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No recomendado para menores de 12 años Días de cine - 14/09/17 - ver ahora
Transcripción completa

¿Qué tal? Bienvenidos a "Días de cine".

Hoy dos nombres propios destacan por encima de todos los demás.

Uno es el de una directora. Otro, el de un director.

Ella es americana, él, mexicano.

Los dos tienen un sello inconfundible

y muchísima personalidad.

Son Kathryn Bigelow y Amat Escalante, comenzamos.

(Música)

Los directores mexicanos triunfan.

En 2016, Amat Escalante obtuvo el León de Plata en Venecia

por esta poderosa cinta.

Un mundo entero por descubrir.

Lambert Wilson encarna al símbolo de la preservación de la vida marina,

Jacques Costeau.

Están destruyendo la ciudad.

Kathryn Bigelow firma una gran película

que habla con emoción y valentía de una plaga llamada racismo.

(Música)

Ya sabéis que "Detroit" es, sin duda, la película de la semana.

De ella hablaremos largo y tendido más adelante,

porque aunque no es la primera vez que un director blanco

se mete de lleno en la problemática negra,

sí que es verdad que este viaje al corazón del racismo

es realmente impactante.

Pero vamos a comenzar el programa de hoy con otro título.

"Alí y Nino" es una película que también trata de la intolerancia,

también habla del racismo, pero desde un tono muy distinto.

María Valverde es quien protagoniza este drama

que aborda una historia de amor condenada por la intolerancia.

(Música)

¿Quieres...

...casarte conmigo? -Sí, quiero, Alí.

-Tengo el honor de pedir el permiso de su alteza.

-El mundo sede de embarcado en una guerra terrible e impredecible.

Creo que deberíamos esperar hasta ver su desenlace.

Hasta el momento de casarse, Alí y Nino

tuvieron que superar infinidad de barreras.

¿Cuál es tu nombre? -Alí Khan Shirvanshir.

-Princesa Nino Kipiani. -¿Tú religión?

-Musulmán. -Ortodoxa georgiana.

-¿Qué deseas?

A principios del siglo XX, la pareja vivía

en la floreciente capital de Azerbaiyán,

un país en desarrollo gracias al petróleo.

Bakú era una ciudad cosmopolita, en la que convivían

distintas etnias, culturas y religiones.

La ciudad está a punto de caer, tenemos que irnos.

Huiremos juntos.

En su deseo por estar juntos,

lucharon contra costumbres y perjuicios ancestrales.

Nuestra ciudad está rodeada por desertores de los ejércitos del zar.

¡Ahora!

La importancia del petróleo, las aspiraciones independentistas,

la guerra y los cambios políticos y sociales

son el telón de fondo de su historia de amor.

Ahí está el problema.

"Alí y Nino" es una película con buenas intenciones,

que no llega a profundizar en ninguno de los temas que toca

y cuya historia de amor tampoco consigue emocionarnos.

Hace semanas que no recibo noticias de ti, Alí.

Me siento tan sola aquí.

Prométeme que vendrás tan pronto como puedas.

Asif Kapadia, director de excelentes documentales como "Senna" o "Amy",

por el que se alzó con el Óscar el año pasado...

...cuenta con Christopher Hampton

para adaptar la novela de Kurban Said escrita en 1937.

Os pido que os unáis a nosotros para poder defendernos

y mantener al enemigo alejado.

Apuesta por rodar en inglés y cuenta con un reparto internacional

con secundarios de lujo como Mandy Patinkin,

que encabezan Adam Bakri y María Valverde.

No quiero irme a Moscú. -Ya se han hecho los preparativos.

La española, con una carrera fulgurante,

debutó y ganó un Goya en 2003 por "La flaqueza de bolchevique"

con solo 16 años.

Ya veo de qué pie cojeas tú. -A mí las bragas no me importa nada.

-Mejor, yo no llevo.

Querido diario, hoy cumplo 16 años.

Me gustaría que estuviera aquí y no se fuera jamás.

-Te he preparado una sorpresa. -Estoy feliz.

-Yo muchísimo más. -¿Cuánto?

No le asusta ningún género ni los papeles arriesgados.

Pronto dio el salto al cine internacional.

"Alí y Nino" podía haber sido la oportunidad

de descubrir esta historia de Romeo y Julieta

entre Oriente y Occidente y, sobre todo,

de la importante coyuntura histórica.

Te quiero.

(Música)

De vez en cuando el cine también puede ofrecernos

la posibilidad de tomar un respiro.

Parar el habitual torbellino mental y de buscar

los innegables beneficios de la quietud.

El documental "Camina conmigo" da a conocer

la enorme figura del monje budista nacido en Vietnam, Thich Nhat Hanh,

propuesto para Nobel de la Paz y exiliado en Francia

tras abogar en los años 60 por evitar la guerra en su país.

Desde entonces, ha contribuido a extender la práctica

del hoy célebre hoy mindfulness o Vipassana,

según su acepción original.

El documental nos introduce en el monasterio budista

que fundaría en Francia para compartir

esa atmósfera espiritual que remite

a lo más genuino y noble de uno mismo.

Por supuesto, su narración es deudora

de ese desosiego contemplativo.

El espectador acaba teniendo la sensación

de que puede compartir la experiencia

con todos aquellos que buscan una inmersión en la atención plena.

Además, si esto es lo más conmovedor del documental,

bellísimas secuencias que indagan en la naturaleza

en busca de respuestas, ilustrando las reflexiones de Thich Nhat Hanh,

con la excepcional y sublime voz de Benedict Cumberbatch.

Merece la pena acercarse al cine

para dejarse llevar por "Camina conmigo".

Sin duda nos ayudará a parar esos pensamientos basura

que nos atenazan y a conectarse con un yo íntimo

que abre puertas a un sentido último de la existencia.

(Música)

Fue una horrible pesadilla.

-¿Y ese hombre que apareció de pronto delante de usted

como si fuera una pesadilla está en esta sala?

-Sí, está sentado...

-¿Es aquel hombre de allí? ¿Aquel soldado negro?

-¡Protesto!

-Retiro la palabra negro, quise referirme al acusado,

al sargento.

(Música)

Se estrena "La región salvaje".

Es una buena oportunidad para que os acerquéis

al cine y a la mirada del director mexicano, Amat Escalante,

uno de los novísimos del cine latinoamericano,

uno de los más destacados.

Aquí, en España, solo conocíamos su último trabajo, "Heli".

Ahora llega con "La región salvaje", por la que el año pasado

ganó el premio al Mejor Director en el Festival de Cine de Venecia.

Continúa con su temática social, pero da un giro importante

dentro de su trayectoria, introduciendo el género fantástico.

¿Sabe por qué hizo Dios primero al hombre? ¿No sabe?

Bien fácil, porque echando a aprender se aprende.

Desde que Amat Escalante

echara a aprender el oficio de cineasta hace 12 años

de la mano de Carlos Reygadas y a la sombra mexicana de Buñuel,

ha aprendido muchas lecciones hasta dar con su propio estilo,

una poética perfectamente reconocible

que le ha procurado justa fama internacional.

Su cine está hecho de austeridad formal

y planos frontales sostenidos en el tempo.

Actores que recitan, más que dar vida a sus diálogos.

Durante el trabajo me hicieron que acompañara

a una secretaria a su casa porque le raptaron al niño.

-¿Para eso te la tienes que agasajar?

Impactantes metáforas visuales.

Una apuesta en escena de la violencia antitarantinesca,

tan desnuda que duela al espectador

y ofende a parte de la crítica mexicana

por dar una imagen distorsionada de su país.

Y un bestiario de personajes lumpen, escasamente empáticos,

víctimas y verdugos de un ambiente social degradado

a los que Amat Escalante observa

con indisimulada condescendencia de antropólogo.

¿Qué vamos a hacer?

-Conseguir otro trabajo, ¿qué otro remedio?

Consciente de que tal suma de rasgos de estilo

corría el riesgo de estancarle en un manierismo sin sorpresas,

Escalante da un importante giro a su carrera con "La región salvaje",

su película más elaborada y enigmática.

Yo estoy muy inspirado siempre por lo que veo frente a mí.

Y también de una forma muy visual.

Así ha sido en mis tres películas pasadas.

He tratado de filmar la realidad sin tapujos

y sin mover la cámara casi.

Hacer una cuarta película de esa forma

me estaba faltando la inspiración.

Descubrí que a través de una fábula

como "Cuento en la región salvaje",

podía realmente entrar a la cabeza y sentimientos de los personajes.

Para mí, de una forma muy concreta y sencilla.

-Para atrás, por favor.

Toda la filmografía de Escalante está firmemente arraigada

en la más cruda realidad como fuente de inspiración.

También esta, pero lo que marca un antes y un después

de "La región salvaje",

es que por primera vez se atreve a adentrarse

en el territorio sin límites del fantástico.

La película es una mezcla del cine de terror,

ciencia ficción y cine social.

Parte de lo que fue la semilla que inició esta idea

fue una portada de periódico local

donde aparecía un hombre muerto, ahogado en un río.

El encabezado decía: "Ahogan a mariconcito".

Así fue que para representar lo que mostrar dentro los personajes

recurrí al terror para tratar de descubrir

por qué existe esta violencia y rechazo

hacia la sexualidad y hacia las mujeres.

(Música)

¿Estás meando fuera ahí?

Lo que cuenta es una historia de cuernos digna de un culebrón,

protagonizada por hombres violentos y mujeres sometidas

en un México machista y homófobo,

donde la represión sexual es el caldo de cultivo

de una violencia que parece no tener fin.

Yo vivo en México y quiero mucho el país,

lo admiro mucho, y por esto hago estas películas,

para poner el dedo en la herida.

Una herida supurante de sangre y semen.

¿Te gusta el sexo? -A todos, ¿no?

-Para estar viviendo en tiempos modernos, liberales, en general,

en cualquier país del mundo y cualquier persona

todavía tiene mucha represión sexual.

Donde vivo es uno de los estados

más religiosos y conservadores de México

y se siente fuerte esa represión y esa guía moral

que esta impuesta, en parte, de la Iglesia y buenas costumbres.

Pero veo también cómo eso deforma

y hace que en particular los hombres no puedan ser ellos mismos

y entonces terminan siendo violentos hacia otros hombres y mujeres.

Ahí, en México, hay también mucho problema con los feminicidios.

-¿Qué hubieras hecho después de bailar con ese cabrón?

-Tranquilo.

-Dime.

Reducido a oscuro objeto del deseo, el sexo es para Escalante

una monstruosa criatura zulawskiana,

que atrae a sus víctimas hasta su cabaña

como corderitos dispuestos al sacrificio

a cambio de ser colmados de placer.

Lo que está ya en la cabaña es la parte primitiva de todos.

(Música suspense)

Nunca se va a extinguir, solo se va a perfeccionar.

El salto al fantástico ha sentado bien a Amat Escalante,

que ha enriquecido notablemente su paleta de recursos técnicos,

desde el uso de la música extradiegética

hasta unos deslumbrantes efectos digitales

para facturar su película más comercial.

También la más retadora para el espectador.

Una película tan sugerente como los contornos cambiantes de las nubes

en los que cada espectador verá cosas distintas

guiado, probablemente, por sus propios fantasmas.

Es lo más hermoso que vas a ver en tu vida.

En el universo, probablemente.

(Música suspense)

Nada volverá a ser igual.

(Canción en ingles)

Recuerdo la sensación de la primera vez

que metí la cabeza bajo el agua.

La inmensidad, la pureza.

(Música)

¿Recomendamos ya algo a los espectadores, Gerardo?

Digo yo, venga.

Vamos a ver, de lo que hay en salas, hay dos historias

que están basadas en hechos reales, en historias reales,

y que merecen la pena.

Primero es un documental que se llama "Un tango más".

Es la historia de dos bailarines, que fueron pareja sentimental,

a lo largo de 50 años.

Una historia muy bonita con una música preciosa que es el tango.

La otra es una película que quiero reivindicar especialmente

porque yo creo que el título en español

no hace honor a la película que es,

que es "American made" en original, "Barry Seal: el traficante"

se ha titulado en España.

Es una muy buena película, que cuenta

todos los tejemanejes que tuvieron lugar alrededor de este hombre,

que pecó de vanidad, yo creo.

Salen conflictos, Irán contra la guerra, guerrilla en Centroamérica

de los rebeldes e insurgentes,

el tráfico de cocaína, el crecimiento del cartel de Medellín.

Bueno, toda una historia alrededor de este hombre

que acabó mal, pero es una historia real.

Estamos en la Sala Azcona y aquí no debemos olvidarnos

de que "Los lunes al cine" nos da la oportunidad

de ver películas estupendas de manera gratuita

y Bette Davis es protagonista la próxima semana.

Bette Davis con una película mítica que hizo con John Crawford.

Ya todo el mundo sabrá cuál es. Es "¿Qué fue de Baby Jane?"

Una película "bigger than life", gran guiñol, con dos estrellas

que se mataban entre ellas en la vida real, durante el rodaje.

Luego se puede ver un documental

que se llama "Los últimos días de Bette Davis",

al hilo de su última visita al Festival de San Sebastián

antes de morir y recibir el Premio Donostia.

Hay que aprovechar para ver esa serie que creo que está muy bien,

se llama "Feud", sobre el rodaje de esta película mítica

con Jessica Lange y Susan Sarandon haciendo de estas dos actrices.

Las dos pedazo de actrices también.

La próxima semana, "El rey del rock&roll".

¿Qué es lo que nos trae esa película y ese preestreno Días de Cine?

"El rey del rock&roll" es un documental, es cortito,

dura, no llega a 70 minutos, pero cuenta

los sueños, el sueño que es

convertirse en una estrella del rock&roll

o en rey del rock&roll, que como todo el mundo sabe, solo hubo uno.

Habla gente sobre cómo es el proceso de creación de una canción

y cómo se llega a grabar un disco, incluso al estrellato.

Gente como, por ejemplo, Ariel Rot, que nos encanta.

"Metacine", que lo he estado observando.

Metacine es un nombre que significa el cine dentro del cine,

que era lo que decía un anuncio que se ponía en los cines

hace muchos años.

Este libro habla de las películas que hablan sobre el cine,

tanto sobre el rodaje de películas, el proceso de creación,

los directores, guionistas, películas sobre el cine y el teatro,

películas sobre el cine y la televisión, muy completo.

"El show de Truman" estoy viendo aquí.

"El show de Truman", hay muchísimas películas.

Desde cine mudo hasta la actualidad, un libro muy bonito

que es un género que es un subgénero en sí mismo en realidad

y es muy bonito. De Miguel Herrero Herrero.

Hasta aquí las recomendaciones y vamos con las noticias

y a recordar a los espectadores que la semana que viene

se cumple el centenario

del nacimiento de un actorazo, Fernando Rey,

y que "Días de cine" ya está preparando

un reportaje impresionante.

(Música)

La semana que viene se cumplen 100 años

del nacimiento de un grande de España,

en términos interpretativos, Fernando Rey.

Por lo tanto, "Días de cine" prepara un especial

que intentará acercar al espectador, no solo a su figura pública,

sino aspectos recónditos de una de las personalidades

más misteriosas y complejas de nuestro cine.

De él, dijo Orson Welles que era el mejor actor europeo

y no se extendió más en el mapa, quizás, para no hacerse sombra

a sí mismo.

Mi rey, protesto, yo no he buscado este día de discordia.

Su indiscutible calidad,

su presencia icónica de elegancia irrepetible

y una carrera con más de 200 títulos a sus espaldas,

entre cine, teatro, televisión, doblaje y hasta populares anuncios

harían de él un actor imprescindible que en nuestra cinematografía.

¿A dónde va la gracia de Dios? -A buscar novio.

-Pues ya lo has encontrado, preciosa. -¿Tan viejo?

-No tanto, no tanto, que esté muerto el diablo.

Pero, además, debemos tenerle por el actor con residencia en España

de mayor proyección internacional de la historia,

hasta el punto de ser, gracias al cine de Buñuel, primero,

y William Friedkin, posteriormente, un rostro legendario.

En A Coruña, su ciudad natal, se prepara una exposición

comisionada por el catedrático de Comunicación Audiovisual,

José Luis Castro de Paz, y el periodista Rubén Ventureira.

"Fernando Rey. Cabaleiro do cinema" será el punto de partida

para desgranar la vida de este actor cineasta

del que también hablaran invitados con Jean Claude Carrière,

Carlos Saura, Jordi Grau, Juan Echanove e incluso su propio hijo.

No se lo pierdan la semana que viene en "Días de cine".

(Música)

Un año más, en septiembre tiene lugar la cita con Alcances

y van ya 49 ediciones.

La Sección Oficial ofrecerá 33 títulos,

que recogen lo mejor del documental español del último año.

Las propuestas son variadas, tanto temáticas como formales,

y, además, dos ciclos sobre el exilio y el refugio,

centrados en dos aspectos,

la memoria de los republicanos españoles mantenida

por los descendientes de aquellos exiliados de 1939

y el panorama actual de los refugiados internacionales.

(Música)

Y en Cornellà tiene lugar entre los días 15 y 17

la tercera edición del Festival de B-Retina,

que tiene como humilde objetivo honrar a eso que se conoce

como películas de serie B, aquellas que en su humildad

formaron una futuros grandes cineastas.

Un cine que complementaba los programas de exhibición

con estupendos títulos y, sobre todo,

esas películas que hicieron que Jack Warner

tuviera como mantra aquel famoso dicho:

"No la quiero buena, la quiero el martes".

(Música)

Y un año más, contamos una crónica breve del Festival de Venecia

desde la redacción de "Días de cine".

La 74 edición del que es el festival más antiguo

se saldó con la buena acogida a "Loving Pablo",

el film de Fernando León de Aranoa.

Y con el premio "A la forma del agua",

la nueva película de Guillermo del Toro,

quien será una de las principales figuras

de la 50 edición del Festival de Sitges,

una cita a la que "Días de cine" no faltará.

(Música)

Estamos aquí presentando la nueva edición,

la edición de 2017

del Festival Internacional de Cine Fantástico de Sitges,

como se le conoce popularmente.

Y que además coincide esta edición con el 50 aniversario,

lo cual hace una edición muy especial.

-Soy Guillermo del Toro invitándolos a que participen

en este 50 Festival de Sitges,

al que soy orgullosísimo padrino.

-El Festival 2017 comenzará el 5 de octubre,

comenzará de una forma estupenda, nada menos que con el estreno

de la película de Guillermo de Toro, "The Shape of Water",

"La forma del agua", película que ha ganado recientemente

el León de Oro en Venecia, lo cual nos hace muy felices.

(Canción en inglés)

Tenemos a Susan Sarandon, que nos vendrá a recoger

un premio merecidísimo, un gran premio honorífico,

pero también a recordarnos que empezó en el cine de culto,

en el cine más popular.

En esa maravilla que es "The Rocky Horror Picture Show".

(Música)

En medio, muchísimo invitado, cine español, cine internacional,

invitados nacionales, invitados de todo tipo.

Más para la gente del género,

más para todo el tipo de amantes del cine,

todo una fiesta, que es lo que se intenta hacer.

De Sitges la gran fiesta del cine fantástico y el cine en general.

(Gritos)

(Música)

La policía estaba allí.

Hubo muchos disparos.

(Disparos)

Cuando entré, había tres chavales muertos.

Dos años después de recibir el Premio En Construcción

en el Festival de Cine de San Sebastián,

llega a la cartelera el documental brasileño "Hotel Cambridge",

que nos cuenta la vida interior

de un edificio en la ciudad de Sao Paulo,

que ha sido ocupado

por un grupo de refugiados y gente de la calle.

Al interés de la temática,

se suma también el interés de las interpretaciones,

porque vamos a encontrarnos con actores profesionales

y otros que no lo son.

Y os aseguro que no vais a saber

quienes son unos y quienes son otros.

Probablemente, dice más de la sociedad en que vivimos,

con sus grandes lacras de desigualdad e injusticia

y del empobrecimiento de la gente.

Este edificio enclavado en São Paulo, Brasil,

ocupado por los parias del mundo que cualquier artículo periodístico.

"El Hotel Cambridge"

era un esqueleto abandonado y repleto de basura

hasta que un amplio de personas

de distintas profesiones y procedencias,

que se habían visto arrojadas a la calle,

decidieron insuflarle al aliento y tomarlo como residencia ocasional

hasta que en la vida les ofreciera mejores oportunidades.

Pero una resolución judicial exigiendo el desalojo

colocó una espada de Damocles sobre sus cabezas.

La cámara de Eliane Caffé se cuela

entre las paredes destartaladas del edificio,

da fe de la lucha cotidiana de sus habitantes

por construir allí algo parecido a un hogar.

Es testigo de sus problemas

y también de una sorprendente capacidad organizativa comunitaria

de la que hacen gala saltando por encima

de los variopintos orígenes para hacer frente a la grave amenaza.

Los peculiares clientes de tan peculiar hotel

que proceden del extranjero son refugiados,

del mismo modo que los brasileños que allí viven

son refugiados dentro de Brasil.

Con estas palabras, surgidas en una discusión mantenida

en el marco de una asamblea,

se resume lúcidamente el contenido

de este singular cruce de géneros, documental y ficción,

propiciado por la interacción de un pequeño grupo de actores,

encabezado por Carmen Silva,

con auténticos moradores del edificio ocupado.

(Música samba)

(Canción en inglés)

¿Cuánto pide por esta hembra y el mamón?

Pueden valer 650.

-Demasiado, no sacaría por ellos más de 7 en Nueva Orleans.

(Música)

Hace casi 40 años que sabemos que en el espacio

nadie puede oír nuestros gritos.

Tal frase era uno de los eslóganes publicitarios de "Alien"

estrenada hace 38 años.

(Inglés)

Varias películas más tarde y retomada la saga

en forma de precuela por su fundador Ridley Scott,

nos llega ahora "Alien: Covenant".

Segunda parte o secuela de la precuela que fue "Prometheus"

y precuela, aún en sí misma,

pues falta otro título para cerrar el círculo

que nos lleve hasta la Nostromo.

(Inglés)

La Covenant es la nave en la que viajaba una misión colonizadora,

pero por ahí andan perdidos en la Prometheus

David, Michael Fassbender, la androide

y Elizabeth Shaw, Nooomi Rapace.

En la Covenant están Katherine Waterston y Billy Crudup.

Y de nuevo, una androide con la cara de Michael Fassbender.

Una señal de socorro, el planeta de los creadores,

pisa en el sitio menos apropiado.

Un juego de dobles, un murador que no tiene demasiada prisa

y la ingeniería genética al servicio de sus delirios.

"Alien: Covenant" es muy entretenida,

pero seguimos percibiendo el terror puro y sin razones

de la "Alien" original.

Mucho más lúdica es "Guardianes de la galaxia Vol. 2",

que en esta nueva entrega de James Gunn

nos atrapaba desde una primera secuencia deslumbrante,

para no dejarnos en toda la película.

Siempre acompañados de una arrebatadora banda sonora

que juega a ser diegética y a dejar de serlo.

Del cómic a la pantalla para disfrute de todos.

Estos guardianes se enfrentan a muchos problemas,

cada uno a su estilo.

Con pocas palabras como Groot, con muchas como Rocket.

Con ironía, con fuerza e incluso con ánimo de venganza.

(Música)

Es divertido comprobar cómo en una historia

pueden colarse como si tal cosa elementos propios

de las tragedias griegas o de Shakespeare.

Como son el hecho de jugar a ser Dios

o los conflictos padre e hijo.

Puede que "Guardianes de la Galaxia Vol. 2"

no sorprendiera tanto como el Vol. 1,

pero igualmente, no deja que apartemos la vista de la pantalla

durante el metraje.

Divertimento y buen hacer con Chris Pratt y Zoe Saldana,

bailando en planetas lejanos con música de los 70.

Y sus imparables compañeros.

Es músico, actor y también médico nacido en Uruguay

y ganador del Óscar a la mejor canción

por "Al otro lado del río".

Solo hay uno, ¿verdad? Jorge Drexler.

A él le hemos preguntado por su secuencia preferida

y, claro, fiel a sus raíces,

ha optado por una película sudamericana.

Hay una película de Burman, por citar una,

sobre la cual escribió una canción sobre esa secuencia.

Mirando desde mi balcón.

Era una canción que se llamaba "Las transeúntes".

Está dedicada, de hecho, a Daniel Burman.

-¿Es tuyo?

-Ah, no, es de un pariente.

-Ah, ¿lees cosas de otro?

-La película "En el nido vacío", hay una secuencia,

y no tiene nada que ver con haber hecho una película con él,

simplemente que me gusta mucho Daniel como director.

El protagonista está enamorado de su dentista.

Sale como una ensoñación...

(Piano)

Ella entra en un centro comercial y, de golpe,

esa mezcla de realidad con fantasía

empieza a establecerse como una coreografía.

(Música)

Empiezas a darte cuenta de que las personas que van bajando

por las escaleras mecánicas,

de golpe ponen todos al mismo tiempo la mano en el apoyabrazos.

De golpe giran la cabeza todos en el mismo lado,

y de golpe ves todo el centro comercial

moviéndose

al ritmo de una música, de "El bolero de Ravel".

(Música)

Y me encanta esa manera de contar

cómo se proyecta lo que el mundo, lo que le pasa dentro al protagonista.

De ahí escribí una cosa que se llama "Las transeúntes"

la cual, dentro de la vida real, hay alguien mirando por la ventana

y de golpe la realidad se organiza. Como en un musical.

Ese salto entre la fantasía y la realidad me encanta, ¿no?

Ricardo...

-Hola.

Estoy con el auto, ¿te acerco?

También se cuela esta semana en la cartelera

todo un icono de la televisión de los 60 y los 70.

La persona que nos conciencia de la necesidad de preservar los mares.

"Jacques" es un biopic al uso

sobre el legendario explorador Jacques Cousteau.

Una película que seguro que va a interesar más a los espectadores

avezados en el personaje, pero hay algo indiscutible.

La potencia visual de sus imágenes.

El comandante Jacques Cousteau, su hijo Philippe y el Calypso,

el barco oceanográfico desde que llevaban a cabo sus hazañas,

forman parte del referente cultural de varias generaciones

de todo el mundo.

Ellos fueron los primeros en mostrar el fondo marino en televisión.

Una pasión que les llevó posteriormente a concienciar

a la sociedad de la necesidad de preservar el ecosistema marino.

Cuando te sumerges bajo el agua estás en un estado de ingravidez total.

Ahí abajo el azul se vuelve cada vez más profundo.

"Jacques", la película que se adentra

en la vida del famoso comandante

es el relato de algunos pasajes de la vida de Jacques Cousteau.

Un mundo entero por descubrir.

-¿A qué esperamos?

Una adaptación libre de algunos libros dedicados a su vida.

"Mi padre, el capitán Jacques-Yves Cousteau",

de su hijo Jean-Michel y capitán del Calypso,

escrito por Albert Falco,

su estrecho colaborador durante más de cuatro décadas.

El Calypso... ¿No irás a comprarlo?

-Ya lo he hecho.

-Este barco hará realidad nuestros sueños.

"Jacques" es un viaje junto a un explorador marino.

Seguramente, el más célebre de todos.

Nos lleva por los fondos marinos del Golfo Pérsico

de Ushuaia o la Antártida, solo por citar algunos.

Estás dispuesto a todo por dinero, ¿no?

-¿A qué te refieres?

Con una estructura circular y con el título original de la odisea,

"Jacques" es el título que han puesto a la película en España

y es realmente la odisea de un personaje empeñado

en conseguir sus sueños.

Podrás contar una gran una historia,

una gran mentira llena de delirios de grandeza, como a ti te gusta.

El comandante Cousteau y su tripulación haciéndose amiguitos

de los animales salvajes.

Estupendo, genial, bravo. ¡Vaya mierda!

Un relato convencional, pero no por ello menos meritorio,

que centra su atención en el entorno personal del comandante.

Recuerdo la sensación de la primera vez que metí la cabeza bajo el agua.

En la convivencia con su mujer,

personaje interpretado por Audrey Tautou,

y especialmente, la siempre difícil relación

que tuvo con su hijo Philippe.

Todos estos años, cuando te veía avanzar y superarte,

te admiraba.

¿Por qué te he admirado tanto, papá?

Jacques destaca por su sobresaliente trabajo

de caracterización de todos sus elementos.

Una película de época que transita por la segunda mitad del siglo XX

con naturalismo, sin aristas.

Yo formo parte de la generación que creció

con los documentales de Cousteau.

Así es que hay una parte de mi espíritu

que fue marcada por él.

Simplemente, tenía que dejarlo salir.

Lambert Wilson,

uno de los intérpretes franceses más internacionales,

es el actor que lo tenía más difícil.

Su personaje permanece en la memoria icónica de todos.

Y lo resuelve con un asombroso ejercicio de mimetismo.

Lambert Wilson es Jacques Cousteau

desde el mismo comienzo de la película.

Seguramente, más elegante que el original.

Pero es él, sin duda.

Yo no soy un imitador.

No puedo cambiar mi voz.

Intento hacer una síntesis de lo que él era.

Algo que se siente.

Después hay cosas más carismáticas, más sencillas.

Su manera de vestirse, su piel bronceada,

su gorro o su delgadez.

También su manera de moverse, tanto debajo del agua,

como en tierra. Son cosas que yo he trabajado mucho.

"Jacques" es el cuatro largometraje del director francés Jérôme Salle.

Y el primero de su filmografía que se adentra

en un drama personal y familiar.

En narrar la biografía de un personaje singular.

El thriller era, hasta ahora, el terreno habitual de Jérôme Salle.

Tanto en sus dos adaptaciones del cómic belga de "Largo Winch",

como en "Zulu",

un drama policiaco ambientado en la Sudáfrica posapartheid.

El gran reto para mí ha sido hacer una película sin pistolas,

que a la vez era también lo que me entusiasmaba.

Me encanta el thriller,

pero como director creo es interesante ponerse

en una situación de riesgo.

Enfrentarnos con historias respecto a las que no tenemos certidumbres.

-Siempre te amaré.

-Tienes mucha labia, Jacques.

O majestuosas imágenes de dentro y fuera del mar,

Jérôme Salle en "Jacques" nos relata la vida de Jacques Cousteau

desde su lado más íntimo.

Hace más de 30 años descubrí un nuevo mundo

y quise conquistarlo, cuando solo tenía que protegerlo.

Su relación con la naturaleza y su familia

y la percepción de la vida de un hombre con muchos claroscuros,

con muchos contrastes en su vida privada.

Pero con un enorme mérito en el estudio

de la relación entre el hombre y la naturaleza marina.

(Música)

Como tu hocico de betún nos vuelva a traer problemas con los federales,

te juro por mis cojones que te vamos a enterrar, negro.

Y no en una caja de pino.

En 2010, Kathryn Bigelow se convirtió

en la primera mujer en ganar el Oscar a la mejor dirección

por la extraordinaria "En tierra hostil".

Con el morbo añadido de que le estaba arrebatando

ese Oscar a su exmarido que optaba por "Avatar".

Ahora estrena "Detroit".

Es una película que mantiene el espíritu de su cine.

Antes de hablar de ella, vamos a echar un vistazo

a la trayectoria de la directora americana.

Detroit es una ciudad en guerra.

Se ha prohibido totalmente el acceso a un área de 150 manzanas.

Paracaidistas del Ejército, soldados de la Guardia Nacional,

Policía Local y Estatal

siguen enfrentándose a un puñado de francotiradores.

Antes de haber obtenido un sonoro fracaso

en la taquilla de su país con "Detroit",

potente denuncia de las miserias racistas norteamericanas,

Kathryn Bigelow conoció las mieles del éxito rotundo

con el mismo guionista Mark Boal

en sus dos filmes precedentes.

"En tierra hostil" y "La noche más oscura".

Bienvenido a Camp Victory.

-¿Camp Victory? ¿Esto no era Camp Liberty?

-No, bueno. Le cambiaron el nombre hace una semana.

Victory suena mejor.

Con "En tierra hostil" ganó seis Oscar

en total de nueve nominaciones.

Entre ellos, a mejor película y mejor dirección.

De hecho, ya se ha dicho,

era la primera mujer que lo conseguía.

Solo llevo en esto 30 años.

Así que, cuando digo que no os rindáis con vuestros sueños,

lo digo literalmente.

-Tenemos una misión.

La guerra de Irak era el marco de un thriller tenso y asfixiante

en el que se desarrollaba la actividad

de una unidad de élite dedicada a desactivar minas.

¿Te das cuenta de que cada vez que intervenimos...

es a vida o muerte?

Escenario propicio para articular un discurso antibelicista

que no excluía un sutil aroma patriótico,

mucho más evidente en "La noche más oscura".

Saque las manos del bolsillo. Vamos, ahora.

Crónica político policial,

relato vibrante y muy verosímil aunque, posteriormente, puesto

en cuarentena por prestigiosos artículos periodísticos,

de las sucias artes de la CIA, torturas incluidas,

para asesinar al enemigo público número uno, Bin Laden.

Voy a machacarte.

¿Alguna pregunta?

La película muestra el trabajo secreto de los agentes de la CIA

dedicados a la caza de Osama Bin Laden.

Posiblemente, el hombre más peligroso del mundo.

Pocos espectadores del cine vibrante de Kathryn Bigelow

magníficamente rodado y pegado a los acontecimientos de gran impacto,

especialmente en el último tramo de su carrera,

saben que antes de ser cineasta fue pintora y agente de policía.

Encontrar la huella que ese oficio ha dejado

en el celuloide de esta directora,

tendríamos que revisar "Acero azul", su tercer filme.

Un thriller en el que Jamie Lee Curtis

se enfundaba el uniforme y era suspendida del servicio

por haber provocado la muerte de un asaltante a un supermercado.

Suelta el arma.

Seguramente también se habrá proyectado sobre

sus maneras de hacer y dirigir

la influencia de quien fuera su marido durante dos años,

James Cameron.

Al menos fue guionista de un título que ha terminado con el tiempo

por ser más apreciado que el preestreno.

"Días extraños".

El reparto incluía a Ralph Fiennes, Juliette Lewis y Angela Bassett.

Para él no eres más que una propiedad, eres como un Ferrari.

Algo para enseñar a los amigos.

-¿Y? Él también tiene sus ventajas, ¿sabes?

-¿Cuáles? ¿Va a producirte un disco? -Puede.

Nunca se sabe.

Su primera película, "The Loveless",

violenta historia de motoristas macarras.

estaba protagonizada por Willem Dafoe

y por ella no se le regalaron demasiadas flores.

(Disparos)

La segunda se encuadra en el género de terror.

"Los viajeros de la noche".

Esta, ya sí, atrajo la atención de la crítica.

Para ti.

-Adiós, amigo.

El suspense y la intriga como elemento sustancial

y común a toda la su filmografía

afloraban en "Le llaman Bodhi",

en la que encontramos a Patrick Swayze

y Keanu Reeves en sus mejores tiempos.

Keanu Reeves como agente del FBI,

infiltrado entre practicantes del surf

para desarticular una banda de atracadores.

No me dirán que el argumento no apunta alto.

Tira del paracaídas, Bodhi. -¡Estás loco!

-¡Tira del paracaídas! -¿Por qué no tiras tú?

-Nos estamos quedando sin vino.

Sean Penn, Elizabeth Hurley y Catherine McCormack

protagonizaron un interesante thriller criminal.

"El peso del agua", no demasiado valorado.

Precedió a una entrega de submarinos en plena guerra fría.

Ha puesto en peligro innecesariamente este submarino.

Ya saben, la extinta Unión Soviética era entonces el imperio del mal

frente a Estados Unidos.

Hollywood se pasaba al otro lado del telón de acero

para contar un accidente nuclear del enemigo.

Harrison Ford y Liam Neeson

convertidos en muy improbables oficiales soviéticos.

A ningún marinero se le ha dado un barco como el K-19.

Es el mejor submarino del mundo.

No fracasaremos.

Después llegaron sus obras más celebradas.

Las citadas al inicio de este reportaje, "En tierra hostil"

y la noche más oscura.

Hay quien dice que la mejor de toda su filmografía se estrena hoy.

¿Creéis que es un farol?

¡Lo tenéis crudo!

Ahora sí, viajamos de la mano de Kathryn Bigelow

hasta "Detroit" al 23 de julio de 1967.

Es la fecha en la que se produjo uno de los disturbios raciales

más grandes de la historia de Estados Unidos

que acabó con 43 muertos y más de 1200 heridos.

A partir de ahí,

la directora californiana recurre a lo que mejor sabe hacer,

contar historias personales y sociales

que tuvieron lugar en el conflicto.

Se ha prohibido totalmente el acceso a un área de 150 manzanas.

50 años después de los disturbios raciales de Detroit,

ver esta pertinente y muy recomendable película

nos confirma algo que sospechábamos.

Podría volver a suceder.

Oiga, todo en orden. Aquí está todo tranquilo.

Dormiré cuando acaben los disturbios.

-Me motivó el que fueran hechos poco conocidos y que, por otra parte,

fueran tan contemporáneos.

-Es una zona de guerra.

La gran cineasta Kathryn Bigelow

recurre a material de archivo sabiamente insertado en la acción.

Acción llena de energía, tensión y veracidad documental.

Bigelow no necesita de discurso,

pero sabe provocar una reflexión inevitable

a raíz de todo lo que vemos.

Tanto la extraordinaria fotografía de Barry Ackroyd,

como el reparto, también extraordinario,

hacen que más que una recreación de los hechos,

sea una ascensión orgánica que nos da la oportunidad

de contar esta increíble y trágica historia.

-¿Qué haces en mi calle? -A mí no me apuntes.

-¿O qué?

(Disparo)

Al suelo, todos al suelo. -¿Quién ha disparado?

-No sé. -Joder.

-¿Serás cabrón?

-El hecho de utilizar material de archivo

nos dictó claramente look y el sentimiento del film.

De hecho, Barry usó lente y objetivos que eran típicos de aquella época

y consiguió la textura idónea que permitía que ambos materiales,

archivo y ficción, pudieran coexistir perfectamente.

-Nos están disparando.

La violencia comienza con una redada en un club ilegal

de los barrios deprimidos de Detroit.

Aquellos que se formaron a raíz de la inmigración afroamericana

de los Estados sureños a los del norte,

tal y como cuenta la película en su prólogo.

De entrada, queda claro la manera en que tratan las fuerzas del orden

a los represaliados,

deja entrever un prejuicio a menudo justificado

por un miedo inducido.

Se fabrica en la mente a partir de una categorización simplista.

Este hecho es un fenómeno universal

que se repite una y otra vez a lo largo de la historia.

Por eso, "Detroit",

la película tiene una absoluta vigencia.

Rescata, además, un hecho luctuoso del que se puede aprender mucho.

Ayuda a contrarrestar uno de los peligros de la mente humana,

ya sea a título individual o colectivo.

La de olvidar o manipular el pasado.

Esa memoria traicionera que va adquiriendo nuevas formas

con el paso del tiempo.

Sois unos delincuentes.

Mark Boal, guionista habitual de Kathryn Bigelow,

confecciona el guión a partir de los testimonios

de los supervivientes de aquellos trágicos días.

Centra su atención en el cruento episodio que aconteció en el motel,

donde un grupo de ciudadanos de color se refugian de los disturbios,

en compañía de dos mujeres de raza blanca.

Un hecho fortuito pone en guardia a la Policía y a la Guardia Nacional,

que había entrado como refuerzo en la ciudad.

Rodean el motel, entran y comienza la mayor pesadilla

para los que, por una desgracia del azar, estaban dentro.

Entre ellos, algunos miembros del grupo musical The Dramatics,

que justo antes actuaban como teloneros.

Comprobamos viendo "Detroit" cómo la ciudad sirvió

para esa explosión de creatividad musical

de la mano de la Tamla-Motown

de la Bigelow se hace eco.

1967 fue un año de apogeo y de la Motown,

nombre que, precisamente, se refiere a la ciudad de Detroit.

De hecho, el Motel Algiers era un lugar de encuentro

de los músicos del momento,

tanto a nivel nacional como internacional.

Por supuesto, nada de lo que vemos, tanto en el asalto al Motel Algiers

como en el posterior juicio a los policías,

nos dice que estamos en un país donde se respetan

los derechos humanos y la presunción de inocencia.

Y hablando de las interpretaciones,

debemos destacar dos actores y sus personajes.

Por un lado, John Boyega,

que encarna a la perfección al ciudadano consciente y tranquilo

que apoya el orden, pero ve cómo solamente, por ser negro,

las consecuencias de sus acciones no valen para nada.

Eres sospechoso.

El otro es el policía Krauss a cargo del actor Will Poulter.

No solo transmite inquietud,

algo así como una inquietud normalizada,

sino que en su proceder,

intuimos claramente una exacerbada conciencia profesional,

pero al servicio de ese mal que anida en los recovecos de la mente.

Esa idea distorsionada que despoja de toda la posibilidad de humanidad

al oponente.

En este caso, por el color de su piel.

"Detroit" se inscribe dentro de esa amplia filmografía

sobre el racismo que ha visto incluso un renacer

en los últimos años y se da por algo.

(Música)

Como colofón, el documental estrenado este mismo año

que merecería la pena revisar de nuevo tras ver "Detroit".

Hablamos de "I Am Not Your Negro".

(Inglés)

Entre la excelente canción "Nowhere to Run",

la película de Kathryn Bigelow

deja de lado todo atisbo de esperanza,

especialmente, tras comprobar el funcionamiento de la justicia

en la última parte del film.

Por eso, la contundencia de lo narrado

no necesita de tesis añadida.

Su fuerza está en provocar una reacción

y un debate que, necesariamente, empieza por uno mismo.

(CANTA EN INGLÉS)

Podríamos decir que hoy hemos tenido un programa blanco sobre negro

y por eso acabamos de recordar esa visión musical

de la negritud que King Vidor nos ofreció en "Aleluya",

una visión quizá un tanto ingenua, pero que tiene el valor

de ser la primera vez que un director ponía el foco

en los negros americanos.

Y si hablamos de "Detroit", de la Motown,

los disturbios raciales y de la opresión,

no podemos olvidarnos de Marvin Gaye.

Y con una de sus canciones,

uno de esos himnos a la dignidad y a la lucha,

nos vamos a despedir hasta dentro de siete días.

Ya estamos trabajando para el próximo "Días de cine".

Os esperamos.

(Música)

(Música créditos)

  • Días de cine - 14/09/17

Días de cine - 14/09/17

14 sep 2017

Días de cine', avanzará en el programa de este jueves los estrenos de 'Detroit', 'Jacques', 'La región salvaje', 'La vida inmoral de la pareja ideal' y 'Ali & Nino'. También se recordará a Fernando Rey, con un adelanto del especial que está preparando el programa por el centenario del nacimiento del actor.

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