Peck, y 'Uncle Howard', de Aaron Brookner.
Además, Concha Velasco recogió el premio Especial 'Días de Cine' “por haberlo sido todo en el cine español y seguir trabajando en cine, teatro y televisión”. Y también lo hizo la película 'Lumiére: comienza la aventura', “por redescubrir de una forma emocionante la historia del cine desde una perspectiva como nunca habíamos imaginado”.
Gustavo Salmerón acudió a la entrega junto a su madre, Julita, protagonista de 'Muchos hijos, un mono y un castillo', opera prima de Salmerón por la que ha recibido el premio 'Ha nacido una estrella'. Y el galardón a la mejor edición en DVD/Blu Ray ha recaído en 'La tortuga roja' y el pack 'Jacinto Esteva'. El Premio del Público que eligen los espectadores de Días de Cine, es para 'La llamada', comedia musical de Javier Calvo y Javier Ambrossi que cuenta con la participación de RTVE. Su productor, Enrique Lavigne recogió el premio.

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