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No recomendado para menores de 12 años Días de cine - 15/03/19 - ver ahora
Transcripción completa

El espíritu están muy presentes en un programa.

Aquí comienza "Días de cine".

(Música)

Tus palabras en francés. -Es un buen comienzo.

Se cumplen 80 años...

Fueron el El Gordo y el Flaco.

No me arrepiento de nada.

Tú tampoco deberías arrepentirte.

(Música)

Hacia Gibraltar es el segundo largometraje de Alejo Flah.

Inaugurado el festival de cine, cinco años después.

El resultado es una comedia con tintes más sociales que la primera.

Discurre por arenas movedizas en las que la desdicha

de sus personajes induce mucho más a la compasión y a la solidaridad

que a la risa.

El trasfondo social, sin embargo, juega a su favor.

Que no quiero saladito. No quiero.

-A mí me gusta pensar en una frase que repito mucho,

que es que la comedia no consiste en ser graciosa,

sino ser desesperada.

Retratar la desesperación de esos personajes.

Pensé mucho en el cine italiano, en la comedia italiana.

Nos encontramos con un taxista español,

encarnado con la gracia que le caracteriza por Dani Rovira,

que es el colmo de la calamidad y la mala suerte.

Con un buscavidas argentino,

Joaquín Furriel,

en un eficaz registro poco acostumbrado entre nosotros.

Pretende nada menos que apropiarse de un cargamento de oro oculto

en los túneles del Peñón de Gibraltar.

Está en una zona de desesperación.

-Este es el Peñón de Gibraltar. Hay un departamento dentro de oro.

-Es una comedia mezclada con un western.

Con un poquito de drama

y un poquito de romanticismo y aventura.

-Vamos a entrar como turistas y a llevarnos ese oro.

-¿Ese es el plan? -Claro.

Por el camino se les une la tercera pata,

una pobre diabla, novia a la fuga, que también quiere escapar.

Encarnado por Ingrid García Jonsson.

Yo creo que uno se siente muy identificado.

El trío calavera rumbo a Gibraltar en taxi.

La conocida fórmula de tres personajes calamitosos

lanzados a darse de cabeza contra un muro e incapaces

de sobreponerse a la injusticia social.

¡Gibraltar español!

-Te lo dije, que nos ha llegado el Brexit.

Dice Mia Hansen-Love que el amor y el trabajo

es lo que mueve el mundo,

y ambas pasiones están en su nueva película, "Maya".

Nos presenta un viaje de la oscuridad a la luz

con destino final en la India.

Como ya ocurrió en su película anterior, en esta historia

las mujeres son más fuertes que los hombres. Como en la vida, ¿no?

¿Por qué Mia Hansen-Love es una de las cineastas a seguir?

Porque en cada película encontramos reminiscencias íntimas.

Su filmografía no es otra cosa que etapas

en las que sus protagonistas buscan su lugar en el mundo.

(HABLA EN FRANCÉS)

Quería contar la historia de un renacimiento.

"El porvenir" era una película sobre la dificultad de envejecer.

Después de "El porvenir", necesitaba huir de mí misma,

y así se me ocurrió "Maya".

El personaje de "El porvenir" es una mujer que renuncia

a la sensualidad.

A menudo mis películas se responden unas a otras.

"Maya" era una forma de volver a la India.

Es el país que mejor encarna para mí la sensualidad.

Roman Kolinka, actor que ya estaba en "El porvenir",

presta su punto de tristeza y melancolía

a un reportero de guerra que milagrosamente se salva

de ser ejecutado por el Daesh.

Decide pasar unos días en la Goa de su infancia.

Un jardín privado en su atormentada conciencia.

"El río" es una película que marcó la historia del cine.

Es una película en color sobre la India antes de que esas imágenes

existieran para nosotros.

Renoir logró alcanzar esa mezcla de espiritualidad y sensualidad

que caracteriza a la India.

Sendas dimensiones de la película de Renoir me han marcado.

Sobre el trasfondo de un hotel a modo de vergel amenazado

por la especulación urbanística, el reencuentro de Gabriel,

el periodista, y la joven Maya,

da pie a un sutil y delicioso enamoramiento.

Una obra de suaves polifonías que debe mucho al espíritu

contemplativo de oriente y su irresistible invitación

a dejarse llevar por las apacibles corrientes de la vida.

Descubrimos además al perfecto contrapunto de Kolinka

y su dolor distante.

Una bendición para todo objetivo ávido de luminosidad y belleza

en el sentido más amplio de la palabra.

Tenía 16 años cuando la conocí.

Vive en Bombay con su madre.

Es una joven muy fuerte.

Para mí encarna a la mujer i

Para mí encarna a la mujer india de hoy.

Fiel a las tradiciones y, al mismo tiempo, moderna y occidentalizada.

La mayoría de la ropa que lleva en la película es suya.

Suenan los inconfundibles sonidos del monzón.

Oriente nos deja una filmografía donde esa espléndida atracción,

sobre todo si se produce entre oriental y occidental,

supone un descubrimiento para el segundo de todo un mundo nuevo.

"Maya" es una película que se posiciona sólidamente

al lado de la vida.

Al lado también de la impermanencia.

Se entrega a un carpe diem majestuoso

que garantiza un inolvidable referente para el futuro.

Hoy comienza el Festival de Cine de Málaga,

desde donde haremos el programa la próxima semana,

pero nos gusta mimar a los certámenes más pequeños,

por eso hemos viajado a Pamplona para el Festival Punto de Vista.

Esta es la cabecera del Punto de Vista 2019.

Toda una declaración de principios de este festival de cine documental

que se celebra en Pamplona hasta mañana sábado 16 de marzo.

Es una cabecera sin imágenes

y, a la vez, nunca hubo tantas imágenes.

Cada espectador proyecta las suyas.

(Música)

La creación documental de cualquier parte del mundo

despojada de dialécticas narrativas.

Las propuestas arriesgadas y las voces,

Las propuestas arriesgadas y las voces propias,

alejadas de ataduras comerciales,

conforman la propuestas de este festival,

para el que lo documental es, primero de todo,

un punto de encuentro.

Las traemos por ser películas que cuestionan,

replantean y ensanchan las definiciones de la no ficción

y del cine en general.

Aquí hay películas personales que no tienen significado solo

para la persona que ha creado esa película.

-Lo real es algo de lo que parto,

pero no estoy preso solo de lo real o lo documental.

Todos los cineastas ponen su imaginación, su subjetividad.

-Siempre trabajo con las palabras,

con la oralidad de otras personas.

A través de las historias individuales

de personas muy diferentes, construyo una polifonía de visiones,

de percepciones diferentes, para afrontar una historia.

-Encuentro una verdad en cualquier registro.

Cualquier registro, por más falso que sea,

tiene algo de verdad.

-Yo no hago documentales. Yo hago documentos.

Eso quiero decir que estoy más interesado en la forma cinética.

-Las nuevas perspectivas de este año de un cineasta muy reconocido

dentro de los círculos de la vanguardia.

Colaborador del proyecto.

-Jonathan Schwartz era alguien que conocí

y viajé por Europa presentando nuestros documentales.

-Era una pintora muy reconocida en el arte contemporáneo,

pero pocas personas sabían que hacía cine.

Propuestas arriesgadas, políticas, poéticas, personales,

que de alguna forma muestran la diversidad.

¿Qué es cine? Esto es cine.

Como jugamos con la subjetividad de los espectadores

y de los artistas, no nos interesa la afirmación de "esto sí",

pero sí que una pregunta genere más preguntas.

Mañana sábado la proyección del documentalista,

una obra de compilación llevada a cabo durante el propio transcurso

del certamen, dará por concluida la edición número 13.

Vamos con dos películas de las que van directas a la emoción

porque nos hablan de personas en circunstancias difíciles.

"Yomeddine" es una cinta egipcia.

Nos cuenta la historia de un leproso y su aprendiz huérfano.

La otra es "Contemplación",

un documental británico sobre la ceguera.

Es una película más que recomendable.

"Yomeddine" es el primer largometraje de A.B. Shawky.

Su protagonista es un leproso cristiano copto que vive

ganándose la vida, es un decir, en una montaña de basura.

La idea de ver durante toda la película las transformaciones

que han causado la enfermedad se nos hacen cuesta arriba,

pero no es menos cierto que en occidente no queremos saber

la realidad en la que viven millones de personas en todo el mundo.

Cuando muere la esposa, emprende junto a un niño huérfano un viaje

para encontrar a la familia que le abandonó en una leprosería.

Son como Quijote y Sancho.

"Yomeddine" se ve con mucha emoción.

A.B. Shawky tampoco se recrea en la miseria,

solo que la miseria se ve y es real.

"Yomeddine" emociona.

Y de sorprendente podemos clasificar a "Contemplación",

título español para el original "Nota sobre la ceguera".

Puede que sea cine de no ficción o un poema ensayo,

o algo inclasificable.

Es lo que es "Contemplación" es una gran película.

Sea lo que sea "Contemplación",

es una película británica codirigida por Peter Middleton y James Spinney.

Lo sorprendente es cómo nos cuentan la historia los directores,

partiendo de las grabaciones originales.

Este supuesto documental usa actores para dar vida a los protagonistas

de la historia: John M. Hull y sus hijos.

Además, y a pesar de lo que cuenta,

"Contemplación" es una película optimista

que nos invitan a ver todo lo que nos cuesta ver.

Recomendemos, Gerardo, qué hay que ver en salas

de esas películas que puede que no estén mucho más.

"Pájaros de verano",

que fue la precandidata de los Oscar de Colombia.

Y otras dos perlitas.

Una película que cuenta en clave poética la retirada

de los republicanos al finalizar la guerra.

Es una película que genera filias y fobias por igual.

Yo soy de los que la detestan.

Una película complicada. Pero hay quien tiene pasión por ella.

En Filmoteca se podrá ver "Dolor y gloria", lo nuevo de Almodóvar.

Se podrá ver en un preestreno.

Será el jueves a las 8 de la tarde.

Pedro Almodóvar presentará la película.

Me parece de lo mejor desde "Volver".

A mí me ha gustado mucho.

Y un preestreno más pequeño, "Yo soy la rumba".

Un mediometraje que ha hecho Gonzalo Suárez,

que está en México presentándolo.

Sobre una mujer que fue intérprete de Cortés.

Un regalo de Montezuma a los conquistadores españoles.

Se convirtió en alguien muy especial porque fue la amante de Cortés

y con quien tuvo un hijo. Esto es una delicatessen.

Este libro es de nuestro realizador, que está al otro lado.

Nos lo ha dejado.

Este libro lo editó el festival de San Sebastián.

Es un tipo fascinante. Hizo películas maravillosas.

Otros trabajaron con él.

Como Billy Wilder.

Exactamente.

Hemos realizado este reportaje que recorre su trayectoria.

Se cumplen 80 años del estreno de "Medianoche".

15 de marzo de 1939.

Una comedia poco menos que olvidada

que materializa un momento crucial en el Hollywood dorado.

Uno producción Paramount.

Sobre un guion de Billy Wilder y dirigida por Mitchell Leinsen.

"Medianoche", que se encuadra abiertamente en lo que en la época

se denominó comedia,

bascula entre una lógica aplastante y un disparatado sentido de la vida.

Una mujer que ha perdido hasta el último céntimo

en las mesas de Montecarlo.

Una buscavidas que se deja llevar por un taxista

de origen húngaro y después por un ricachón que la utiliza

para ahuyentar a un posible amante de su esposa.

"Medianoche" es la película más apreciada de Mitchell Leinsen,

un título inspirado que aúna una particular elegancia visual,

unos diálogos muy afinados dichos por unos intérpretes apabullantes

y el equilibrio entre la intimidad y el puro espectáculo.

La comedia es un estado mental.

Realmente no puedes dirigirla,

los actores tienen que sentirla.

Mitchell Leinsen, como clamorosa excepción a la regla,

fue de los pocos que lo sabían todo de casi todo.

Decían que elegía personalmente del objetivo para cada plano.

Mitchell Leinsen, fallecido en Los Ángeles en 1972,

estudió arquitectura antes de consagrarse definitivamente

a la industria del cine.

Comenzó a dirigir sus películas a principios de los años 30.

En realidad "Medianoche" fue la tercera versión del cuento

de Cenicienta que realizó Leinsen.

"Candidata a millonaria" abunda en la idea de una mujer joven

que antepone la posibilidad de asegurar una estabilidad económica

a satisfacer sus aspiraciones románticas.

Paradójicamente, choca con su equivalente masculino,

un playboy venido a menos.

Una chica afortunada que partes de una hilarante situación

se sirve de un inspirado guion para inaugurar la respuesta

se sirve de un inspirado guion para inaugurar la repetida fórmula

de mezclar la alta comedia con el slapstick.

Antes de este tipo de comedias,

había dirigido "La muerte en vacaciones", un curioso precedente.

La parca intenta comprender por qué le temen los humanos.

En mis películas la cámara nunca se mueve arbitrariamente.

Sigue a alguien a través de un cuarto

o de algún tipo de acción.

Por lo tanto, no eres consciente de que la cámara se mueve.

Los movimientos de cámara innecesarios destruyen

la concentración del público.

El intercambio de roles,

mujeres que se comportan como hombres y viceversa,

es uno de los recursos estilísticos que se repiten una y otra vez

en las películas de Leinsen.

Entre las más evidentes, "Ella y su secretario".

O "No hay tiempo para amar".

El timing es un sentimiento del ritmo.

Sabes cuánto tienes que esperar hasta decir la frase siguiente

o cuándo interrumpirla de otra persona.

Para mí un actor no tiene remedio si no posee un sentido del timing.

Hasta he tratado de hacerles contar hasta tres y decir su frase,

pero nunca funcionó.

Hizo de casi todo y casi todo bien,

pero esa variedad es la causa de que su nombre no figure

casi nunca entre los más selectos del cine de la época.

Fue un portentoso director de actores.

Capaz de afrontar con solvencia

y originalidad cualquier tipo de historia.

De aliento realista en general,

aunque con esporádicas incursiones en lo onírico.

Sobresalió especialmente cuando contó con guiones brillantes.

En "Adelante, mi amor" volvió a contar con Billy Wilder.

Lleva a sus protagonistas al corazón de otra guerra incipiente.

En "Si no amaneciera",

donde se sitúa ante la cámara para interpretar

a un director durante un rodaje,

se reunió por tercera vez con la ilustre pareja de guionistas.

Un melodrama que hablaba de inmigrantes europeos atrapados

en la frontera mexicana,

contraponiendo el cinismo a la ingenuidad.

Nadie es absolutamente bueno o malo.

Al menos en mis películas.

Hay algo malo en lo mejor de nosotros

y hay algo bueno lo peor de cada uno.

El talento hipnótico del cineasta

se renovó en algunos títulos aislados,

como en "La vida íntima de Julia Norris".

O la excéntrica "Las rayas de la mano",

con Marlene Dietrich como fascinante gitana.

Mención aparte merece "Mentira latente" como la única incursión

en el género negro.

"Medianoche" es un buen pretexto para descubrir o disfrutar de nuevo

de una gran comedia de los años 30 y para acercarse a otros títulos

sugerentes de este cineasta inmerecidamente olvidado

que fue Mitchell Leinsen.

Hablar de cine con artistas de otras disciplinas es enriquecedor

y nos ayuda a conocerlas mejor.

Hemos preguntado a Álvaro Urquijo por su secuencia favorita.

Ha elegido una feroz sátira contra el nazismo firmada

por todo un maestro.

Hay millones.

Millones.

Una de mis favoritas...

Me río solo de acordarme.

Dice: "Esta es una obra perfecta".

Es un guion maravilloso.

Al igual que "Con faldas y a lo loco".

Todo tenía su desarrollo.

Actorazos como Tony Curtis y Jack Lemon.

Hay muy poco diálogo.

El nazi se da cuenta de que el otro es un actor haciéndose pasar.

Porque han encontrado el verdadero profesor muerto en un callejón,

que la resistencia se lo había cargado.

En el fondo es muy crudo.

El actor se cuela para desinformarles.

Le meten en un cuarto donde está sentado así,

igual vestido que el actor al que habían matado.

Le deja ahí media hora para que sufra.

El otro, como llevaba un bigote postizo,

y llevaba uno de repuesto por si se le despegaba,

afeita el cadáver.

Mantiene una conversación absurda.

La he visto un millón de veces.

Entonces, le dice: "Tire de mi bigote".

Se queda con el bigote en la mano.

Se invierte la historia,

cobrando más importancia el falso profesor.

No puedo contarla entera.

Y es hilarante.

Es una escena que dura 10 minutos.

Te mueres de risa.

Yo recomiendo que la gente vea este tipo de películas.

Se aprende mucho de la vida.

Dos cosas unen a las películas de las que hablamos a continuación.

Están protagonizadas por niños o adolescentes y ambas tienen

un componente fantástico: cine de animación japonés que habla

sobre la familia y una comedia británica sobre los mitos

y leyendas del rey Arturo.

El pequeño Kun se ve relegado al papel de príncipe destronado.

Odia a su hermana y se niega a aceptar la nueva situación.

Ya lo sé, estás celoso.

De manera sorpresiva,

empiezan a cruzarse en el camino del pequeño para ayudarle

a superar la circunstancia por la que está pasando.

El peso de los antepasados es muy importante.

-Será mi aprendiz y punto.

El director de "El niño y la bestia",

uno de los referentes de la animación japonesa,

retoma alguno de sus temas habituales.

En este caso la hermana pequeña, convertida en adolescente,

representa la figura de la maestra.

Y el niño es el alumno.

Podemos aprender mucho de los más pequeños.

Es algo que he aprendido desde que soy padre.

-La animación norteamericana tiene unas normas más regidas

--rígidas

que hay que respetar.

Que los niños disfruten es lo principal.

La animación japonesa tiene un ritmo más distinto.

En Japón valoramos mucho que la animación sea artesanal.

Debe parecer que está hecho a mano.

El manga es clave. Por eso es importante respetar la tradición.

Es como el gran bisabuelo.

Para mí es el origen del mundo anime,

pero no tiene una influencia en esta película.

Sin embargo, para mí es como el aire que respiro.

Por eso, de manera inconsciente, se puede intuir su huella.

También existe alguna relación con "Cuento de Navidad" de Dickens.

Tratan temas profundos

y tienen una mirada muy personal sobre la infancia.

Una película deliciosa que nos recuerda que la comprensión

y tolerancia entre padres e hijos debe funcionar en los dos sentidos.

Puede pasar que tengamos al lado a un ser maravilloso

y no nos demos cuenta por prejuicios o estupidez.

A lo mejor es una broma. Algo de YouTube.

Un experimento social.

Y había cámaras ocultas.

"El niño que pudo ser rey" es un homenaje al cine de aventuras.

El género elegido es el de las aventuras juveniles.

Joe Cornish, responsable de la dirección, no pretende

hacer cine retro y juega inteligentemente

con los mitos artúricos para traerlos al presente.

Es un chico nuevo que no tiene nada especial.

No es el más listo de su clase.

Él y su mejor amigo tienen todas las papeletas para ser víctimas

de los abusones.

La magia entra en la vida de Alex en forma de espada.

Ha pasado algo increíble.

El azar pone en sus manos la mítica Excalibur del rey Arturo.

Este hallazgo viene acompañado por la llegada de un nuevo alumno,

alguien muy poco convencional.

Yo soy Merlín.

Aunque los grandes protagonistas de la función son los chavales,

destaca la aparición de Patrick Stewart como Merlín.

La espada te eligió a ti.

"El chico que pudo ser rey" es el segundo largo de Joe Cornish.

Aquella película despertó el interés de los aficionados

al cine fantástico por su curiosa mezcla de elementos.

Es un alienígena. Pero ha caído en el sitio equivocado.

Por un lado estaba el género de invasiones extraterrestres,

y por otro, la comedia social británica.

¿Qué clase de alienígena eligiría invadir esta mierda de barrio?

-Uno que busque pelea.

En su segundo trabajo Joe Cornish mantiene las señas.

¿Dónde has aprendido a conducir?

-En "Mario Kart".

Ahí reside una de las virtudes de la película.

Aunque sus aventuras son fantásticas,

siempre mantiene un pie en la realidad.

Soy aficionado a la magia,

pero no me salen bien los trucos de duplicación.

Sigue el esquema de los relatos clásicos de aventuras.

El héroe debe elegir a sus compañeros y dejarse aconsejar

por alguien más sabio.

Sois los más fuertes que conozco, sois mis caballeros

y esta es la mesa redonda.

-Madre mía, qué friki eres.

Cuidado los aficionados a las scape rooms

porque esta película puede daros ideas para llevar

la experiencia al extremo.

El único arma para sobrevivir es el ingenio.

Esto sirve como vales de entrada.

Sé el primero en escapar de la mejor experiencia de inmersión

llegan a 1 millón de dólares.

Seis desconocidos reciben una invitación para participar

en una scape room que promete ser la más inmersiva de la ciudad.

Deberíamos buscar pistas.

Se sienten como en una película.

¿Podría darnos nuestra pista ya, por favor?

-Esto es siniestro que te pasas.

Juntos deben encontrar pistas,

resolver enigmas para ir pasando de sala lo más rápido posible.

Cada habitación tiene una trama secreta que saca lo mejor y lo peor

de cada uno de ellos.

El juego es cada vez más peligroso. Es capaz su control.

El juego es cada vez más peligroso.

Escapa a su control.

Todo está meticulosamente preparado.

Habitaciones hechas a medida.

El director se ocupó de todos los detalles artísticos.

Van a intervenir en un juego.

En el guion, algo de "Saw" pero sin gore.

Aquí hay una entrada.

Por lo tanto,

tiene que haber una salida.

"Escape Room" es un thriller psicológico y de terror

que resulta muy entretenido.

A veces incluso entretenido.

Sobrevivir es una elección.

La película no deja salida.

Al menos habrá una segunda parte.

Y repetimos, un aviso a los fans del fenómeno escape room:

tiene un mayor potencial y cada vez es más difícil sorprender.

Cuidado con dónde os metéis.

El Gordo y el Flaco fueron esa pareja cómica que llenó

de buenos momentos a varias generaciones de espectadores.

Incluso rodaron películas en español.

Steve Coogan y John C. Reilly dan vida a estos personajes.

La película está tan llena de nostalgia como de buenas

interpretaciones.

Es verdad que deja un poso agridulce y esa sensación

de que cualquier tiempo pasado fue mejor.

Con esa marca, El Gordo y el Flaco triunfaron como pareja cómica

a finales del cine mudo y principios del sonoro.

Su blanco sentido del humor,

basado en situaciones ridículas,

diálogos rápidos y mamporros de dibujo animado,

era perfecto para una platea acongojada

por la gran depresión que siguió al crack del 29.

Quizá por ello las películas de El Gordo y el Flaco

hayan envejecido sin terminar de alcanzar el estatus de clásicos.

Cuando veo películas antiguas es curioso porque, viendo

los créditos leo Humphrey Bogart, y pienso: "Claro que lo conozco",

y luego desfilan muchos actores que no conozco de nada.

La historia ya se encargará de poner las cosas en su sitio.

Muy pocos seres humanos son recordados tiempo después

de su muerte.

-Ahora en serio, tengo la impresión de que es una de esas películas

que te levantan el ánimo.

-Camara. Proyección de fondo.

Dentro música. Y acción.

Evita la tentación en la que naufraga todo biopic

de contar a los biografiados de principio a fin.

Me encargaré de que esta gira empiece con buen pie.

-Fueron mi primera opción para interpretarlos.

En realidad no hay mucho donde elegir.

Tienes que escoger a uno que sea británico y a otro británico.

Steve y John miden lo mismo.

Tienen que ser grandes actores cómicos, pero también dramáticos.

Cuantos más requisitos añades, menos gente te va quedando en la lista.

Steve y John siempre encabezaron la lista.

Y tuvimos mucha suerte porque ambos aceptaron.

-Por todos los que aún se acuerdan de El Gordo y el Flaco

y por los que no se acuerdan o no han visto sus películas.

Teníamos la misión de dar a conocer su legado.

-Hice una película con otra persona.

-Tú no eres más que un bajo que tuvo la suerte de conocerme.

-¿Por pasarme la vida junto a un hombre que pasa la vida detrás

de una máquina de escribir?

Espero que a quienes no hayan visto nunca una película suya

les entren ganas de hacerlo.

Yo no me arrepiento de nada.

Tú tampoco deberías arrepentirte.

"Beautiful boy" es la historia de dos adicciones.

No se le puede negar a este drama basado en hechos reales

la verdad que desprenden las interpretaciones

de sus protagonistas, Timothée Chalamet y Steve Carell,

que te llevan de la mano de principio a fin.

Llega a los cines para relatar la historia de un padre

que ayuda a su hijo alejarse del infierno de la drogodependencia.

Este soy yo, papá. Soy yo, ¿vale?

Narra el viaje de toda una familia que intenta no descomponerse

mientras vive el proceso de autodestrucción del protagonista.

Creía que estábamos unidos.

Hace relativamente poco leías y escribías,

estabas en el equipo de waterpolo. Míranos ahora.

Steve Carell se convierte en este padre que pretende auxiliar

a su hijo tratando de ponerse en su piel para tratar de comprender

cómo se llega a ese estado de adicción.

He estado investigando. -¿Estás de coña, papá?

-Tú crees que lo tienes controlado y sé lo asustado que estás.

-Me atraen la locura y tú te avergüences de mí.

Timothée Chalamet perdió 15 kilos para interpretar

a este adolescente que acaba enganchado a la metanfetaminas.

Fue elegido entre más de 200 aspirantes.

Aún no había saltado a la fama por el excelente papel

con el que nos cautivó en "Call Me By Your Name".

Hospital general. Dígame.

-Hola. Mi hijo ha desaparecido.

Quería comprobar si tal vez lo habían ingresado.

O si ha habido un accidente.

El director estuvo denominado en 2012 al Oscar

a la mejor película de habla no inglesa con "Alabama Monroe".

Una historia tan real como triste.

Esta vez se ha trasladado a Estados Unidos para rodar esta película.

Con la que pretende explicar que la adicción es una enfermedad

y no un fracaso moral.

Era una historia que contenía todos los temas que me interesan:

la familia, el amor incondicional.

Y la lucha contra las adicciones, cómo se recupera uno de ellas.

-Llevo 14 meses limpio. Trabajo en un centro.

Los temas musicales de Nirvana, David Bowie, John Lennon

y otros componen la banda sonora

y acompañan al estado anímico de los personajes.

Los recuerdos de la niñez se mezclan con los de la adolescencia

para conocer un poco más sobre la especial relación

de un hijo dulce con un padre entregado desde su infancia.

¿Cómo está nuestro hijo?

-Yo no voy a rendirme ahora.

"Beautiful boy, siempre serás mi hijo", título escogido

para llegar a nuestras pantallas, anhela la empatía del espectador

para tratar un tema incómodo y complejo emocionalmente.

Sé que volverás a ser el que eras.

(HABLAN EN FRANCÉS)

(Campanadas)

Hace 50 años Luis Buñuel,

aragonés, español y universal,

pero sobre todo un radical libre y provocador,

estrenó lo que definió como un tratado sobre las herejías,

y el resultado fue "La Vía Láctea".

No queremos ni imaginar qué hubiera sido de ella

si la hubiese hecho hoy día.

Con esa Vía Láctea llena de inteligencia

y con pleno conocimiento de causa de quien estudió con los jesuitas,

nos despedimos.

Y solo nos queda decir amén.

(HABLAN EN FRANCÉS)

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Días de cine - 15/03/19

15 mar 2019

En el repaso a los estrenos destaca la francesa 'Maya', de Mia Hansen Love; 'Yomeddine', cinta egipcia que narra la historia de un leproso copto y su aprendiz huérfano a través de un viaje por el país; y 'Notes on blindness', que se estrena en España con el título de 'Contemplación', una emocionante película sobre la discapacidad.

El espacio de cine de La 2 se fija también en la película de animación japonesa 'Mirai, mi hermana pequeña', que estuvo nominada al Oscar a mejor película de animación; y la nueva película del director Joe Cornish, 'El niño que pudo ser rey'. No faltará el terror de 'Escape room' en la que seis desconocidos se encuentran en una habitación mortal en la que deberán usar su ingenio para sobrevivir; y 'Stan & Ollie', protagonizada por John C. Reilly y Steve Coogan, un entrañable recuerdo para El Gordo y El Flaco.

Completará el programa la 'secuencia favorita' de Álvaro Urquijo, la charla semanal entre Elena S. Sánchez y Gerardo Sánchez, director de Días de cine, con recomendaciones, programación de Filmotecas y Cineteca, exposiciones, música o, libros, y las novedades para ver cine en casa.

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