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No recomendado para menores de 12 años Días de cine - 16/03/17 - ver ahora
Transcripción completa

Buenas noches. Bienvenidos al "Días de cine" 1140.

Os invitamos a contagiaros de nuestra locura cinéfila.

(Música cabecera)

Quiero verte a la luz.

Emma Watson protagoniza una nueva versión

de un mito cinematográfico imperecedero.

Aunque sea la dueña de media comarca, sigo siendo la hija de un cerdo.

Agustí Villaronga vuelve a tratar un tema inagotable, la Guerra Civil.

Valeria Bruni-Tedeschi protagoniza una comedia

que pone en duda las fronteras entre cuerdos y locos.

Por Tchaikovsky. -¿Eh?

(Música)

El título lo dice todo: "Crudo".

Llega a las salas la opera prima de Julia Ducournau

después de triunfar en Sitges,

también en la Semana de la Crítica de Cannes,

y después de provocar desmayos en su proyección

en el festival de cine de Toronto. Habéis escuchado bien.

Hubo que trasladar al hospital en ambulancia

a varios de los espectadores por la crudeza gore de sus imágenes.

Nosotros nos preguntamos: ¿es para tanto?

Nuestro compañero Santi Tabernero ha visto la película,

firma el siguiente reportaje y nos advierte de que el material

que le han facilitado para hacer este reportaje

no refleja esa crudeza de la que os hablamos.

Adolescencia:

"período de la vida humana que sigue a la niñez

y precede a la juventud",

según la escueta definición del diccionario.

"Edad de los picores", añadimos nosotros.

Fin del ciclo de la pubertad,

en el que llegan de golpe y en desorden

todo tipo de cambios corporales hasta moldear el cuerpo

y el sentir de un adulto.

No es extraño que el cine,

fascinado por tan aparatosa mascletà,

la haya convertido en un macrogénero llamado propiamente "iniciático"

que admite todo tipo de variantes.

Oye, ¿estás bien? -¡Sí, no entres!

-Lo que más me interesa de los jóvenes adolescentes,

o preadultos, es la cantidad de metamorfosis que viven.

Físicas, con un sinfín de cambios en el cuerpo,

que hacen que la sexualidad irrumpa en tu vida como nunca antes,

y psicológicas.

Tus padres dejan de tener influencia sobre ti

y elaboras tus propias opiniones.

Tanta metamorfosis hace que sea todo increíblemente cinematográfico,

muy de género.

La debutante Julia Ducournau opta por la "body horror",

subgénero de un terror de casquería

que exige avisar al espectador para evitar desmayos.

Me encantan las películas de "body horror"

porque son increíblemente visuales y sus historias nos conciernen.

No cuentan cosas fantásticas, ambientadas en mundos que no existen.

Ella no es un vampiro ni se va a transformar en un lobo,

es un ser humano.

Ella tiene 17 años.

Y si la directora la ha llamado Justine,

por algo será.

Es vegetariana, como sus padres,

pero, tras matricularse en veterinaria

y sufrir las novatadas de los veteranos,

se ve obligada a comer carne cruda y...

(Grito)

¡Joder!

Ya es un no parar.

Joder, ¿pero esta tía está loca o qué?

-Mis anteriores trabajos, tanto mi corto como mi TV movie,

también iban de transformaciones corporales

que implicaban consecuencias morales para los personajes.

Ya entonces me interesaba el tema del canibalismo.

La gente tiende a rechazarlo como algo que no forma parte

de nuestro comportamiento

y que calificarían de monstruoso o inhumano.

Me sorprende porque yo creo que está dentro de nuestra naturaleza.

Y que si lo reprimen es porque les asusta

sentirse concernidos por esa parte de lo humano.

Julia Ducournau, lejos de asustarse, lo celebra con una explicitud gore

que ha encontrado numerosas complicidades

entre la crítica internacional,

que ha valorado su brioso pulso como directora.

La enjundia de su personaje femenino,

interpretado por la adolescente que le diera vida en el corto,

componiendo una suerte de "Girlhood" caníbal...

¡Reclutas!

Y las numerosas referencias cinéfilas,

con especial devoción por David Cronenberg.

Que hacen de la película un festival de emociones extremas.

Travesuras de niña bien con vocación de epatar a cierta burguesía

que jamás será su público.

(Música)

Después de enseñarnos lo que los austriacos guardan

en sus sótanos,

Ulrich Seidl regresa con un documental

en el que sigue el día a día de un grupo de turistas de safari.

(Alemán)

El director retoma algunos temas de sus películas anteriores.

Y sus protagonistas podrían estar sacados

de su trilogía "Paraíso".

Con su particular estilo visual, Seidl coloca la cámara

para permitirnos observar todo el proceso.

Desde las disquisiciones sobre las armas,

sus nervios iniciales y el éxtasis,

a la foto bien preparada para que quede bonita

y la posterior preparación de la pieza como trofeo.

"Safari" es un disparo certero y sin piedad a nuestras conciencias.

El director no esconde los detalles. Es aséptico, seco.

A veces resulta sobrecogedor, cruel y desagradable

con el objetivo de que entendamos qué pasa por sus cabezas.

Seguimos hablando de dos películas muy recomendables.

Las dos son comedias que esconden un drama

y las dos ponen la mirada en ellas.

Comenzamos con la israelí "El balcón de las mujeres".

Habla precisamente de eso, del papel de la mujer en la sociedad israelí.

Es una divertida comedia costumbrista

que también trata de esa frontera que separa la tolerancia

de la intolerancia religiosa.

¿Es responsabilidad mía si mi mujer no quiere vestirse con recato?

Sí, caballeros. Así es.

La responsabilidad de este mandamiento también es nuestra.

En los tiempos que corren, parece casi impensable

volverse en contra de los fundamentalismos religiosos,

y menos en países de Oriente Próximo.

A pesar de todo, hay quien insiste en plantar batalla

en las salas de cine.

Un hombre debe respetar a su mujer más que a sí mismo.

No lo digo yo, lo dice Maimónides.

-Hoy es un día importante. No quiero problemas, ¿entendido?

El derrumbamiento del balcón de una sinagoga de Jerusalén

provoca su cierre para desgracia de los devotos habituales.

Sin embargo, un joven y carismático rabino

llega con un séquito de ortodoxos, como si de un milagro se tratara,

prometiendo que lo reparará.

Para sorpresa de las mujeres, el accidente es una oportunidad

que el rabino David aprovecha para no dejar ni rastro del balcón.

Es decir, para anular la presencia del sexo opuesto

en el espacio religioso.

¿Qué ha pasado con el balcón de las mujeres?

El descontento de ellas no durará mucho,

porque David consigue hacerlas sentir culpables de lo ocurrido,

o al menos a la mayoría de ellas.

Las que se resisten a las palabras de David,

combaten haciendo una recolecta para construir de nuevo el balcón

y recuperar el derecho a vivir su religión como acto social.

Olvídalo, no es buena idea.

No quieren construir el balcón. -¿Por qué no quieren?

-Porque creen que están castigadas y quieren redimirse con penitencia.

"El balcón de las mujeres" está dentro de la tradición

de la comedia costumbrista.

Amable, pensada para dejar una sonrisa de oreja a oreja

en el espectador.

¿Cuál de los 13 atributos divinos te describe mejor?

-Siguiente.

En ese sentido, conecta claramente con la que fue la primera película

rodada íntegramente en un barrio ortodoxo real: "El invitado".

Una comedia sobre un esmerado ortodoxo con pasado laico

y sus dificultades para celebrar la festividad de Sucot

de acuerdo a la ley judía.

Sin embargo, "El balcón de las mujeres",

aunque levemente y con humor, presenta a los espectadores

un problema latente en la sociedad israelí,

la confrontación entre la tradición sefardí, mediterránea,

y la askenazí, propia de Centroeuropa,

así como el choque entre dos maneras de entender la vida religiosa.

¿Llegar a una comunidad de buena gente para sembrar el miedo?

¿Es esa la labor de un rabino en Israel?

-Hay una intención clara de transmitir la tradición sefardí

en la sinagoga.

Originalmente, es mucho más tolerante en sus valores

que el extremismo que se está imponiendo

en varios sectores de la sociedad.

Los askenazíes llegaron antes al nuevo Estado

y se situaron en los puntos de influencia y poder.

Ante eso, muchos que llegaron de Sefarad, Marruecos, Argelia, etc.,

intentaron incorporarse a escuelas religiosas askenazíes

como medio para obtener cierto estatus.

Pero desde entonces, hay grandes sectores de la sociedad

donde se respira ilusión por volver a las tradiciones originales.

En este caso, el bienestar colectivo de la comunidad y su armonía social

se ve amenazada por un exceso de rigor religioso e intolerancia

encarnado por este nuevo rabino.

Un pico de oro, maestro en una yeshivá

o escuela talmúdica, que con su labia inyecta la duda

en la hasta ahora feliz congregación.

Terribles dudas respecto a si han vivido

con arreglo a la ley religiosa o son unos pecadores sin saberlo.

Para mí este ortodoxo es, ante todo, una persona con buenas intenciones,

pero que no entiende lo más esencial de la comunidad

a la que cree poder salvar tras el desastre.

Ve solo las leyes en lugar de a las personas.

Y la razón de ser de la comunidad se basa en la ayuda mutua

y la tolerancia.

Por eso, mostré la sinagoga como un punto de encuentro de la comunidad

y no solo donde desarrollar rituales.

En mi infancia, vivía al lado de una sinagoga así.

Mi abuelo era cantor de la misma. Mi forma de entender la sinagoga

es que, tras los rezos, la gente come, bebe y charla.

Eso es para mí lo que solidifica el tejido social de ese colectivo.

En el lado opuesto, es decir, radicalmente críticas,

tenemos películas como "Kadosh", de Amos Guitai.

Guitai rodaba un descarnado alegato contra la opresión

que impone la observancia ultraortodoxa.

¿Se ha decidido ya?

¿Va a concederle el divorcio a esta mujer?

Y más compensada, la trilogía de Viviane Amsalem.

Especialmente, su última entrega,

retrato del injusto proceso de divorcio, que en Israel

ha de pasar por el consentimiento rabínico a la fuerza.

Digamos que en mitad de un estilo y otro

se encuentra una pequeña joya titulada "Llenar el vacío".

Esta fue la primera película rodada por una directora ultraortodoxa,

por lo que la inmersión en las alegrías, problemas

y vicisitudes de estas comunidades quedaba reflejada como nunca antes.

Es el momento de liarla un poco.

"El balcón de las mujeres" no tiene dimensión crítica

ni busca resaltar como ejercicio autoral.

Su principal valor es la frescura

y el ser en sí misma una celebración de la cordura.

La inspiración del personaje es mi madre,

una genuina mujer sefardí.

Su fuerza y la de sus seis hermanas me inspiró.

Eran personas que no tenían miedo de decir lo que pensaban

y que tenían una fuerte noción de la justicia.

Mujeres con carácter que, aunque no tienen conocimientos académicos

acerca del feminismo, saben muy bien lo que es la fuerza de la mujer.

-Esperan que los arcángeles Miguel y Gabriel reconstruyan el balcón.

-Muy bien, pues aquí está Miguela. Y aquí, Gabriela.

Y ella también está con nosotras. A ver quién puede pararnos.

Nos atrevemos a decir que "Locas de alegría" es la joya de la semana.

La ganadora de la Espiga de Oro en la Seminci de Valladolid

nos sitúa ante una interesante pregunta:

¿quién es más loco, el loco o el loco que sigue al loco?

Esta extraordinaria comedia italiana es el viaje de dos mujeres

muy distintas. Una, aristócrata venida a menos,

y una joven machacada por la vida, que se escapan del psiquiátrico.

Una vez más, nos rendimos ante el talentazo

de Valeria Bruni-Tedeschi.

(Italiano)

La relatividad de la locura es el punto de encuentro

de las dos protagonistas de "Locas de alegría",

la nueva película del italiano Paolo Virzì,

una propuesta deslumbrante que, en esencia, puede describirse

como el viaje de dos mujeres en búsqueda de sí mismas

tras escapar de la clínica de salud mental

en la que coinciden como internas.

Me interesaba contar la cuestión de la psicopatología,

de la enfermedad mental.

Porque, viendo otras películas mías, me he dado cuenta de que he creado,

incluso sin pensar en ello,

una galería de personajes psicopáticos,

pero no aparecía la institución como tal.

Esta vez, partiendo de dos mujeres desvalidas,

consideradas enfermas, incluso peligrosas,

me apetecía crear un relato aventurero

que diese ocasión a estas dos mujeres heridas y solas

de encontrar refugio en su relación afectiva.

Aunque sea tumultuosa y brutal.

Hacerles vivir momentos de euforia, de alegría,

una posible invocación terapéutica.

(Música)

El cine es terapia, es medicina. La narración es medicina.

En este caso, lo ha sido totalmente.

Hemos estado inmersos en esta película

como en una gran psicoterapia.

"Locas de alegría", que pasó por el festival de Cannes

en la sección Una Cierta Mirada y ganó la Espiga de Oro

y el premio ex aequo de interpretación femenina

para sus dos protagonistas en el Festival de Valladolid,

se apoya en estos dos personajes extremos

para hacer un peculiar y sentido retrato, nada complaciente,

casi un diagnóstico de la sociedad italiana contemporánea.

Valeria y Micaela han sido la inspiración de esta película.

Ellas me han inducido a contar esto.

No he tenido otras actrices en mente desde que las vi juntas

por primera vez cuando estábamos rodando "El capital humano".

Una contenida Micaela Ramazzotti

y, sobre todo, una desbordante Valeria Bruni-Tedeschi

encarnando a una mujer machacada por la vida

y a una especie de aristócrata venida a menos, respectivamente.

Elevan el relato a niveles superlativos

en una sucesión de situaciones rocambolescas, picarescas,

impregnadas de un aliento poético entre descarnado y patético,

basculando permanentemente entre la comedia y el drama,

en una gozosa reflexión sobre la locura como vía de escape

y la relación de la locura con la realidad.

Inspirándose no en "Thelma y Louise",

como algunos se han apresurado a subrayar,

sino, sin duda, en el "Quijote" de Cervantes.

(VIRZÌ) El Quijote y Sancho Panza.

Hay una mitomanía que transforma los molinos de viento en monstruos

y este deseo de dominar el mundo basado en cómo una persona débil

se inventa ser fuerte. Esa es Beatrice.

-Teníamos que estar desincronizadas.

Teníamos que dejarnos llevar por lo que sentíamos.

Y cuando no estábamos en la misma frecuencia,

surgía un conflicto que enriquecía mucho la película.

-He probado a animar a Valeria a desmelenarse,

a quitarse la máscara de la buena educación

para despojarse de toda su prepotencia.

Mientras que a Micaela le he pedido que se esconda,

que esconda su sonrisa y su sensualidad

para transformarse en un animalillo herido,

que tapara su mirada,

porque ese es el secreto de la película.

-Paolo dibuja mucho.

Me enseñó un cuadro que había modificado

para que se pareciera a mí.

Una mujer en una postura retraída,

muy musculosa, nerviosa, con aire de enferma.

Diseñó todos los tatuajes, las cicatrices y autolesiones.

El aspecto externo partió de este dibujo

para trabajar después hacia adentro, sobre el dolor.

Micaela Ramazzotti, esposa del cineasta,

protagonizó la hermosísima "La prima cosa bella",

y Valeria Bruni-Tedeschi se puso bajo sus órdenes

en la contundente "El capital humano".

Maravillosa locura la de estas dos mujeres.

Gerardo, ¿qué tal? Muy buenas.

Vamos a hablar de lo que hay que ver en cine, ¿no?

De "Uncle Howard", que hablábamos la semana pasada de ella,

pero es una película que probablemente

no haya llegado al gran público. Es una película preciosa.

Se descubre a un personaje fascinante.

A dos personajes fascinantes.

Al "uncle" Howard del título, un cineasta neoyorquino desconocido,

para mí y para mucha gente, creo.

En los años 80 murió de sida.

Y sobre todo descubrimos a su sobrino,

que descubrió el cine a través de su tío.

Y tú has descubierto su cine ahora.

Yo he descubierto la película de ficción que realizó.

Antes de morir, se estrenó.

Se llama "Bloodhounds of Broadway", "Noches de Broadway".

Y en italiano, "I maledetti di Broadway".

Una preciosidad de película. La he comprado prácticamente.

La película "Uncle Howard" transcurre en Nueva York,

y eso me lleva a una retrospectiva de José Val del Omar

que se celebra este fin de semana. Quienes estén en Nueva York

y puedan salir, con esto de la nieve, es una opción.

José Val del Omar es un heterodoxo español

de esos que solo se dan en este país, casi como el jamón de jabugo.

Sus películas se van a poder ver en el MoMA de Nueva York.

Se pudieron ver en el Reina Sofía.

Y es una cosa a descubrir porque es indispensable.

Más cosas a descubrir en la Filmoteca.

Obras maestras del cine polaco con Scorsese detrás.

Scorsese anda detrás de muchas cosas últimamente.

Entre ellas, su faceta de restaurador de clásicos

y de sacarlos a la luz.

Ahora se ha empeñado en esta aventura con el cine polaco más clásico.

Películas imprescindibles: "Canal", "Cenizas y diamantes"...

Se van a poder ver en la Filmoteca a partir del día 23.

Aquí, en la sala Azcona de Cineteca, totalmente gratuita,

la entrada para ver otra obra maestra, de Kiarostami,

que es "Copia certificada". Con guion de Jean-Claude Carriere.

Una película preciosa que evoca también "Viaje en Italia",

de Rossellini, que también es una película favorita de Scorsese.

Todo el mundo que vea esta película y otras de Kiarostami

se va a enamorar. Cine iraní.

Recordamos también que "El viajante" está en los cines ahora mismo.

Vamos a hablar del preestreno de la semana que viene.

El preestreno es "Un hombre llamado Ove",

que fue candidata a los Oscar por Suecia hace nada.

Perdió en favor de "El viajante". Para mí, bien perdido.

Pero es una película divertida, entrañable,

que evoca un poco a "Gran Torino". Un viejo gruñón y cómo se redime.

El martes, en los cines... Verdi.

Verdi, efectivamente. A una hora razonable.

La gente, que mande su e-mail, como siempre, con "Ove" en asunto.

Perfecto. Veo que me has traído dos libros

y he visto que uno es más lúdico; otro, más melancólico.

Pues sí. El de Joe Dante entra dentro de lo que podríamos llamar lúdico,

cine de género. Un tipo muy interesante,

muy divertido, al que le hicimos un reportaje estupendo

hace un par de años. Alejo se lo hizo en su visita a Madrid.

Este hombre tiene películas como "Gremlins", "Exploradores",

o una que me gusta a mí mucho, que es "Pequeños guerreros".

Un libro exhaustivo, como puedes ver. Sí.

Y "Bajo el signo de la melancolía: cine, desencanto y aflicción".

Mira qué título más bonito, qué portada más bonita.

Más triste, ¿no? Un cuadro de Hopper,

que que sirve de mcguffin a Santos Zunzunegui

para elaborar una bella teoría sobre cómo la melancolía y el cine

van intrínsecamente unidos.

Es uno de los tipos que más sabe de cine en España

y que mejor explica estas cosas tan profundas

de una manera sencilla. Hablando de melancolía,

le hemos preguntado a Jonás Trueba, Premio Ojo Crítico de este año,

por su secuencia preferida,

y ha seleccionado una película llena de melancolía.

Para mí, una película que fue un antes y un después

en mi vida adulta fue "Yi Yi", de Edward Yang.

Es la última película de este director taiwanés.

Quizás, no suficientemente reconocido,

porque se le consideraba más occidentalizado

que otros compañeros suyos de la nueva ola taiwanesa

que descubrimos en los años 90, a principios del 2000.

Toda la película en sí me parece una oda al cine y a la vida.

Pero me parece que hay un bloque dentro de la película,

una secuencia, que es, de alguna manera...,

que contiene todo lo que significa esa película y su mirada

con respecto al cine y a la vida.

Hay un momento en que se traza un paralelismo

entre el reencuentro que tiene el padre

con una antigua novia a la que no veía desde hace 20 años

y la primera cita que tiene su hija adolescente

con un chaval.

De repente, Edward Yang crea un bloque secuencial

donde va pasando de la cita del padre a la cita de la hija adolescente

y los va entrecruzando de una manera muy bella.

Y de una manera que solo el cine puede contarte algo así.

No creo que ningún otro arte pueda expresar esto,

esta sensación que tenemos del paso del tiempo.

Vemos cómo el padre le va contando,

mientras camina por la calle con su antigua novia,

y van rememorando la última cita que tuvieron,

cómo cruzaron, cómo se dieron la mano,

cómo cruzaron por un semáforo.

Incluso creo que recuerda la sensación del sudor de las manos.

Y esto que el padre va evocando

Edward Yang no te lo recrea en un flashback ni nada de eso,

sino que te salta a la cita que está teniendo lugar

al mismo tiempo en otro sitio de su hija adolescente,

que está dando por primera vez la mano al cruzar un paso de cebra

con este chico en esta primera cita.

No va el recurso fácil del flashback, es como si Edward Yang

supiera que el cine trata siempre del tiempo, de la evocación,

pero que no podemos recrear el recuerdo.

Hay dos tiempos al mismo tiempo

y hay un tercer tiempo que no estás viendo exactamente,

pero que se genera en tu cabeza como espectador.

Lo que decía Godard siempre, que el gran cine era

el que sabía generar imágenes

que no son las que estás viendo en la película,

sino la que se genera en el espectador

a través del montaje de dos imágenes.

(Música)

El pasado año se cumplían cuatro décadas

de esa película existencialista, física y metafísica

sobre el alma humana, sobre el tormento

y sobre la relación de un tipo que vomitaba en su deambular nocturno

su asco por una ciudad y una sociedad podrida,

que jugaba a redentor magnicida y acababa siendo un héroe.

Todo eso era "Taxi Driver", pero también era mucho más.

Hace un año se reunieron en el Festival de Tribeca

buena parte de quienes participaron en aquella aventura cinematográfica

para recordar viejos tiempos.

Aquel encuentro es parte de la nueva edición de la película

y ya van al menos cuatro que conozcamos,

desde que el DVD comenzó a ofrecer cine en condiciones

para ver en casa.

"Taxi Driver" 40 años después sirve para constatar

que por las grandes películas el tiempo solo pasa para ellas

para hacerlas más grandes.

Seguimos viendo a un Robert de Niro en estado de gracia

interpretando a ese conductor de taxi nocturno, Travis Bickle,

que monologa consigo mismo obsesivamente

al tiempo que es incapaz de adaptarse a la sociedad.

También a un Harvey Keitel haciendo de forma ejemplar de chulo

en un papel que en principio no iba a ser para él.

A Jodie Foster de prostituta casi infantil.

Y a Cybill Shepherd como ese objeto de deseo de un travesti incapaz.

Tras "Taxi Driver" hay una gran historia,

la de un guion escrito por un tipo llamado Paul Schrader

en apenas una semana, que acabó en manos de Scorsese

tras echarle un ojo Brian de Palma.

(Música)

Pocos guionistas han retratado mejor el tormento del alma humana

que el calvinista obligado en sus primeros años

fue Paul Schrader.

También en la película disfrutábamos de una tremenda banda sonora,

la última que firmaría uno de los más grandes, Bernard Herrmann,

una banda sonora expresionista que se pegaba de forma ejemplar

a las imágenes también expresionistas,

que llevaban la firma de otro grande, Michael Chapman.

Batallas míticas con guionista aparte,

lo cierto es que el nervio católico ítalo americano

con el que rodaba y montaba el cineasta neoyorquino

es parte indisociable de ese aroma a condena y salvación

que respira la película.

Daniel Radcliffe sigue intentando demostrar su condición de actor

más allá de "Harry Potter", y ese último intento

es muy ambicioso.

En "Imperium" se mete en la piel de un agente del FBI,

infiltrado en una banda neonazi para desmantelar una trama terrorista.

Un thriller angustioso que pone de manifiesto

el complejo entramado que se esconde detrás de lo que conocemos.

Para que el mal triunfe,

solo hace falta que la gente buena...

(Música tensión)

No haga nada. -Contra el coche.

Nate Foster trabaja como analista en el FBI,

tratando de proteger al país de otro 11-S.

Pero poco a poco empieza a sospechar

que las tramas de terrorismo islamista que persigue

en ocasiones no tienen ningún fundamento

y tan solo sirven para mantener la ansiedad

entre la población americana.

Se vendieron más de medio millón de copias de los diarios de Turner.

¿Quién crees que lo compra?

¿Eric Ruddolf, el terrorista de los juegos de Land Town,

el que tiroteó un templo,

el que estaba cultivando fiebre tifoidea y cólera,

el que tenía un bomba de cianuro, Antrax, Redino, botulismo,

C4, peste?

Podría seguir horas diciendo nombres.

Todos ellos son supremacistas blancos.

Cuando el FBI descubre una posible trama

para fabricar una bomba sucia, la agente al mando intuye

que en esta ocasión sus enemigos no son los islamistas,

sino los supremacistas blancos.

Inmediatamente, idea un plan

para dar al traste con un probable atentado.

En este plan, Nate se convierte en el elemento clave

cuando acepta infiltrarse en un grupo de cabezas rapadas.

Estamos aquí porque nos enorgullecemos de nuestra raza.

Director hasta ahora de un único corto

que indagaba en la figura

del polémico Premio Nobel alemán, Fritz Haber,

el llamado Padre de la Guerra Química

por su trabajo durante la I Guerra Mundial,

Daniel Ragussis se sintió fascinado por la historia de Michael German,

un agente del FBI que pasó años infiltrado

en una comunidad supremacista blanca.

Sus experiencias en la vida real han servido de base

para el guión de "Imperium".

Nate, ¿qué estás haciendo? -Cierra la boca, negro.

(MEGAFONÍA) Venid y uníos a vuestra raza.

-Uno que trabaja en mi edificio.

(MEGAFONÍA) -Uníos a la raza blanca.

Un guión en el que lejos de ser un saco de músculos,

el agente del FBI tiene pinta de oficinista.

Su talento radica en desarrollar habilidades sociales

para ganarse la confianza de gente que da mucho miedo.

Buscamos hombres como tú, Nathan.

Un veterano de guerra instruido y sin antecedentes.

-¿Cuál es vuestro objetivo?

-De lo que estamos hablando es de una revolución.

(Música)

No te discuto que el chico está confundido

y alberga ideas enfermizas, pero no pienso darle por perdido.

-No sé, ha debido de ser idea de su hermano.

A pesar de evidentes nexos de unión, con títulos

como la estremecedora "American History X"

y, sobre todo, la espléndida y escalofriante "This is England",

en la que un ser desvalido

buscaba la protección de un grupo de skinheads.

La gente que trabaja duro es bien recibida en este país.

-Sam, ¿estás bien?

-Es la gente que piensa que les debemos algo

la que tiene que volver a su país.

"Imperium" se interesa más por la figura del infiltrado.

¿Eres policía? -No.

Un personaje cuyo desdoblamiento de personalidad

a veces le causa serios problemas morales,

algo que resulta muy sugerente para el cine.

¿De qué vas? ¿Crees que llevo un micro en mi carro?

¿Me tomas por un jodido chivato? ¿Qué te has creído?

-¿He dicho yo eso? -No.

-¿He dicho que lleves un micro?

-Si piensas que lo soy, dímelo a la cara.

-¿Estás bien, Nate? Pareces apagado.

Protagonizada por un Daniel Radcliffe

que parece haber dejado muy atrás el personaje

que hoy por hoy le permite hacer aquello que quiere,

secundado por una cada vez más indispensable Toni Collette,

"Imperium" comparte el espíritu de la estimulante "Arlington Road",

una película en la que las paranoias y las inocentes máscaras

bajo las que se oculta el terror, iban de la mano.

Hay millones esperando empuñar las armas.

Dispuestos a difundir la palabra. Somos millones.

Reveladora sobre algunos aspectos

de la ingente tradición supremacista blanca,

"Imperium" apela a la reflexión del espectador.

Son fanáticos, no los cogeréis con vida.

Sin duda, eso es interesante,

pero a pesar de sus nobles intenciones,

cede a la tentación de thriller.

Le sobra pulcritud y le falta verismo.

Vemos lo que queremos ver.

Pero que no puedas ver algo...

-Quítame las manos de encima.

-...No significa que no esté ahí.

Siete años después del éxito de la estupenda "Pa negre",

película que contó con el apoyo de la crítica,

que también arrasó en los Premios Goya,

Agustí Villaronga vuelve al tema de la guerra civil española

con el mismo equipo técnico con el que rodó aquella.

"Incierta gloria" es la adaptación de la novela de Joan Sales.

Es una película de guerra sin guerra que pone la mirada

en el conflicto sentimental y moral que viven sus protagonistas.

Aquí traemos a los animales cuando están a punto de morir,

aprovechamos cuando aún pueden caminar para despeñarlos.

Los buitres se encargan del resto.

También lo hacen con algunas personas.

Mi marido está aquí.

La guerra civil vuelve a ser el tema y, sobre todo,

el telón de fondo de "Incierta gloria",

la nueva película de Agustí Villaronga,

la descripción de un tiempo muerto en una zona del Frente del Ebro

desde el punto de vista de un puñado de personajes

del bando republicano.

Adaptación de la novela de Joan Sales,

consideraba entre las más importantes

de las letras catalanas sobre la guerra civil.

Tiene que cepillarla con fuerza y suavidad a la vez.

Mi marido lo hacía cada noche.

Quería a la bellota más que a nada en el mundo.

Solamente él podía montarla.

-La he ido descubriendo poco a poco.

De primera lectura me pareció enorme,

demasiado grande para mil y pico páginas,

complejísima,

veía mucho disquisición religiosa, filosófica.

Digo: "Uy, Dios mío, esto...".

Fue como una labor junto con Coral Cruz, la guionista,

de ir como haciéndola más pequeña

y al final acabó centrada en los personajes,

que dan mucho de sí, la cuestión emocional,

enfrentados eso sí a una guerra que está en el trasfondo todo el rato.

-¿Sabes qué me importa a mí? Las estrellas.

Hay una en especial que me preocupa,

una que cada día pierda un poco de luz,

que está a punto de extinguirse.

-Estrellas hay millones. -Cuidado, Lluís.

Trini es como una de estas casas abandonadas,

en cualquier momento la puede saquear un extraño.

Dos amigos de Barcelona, la mujer de uno de ellos

y un enigmática revista que fascina a los dos hombres

y se convierte en gran señora de la comarca

tras falsificar su matrimonio con un terrateniente de la que fue amante,

se sitúan en el centro de un complejo entramado de ambiciones,

sueños rotos, resentimientos y pasiones insatisfechas,

donde todos, de una manera u otra, son superviviente.

Encarna, te trato siempre como una puta,

pero has conseguido vivir como una señora.

-¿Qué quiere?

-Hasta el Frente llegan las buenas noticias.

-Un par de miles y me callo cuando me tenga que callar.

-El personaje de Carlana, que es la señora del pueblo,

que es una mujer que por la tierra, por sus hijos, por defender aquello

es capaz de pasar por todo.

Los demás acaban traicionando,

la supervivencia,

pero no rodeado de un punto de vista económico o material,

sino la supervivencia en cuanto a las maneras de pensar,

a la propia ideología.

Piensa que ellos vienen, son del anarquismo

y poquito a poco ves que no se mantiene tanto.

-Esta tierra queda envenenada para siempre.

-Sí, pero no dejes que la mierda llegue a tus ojos,

tienes que ver las estrellas.

Eran tan buenos nuestros ideales, tan hermoso llevarlos a la práctica,

creer en ellos con todo el alma.

-Eso se acabó, Trini.

Un año no volverá la primavera.

Abril, el de la incierta gloria, se nos escapa entre los dedos.

"Incierta gloria" es una película de guerra sin guerra,

donde más que los bombardeos y los tiroteos,

más que las hazañas bélicas,

lo que importa es la huella profunda que se imprime a fuego

en el ánimo y en las vidas de los personajes.

Con los presupuestos que nosotros manejamos

de repente hacer una película de guerra

es difícil, tienes que tener dinero,

porque además el público está acostumbrado a ver de todo.

Ha visto "Salvar al soldado Ryan", ha visto mil cosas así.

Entonces, tienes que hacerlo muy bien.

Además, luego yo me di cuenta que no era lo importante,

lo importante era lo que les pasaba a esas personas.

-¿Por qué no nos casamos y olvidamos todo esto?

-¿Ahora me lo dices? ¿Ahora? Solo para purgar tus culpas.

-No, lo que quiero es empezar de nuevo,

como una verdadera familia, Trini.

-Eres el padre de Ramonet y eso no cambiará nunca.

Pero no esperes que seamos una familia.

-Son gente aislada de su entorno social,

aislada de su vida, son gente muy joven que se abren al mundo,

que se abren con la gloria esa de vivir la juventud

y que de repente se les va de las manos

por una situación externa a ellos y que les cambia su destino.

-¿Esto que nos pide usted es legal? -¿Es legal matar a una persona?

Sin embargo, ahora ocurre cada día. -Porque estamos en guerra.

-Hay como dos repartos.

Marcel Borràs, Oriol Pla, Núria Prims y Bruno Bergonzini,

son gente joven que están saliendo de la nueva hornada,

son extraordinarios.

Yo siempre he dicho que el cine donde descansa

la parte más importante de los actores,

y luego, por otro lado, hay cuatro personas muy sólidas,

que son Juan Diego, Terele Pávez, Fernando Esteso y Luisa Gavasa,

que están dijésemos ahí.

-16 años y alistado. En qué regimiento.

-Yo no creo que las películas sobre la guerra civil sobren,

lo que sobran son las guerras, esas sí que sobran.

-Acaba de llegar al pueblo, ¿no?

-Sí, sí, para entrenar a los soldados.

-¿Ah sí? ¿Y en qué consiste?

-En enseñarlos a matar.

-Pensaba que no hacía falta entrenarse para eso.

Cada vez son más los actores que deciden dar el salto a la dirección.

Hace ocho años John Krasinski debutaba detrás de la cámara

y ahora ha conseguido sacar adelante su segundo proyecto.

En "Los Hollar", película que dirige y protagoniza,

construye una comedia a partir de un drama familiar.

Para ser sincero, me sorprende que no haya habido más síntomas.

-¿La pérdida de visión en un ojo es un síntoma?

En su segunda película como director,

John Krasinski recurre a la comedia agridulce,

modelo muy del gusto del Festival de Sundance

para reflejar cómo se enfrentan los miembros de una familia

a sus miedos ante los aconteceres duros y difíciles de la vida.

Lo que más le gusta a mamá.

-¿Y también un infarto? ¿También es lo que más le gusta?

La madre, pilar fundamental de la familia,

afronta una delicada operación quirúrgica

debido a un tumor cerebral.

Todos se sienten vulnerables y muy especialmente su marido, Don,

que está preso del pánico

y se muestra pusilánime e incapaz de reaccionar con serenidad.

Richard Jenkins y Margo Martindale, marido y mujer,

consiguen imprimir a sus personajes un aire de sencilla familiaridad

que permite al espectador sentirse próximo y empatizar con ellos.

¿Por qué no fuisteis al médico? -Me mandó a la dietista.

-Por favor, creía que era por el peso.

-Richard tiene, creo yo, las frases más graciosas de la película,

pero luego te rompe el corazón.

Él sabe que no importa si haces comedia o drama,

lo importante es que haya sinceridad en la interpretación

y creo que tuve mucha suerte con los actores.

-A ver, te lo tengo que decir. Me ha besado.

-Vale, vale, ¿y tú a ella?

-No, no, no, ella me ha besado a mí,

qué va, hay mucha diferencia, mucha.

En el reparto, encontramos también al director.

John Krasinski se reserva uno de los papeles principales,

el hijo pequeño del matrimonio que vive en Nueva York

con su novia que está embarazada e ignora los problemas financieros

por los que atraviesan sus padres

y las tribulaciones sentimentales de su hermano Ron,

interpretado por Sharlto Copley.

Mierda, agáchate, agáchate.

-El mío no funciona. -¿Qué?

-No funciona. -Que te agaches.

-Mi asiento no...

-Cuando el público la vea,

aunque su familia no sea como la de la película,

esperamos que les conmueva y, por ejemplo,

les anime a llamar a alguien

con el que no hablan desde hace mucho tiempo.

-Hola, Johnny, ¿qué ocurre? -¿Qué haces aquí?

-Trabajar.

En un tono que oscila entre las situaciones chistosas,

a veces rayanas en lo infantil, y la materia dramática de fondo,

"Los Hollar" combina varias subtramas

asociadas a cada uno de los miembros de la familia.

Divorcios que no acaban de extinguir la pareja,

el miedo al compromiso y a la paternidad,

el temor al fracaso en la profesión.

¿Cómo has hecho que Queen deje de llorar?

-No yo, ha sido John. ¿Tienes hambre? -Mucha.

-A comer. -Estupendo.

-Bueno, peque, a la cama que ya es hora.

(LLORA)

El público se puede identificar con lo que pasa en la película.

En la vida uno se suele encontrar en situaciones más complicadas

que las que se ven en el cine.

Creo que cuando uno vuelve a casa, estas son las cosas que pasan,

hay tensión con tu exnovia, con tu hermano, con tus padres,

pero todo eso se puede arreglar.

-Lo sé, lo sé, pero lo haré a partir de ahora.

-¿Estás borracho? -Un poco.

La historia que cuentan "Los Hollar"

ha sido sobradamente tratada en el cine

y no pretende ni derrocha ninguna originalidad.

Nos obsequia con un final predecible

y nos conduce a él entre secuencias que intentan

hacernos pasar de la sonrisa a la lágrima de un instante a otro.

¿Qué estás haciendo?

-Accedí a divorciarme,

no a que un hombre extraño estuviera cerca de mis hijas.

Se aproxima peligrosamente a la sensiblería,

sin temor a incurrir descaradamente en ella.

No escatima el mensaje moralizante,

algo así como un manual de instrucciones

para sobrevivir a los percances de distinto calibre

que deparan nuestra existencia.

No siento nada por ella ya, ¿de acuerdo?

Tienes una hija.

Lo mágico de esta película es que uno siente

que se trata de una familia real.

Para conseguir no podía gritar: "Corten",

y colocar detrás de un monitor.

Estar en la escena fue muy útil, porque podíamos hablar de las tomas,

cambiar alguna cosa, así que fue como hacer una obra de teatro.

-No lo sabía. -Por Dios, papá.

-Pues perdí tres kilos en una semana.

-Lo siento.

Vamos a tener gemelos. -Y estás aterrado.

(Canción en inglés)

"Tarzán", "El Libro de la Selva", la semana pasada "King Kong",

ahora "La Bella y la Bestia". ¿Por qué volver a los clásicos?

¿Está falta de ideas la industria cinematográfica?

¿O simplemente es una manera de agarrarse

a lo que huele a taquillazo?

Vuelve el clásico, esa historia de amor por redención,

pero ahora lo hace con una versión cantada

y en imagen real. La factura, impecable, eso sí.

(Música)

Mi querida Bella.

La nueva versión de "La Bella y la Bestia" creada por Disney,

con actores y acción real, es una película visualmente deslumbrante,

que es exactamente lo que se espera de ella.

Papá.

-Bella, debes marcharte. Este castillo está vivo.

-¿Quién anda ahí?

-¿Deseas ocupar el lugar de tu padre?

-Acércate a la luz.

Dirigida por Bill Condon y protagonizada por Emma Watson,

se trata de un producto cinematográfico

diseñado al milímetro.

(Campanas)

A medio camino entre el musical y el cuento de hadas,

"La Bella y la Bestia" versión 2017 es una adaptación fiel

de la película animada también, producida por Disney en 1991.

Mi vida sigue igual que ayer.

Nada nuevo que contar.

Bella, ¿qué tal? -"Bonjour".

-¿A dónde vas? -A devolver un libro.

Trata de unas habichuelas y un ogro.

Disney continúa así con su campaña de convertir clásicos animados

en lujosas y exuberantes películas con actores y acción real.

"Alicia", "La Cenicienta" o "El Libro de la Selva",

por citar otros títulos, son algunos ejemplos de esta estrategia.

Estás tan adelantada a tu tiempo.

Este es un pueblo pequeño.

-Tú eres la cosa más hermosa que conozco.

No, nadie te merece.

Ahora y dentro del extenso catálogo de títulos de Disney,

le toca el turno a "La Bella y la Bestia"

pasar por el quirófano y sufrir unos ligeros retoques

para adaptarse a los nuevos tiempos.

¿Has leído todos estos libros? -No, algunos están en griego.

En este caso, los retoques pasan

por una mayor y más real exuberancia habitual

y en dotar de mayor autonomía su protagonista femenina,

además de incluir algún vídeo gay en su trama.

La esencia de la historia permanece intacta.

"La Bella y la Bestia" es la versión de un cuento de hadas

escrito por primera vez Madame de Villeneuve en 1740.

Vengo a ver a mi padre. -Es un ladrón.

Y adaptado en su esencia, tal y como todos lo conocemos,

por Madame Leprince de Beaumont apenas 20 años después.

Me escaparé, te lo prometo.

Un cuento de hadas clásico que trata del amor, de la amistad,

y que contiene el poderoso mensaje implícito

de que la belleza se encuentra en el interior.

¿Qué le has hecho? -Nada.

-¡Fuera! ¡Vete!

Como todo el mundo sabe, el príncipe que será la bestia en esta historia,

es u hombre insolente y egoísta que una hechicera castiga

convirtiéndole en una bestia horrible.

Tienes que ayudarme y levantarte.

Solo el amor de Bella logrará romper el hechizo.

Esa es la joven que puede romper el hechizo.

Usted deberá aprender a amar.

Una historia llevada a cabo infinidad de veces

en todas las formas escénicas imaginables.

Destacamos "La Bella y la Bestia" versión Jean Cocteau,

un producto de su época amanerado y cursi,

pero que sigue siendo la mejor adaptación cinematográfica

con personajes de carne y hueso hasta la fecha.

Me llama Bella y ofrezco mi vida a cambio de la de mi padre.

Y recordamos por proximidad, solo tiene tres años,

la edulcorada versión de Christophe Gans,

con Léa Seydoux y Vincent Cassel al frente del reparto.

Déjame estar a su lado, es lo único que quiero.

Mi único deseo.

-Bella,

¿eres feliz aquí conmigo? -Sí.

Hoy igual que ayer.

Mención aparte tiene la adaptación animada de Disney de 1991.

Pero nunca igual.

Una delicia que aúna romance, fantasía y técnica de alto nivel.

Tu elección final.

Está considerada y ya es decir entre las mejores películas

de la historia de la compañía.

Una película que batió unos cuantos récords

y que tuvo como consecuencia la producción de un musical

que se mantuvo 13 años en Broadway.

Tienes que llegar hasta el corazón.

Y ahora la decisión de Disney de llevar a cabo una fiel secuela.

Mira, una muchacha. -¿Quién ha hablado?

-¡Hola!

-¿Puedes hablar?

-Por supuesto que habla, es lo único que hace.

-No sabe lo encantada que estoy de conocerla.

-¿Le hago un truquito?

Un reto difícilmente comprensible, que ha tenido como resultado

una película plagada de ornamento,

en la que lo mejor sigue siendo la banda sonora original

compuesta en 1991 por Alan Menken y Howard Ashman.

Matad a la bestia.

La nueva versión de "La Bella y la Bestia"

es una película disfrutable para un consumo de masas,

pero demasiado anclada a su referente,

lo que la convierte en algo parecido

a un sucedáneo del clásico de 1991.

Cuando caiga el último pétalo.

-El amo será una bestia eternamente.

-Y nos convertiremos en antigüedades.

A principios del siglo XX, Gastón Leroux

creó una espléndida variante de "La Bella y la Bestia".

La diferencia es que en "El fantasma de la ópera"

el monstruo vive la tragedia del amor hasta el final.

La novela invitaba a la eternidad y el cine aceptaba esa invitación

con varias adaptaciones.

Hoy nos vamos a despedir con la adaptación que Arthur Lubin

hizo de "El fantasma de la ópera".

Con toda la poesía que desprende la mirada de Lubin sobre el monstruo

nos despedimos, hasta la semana que viene, adiós.

(Música)

(CANTA)

(Música)

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Días de cine - 16/03/17

16 mar 2017

Crudo', opera prima de Julia Ducornau, es la historia de Justine, una joven de 16 años que vive en una familia donde todos son veterinarios y vegetarianos. Estudiante brillante, al ingresar en la facultad de veterinaria descubre un mundo decadente, despiadado y peligrosamente seductor.

De Austria llega 'Safari', un documental de Ulrich Seidl en el que sigue a turistas austriacos que viajan a África para cazar cebras y jirafas.

De Israel llega 'El balcón de las mujeres', una comedia costumbrista y divertida de Emil Ben-Shimon sobre la tolerancia y el fanatismo religioso en una comunidad judía ortodoxa de Jerusalén. Y desde Italia, 'Locas de alegría', una road movie de Paolo Virzi con Valeria Bruni Tedeschi y Micaela Ramazzotti como protagonistas.

Días de cine abrirá también una ventana al cine español, con el estreno de 'Incierta gloria', nueva película de Agustí Villaronga, participada por RTVE; se adentrará en 'Los Hollar', una comedia indie de John Krasinski; y en dos cintas estadounidenses con dos protagonistas muy conocidos por su participación en las sagas de Harry Potter: 'Imperium', con Daniel Radcliffe; y 'La bella y la bestia', adaptación en imagen real del clásico de animación de Disney protagonizado por Emma Watson.

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