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No recomendado para menores de 12 años Días de cine - 14/12/18 - ver ahora
Transcripción completa

Se acerca la Navidad.

Vuelve a la cartelera una fuente de historias inagotable

que es la familia. Comienza "Días de cine".

(Música)

Dani Rovira protagoniza una comedia

romántica a las órdenes de Emilio Martínez Lázaro.

Es una mujer que necesita buscar una nueva vida.

Icíar Bollaín estrena una película sobre Carlos Acosta,

el gran bailarín cubano que se convirtió en una estrella

de la danza.

(Música)

Dos mujeres protagonizan

las películas con las que comenzamos el programa

y dos actrices le deslumbran en la piel de esas mujeres.

La primera es Gemma Artenton,

protagonista de "La búsqueda de la felicidad".

Un drama doloroso, íntimo y sutil.

(HABLAN EN INGLÉS)

"La búsqueda de la felicidad"

se aproxima al rostro de Gemma Artenton

para desvelarlo y revelar matices.

Sentimientos a los que es ajeno su marido, demasiado ocupado

en el trabajo y satisfecho con lo que la vida le ha deparado

para percibir la frustración de su mujer.

A mí siempre me han interesado las relaciones.

Y su deterioración,

el papel de la mujer en el matrimonio y en la familia.

El director y yo hablamos de todo eso.

Escribió un tratamiento de 30 páginas.

Una descripción de cada escena de la película.

Los diálogos fueron improvisados.

Esa muy personal para el director porque se nos ocurrió a los dos.

(HABLAN EN INGLÉS)

Dominic Cooper encarna al marido sumido en el estupor

cuando descubre que su mujer no disfrutar el elevado nivel

de vida que les proporciona su salario y se agobia

con el cuidado de los niños. Se siente inútil

y se deja marchitar encerrada en casa.

Para preparar la película, me entrevisté con muchas mujeres.

No solo con mujeres que han pasado por esto,

también con mujeres que han sufrido dificultades

con el cambio de tener hijos.

Te sorprendía la de gente a la que le cuesta tanto...

Me alegra escuchar que hay muchas mujeres

que se identifican con la película.

Temía que la gente pudiera pensar que mi personaje era mala persona.

Dominic filma el estado depresivo de la mujer.

Las razones de su tristeza y su mutismo, la incapacidad

de compartir el dolor.

Y la incapacidad de salir huyendo,

que tiene que ver con su título en inglés.

En España, el título es más cursi.

Buen hacer de los dos intérpretes.

También las escenas que incluyen a los críos en la

pantalla a pesar de su corta edad.

El naturalismo que desprenden con un buen montaje de sonido

para encajar frases de los pequeños en planos donde no les vemos

hablar de frente.

-¿Quién va a cuidar de los niños?

-Mark.

-No puede hacerlo.

¿Crees que un hombre puede cuidar a dos niños solos?

Es muy acertado el tratamiento intimista musical y fotográfico.

La historia no quiere ofrecer un diagnóstico sobre las causas

del malestar femenino y hallar

las supuestas soluciones, pero demuestra una gran empatía

al explorarlo buscando las claves en el bello rostro

de Gemma Arterton.

¿Recuerdas nuestra conversación sobre los colores?

"Acuarela" es una historia de amor.

Es creativo publicitario.

Trabaja con las imágenes. Es guapo y es un tanto miserable.

Ella es ciega, es guapa. Es osteópata e independiente.

También muy buena persona.

La ciega y el publicista, ¿cuánto durará eso?

El encuentro entre ellos será el detonante

para que el hombre empiece a valorar las cosas importantes

de la vida.

Mi madre se casó con otro. No nos llevábamos muy bien.

Silvio Sordini es el director de "Acuarela".

Un documental sobre las personas invidentes

que inició Silvio Sordini en 2014.

No me lo creo.

¿Cómo es la ciega?

"Acuarela" surge para normalizar desde la ficción la vida

de la gente que no puede ver.

La Polinesia me importa un pito.

El resultado no podía ser más convencional.

La presencia de Valeria Golino es lo más destacable de "Acuarela".

Producción italiana de consumo rápido.

Darle un color a las cosas me ayudaba a verlas.

La película,

cuya traducción literal de su título es como el lado oculto

cuya traducción literal de su título es como el lado oculto

de las cosas, aquí se ha traducido como "Acuarela",

pero esto es otro tema.

El cine de autor gallego está al alza.

Se une el nombre de Xacio Baño.

Es un director de cortometrajes

con gran trayectoria y festivales internacionales.

Ha estrenado "Trote".

Transcurre en el interior de Galicia, en una aldea

de las montañas. Está protagonizada por una extraordinaria

María Vázquez.

Es una mujer atrapada por una vida que no le gusta.

Sin nada en común con su padre y su hermano.

Una tragedia marca su existencia.

Encuentra en el lado más visceral del ser humano una catarsis.

Su ópera prima es una obsesión sobre una pregunta

que le obsesiona.

Se convierte en una poderosa metáfora.

La tradición en Galicia relación con el animal,

me interesa filmar los últimos momentos de algo.

Con la deriva del hombre hacia la ciudad,

hay algo que dejamos atrás,

nuestra relación con el animal, que dejamos atrás.

La lucha entre un hombre, una mujer y un caballo con las mismas reglas.

Es una historia de animales que juegan a ser humanos

y humanos que juegan hacer animales.

(Música)

En esta película,

la familia es el núcleo,

es la manada.

Es lo que nos viene impuesto biológicamente y por sociedad.

En un momento de tu vida hay muchas puertas que abrir.

Dejas algunas atrás.

Esta parte humana que te dice que tienes que hacerte

cargo de los mayores,

que choca con ese animal que viene que correr y cazar.

La vida es maravillosa.

(HABLA EN GALLEGO)

Quería jugar en contra de lo que el espectador espera,

que es la emoción, que es lo más básico.

Es lo que primero eliminamos en el guion.

La emoción te hacía eliminar la pregunta.

Fue un rodaje complicado.

Dos cámaras y dos días.

Rodaje a pleno sol.

Los caballos en el suelo.

Cámaras a 20 cm. Mucha atención.

Cinco personas protegiendo la cámara. No hay tomas.

Pasan cosas.

Con este combate entre la meta

y el instinto plagado de silencios elocuentes

y una gran fotografía,

pretendidamente descuidada Xacio Baño irrumpe

en el largo manteniendo sus señas de identidad.

Todas mis cortos son autoproducidos.

El largo supuso un salto en producción espectacular.

Y responder al dios dinero más evidentemente.

Hay que responder bien.

Algo mucho más medido.

Y el contrato con el espectador.

Lo que le das al espectador con su tiempo. Con los cortos,

el espectador es más generoso.

Le pides 15 minutos. Aquí pides más.

El código es corto.

Cuando llegas a los 80 minutos,

el tiempo para el espectador es importante.

Ese contrato entre el realizador y el espectador es algo que descubrí

y me abrió muchas más puertas.

(Música)

"Campeones", todos lo saben.

Es muy raro para un productor tener dos películas nominadas.

Ahí estaba Echevarría.

Disfrutando de ocho nominaciones a los Goya.

Lo celebramos en "Días de cine".

"Carmen y Lola" es una

de las películas del año.

Buenas noticias para el cine de TVE. Tenemos "El reino".

Tiene 13 nominaciones.

Tenemos "Todos lo saben", con 8.

Y "Entre dos aguas".

Todas ellas se pueden ver en salas.

Alguna se puede recuperar con las nominaciones.

¿Qué te haya sorprendido?

Me ha sorprendido las ocho

de "Carmen y Lola".

Antonio de la Torre tiene nominaciones como mejor actor

y secundario.

Me encanta que Lola Dueñas y Susy Sánchez hayan

entrado entre las mejores. Penélope Cruz ha entrado.

Y también Najwa Nimri.

Antes tenemos los premios "Días de cine".

Son en enero, el día 15.

Ya hemos parado la votación del público. Era una barbaridad.

Vamos a hablar de la muestra de cine italiano

que se celebra estos días en Barcelona.

Se puede ver el mejor cine italiano reciente.

Me gusta el de antes y el de ahora.

Mira qué bonito el título del prólogo.

Es uno de los heterodoxos de Hollywood.

Admirado por los modernos de siempre.

Entre otras maravillas

tiene "Jonnhy Guitar" con Joan Crawford.

Son las dos recomendaciones.

Lo que hay que leer y una banda sonora especial.

"Lawrence de Arabia".

Me he traído estas cerillas para hacer un homenaje.

Va a ser divertido.

(Música)

(Música)

Cuando uno piensa que es una película

de cuatro horas sin protagonistas

muy célebres, Anthony Quinn, Alec Guinness,

con personajes secundarios,

sin mujeres, cuatro horas...

En el desierto, con árabes.

Camellos que andan de izquierda a derecha y de derecha a izquierda

durante cuatro horas.

¿Cómo salió una película tan extraordinaria?

(Música)

Heroína femenina.

Es lo que en nos proponía "Revenge".

Hace su particular lectura de "Cometieron dos errores".

Se encontraron con la chica equivocada.

No se aseguraron de que quedaran bien muerta.

Un paroxismo de supervivencia eterna.

Y sangre, mucha sangre para una chica de armas tomar

en todos los sentidos y no metafóricamente hablando.

(HABLAN EN INGLÉS)

"La cámara de Claire" encierra toda una reflexión

nada solemne sobre el cine

y la vida en un continuo ojo de espejos de uno sobre la otra

y viceversa.

En ningún momento parece nada elitista.

Para ello el director se sirve de la siempre estupenda

Isabel Huppert.

Que parece que no está interpretando.

De otro cineasta oriental llega su última película.

Interpreta a un actor de edad avanzada

que vive atrapado por su pasado.

Eso tiene que interpretar los milagros del juego y la vida.

Infumable título en castellano para la película más gamberra,

soez, zafia y políticamente correcta del año, pero probablemente,

la más divertida.

Es un poco ortodoxo de empeño de Brian Henson,

el hijo del creador de los Teleñechos.

Hay una mujer fatal. Más bien, una muñeca.

Y todo el sexo que se pueda esperar con alguna escena hilarante.

Además, la película tiene su mensaje sobre respeto

a los diferentes.

¿Puede esperarse más?

(HABLAN EN INGLÉS)

Muñecos era de lo que se servía Wes Anderson en "Isla de perros".

Una de estas películas de 2018.

Voces famosas en el original dan vida a esos personajes

de "Isla de perros".

Presumiblemente, a un futuro más o menos lejano,

pero que se parece a muchas cosas que vemos habitualmente.

Nos cuenta todo eso con su maestría única y de forma tierna.

Además, un trabajo artesanal espectacular que aprovecha

para homenajear a Kurosawa.

Hablamos de la película seleccionada por Venezuela

para competir en los Óscar.

¿Se puede construir una familia través de silencios

y retazos afectivos?

La ciudad de Caracas, su cara más áspera,

es la protagonista de esta película.

Los adultos sobreviven como pueden en trabajos esporádicos.

Los niños se crían solos en la calle en medio de una violencia brutal.

Es una película que está muy enraizada a lo que yo miro

de mi ciudad.

Hay muchos contrastes en términos sociales.

La película es muy áspera, muy brutal.

De alguna manera,

muestra ese país en el que nos hemos convertido.

Sobre todo, desde el punto de vista de las relaciones humanas.

-¿Qué te pasó?

Una violencia extrema que llega a un padre

y a su hijo de 12 años a vivir.

De paso, a conocerse y reconocerse por primera vez.

Frente a ellos, una ciudad que, de alguna manera,

ocupa el lugar de la madre ausente.

Poner a estos personajes a transitar este contraste.

Van desde un barrio humilde y, de alguna manera,

se refugian en una casa con mayores posibilidades.

Allí está el confinamiento,

donde ellos generan esa posibilidad de mirarse.

-Sube, sube...

-Tú eres maricón...

-Mira, que los vecinos empiezan a hablar.

Es una apuesta enérgica donde nada está explícito.

Y la violencia que envuelve

la película, que se siente, pero no se ve

y la relación esperanzadora entre ese padre y ese hijo.

Son dos personajes que se miran constantemente.

Se redescubren para generar esa química entre ellos.

Al final, ha dado una textura muy fuerte a la película

con una relación que pasa

por un distanciamiento emocional y físico y, al mismo tiempo,

a través de lo físico y las miradas se van viendo.

-Es un problema serio que hay que resolver.

-Te digo lo que yo haría.

-El padre se ve obligado a reaccionar por el otro.

Vemos si somos capaces o no de sacrificarnos y de empujar...

Gustavo Rondón Córdoba,

sin ningún parentesco con Mariana Rondón,

se estrena en la dirección cinematográfica con esta película.

Tuvo su estreno en el festival de Cannes de 2017.

A partir de ahí, estado en festivales de todo el mundo.

No estoy cagado. Conmigo nadie se mete.

-Con dos años más el chico,

la película era distinta.

Lo que su padre genere en su vida va a determinar su futuro.

Una historia muy recomendable.

(Música)

Con 74 años nos ha dejado aquella actriz que daba réplica

Clint en un puñado de películas.

Perdimos su rastro cuando dejó de colaborar con el actor.

En películas como "Impacto súbito",

"Duro de pelar"...

Hizo su estreno ante las cámaras

en una adaptación de "El corazón es un cazador solitario"

por ella estuvo nominada al Óscar por actriz de reparto.

Superaba con creces la veintena,

pero convenció a los productores de que tenía 17 años.

Trabajó a las órdenes de Daniel Mann

en una película de terror.

Para la televisión, a principios de los 70.

Luego, llegó su etapa con el famoso actor.

Se prolongó hasta 1983.

Luego, se separaron. Poco antes, había interpretado

a Rosmery Clooney en una película

para televisión.

Se retiró prematuramente como actriz para dedicarse

a la dirección en una serie de interesantes títulos,

aunque no tuvo suerte en la taquilla.

Los más conocidos son los dos primeros.

Su último trabajo es un drama protagonizado

por Patricia Arquette que rodó en 1997.

Reapareció como actriz en alguna ocasión.

En 2017, con Chris Carradine.

Con el recuerdo de Sondra Locke esquivando puñales les decimos

hasta siempre.

(HABLAN EN INGLÉS)

2018 nos ha dejado estupendas

óperas primas en el cine español.

Una de ellas es "Con el viento".

A su directora le hemos pedido su secuencia favorita.

Un drama protagonizado por una mujer y menuda mujer.

La secuencia final de "Stomboli" es una de mis secuencias favoritas.

Ha inspirado muchos de mis momentos cinematográficas como creadora.

Es una escena bellísima de relación del personaje con el mundo.

Y esta relación de lo que le sucede

a la protagonista y lo que sucede a su alrededor.

(Música)

Desde ese inicio,

desde esa subida que atraviesa

la niebla,

la luz que se transforma a través de esa niebla

y en toda esa subida hay una transformación

del personaje hasta llegar arriba y ver ese abismo delante de ella.

Allí ese conflicto,

ese choque con un volcán en erupción y ella tiene toda una serie

de emociones reprimidas.

De repente, detenerse, llorar,

con un montaje extraordinario con el rostro

de Ingrid Bergman llorando y el volcán en plena acción,

como explotando de emoción.

Hasta que levanta la mirada,

aprende a mirar después de entrar en conflicto con todo su alrededor.

Y ahí está Dios.

El misterio y lo bello.

Está en su poder. Descansar y la paz.

Y la retomamos en ese amanecer.

(Música)

(HABLA EN ITALIANO)

Está transformado.

Ella lo ha sacado todo.

Está tranquila y en paz.

Su entorno, que es el mismo volcán,

el viento está permanentemente también,

pero completamente distinta.

Es esa maravilla de lo que se puede comunicar de lo que le pasa

a un personaje por dentro y lo que sucede a su alrededor, ¿no?

Al final, ¿quién afecta a quién?

¿El mundo al personaje o el personaje al mundo?

Es una secuencia muy buena en relación al discurso general

del cine. Todo lo que el mundo puede decir de nosotros

y lo que nosotros podemos decir del mundo.

Os adelanto que la próxima semana no habrá "Días de cine".

En su lugar habrá una gala benéfica "Un juguete, una ilusión".

Os adelantamos algunos estrenos de la próxima semana.

Vuelve Koreeda.

Además, la película obtuvo la Palma de Oro

en el pasado festival de Cannes.

Como la semana próxima no tenemos edición adelantamos

a esta hablar "Un asunto de familia".

Una de las más grandes del año.

"Días de cine" ofrece un estreno.

Se puede acceder a él a través de nuestra web.

En 2014,"De tal padre, tal hijo",

planteé si era más importante el afecto o la consanguinidad

a la hora de formar una familia.

Aquí no les unen los afectos, sino el interés y el delito.

(HABLAN EN OTRO IDIOMA)

No está inspirada en una historia concreta,

pero se da el caso de familias que viven de la pensión

de muchos mayores, incluso después de su muerte.

En Japón, existe este tipo de problemas con las pensiones,

con la pobreza, con los robos en las tiendas.

De alguna manera, la mirada del director

es como la de un periodista que estuviera haciendo una crónica.

Desde ese microcosmos de marginalidad Koreeda

retoma una perspectiva similar a la de "Nadie sabe",

donde hablaba de un grupo de niños que vivían apartados

clandestinamente.

Vemos su tono y sensibilidad característicos con una familia

muy especial que se relaciona de manera muy diferente

con la sociedad.

El director doméstico que, desde el primer momento

de la película hasta el final,

mi personaje es un perfecto inútil que no mejora para nada.

Aunque la familia está en condiciones duras,

es incapaz de dar consejos a sus hijos.

Siente que sus hijos le van despreciando cada vez más.

-La muerte materializa un reflejo de nuestro equipo de rodaje.

Es nuestra verdadera familia.

Sinceramente,

no sé cómo haré nuestra próxima película sin ella.

(Música)

"Perdidos en París" es una comedia encantadora

y divertida. Un pequeño homenaje a Chaplin y a los hermanos Marx.

Una historia original con personajes entrañables

y surrealistas.

(HABLA EN INGLÉS)

Un viaje desde Canadá a París para acudir a la petición

de ayuda de una tía que se niega a ingresar en un asilo.

La llegada a una ciudad donde se suceden situaciones alocadas,

encuentros inesperados y relaciones peculiares.

(HABLAN EN FRANCÉS)

Además, es la última película de Emmanuelle Riva,

que tanto nos cautivó en "Amor",

de Haneke. Podría pertenecer a un personaje de un cuento contado

en clave de humor con pares de fondo.

El belga Dominique Abel y la canadiense Fiona Gordon,

unidos en la vida real y en el cine.

Autores de otras tres películas que también protagonizan.

Lo hacen en una nueva ocasión.

El baile y la música son un personaje más.

Hay escenas espectaculares fusionando lo absurdo y lo circense.

"Perdidos en París" se estrena la semana que viene,

el día que comienza el invierno. Nos llega como un aire de soplo fresco.

El terror zombi y el cine para adolescentes de instituto,

el musical y la comedia vuelve a las salas por Navidad.

Si queréis un todo en uno, vuestra película es "Ana y el Apocalipsis".

(Música)

Este reportaje podría comenzar con aquello

de que nunca antes habíamos visto al subgénero zombi mutar

al género musical y más al género de instituto.

Al puro estilo High School Musical.

Nos equivocaríamos.

Este mismo año se estrenó

una película de factura Disney con zombis de instituto

que sufren acoso escolar.

También encontramos otros antecedentes musicales.

Es cierto que "Ana y el Apocalipsis", probablemente,

sea la mejor hasta la fecha.

Aunque su antecedente directo de estuviese dotado

de mayor fuerza y gamberrismo de género.

Primero, hice un cortometraje.

A partir de ahí,

se decidió hacer un largo,

pero Ryan murió.

Los productores vieron mi primera película en el festival de Glasgow.

Era una comedia romántica.

Les pareció que tenía lo necesario para abordar "Ana y el Apocalipsis".

(Gritos)

La adaptación al largo de aquella deliciosa pieza

de terror ha convertido la propuesta en algo

más generalista.

Yo también quiero buscar a mamá,

¿cómo vamos a pasar entre tantos zombis?

Habla de tú a tú a los adolescentes.

Convierte la película en otra cosa.

Vamos a jugar algo para distraer la mente.

Así, no me mareo en el coche.

-Por supuesto,

en la película no crítica a la juventud. Se siente cerca de ellos.

Los muestra inteligentes y conectados.

Tiene que ver con lo que sucede en Gran Bretaña,

donde las generaciones mayores están tomando decisiones políticas

que afectan a todos y los jóvenes no se sienten identificados

con ellas.

La orientación esencial era contar que, cuando eres joven,

no tienes la experiencia directa de la muerte.

A priori, te queda muy lejos.

Los zombis son una metáfora de cuando la muerte

te toca de frente.

La película trata de ofrecer un camino en ese sentido.

Sobre cómo llevar esa experiencia.

En cuanto a lo musical, el director cumple.

Hay algún tema pegadizo.

No sabía mucho de musicales.

Había visto "La pequeña tienda de los horrores".

Cuando me dieron el trabajo,

me tuve que poner al día,

"Cabaret"...

Traté de ver "High School Musical", tras los 10 minutos la dejé.

Lo que descubrí es que las canciones deben mover la historia

y a los personajes.

El desarrollo del personaje en una película normal es más complicado.

Puedes poner a alguien haciendo un monólogo, pero no es algo habitual.

"Ana y el Apocalipsis" se suma a la tradición de cine británico

que se apropia de géneros americanos para darles una nueva orientación.

El icono reciente en ese aspecto es "28 días después",

de Danny Boyle, que trajo inspiración al fenómeno zombi,

pero tampoco se quedan atrás otros trabajos.

Como esta película, zombis tamizados por el humor british.

(HABLA EN INGLÉS)

Hubo una serie,

cuya premisa era un apocalipsis zombi y donde solo se libraban

los concursantes de "Gran Hermano".

Encontramos también otro tipo de películas y la reconversión

del género alienígena.

Y, de nuevo, parodia y homenaje al fin de los policías

de los años 90 en la campiña británica.

"Ana y el Apocalipsis" no está genial,

pero tiene cualidades sobradas

para dar una oportunidad. Es fresca y atrevida sin renunciar

a un ataque zombi de los que levantan pasiones.

(Música)

Dani Rovira y Emilio Martínez Lázaro estrena su tercera película

juntos.

Pareja de hecho del cine español,

después del éxito de "Ocho apellidos vascos"

y su secuela.

Estrena "Mi amor perdido".

Michelle Jenner es el tercer vértice del triángulo.

Llegamos mucho tiempos ya juntos, Olivia.

Necesitamos la comedia como respirar.

El humor y el mundo humano que nos diferencia

de otras especies no deja de ser un don que cada uno tiene

a su manera. Los que se dedican a provocar la sonrisa de otros

son unos pequeños héroes.

Una avanzadilla que pica piedra en las profundidades

del inconsciente.

-¿Quieres empezar una guerra? -Ya ha empezado.

-¿Quieres empezar una guerra? -Ya ha empezado.

-Si voy a un productor y le llevo un gran drama, la frase es que pensaba

que le iba a traer una comedia.

Realmente, a mí me encanta la comedia. El humor es amar

indirecto para contar lo mismo.

Pero siempre con más riqueza.

Por lo menos, es mi opinión.

El humor admite una interpretación más amplia de lo que se está

diciendo.

Es de una inteligencia superior a lo que no tiene humor.

Es la cosa menos tratada por los filósofos porque

es lo más misterioso para el ser humano.

-Creo que habíamos roto justo antes del accidente.

-Cuando pelees un guion de comedia,

es difícil leerlo solo y que te rías.

-Es una comedia gamberra.

Se hace putadas mutuamente.

Me pareció algo muy divertido.

No lo había explotado como actriz.

Explotarla de la payasa y gamberra me hacía ilusión,

la verdad.

-Tengo un palpito, tío.

Literalmente es un amor que se resquebraja

como una profecía cumplida.

Detrás de ellos,

un director de probada solvencia en el género,

el veterano Emilio Martínez Lázaro.

Los gatos existen mucho en el cómic.

Yo no soy nada de cómic.

Pero soy un fan absoluto

de aquel cómic de los años 70 y el famoso el gato.

Es uno de los personajes favoritos de la historia

de la literatura y el cine.

-Cuando ellos están bien, el gato está bien.

Si está mal, se escapa.

Hay mucha analogía.

También el guiño a la comunidad valenciana porque el gato

es "valencianomaullante".

Además, si le hablas en catalán, te bufa.

Mi amor...

-En cuanto a la comedia y la no comedia,

al director le pueden gustar el guion y los intérpretes.

A los guionistas les tiene que gustar el director.

Tiene que ser un intercambio por todas las partes.

En este caso, las películas se hacen a gusto y salen como salen.

Si esa falla de entrada,

es difícil que la película salga adelante.

Olivia, Mi amor perdido.

Lo podíamos haber perdido de otra manera.

Visto así parece un chiste del perro Mistetas

contado por Pablo Alborán.

En un cine quería bailar en contra de la voluntad

de su padre, fue en el año 2000.

Varios años después,

Icíar Bollaín nos habla de Carlos Acosta,

único niño cuyo padre animó a bailar.

Icíar Bollaín nos sorprende habitualmente.

El guionista es Paul Laverty.

Ganaron el premio a mejor guion en San Sebastián.

Han hecho un biopic sobre Carlos Acosta, el bailarín cubano.

En la película se interpreta a sí mismo.

Me pareció que había una película fascinante,

desde el principio, desde que leímos la autobiografía.

Es un niño que no quiere bailar y termina siendo una superestrella

del Royal Ballet.

-Me dieron mucha seguridad.

A mí me pareció un gran reto.

A mí me gustan los retos. Entonces, está bien.

Voy a hacerlo.

-El gran desafío era mezclar vida narrativa, cine y el pasado,

que se cambie con la magia de bailar.

Carlos Acosta es un mito de la danza en Cuba.

Tiene una gran historia.

Comenzó a bailar sin desearlo.

Su padre era autoritario. Quería explotar su talento.

Lo más trato. Algo así como lo antagónico de Billy Elliot.

Así que quiere ser bailarín, Carlos.

-No quiero.

-Sí quiere. -Quiero ser futbolista como Pelé.

-Un niño, de esas características,

un niño negro de la periferia, en ningún otro país,

hubiese llegado a ser bailarín.

-¿Sabes cómo se va a poner ese hombre cuando se entere?

No sabemos nada de él.

-Está presa.

Es el bisnieto de esclavos. Yuli fue el apodo

que le puso su padre.

Intento evitar la danza.

Alcanzó cumbres inesperadas. Fue el primer bailarín negro

que interpretó a Romeo en el Royal Ballet.

En "Yuli" se cuenta su infancia en un barrio marginal

de La Habana y la relación con una profesora que consiguió

en su talento.

Recordar el pasado me aterra.

Por eso, escribí mi biografía.

He estado viviendo mi presente y mi futuro.

He vivido varios proyectos.

-Si no bailas, tú y yo vamos a bailar después en la casa.

Para la interpretación del protagonista

se realizó un casting.

Magnífico el niño y el bailarín.

El bailarín cubano se ha estrenado como actor

en esta película.

Como si fuera un extranjero...

Debo ser el único cubano que quiere estar en Cuba.

-Carlo Acosta es un icono en Cuba y en el mundo.

Fue una emoción tremenda.

Soy bailarín de oficio,

pero nunca había tenido nada que ver con el cine

o con el teatro. Esta oportunidad de hacer cine me ayudó

para integrarlo a mi arte, que es la danza.

Para evitar un biopic al uso,

Para evitar un biopic al uso,

Paul Laverty escribió el guion contando la historia desde

el presente como director

de una compañía. Y espectáculos de danza que narran

algunos episodios de la niñez, la madurez y la juventud del bailarín.

La historia de Carlos es fascinante. Era muy interesante.

Luego, la manera de contarlo.

Creo que iba a ser original.

El reto es contar mucho menos de lo que ocurrió,

pero con toda la esencia de lo que ocurrió

y respetando al personaje y cómo vivió las cosas.

"Yuli" no es solo una biografía.

Es un viaje por el ritmo de los acontecidos de un país.

Es darnos riqueza.

Es la vida de Carlos,

pero también hay un reflejo con la historia de Cuba.

El cine puede ser un buen vehículo para disfrutar de la danza,

algo que hemos visto en algunas películas donde se refleja la lucha,

el sacrificio, la disciplina y la originalidad.

"Yuli" ha contado con un equipo profesional de primera

que ha remarcado la belleza de este arte.

Ha sido nominada a cinco premios

Goya. Actor revelación para Carlos Acosta.

También la música de Alberto Iglesias.

Todos suman para un resultado notable.

(Música)

(HABLA EN INGLÉS)

(Música)

Esta semana se han cumplido 70 años de la declaración universal

de los derechos humanos.

No conviene olvidarlo.

Fue la ONU, en su exilio estadounidense,

Jean Renoir nos ofreció en "Esta tierra es mía",

toda una lección sobre el valor de las cosas que no tienen precio.

Una persona puede mirar para otro lado

o puede hacer un gesto para cambiar el mundo.

Charles Laughton era esa persona.

Volvemos dentro de dos semanas.

Será el próximo 28 de diciembre, Día de los Santos Inocentes.

Y no es broma. Hasta entonces.

(HABLA EN INGLÉS)

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Días de cine - 14/12/18

14 dic 2018

Para comenzar, las británicas 'La búsqueda de la felicidad', con Gemma Arterton como protagonista; y 'Ana y el Apocalipsis', un musical con zombies; y el drama venezolano 'La familia'.

El espacio de cine de La 2 se adentra a continuación en estrenos españoles como 'Trote', dirigida por Xacio Baño; 'Miamor perdido', la nueva película de Emilio Martínez Lázaro, una comedia que cuenta con participación de RTVE; y'Yuli', dirigida por Iciar Bollaín con guion de Paul Laverty, biopic que relata la vida del bailarín cubano Carlos Acosta, leyenda de la danza y primer bailarín negro en interpretar algunos de los papeles más famosos del ballet.

'Días de cine' se adelanta también a otros estrenos como 'Un asunto de familia', la nueva película de Hirokazu Kore-Eda que tendrá lugar la próxima semana y que fue entrevistado por el programa en el pasado Festival de Cannes. Además, 'Perdidos en París' y la italiana'Acuarela'.

La secuencia favorita en esta ocasión será de la directora Meritxell Colell. Las recomendaciones de 'Días de cine', una mirada a las nominaciones de los Goya, y las novedades para ver cine en casa completan el programa de esta semana.

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