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No recomendado para menores de 12 años Días de cine - 16/02/17 - ver ahora
Transcripción completa

Va a ser difícil que este fin de semana no vayáis al cine

y no lo digo porque todos los estrenos que llegan sean buenos,

sino porque hay para todos los gustos. Comienza "Días de cine".

(Música)

La Berlinale es la primera gran cita del cine mundial

y un año más, "Días de cine" está allí.

Hacedle caso y tal vez vayáis al cielo.

Un drama brutal sobre la lucha por la libertad

dirigido y protagonizado por Nate Parker.

A la gente le gusta creer en cuentos de hadas.

Pablo Larraín dirige a Natalie Portman

en un complejo y fascinante retrato de Jackie Kennedy.

Seguro que a estas alturas habéis escuchado

hablar de "Lo que de verdad importa".

Más allá de la historia que cuenta este drama con toques de comedia,

lo que de verdad importa, como su propio título indica,

es que estamos ante una película 100 % benéfica.

Es decir, que toda la recaudación que consiga el segundo largometraje

como director de Paco Arango,

irá destinada a la investigación del cáncer infantil.

Eh, chicos. Mirad, está ahí.

Esta semana llega a las pantallas "Lo de que de verdad importa".

Una película que es, en sí misma, una buena obra.

Oh, querido amigo. Muchísimas gracias.

Ya puedo oír. -No debería haber dudado de ti.

-Yo, ante todo, soy en mi vida profesional cineasta.

Me tomo el cine con mucho empeño. Tengo mucho colmillo.

Pero también es cierto que con el cine se puede hacer mucho bien.

"Lo que de verdad importa" es una película

con una vocación benéfica.

Todo lo que recaude irá destinado a SeriousFun Children's Network.

Los campamentos especiales para niños con enfermedades graves

que fundó el mítico actor Paul Newman,

y que ahora lidera su hija Clea.

Yo estoy implicada en este proyecto porque soy embajadora

de SeriousFun Children's Network.

Gracias a la generosidad de Paco,

de esta película saldrán beneficiados niños de todo el mundo.

Estoy orgullosa de formar parte de ello.

Estoy orgullosa de formar equipo con él.

El curandero. Lo arreglo todo en aparatos eléctricos estropeados.

¿Qué están haciendo aquí?

-El anuncio. El curandero.

-Yo primero quiero hacer una película,

intento hacer una película que sea para todos los públicos.

Pero no que sea una película para los niños.

Que sea una película que lo puedan disfrutar todos.

Si no todo el mundo, casi todo el mundo.

Eso no es fácil.

-Yo tengo artritis. -Yo tengo el azúcar por las nubes.

-Yo soy una fábrica de piedras en el riñón.

Mi cine es muy Capra. Muy Capresco.

-Debe de ser un error. Yo arreglo aparatos eléctricos.

-En esta película te bajo la guardia con el humor,

y cuando estés tranquilito, entra una niña enferma.

-Venimos porque nuestra hija está muy enferma.

-No puedo ayudar a su hija. -Según los médicos, no tiene cura.

-Hola. -No soy un curandero.

-Los curanderos no existen.

-Tan importante para mí, como la recaudación,

es el mensaje.

El mensaje es que, en mi cine, la vida es un regalo.

-¿Cómo te atreves a venir a esta pacífica comunidad

a timar a la gente? -No sé de qué me está hablando.

Mierda.

"Lo que de verdad importa" es la historia de un hombre

que tiene el don de curar y no lo sabe.

Estoy convencido de que tienes un don que me ha hecho volver.

-Estáis todos locos.

Rodada en inglés y en la provincia canadiense de Nueva Escocia,

"Lo que de verdad importa" es una película sencilla, amable,

blanca, que tiene como objetivo hacer sonreír

y soñar al espectador,

y la pretensión de ser una celebración de la vida.

Uno de mis sueños es que...

la chica que a mí me gusta me bese.

Pero claro, no puedo hacerlo porque...

"Lo que de verdad importa"

es el segundo largometraje dirigido por el polifacético Paco Arango,

tras "Maktub" en 2011.

En "Maktub" Paco Arango se movía dentro de las mismas lindes

que ahora lo hace en "Lo que te verdad importa".

¿Me puedes decir cómo conseguiste eso?

-Mamá, ¿no sabes que tienes un hijo poeta?

Emoción, sentimentalismo y positivismo

frente al terrible drama del cáncer en niños y jóvenes.

Oiga, ¿cuánto cobra?

-He hecho dos películas de un género muy similar.

-¿Cuánto te debemos? -Nada, nada.

-Ahora he hecho trampas. Esto es un cuento con un final feliz.

-Los curanderos no existen.

La semana que viene podrán publicar que soy Superman,

pero con eso no van a poder hacer que pueda volar.

Quiero que me dejéis en paz.

-Pero él cura a las personas.

Tuve la suerte de tener a Javier Aguirresarobe

y tuve una suerte de rodar un peliculón

que yo dono, pero también es cierto,

que si la película gusta mucho me va a proporcionar a mí camino

para hacer más cine, porque mi idea es hacer muchas más películas.

-No puedes negarlo, eres el curandero.

(Música)

"Hedi", la película tunecina que llega esta semana

a la cartelera española cuenta con respaldo de los hermanos Dardenne,

que la han coproducido, y con un doble reconocimiento

en la pasada Berlinale, el premio a la mejor opera prima

y también el Oso de Plata al mejor actor.

Se trata de una historia individual con ecos metafóricos

en los cambios políticos acontecidos en Túnez

desde la primavera árabe.

Con ese aval de los Dardenne y de los premios en Berlín,

presentamos en Madrid el director de "Hedi",

Mohamed Ben Attia.

En el preestreno que apadrinó "Días de cine"

en la sala de los Golem.

Como siempre, rebosaba de aficionados habidos de buen cine.

Ya no eres un niño. Estás a punto de fundar una familia.

-Hacemos todo esto por tu bien.

-En una semana tenemos nuestra propia casa.

A sus 24 años, Majd Mastoura se convirtió

en el primer árabe y tunecino en recibir un Oso de Oro

al mejor actor en el festival de Berlín,

por el convincente retrato de Hedi.

Dado que él había participado activamente en las movilizaciones.

Mastoura dedicó su premio al pueblo tunecino

y a los mártires de la revolución.

-¿De qué vas, mamá?

¿Tiene 25 años, va a casarse y tú le das la paga?

-Bueno, ¿qué tiene de malo?

-Lo que queda tras la primavera árabe es algo muy real

y alejado de la tarjeta postal que se intenta siempre

transmitir de Túnez y de su revolución.

Es una sociedad llena de efervescencia.

Que pese a todas las decepciones políticas, sociales y económicas,

tiene una gran aspiración a la emancipación

y a la justicia social.

Cuando parece extinguido en el país norteafricano,

el impulso transformador de las manifestaciones

que provocaron el derrocamiento del presidente,

las estructuras mentales aún continúan tan sólidas

como las sociales.

Dios bendiga a la novia. Es guapísima.

Dios te bendiga, Baya. -Gracias.

-Que Dios les proteja.

-Y les dé felicidad.

A unos pocos kilómetros del sur de nuestras costas,

en Kairuán, Túnez,

el matriarcado es una pesada losa que llevan sobre los hombros

tanto mujeres como varones.

Pero Hedi es idéntico a su padre. Enséñaselo.

ElTúnez que vemos en Hedi se parece mucho

a la España de hace unas décadas, e incluso, en algunos aspectos,

a la España de ahora mismo.

En esa sociedad en la que conviven lo viejo, que no acaba de morir,

y lo nuevo, que no acaba de nacer,

una madre viuda ata en corto a su hijo treintañero.

Le prepara su boda, apañada en el modo que lo hacen los países árabes,

y a la vez y le humilla hablando de su otro hijo, que vive en Francia,

aunque eso sí, casado con una francesa

y orgullo mayor del que puede presumir.

Al contrario que con el hijo pequeño, Hedi,

al que considera pusilánime y frágil.

Hedi es muy diferente.

Es un artista como su padre. Le apasiona el dibujo.

Ya verás, Khedija, seguro que te hará un retrato.

En tales condiciones, juzgado, humillado en casa

y explotado en el trabajo,

donde ni siquiera obtiene permiso para irse de viaje de bodas,

el encuentro con una chica desenvuelta,

guapa y desprejuiciada, que incluso toma la iniciativa en el sexo,

provoca en Hedi una auténtica conmoción.

Dibujo cómics.

Tengo un sueño. Que me lo publiquen. -Eso no es un sueño. Es un proyecto.

-¿Qué es lo que ocurre? -Mañana es la cena y pasado la boda.

-No puedo. Tengo trabajo por ese motivo.

¿Es que acaso no puedes entenderlo?

Mohamed Ben Attia establece un indisimulado paralelismo

entre la historia de Hedi y la encrucijada política

en la que se encontró su país durante la llamada primavera árabe.

Era una coyuntura turbulenta en la que chocaban el cobijo

del autoritarismo y el miedo a la libertad.

Es una elección personal.

Me parece más incisivo e interesante describir un contexto político

y social a través de una historia de amor individual,

y que ese contexto esté alrededor de la historia,

que hacerlo de una forma demasiado evidente.

-Me caso pasado mañana.

-A partir de ese momento, Hedi se encuentra ante un auténtico dilema.

Elegir entre el cobijo que representa su madre

y la tentación de volar.

Sin embargo, Mohamed Ben Attia

hace una lectura de su propia película

que no coincide al 100 % con la nuestra.

Para ser honesto, la percepción de occidente es diferente a la nuestra.

De hecho, me hablan mucho de las tradiciones.

De las bodas concertadas y ese tipo de cosas.

Nosotros no hacemos esa distinción entre lo tradicional y lo moderno.

Es un todo. Esa es nuestra especifidad.

-Es su dinero, pero se lo administro.

De no ser así, no tendría ahorros. Además, siempre será mi niño.

El pasado lunes, coincidiendo con el día mundial de la radio,

el programa de RNE, "El ojo crítico",

hizo entrega de sus premios anuales.

27 edición de unos premios

con José Luis Pérez de Arteaga en la memoria.

El director de cine José Luís Garci

fue homenajeado con el galardón especial.

Un premio que recibió de manos del ministro de Educación,

Cultura y Deporte Íñigo Méndez de Vigo.

Premio especial para un hombre que vive el cine con pasión.

Director crítico, guionista, productor, escritor...

-Yo siempre me he considerado una persona más previsible.

Nada experimental, nada vanguardia, de ese tipo de cosas.

Y por eso, para mí ha sido inesperado

que el jurado me haya dado este premio extraordinario.

Junto a él y entre los ocho jóvenes talentos premiados

en el que a fines se refiere,

el premio ha recaído este año

en el también director de cine Jonás Trueba.

Siempre mi padre me ha ido transmitiendo la idea

de que la familia no es la que nace.

Los galardones "El ojo crítico" fueron creados

por el programa cultural de RNE hace 27 años

con el objetivo de reconocer a jóvenes talentos.

Se han convertido en uno de los mejores apoyos

para la difusión y la promoción

de artistas que comienzan sus carreras.

"El ojo crítico" cumple 34 años este mes de febrero.

Se emite de lunes a viernes a las 7:00 de la tarde.

Estos días el mundo del cine mira a Berlín.

La edición número 67 de la Berlinale comenzaba el pasado jueves

y un año más hasta allí ha ido nuestro compañero Raúl Alda.

Vamos a comenzar echando un vistazo a lo más destacado

que hemos podido ver hasta ahora dentro de la sección oficial,

títulos que próximamente llegarán a España.

(Música)

La Berlinale en su edición número 67.

Un evento cultural de carácter cosmopolita que atrae a artistas

de todo el mundo, rozando de un índice

de participación ciudadana incontestable.

Las cifras son elocuentes.

Más de 335 000 entradas vendidas.

Más de 20 000 profesionales de 122 países que lo visitan.

Y más de 3800 periodistas cubriéndolo.

Multitud de secciones, cines de todo Berlín proyectando

en la perfecta simbiosis de arte, glamur, fiestas y negocio.

Además de, como veremos,

dar un importante espacio a los jóvenes talentos

para encontrar salida a sus proyectos.

Entre tal apabullante oferta, la gente y los momentos vividos.

Siempre inesperados y sorprendentes.

"The Dinner", "La cena", es lo nuevo del tándem

Oren Moverman, Richard Gere.

El reverso, quizá, de su anterior trabajo invisible

sobre los sin techo de New York.

Adapta la novela del holandés Herman Koch

llevada más de una vez al cine.

Dos hermanos y sus esposas.

Uno de ellos, un político de alto nivel,

se reúnen en un lujoso restaurante

para hablar de las consecuencias de un acto criminal

protagonizado por sus hijos adolescentes.

En el reparto están también Steve Coogan,

Laura Linney y Rebecca Hall.

Excesiva, quizá, por tocar demasiados palos.

Pero el asunto a tratar es, sin duda, de nuestra incumbencia.

Mi nombre es Marina Vidal.

¿Tiene algún problema con eso?

Conviene señalar que "Una mujer fantástica"

se hizo realidad cuando era proyecto en el mercado de la Berlinale.

Gira en torno a la solvente presencia

e interpretación de Daniela Vega.

Transexual en la vida real y en la ficción.

¿Por qué quieren saber eso?

-Porque él podría haber sido tu papá.

Sebastián Lelio, triunfador en este mismo festival

con su excelente film sobre una mujer madura en busca de sí misma,

Gloria, fija su atención esta vez en los prejuicios que se desatan

contra Marina, cuando pierde accidentalmente a su pareja

por parte de la familia del fallecido.

Orlando, ¿qué te pasa? -No sé.

-Porque la película misma yo me la explico

como una película transgénero en el sentido cinematográfico.

La película, su propia identidad,

o si es libre y no se fija,

y se reduce a ser etiquetada en un solo golpe.

-¿Qué quieres que te diga?

No vas a ir al funeral y a ninguna parte.

"Una mujer fantástica" peca de cierto esquematismo,

pero, sin duda, va a poner sobre la mesa,

allá donde se proyecte,

el carácter reivindicativo de la transexualidad.

Es una chica que está en el centro siempre.

La cámara la sigue, la sigue.

Los personajes se encuentran con ella y la abandonan.

Siempre se encuentran y la abandonan.

Ella continúa, continúa.

Yo creo que eso es la vida.

Marina tiene esa fuerza natural.

Tal vez podría gustarle a la audiencia.

Esperaría yo.

Principalmente, ella es digna.

"Final Portrait", nueva incursión en la dirección

del también actor Stanley Tucci,

narra el proceso de creación

del retrato que hizo Alberto Giacometti

al escritor y crítico de arte James Lord,

según el libro que este mismo publicó sobre aquella experiencia.

Un film que resulta amable y llevadero,

en buena parte, gracias a la personalidad cercana y expresiva

del Giacometti.

Siempre me atrajo Giacometti,

porque creo que es el artista perfecto,

en el sentido de que nunca dejó de intentar conseguir plasmar

la visión tan singular que tenía.

El regreso de Sally Potter ha provocado risas y aplausos.

Filmada en blanco y negro y con un gran reparto

de seis reputadísimos actores, entre ellos el gran Bruno Ganz,

cuenta la reunión de unos amigos para celebrar el ascenso político

del personaje de Kristin Scott Thomas.

Se intuye perteneciente al laborismo.

Pero todo se pone de patas arriba y los diálogos punzantes

y el sarcasmo se adueñan del lugar.

Me ofrecieron una comedia.

Cosa que me apetecía por aquello de hacer algo más ligero y diferente.

Además, una comedia con humor inglés. Eso me gusta.

Una revisión de los tópicos de la izquierda,

en la que ningún asunto se deja en el tintero.

Aún carece de distribución en nuestro país.

(HABLA EN ALEMÁN)

"Ya descansaré cuando esté muerto".

Estas fueron las palabras de un grande.

Yo atribuyó a mi experiencia en la Berlinale.

Siempre es muy intensa.

Cubro el festival para tres medios escritos.

Además, veo películas de todas las secciones que puedo

a todas las horas que puedo, para nuestro festival Filmadrid.

Con lo cual, es entrar en un bucle de visionados, escritura,

escaso sueño, escaso alimento, pero no hay ningún problema,

porque el alimento viene de aquí, del cine, de las películas que vemos.

Hermanos, hermanas, quiero recordar que cada película no vista

es una oportunidad perdida para alcanzar lo sublime.

Ha sido para nosotros lo mejor de la Berlinale.

Desde luego, merecedora del máximo galardón.

Hablamos de "The Other Side of Hope"

de Aki Kaurismäki.

Kaurismäki pergeña una historia sobre un refugiado que,

entre algún golpe que otro,

acaba siendo reclutado por el resolutivo dueño de un restaurante

que antes liquidó su negocio de venta de camisas.

Un actor habitual de Kaurismäki, Sakari Kuosmanen.

Se erige más que el probable álter ego del director.

Su estilo depurativo y conciso roza la perfección.

El universo de Kaurismäki,

una algo extraña, pero a la vez bellísima manera

de estar en el mundo,

reconforta y establece secretas complicidades con el espectador.

En breve, tendremos la oportunidad de charlar con él.

Álex de la Iglesia presentó fuera de competición "El bar".

Film trepidante sobre un grupo aleatorio de personas

que se quedan atrapadas en un bar, pues ahí afuera algo pasa,

y salir a la calle significa correr el riesgo de ser abatido.

El posible significado metafórico está servido.

Todos nos encontramos en una situación

en la que no vemos salida.

No hay manera de vincular los problemas que tenemos

porque unos problemas nos empujan a otros.

Parece que no hay una puerta por la que salir.

Hay un momento en el que tenemos miedo de salir.

Decimos: "No, no, quedémonos aquí dentro

porque lo de fuera puede ser peor".

Tantas cosas pasan en Berlín a la vez.

Desde las habituales fiestas con buenos djs

que promueven los jóvenes realizadores,

hasta las proyecciones de esa colección de salas que ofrece

la capital alemana en honor a su legendario carácter innovador

y vanguardista.

Salas de las que hemos hablado en otras ediciones.

Este año nos hemos fijamos en el ASTOR Lounge,

en el 225 de la Kurfürstendamm.

Que, aunque programa la película comercial del momento,

ha servido para algún pase de prensa.

En cada asiento hay una carta de consumiciones,

pero lo verdaderamente impagable es poder estirar las piernas.

Aún hay mucho que hacer en el sector de la exhibición.

Esa era nuestra primera parada de la Berlinale.

Después volveremos porque ahora nos vamos a situar aquí, en España.

Cuáles son esas películas o ese título que,

si no hemos visto, deberíamos ir a ver.

Los Oscar están a la vuelta de la esquina,

y esta, que yo sepa,

es la única que se ha estrenado de las nominadas

como mejor película extranjera.

"Toni Erdmann".

"Toni Erdmann", que es una película que preestrenamos

con la directora con el público. Hay quien dice que es muy larga.

Yo creo que es una película que se toma el tiempo

que merece la historia para contar.

Es una historia sobre el descubrimiento

sobre la propia condición del ser humano.

Es una película muy bonita.

Un tema interesante. Necesita su tiempo de reflexión.

Hablabas de preestreno. Tenemos otro la semana que viene.

Es una película croata que da mucho que hablar.

Sí, es "Bajo el sol".

Ganó el premio del jurado

en la sección "Una cierta mirada" en 2015.

Llega ahora a nuestras pantallas por aquello del mercado.

La gente que quiera podrá ir. Es el lunes a las 21:30.

Que nos manden un e-mail, como siempre, a nuestro correo habitual

con "Sol" en asunto. Y a disfrutarla.

Estaba yo pensando.

En "Días de cine" siempre intentamos llegar

a todos los estrenos de la semana.

"La gran muralla" de Zhang Yimou,

¿por qué no hemos hablado de ella en el programa?

Nos hubiera encantado. La teníamos en la escaleta.

Pero una película que no podemos ver

porque la distribuidora no lo permite,

es una película de la que no podemos hablar, y nos hubiese encantado.

La primera película internacional de Zhang Yimou

rodada con Matt Damon en otro idioma.

No hemos podido hablar de ella.

Sin embargo, hay otra película que se estrena.

Un documental más pequeño, interesante,

sobre Bigas Luna...

Que ya tuvo su espacio en San Sebastián.

Hablamos de ella en el festival. Exactamente.

"Bigas x Bigas" se estrena esta semana.

En "Versión española" van a dedicar el programa

a "Bigas Luna" con la proyección de "Yo soy la Juani"

y un coloquio con algunos de los protagonistas

de este documental.

Y aquí en Cineteca

a quien se va a dedicar a la próxima semana es a Sara Montiel.

El próximo lunes cita aquí.

A Sartísima con una película de su etapa americana.

Con dos monstruos como Burt Lancaster

y Gary Cooper.

Y luego un documental hecho por TVE para "Crónicas" con coloquio.

Ahora una noticia agridulce.

Para mí más agria que luce. Para ti también, ¿no?

Los cines Palafox cierran.

Lo van a hacer de una manera muy especial.

Con un ciclo de películas buenísimas.

Sí.

Yo diría que, buscando aquella película maravillosa,

"Murieron con las botas puestas".

Van a acabar con un ciclo de 14 películas del 20 al 27.

Títulos como "Cantando bajo la lluvia",

"Casablanca", "Blade Runner".

Una preciosidad de películas.

Que, por lo menos, antes de que cierre el Palafox,

la gente pueda ir al cine.

Vamos a ver qué es lo que me traes hoy.

Hombre, Guillermo Cabrera Infante.

"Tres tristes tigres".

Sí. No seguimos con el trabalenguas. Nos trabamos.

Guillermo Cabrera Infante.

No es un libro de cine, propiamente dicho.

Pero es un libro en el que el cine está muy presente.

Fue fundador de la cineteca cubana y crítico de cine.

En sus libros el cine siempre está muy presente.

Yo una vez le oí hablar de "Días extraños"

de Kathryn Bigelow como su película favorita.

El tipo tenía un gusto un tanto particular.

Estaba leyendo aquí unas cosa. ¿Me dejas que lo lea en alto?

Por supuesto.

"Sus héroes son la nostalgia, la literatura,

la ciudad, la música y la noche,

y a veces es la forma actual de arte

que parece reunirlas en una sola cosa, el cine".

Amante del cine total. Amante del cine.

Aquí las recomendaciones de la semana.

Decía Alfred Hitchcock que el cine son 400 butacas que llenar.

En el programa queremos saber qué es el cine para quienes lo hacen.

Por eso inauguramos sección

y lo hacemos con el actor Javier Cámara.

Los primeros recuerdos que tengo en el cine de mi pueblo,

que ya no existe, que creo que se llamaba Cine Panorama,

siempre me sale "Pánico en el transiberiano",

porque es la otra película que me marcó en la infancia.

La primera película que vi en mi vida fue "La aventura del Poseidón"

en el gallinero de mi pueblo con mi hermana.

Era como un mundo imposible.

Me acuerdo que fue tal mogollón

el estreno de "La guerra de las galaxias".

Mi tío nos agarraba... "¡Juntos, todos juntos!".

Me acuerdo que fui un año camarero en la filmoteca.

Lubitsch me fascinó.

Me vi un ciclo entero de Lubitsch.

Creo que soy muy buen espectador.

Lo que pasa es que me la cuelan.

Por ejemplo, Viola Davis en "La duda", me la cuela.

Anthony Hopkins en aquella época de "Lo que queda del día",

"El silencio de los corderos".

"Tierras de penumbra" me acuerdo que fue una de las grandes lloreras

que me he pegado en el cine, me la cuela.

Después hay un director que me fascina, que es Zhang Yimou.

Todas sus primeras películas.

Me reconozco que me gusta mucho ir al cine.

Películas ñoñas como "El paciente inglés"

y de repente esos espacios increíbles con ese avión

y esa música y dije: "Dios mío".

¡Qué dices!

Me fascina el espectáculo del cine cuando el cine está lleno.

Pero si el público come palomitas...

No soporto que una película me guste y de repente, a los dos minutos,

te pase una fila de cinco personas y se empiecen a quitar los abrigos.

Es verdad que el rito de ir al cine es maravilloso.

El cine para mí es un truco de magia.

Hace tiempo que me serraron por la mitad y me separaron en dos.

(Música)

Ya en la pasada edición de "Días de cine"

nos ocupábamos de la significativa coincidencia

en la cartelera de un puñado de títulos

que, desde perspectivas muy distintas,

nos acercaban a la cuestión racial.

El último de ellos es "El nacimiento de una nación".

El debut en la dirección del actor Nate Parker,

que también se reserva el papel protagonista.

La película incendió el Festival de Cine de Sundance

el año pasado con su belicoso alegato contra la esclavitud

que le valió el premio del jurado y también del público.

"El nacimiento de una nación" transcurre

en los campos de algodón de la América esclavista

del primer tercio del siglo XIX.

Campos de exterminio donde el hombre blanco imponía su ley

con cruel impunidad sobre la raza negra.

La historia ha sido mil veces contada, pero quizá nunca

con la feroz beligerancia de la película de Parker

al recrear la vida de Nat Turner, un esclavo que encontró

leyendo la Biblia, nada menos, en la palabra del Dios de los blancos,

la justificación para liderar la lucha armada

en una de las primeras revueltas violentas que se recuerdan.

Empuñe la espada de dos filos para vengarse de los pueblos

y castigar a las naciones.

Sus arengas bíblicas, con voz tronante,

recuerdan al Samuel L. Jackson de "Pulp Fiction".

Y tú sabrás que mi nombre es Yahvé,

cuando caiga mi venganza sobre ti.

Aunque si de algo carece "El nacimiento de una nación"

es sentido de humor, cero sarcasmo.

Nate Parker convierte a su predicador en un "braveheart" negro,

al que encarna con apasionada determinación,

convencido de que pese al fracaso de su empeño,

el legado de Turner inspiró futuras insurgencias

y sigue vigente dos siglo después

en un país, Estados Unidos de América,

fuertemente dividido por la cuestión racial.

Es así cómo una película de época se convierte

en poderoso artefacto de agitación al conjugarse en presente.

Un cóctel molotov contra la segregación,

que incendió el Festival de Sundance del año pasado

y alentó las mejores expectativas para "El nacimiento de una nación"

de cara a los Oscar.

Su total ausencia en las nominaciones

resulta cuanto menos llamativa y permite pensar

que la campaña de descrédito emprendida contra Parker

al desempolvar un caso de abuso sexual

en el que se vio envuelto hace 18 años y del que salió absuelto

ha conseguido lo que se proponía,

dañar la carrera comercial de la película,

neutralizar la fuerza expansiva de su mensaje

y desacreditar al autor por tanto atrevimiento,

empezando por el título, que Nate Parker

toma prestado del clásico racista del cine mudo

para restituir la verdad histórica y, de paso,

dar un merecido corte de mangas a Griffith.

Más allá de toda la controversia interesada,

"El nacimiento de una nación" supone también

el nacimiento de un notable director,

atento siempre a la composición del encuadre,

elegante en las elipsis y de firme pulso narrativo

pese a vacilaciones propias de un debutante

que, ante la duda, opta a veces por el subrayado maniqueo.

Devalúa la fuerza poética de ciertas secuencias

con ideas visuales que rozan la cursilería

y apuntalada el recurso emocional del relato

con una banda sonora que, por momentos,

parece sacada de un espectáculo del Circo del Sol.

Por encima de cualquier consideración,

prevalece el sentido de la oportunidad de la película

ante la escalada de conflictos raciales en todo el mundo

y da pleno sentido a la advertencia de Nate Parker

de que toda violencia engendra violencia.

Mamá, hoy no tienes que trabajar.

Eres libre, la batalla ha comenzado.

Nuestra siguiente parada nos lleva a otras secciones

donde el cine español también ha estado presente.

Además, os vamos a ofrecer un reportaje dentro del reportaje.

¿Qué son los Berlinale Talent?

Son gente joven que pretenden ser directores de cine

y viajan hasta Berlín para hacer contactos

y buscar financiación para sus próximos proyectos.

(Canción en inglés)

Y como decíamos no hace mucho, la inabarcable ciudad antaño dividida

sigue sorprendiendo con sus propuestas.

El Museo del Cine del número 2 de la Potsdamer Strae

es, sin duda, una de ella.

El cineasta norteamericano Nicholas Ray

dijo una vez que en el cine no existe una fórmula para el éxito,

pero sí existe una para el fracaso.

Esa fórmula es tratar de contentar a todo el mundo.

Es decir, el cine es diverso, el cine es interpretativo,

el cine es una manera de dinamizar el pensamiento.

De la Habana a Berlín.

El cineasta cubano Fernando Pérez no es la primera vez que viene aquí

y con él estuvimos en el célebre museo.

Llevo media hora tocando.

Me va a tener que hacer una llave de este lugar.

En Berlinale presenta su último film, "Últimos días en La Habana".

Coproducción española, donde cuenta la relación de amistad

entre dos personajes aparentemente antagónico,

uno homosexual, en el lecho de muerte,

y otro un personaje abnegado y callado,

sobre el que el espectador deposita sus ansias de saber más.

Allá él cuando tenga que justificar de dónde saca todo eso que vende.

-Es una intención de la película y todo conduce a que sí,

la vida tiene un sentido y ese sentido es

vivir cada momento, aprovechar las oportunidades que la vida te da

y cómo la muerte forma parte también de la vida,

solo que hay que saber cómo enfrentarse.

Yo soy uno de ellos,

yo soy uno de ellos.

Su autor prefiere no llamarlo documental,

pero en cualquier caso "El mar nos mira de lejos"

es una experiencia sensorial sobre este pedazo de tierra

en la provincia de Huelva, en los límites de Doñana.

Otrora formara parte de la mítica "Tartesso".

Manuel Muñoz Rivas, montador de la estupenda "Dead Slow Ahead",

se pone al frente de este proyecto

que desgrana el espíritu de un lugar al que inmediatamente querríamos ir.

Has dicho algo que me gusta también,

que no te impone una lectura, no te impone un ritmo.

Trabajamos con ese cuidado de no construir sentidos unívocos

o espacios muy acotados por los cuales el espectador

tenga que transitar.

Intentamos ensanchar esa vereda

por la cual tiene que ir el espectador

hasta el punto de que no sea una vereda,

de que sea realmente un espacio habitable.

Nuestros compañeros de TVE, Ángel Parra y José Antonio Blanco,

se pusieron manos a la obra por su cuenta y riesgo

para realizar un documental gastronómico, "Saul",

en el que el cocinero Eneko Atxa, discípulo de Martín Berasategui,

y el veterano autor culinario Jiro Ono

hablan de su oficio y comparan

dos de las más potentes gastronomías a nivel mundial,

la española y la japonesa.

Con este trabajo, la Berlinale inauguró

su sección "Culinare Cinema".

Lo importante es que uno se sienta explorador

y tener ganas de descubrir cosas nuevas.

-Ha sido un proyecto muy personal, de dos amigos, Jose y yo,

que nos hemos juntado para contar una historia

y hemos sido capaces de hacerlo realidad.

-Ese alma que ellos, es el ingrediente, un séptimo sentido

que le dan a la gastronomía.

No solamente ellos, sino todos los que salen en el documental.

El actor Eduardo Casanova debuta en el largometraje con "Pieles",

un film atrevido, incluso polémico y controvertido,

como reconoce su publicidad.

Fija su atención en una serie de personajes

cuyo denominador común es la deformidad física,

en un caso, el improbable intercambio de lugar

de los orificios de entrada y salida de la materia orgánica.

Viendo "Pieles" y esto es lo mejor, uno se acuerda

de referentes incontestables como el "Freaks", de Tod Browning,

"El hombre elefante" de David Lynch,

incluso el film de Bogdanovich, "Máscara",

y todo ello para a continuación constatar

que el discurso sobre lo diferente convendría trabajárselo más.

(Música)

Debut también en la dirección de Carla Simón,

en la delicada, sutil y elegante "Verano 1993".

Una película autobiográfica de una niña de 6 años

que pierde a sus padres y debe vivir con la familia de su tío.

El prodigio de la niña actriz, Laia Artigas, y del resto de actores,

obran el milagro de un cine atento al detalle y pleno de sensibilidad.

En realidad, no fue hasta el rodaje que no encontramos a manera

de cómo realmente llevar a la pantalla la película,

porque íbamos reaccionando a cómo las niñas,

cómo podíamos dar más libertad a las niñas durante el rodaje.

Fue un poco encontrar esa manera de que la cámara está ahí,

sin ser muy intrusiva, sin moverla mucho.

-Y planos muy largos, también.

Plano secuencia, que era difícil

que la niña no hiciera una mirada a cámara.

Yo creo que va a favor de la película,

pero en el rodaje tuvimos que trabajarlo mucho.

Un debut, sin duda, prometedor.

(Canción en inglés)

Es uno de los títulos revelación.

Una historia de iniciación sexual y amorosa

en el verano de 1983.

"Call Me by Your Name", de Luca Guadagnino.

El autor de "Cegados por el sol" sitúa la acción

en la idílica Lombardía y cuenta con Armie Hammer,

que también estuvo en "Final Portrait",

y el joven Timothée Chalamet, como espléndida pareja protagonista.

"La luna", de Bernardo Bertolucci, fue uno de los títulos

que realmente me inspiraron.

Estos títulos me indicaron el camino.

Vuelve el cine de aventuras y exploradores a lo grande.

James Gray cuenta la historia del arqueólogo militar

y miembro de la Royal Geographical Society,

Percival Fawcett, que dirigió hasta tres expediciones al Amazonas

a principios del siglo XX para intentar demostrar

la existencia de una ciudad perdida en la línea del mito de "El dorado".

Es extraño, porque si quieres hacer una película diferente cada vez,

acabas haciendo de alguna manera la misma película,

tocas los mismos temas.

Gray cambia de registro y filma una película

con todos los ingredientes, incluyendo

una admirable recreación del clima moral y político de la época.

Charlie Hunnam interpreta al explorador.

Le acompañan en el reparto Robert Pattinson y Sienna Miller.

(Música)

Sí, es un largo proceso, por eso hay que creer en él,

porque si no cada día te vas a levantar por la mañana

y vas a decir: "Yo quisiera estar con mi familia,

quisiera irme a la playa,

quisiera tener un salario fijo, voy a dejarlo".

Pero hay algo más importante que todo eso,

que hace que persista y sobre todo esta cuestión de resistencia

y de trabajar en el cine es un acto resistente en sí mismo.

Es una de las actividades más interesantes

y quizá productivas a largo plazo de la Berlinale.

Cada año acuden jóvenes invitados a exponer sus proyectos

y facilitarles

a través de encuentros colectivos e individuales,

con profesionales del sector, las herramientas para sacarlos adelante.

Fundamentalmente, encontrar financiación.

No tienen padrinos, cuentan tan solo con sus ideas

y con el ingente trabajo de moverlas.

Es el caso, por ejemplo, de Luis López Carrasco,

que ya tiene un largo en su haber, "El futuro".

Su proyecto consiste en un film ambientado en 1992,

cuando el Parlamento Autonómico de la Comunidad de Murcia

ardió en Cartagena a consecuencia de los disturbios.

Cuando venimos a festivales como la Berlinale,

salimos siempre con mucha energía.

De repente, estás en tu despacho o en tu casa o en tu productora

un poco intentando desarrollar tu proyecto

y a veces es bastante fundamental tener la oportunidad de salir

porque en el momento que sales te encuentras a muchas personas

que están en tu misma situación, empiezas a generar relaciones

y empiezas a ver que realmente hay un mundo más allá de España,

hay un circuito más allá de España.

Hay unos distribuidores y modelos de exhibición posibles.

Irene Gutiérrez, natural de Ceuta,

estudió en la Escuela Internacional de San Antonio de los Baños de Cuba.

Su proyecto es un documental sobre lo que ella llama

los últimos samuráis de Sierra Maestra.

Cinco veteranos de la guerra de Angola

que aún se mantienen en pie y preparados para actuar.

Somos contadores de historias, somos cineastas.

Trabajamos con materiales que son ideas, pensamientos,

resistencia, cultura a cómo uno ve el mundo,

cómo uno reflexiona.

Sobre todo hacemos, cuestionamos la realidad.

Realmente, nosotros no intentamos informar las respuestas solo,

sino sobre todo hacer a la gente pensar

y ser más consciente de lo que tiene alrededor

o intentar hacerlo.

(Música)

Llega a España la comedia más taquillera de 2016 en Francia.

"Manual de un tacaño" nos presenta a un tipo agarrado hasta el extremo.

Seguramente que todos conocemos a alguno,

porque, tal y como dice su protagonista,

todos somos el tacaño de alguien.

La película cumple su función, la de entretener,

y más si viene de la mano del que ya está considerado

como la gran estrella de la comedia gala.

¿Cuánto tengo ya en la cuenta?

-248 596 euros. -Tengo que ahorrar, ¿sabe?

-Pero si ya ahorra. -Puedo ahorrar más.

François Gautier es un tacaño compulsivo.

No tiene amigos, más bien vive rodeado de enemigos.

Trabaja como violinista en una pequeña orquestra

y su vida es ahorrar en todo.

Desde la luz y la comida hasta en los preservativos.

¿Sigues siendo tan tacaño? -No, para nada.

-Te recuerdo que me dejaste el día antes del cumpleaños

por no comprarme un regalo. -Fue una coincidencia.

-Lo que me gustaba del tema del tacaño

es que todo el mundo conoce a alguno.

Normalmente, nos reímos de ello.

Incluso los propios avaros se ríen de otros.

Además, tiene un fondo muy interesante.

El tacaño es una persona desgraciada, es una neurosis muy complicada,

porque tienden a aislarse.

Te lleva a personajes muy melancólicos,

divertidos, pero muy melancólicos.

Te da la oportunidad de hacer reír en un momento

y después emocionar.

-¿Te apetece ir a tomar algo?

-Obviamente le dije que no, pero me ha dicho

que a la chica le gustaba.

-Desgraciadamente, François descubre el mismo día

que está enamorado y que tiene una hija de 17 años.

-Deja esa campana. -Soy tu hija.

-¿Por qué no me dijiste nada?

-¿Qué querías que te dijera?

¿Que tu padre es el tío más amargado del mundo?

-Si alguien es muy roñoso y lo calcula todo

para no gastar nada, el día que encuentre a su hijo es aterrador,

porque es carísimo, necesitas comida, pañales,

es horrible y no quiere, lo mismo te pasa con la novia,

la ropa, los restaurantes.

-Me ha invitado a cenar. -No.

-No te dejes la tarjeta en casa.

-Mejillones. -Un plato de mejillones.

-Igual un plato me es demasiado. ¿Puedo pedir por unidades?

-Esto nos lleva a hablar de la paternidad, emociones,

de los pequeños momentos y le obliga a hacer un poco de mea culpa,

porque es su hija la que ha ido a buscarle.

Más aún cuando descubre que le admira

por la vida que cree que lleva

y su novia lucha porque los demás aprendan a valorarle.

Mamá me lo ha contado todo, el orfanato,

cómo te dejabas la piel por los demás.

Mejor dar que recibir, en fin.

Tu vida.

-En un momento de la película quieres que cambie,

quieres quererle y que se vuelva mejor persona.

Dany Boon es el cómico más popular de Francia,

todo el mundo le quiere.

Me interesaba que él hiciera este personaje,

porque en un principio no es amable, es incluso malo.

Inconscientemente, el espectador quiere que cambie

y volver a encontrar al personaje que le gusta.

-Tengo que pedirte una cosa.

Es aquí donde cuesta creer algunas de las decisiones del guión,

como que su protagonista sea un hombre deseado y deseable.

Me parece que Dany tiene físico de cómico

con sus orejas de soplillo.

Es carismático, aunque no sea físicamente como Brad Pitt.

Es un gran actor de comedia,

del nivel de otros con los que he trabajado.

La única diferencia es que a él, desde niño,

le gusta hacer reír.

Tiene un abanico interpretativo muy amplio

y he descubierto su talento en las escenas más emotivas e intimistas.

Me parece que es muy guapo.

Entre lo mejor de la película, está el vecino que se mete en su casa

con todos sus hijos y algún guiño cinéfilo

que te hace sonreír.

En los thrillers, ruedo de manera seria

siguiendo los códigos que todos conocemos.

Aquí quería jugar con ellos,

pero retorcerlos para hacer la comedia.

Como espectador, me encantan los hermanos Farrelly

y la película es una mezcla de comedias francesas

con otras comedias que me gustan.

Cavayé parte de un tema universal poco explotado en el cine,

cuya máxima referencia es "El avaro".

Pero su "Manual de un tacaño" es una película blanca

con bastante menos mala idea que deriva

en una comedia romántica y de malentendidos

que puede resultar divertida para los amantes de Boon

y la comedia francesa.

¿A santo de qué aparece aquí? ¿Qué quiere?

-Igual solo quiere conocerle mejor.

-Es usted muy ingenuo para ser banquero.

Fred Cavayé está especializado en el thriller.

Su primera película, "Cruzando el límite",

tuvo su remake americano en "Los próximos tres días".

No creo que pueda durar 20 años más.

-Te prometo que nuestra vida no va a seguir así.

En 2010, no dejaba un minuto de respiro con "Cuenta atrás".

En ella, el personaje interpretado por Elena Anaya

es secuestrada delante de su marido.

Saca del hospital al tipo que intentaron matar anoche

y si avisas a la pasma, morirás.

-No le hagáis daño, está encinta.

Después participó en "Los infieles"

y repitió con Vincent Lindon y Gilles Lellouche en "Mea culpa",

un thriller de acción que reflexiona sobre este tema.

He tenido la suerte de que mis thrillers funcionan bien fuera,

porque son historias sencillas,

son chicos que corren para salvar a su mujer,

que está en peligro.

Eso le dice lo mismo a un francés, a un chino,

a un italiano o a un español. Los tacaños están por todo el mundo.

Uno de mis objetivos cuando hago una película

es hablar al mayor número de personas.

-Llega un momento en la vida donde no hay otra solución

que no sea pagar. -Será idiota.

Nos gusta tanto el cine de Pablo Larraín

que teníamos muchas ganas de que llegara a España "Jackie",

un giro sorprendente en la trayectoria del director chileno,

que ya tiene un pie en Hollywood

y lo ha hecho de la mano

de una actriz tan estupenda y diferente como Natalie Portman.

Lo interesante es que no estamos

ante una película convencional americana,

tampoco ante un biopic al uso, ya que es otra cosa,

que deberíais descubrir por vosotros mismos.

(Música)

Jacqueline Kennedy fue, durante mucho tiempo,

una de las figuras más populares del planeta,

una especie de reina del papel cuché.

Primero, porque su matrimonio con John Fitzgerald Kennedy

se interpretó como si cierto aliento de nobleza a la europea

hubiera ocupado la Casa Blanca

y después porque la traumática muerte de su marido

la convirtió en algo parecido a una santa laica,

al menos, hasta que se casó con el potentado Onassis.

Ahora resucita bajo el físico

de una portentosa y sorprendente Natalie Portman

y de la mano del chileno Pablo Larraín en "Jackie",

una propuesta singular que transcurre

en los días posteriores al magnicidio

escapando a casi todas las convenciones del género biográfico

o al de ilustración de un determinado acontecimiento histórico

a través de un personaje.

Lo que en realidad podría entenderse como una prolongación coherente

de algunas películas anteriores del cineasta.

Algo así se puede reconocer en "Tony Manero",

en la que establecía una mirada sobre el Chile a su lado,

por el golpista Pinochet, a través de la peripecia individual

de un personaje obsesionado con el que interpretaba John Travolta

en "Fiebre de sábado noche".

(Música)

Parecido patrón funcionaba en "Post mortem",

que contaba los días preliminares al derrocamiento de Allende

desde la perspectiva de un trabajador

del depósito de cadáveres.

A mí me gustaría irme a mi casa.

-En un par de horas van a llegar muchas personas que atender.

Se ha declarado un estado de guerra y en una guerra siempre hay bajas.

(Música)

"Jackie" representa un nuevo giro en la carrera de Larraín

después de tres títulos tan rotundos y tan aparentemente diferentes

como "No".

Yo creo que necesitamos unos testimonios.

-No.

"El club".

Usted está en un lugar de privilegios.

Aquí está Dios, padre. Mire.

-Aquí no está Dios padre. Esto es una cárcel.

Con delincuentes de mierda.

O "Neruda".

Con ustedes, el poeta Pablo Neruda.

-Puedo escribir los versos más tristes esta noche.

En los que no es difícil reconocer algunos rasgos de estilo

que se repiten en su nueva propuesta.

Creo que los personajes sobre los que leemos

acaban siendo más reales que los hombres que tenemos al lado.

Se diría que más que un relato,

"Jackie" es la reconstrucción de un estado de ánimo,

como entrar en la cabeza de esa mujer aturdida por el dolor,

pero plenamente consciente y a la altura

de la trascendencia del papel que le había tocado representar,

articulada sobre una entrevista para la revista "Life",

con la que intentaba salir al paso de los bulos e inexactitudes

que habían surgido en torno a su comportamiento y reacciones.

En algún momento, tendrá que contar algo personal.

La gente no parará hasta que lo haga.

-Y si no lo hago, interpretarán mi silencio como ellos quieran.

Un cenceño, los labios tensos,

contiene las lágrimas, pero no puede ocultar su ira.

Larraín pone así un pie en el cine norteamericano

con Darren Aronofsky como productor,

que le propuso dirigir el proyecto con la condición

de que la protagonista fuera Natalie Portman,

a la que él mismo había dirigido en la inquietante "Cisne negro".

Muy bien.

(Música)

Ponte de frente, ya casi estamos.

Natalie Portman no se parece a casi ninguna otra actriz,

al menos, de su generación.

Apareció en la pantalla cuando era una niña en "El profesional",

con un desparpajo notable.

Si de verdad la quieres, deberías plantarla en un parque

para que echara raíces.

Si quieres verme crecer, es a mí a quien deberías regar.

Se multiplicó exponencialmente en "Beautiful Girl",

donde practicaba un desarmante romanticismo precoz.

Su ya larga carrera, aparece repleta de incursiones

en producciones de todos los tamaños,

con su original, su proverbial aplomo

y una aparente fragilidad.

Pero buena parte de las películas en las que ha venido apareciendo

dentro y fuera de la gran industria,

son como poco arriesgadas, interesantes y poco convencionales.

En su singularidad, Natalie Portman debutó como directora

con "Cuentos de amor y de sombra", inspirada adaptación

de las memorias del escritor israelí Amos Oz,

inédita todavía en el mercado español

en la que se mantuvo también delante de la cámara.

El fiscal general me comentó que deseaba una ceremonia más modesta.

-He cambiado de idea. -Disculpe.

-Que he cambiado de idea. Haremos el cortejo

y yo iré andando hasta la catedral con el féretro.

Ahora, en "Jackie", por la que ha sido nominada a los Oscar

en la categoría de protagonista,

encarna lo mejor de esta compleja propuesta

con su fascinante reinvención de aquella mujer fuerte,

que afrontó con la máxima profesionalidad

el reto de convertir en espectáculo planetario su dolor.

Debería prepararse.

Este artículo va a llamar bastante la atención.

-¿Tiene algún consejo para mí? -Sí.

No se case con el presidente.

El cierre de "Días de cine" es siempre un buen lugar

para hacer un guiño a aquello que nos gusta del pasado y presente.

Esta semana hemos querido hacer una asociación de ideas.

Por eso hemos recuperado

la última aparición de Orson Wells en imagen.

Fue para presentar un capítulo de la mítica serie de los 80,

"Luz de luna". ¿Por qué lo hemos hecho?

Porque esta semana fallecía el creador de aquella música

que se nos ha quedado a todos en el recuerdo.

Al Jarreau, aquel músico genial que tendió puentes

entre el jazz y el pop.

Con la nostalgia de recuperar su música

nos despedimos, hasta la semana que viene.

(Canción en inglés)

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Días de cine - 16/02/17

16 feb 2017

Llega un estreno muy especial, 'Lo que de verdad importa', segunda película de Paco Arango, cuya recaudación irá íntegramente destinada a los campamentos especiales para niños con enfermedades graves que creó Paul Newman: Serious Fun Children's Network.


De Túnez llega 'Hedi, un viento de libertad', opera prima de Mohamed Ben Attia que consiguió el pasado año en el Festival de Berlín el premio al Mejor actor (Majd Mastour). Una historia muy humana en el trasfondo de un país en el que el peso de la tradición se junta con la crisis ocasionada por la caída del turismo a causa del terrorismo.

Llegan también a la cartelera títulos como 'El nacimiento de una nación', de Nate Parker, un drama sobre la esclavitud basado en una historia real sucedida 30 años antes de la Guerra de Secesión, que consiguió en 2016 los premios a Mejor película y Premio del público en Sundance.
De Francia, dirigida por Fred Cavayé, interpretada por Dany Boon y avalada por el éxito de público, llega la comedia 'Manual de un tacaño'; y de Estados Unidos 'Jackie', la aventura americana de Pablo Larrain en un biopic sobre la esposa de JFK, Jacqueline Kennedy, interpretada por Natalie Portman.

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