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No recomendado para menores de 12 años Días de cine - 14/05/15 - ver ahora
Transcripción completa

¿Queréis salir de esta con vida? -¡Nos vamos!

George Miller vuelve a la carretera con Charlize Theron y Tom Hardy

en la nueva entrega de "Mad Max".

François Ozon sabe jugar al drama y la comedia

con Romain Duris y Anaïs Demoustier.

La actriz francesa es capaz de mejorar lo bueno

y esta semana estrena película, "La profesora de historia".

-No hay chistes inocentes.

Qué bonita la frase con la que hemos empezado

el programa de hoy, es de Ingrid Bergman.

Estamos celebrando este año el centenario de su nacimiento,

al igual que sucede con Orson Welles,

y ella es la imagen del cartel del festival de cine de Cannes.

Un certamen que ya ha levantado el telón,

allí han podido disfrutar de una película

que llega esta semana a la cartelera española,

"Mad Max, furia en la carretera".

Recupera esa trilogía de los años 80

protagonizada por Mel Gibson. ¿Qué novedades podemos contar?

Que recupera la esencia de la segunda película,

está rodada en 3D, una de las grandes sorpresas

es la Emperatriz Furiosa y, además, que es una persecución sin fin.

-Cuéntame tu historia. Cuéntamela.

Un coche, una carretera, Mad Max.

-¿Qué te quema por dentro? ¿Has matado muchos hombres?

¿Has visto morir a muchos seres humanos, perdiste a tu familia?

Parece una ecuación sencilla,

pero 36 años después de que Mad Rockatansky

pisara por primera vez el acelerador,

George Miller ha querido elevar los exponentes

y la solución algebráica es muy positiva.

Cada vez que decides hacer una película te preguntas

qué hago aquí, ni loco.

Con esta película me lo he preguntado todos los días

y, después, cuando la vi terminada, me dije "¿esto lo he hecho yo?".

Sí, así es, he rodado otra película de Mad Max.

Policía parco en palabras y azote del mal,

la vida de Max quedaba destrozada por un grupo de motoristas amorales

en un mundo preapocalíptico y decadente

que auguraba el fin de la sociedad tal y como la conocemos.

-Tengo miedo, jefe. -Bah.

-¿Sabes por qué? porque todo me parece un circo.

Empiezo a disfrutar.

El éxito de esta modesta producción australiana,

que le permitió a Miller realizar otras dos entregas

con muchos más medios y un resultado desigual.

-Nadie, nadie saldrá vivo de aquí.

La segunda, precedente directo de la que ahora se estrena,

discurría ya tras la hecatombe mundial

que había asolado el planeta.

Mad Max, convertido en un antihéroe solitario

abocado a la autodestrucción, vagaba errante por un paisaje yermo

en el que la gasolina era el más preciado botín.

Para muchos, la mejor de la saga.

Por el contrario, y a pesar de Tina Turner,

"Más allá de la cúpula del trueno", fue una decepción

en la que el paisaje devastado tenía más que ver

con una atracción de feria que con la distopía.

-En este páramo, yo soy el que huye de vivos y muertos.

30 años después, "Mad Max, furia en la carretera",

rescata la esencia de lo que le convirtió en un referente

y se presenta como una película en línea recta,

la que marca el camino de los protagonistas.

La estructura del film es la más sencilla,

la de una persecución.

Perseguir o ser perseguido, esa es la cuestión.

-Así es mi existencia en este desierto.

Amedrentado por los carroñeros.

En esta clase de relatos

el camino es un itinerario físico y moral a la vez.

Es en las digresiones y los elementos que introducen

esa estructura, donde aparece la mano del director.

-¿Qué haces? -Rezar.

-¿A quién? -A quien me escuche.

-¡Yo seré quien nos haga...

...resurgir de las cenizas de este mundo!

El punto de partida es familiar, el apocalipsis ya ha ocurrido.

En esta tierra devastada,

la única fuente de recursos es el ser humano.

La sangre de los cautivos

sirve para alimentar a los guerreros de Inmortan Joe,

el señor de la guerra.

Hay mujeres destinadas a producir leche para él,

sus hijos y sus fieles.

Los quiero de vuelta, son de mi propiedad.

Una mujer, Imperator Furiosa, decide robar al líder

su tesoro más preciado, su harem,

un grupo de mujeres jóvenes y hermosas

a las que utiliza para perpetuar su progenie.

¿Queréis salir de esta con vida? -¡Nos vamos!

¿Y dónde aparece el loco Max en todo este lío?

Durante la primera parte es capturado,

apaleado y utilizado como bolsa de sangre.

Solo veremos su cara a través de una máscara de hierro.

Otra muestra de inteligencia en el film.

Miller nos acostumbra al nuevo aspecto de un personaje

que está marcado a fuego por la impronta de Mel Gibson.

Tom y Mel comparten cierto carisma animal

y habilidades interpretativas físicas y emocionales.

Parece como si tuvieran un volcán en su interior,

pueden parecer fríos y silenciosos,

pero sabes que van a entrar en erupción.

"Mad Max, furia en la carretera" es la demostración

de cómo George Miller conjuga

elementos procedentes de universos distintos

y hace con ellos una mezcla coherente y sugerente.

¡No!

En la película están las locas persecuciones

Tex Avery y el western de John Ford.

Hay un personaje calcado del coyote y otro podría ser Piolín.

Los indios usan motos, pero el paisaje sería la réplica

del de "Monument valley" y hay etapas del camino

que alude a "Los centauros del desierto".

También hay algún guiño a Matrix y, por supuesto, por encima de todo

está el universo de Mad Max,

que tiene suficiente entidad para no diluirse en medio de ese coctel.

-Está todo aquí. 11.000 l de gasolina, lo que pedisteis.

En este mundo de western y motores de explosión,

un mundo machista y destructor,

Miller se pone claramente del lado de las mujeres.

-¿Has hecho esto antes?

-Muchas veces. Pero nunca en un camión de guerra.

Podríamos hablar de poder femenino pero sería más justo

hablar de fuerza.

Poder es una palabra masculina y fuerza es una palabra femenina.

-Buscan esperanza. -¿Y tú?

-La redención.

Imperator Furiosa es el personaje que encarna, precisamente,

ese cruce de fuerzas masculinas y femeninas.

Charlize Theron hace un trabajo sobresaliente

en su encarnación de esa mujer salvaje y herida,

una mujer que puede matar,

pero que tiene un poso de dolor y de inocencia en la mirada.

George conoce muy bien la situación que viven las mujeres,

no las pone en un pedestal sino que muestra

que, como en el mundo actual,

las mujeres son ciudadanos de segunda clase.

Y eso genera mucho dolor y sufrimiento.

Lo paradójico es que no habría futuro sin las mujeres,

sin su capacidad para procrear. Son vitales para la supervivencia.

Tom Hardy tampoco sale mal parado en su pelea

con el personajes de Max Rockatansky.

No era fácil teniendo enfrente el peso de un icono

que parecía inseparable de Mel Gibson.

Me llamo Max.

Sin rebajar un ápice su lado salvaje,

Hardy logra que Max pase de un estado próximo a la bestia

hasta algo muy semejante a un ser humano.

El personaje pertenece a Mel, es obvio,

cuando llega a tus manos un icono como este

sientes todo el peso del legado.

Mad Max es lo que Mel Gibson hizo con él, y yo lo respeto muchísimo.

Pero al mismo tiempo, tengo que hacer mi trabajo

y mi jefe es el hombre que ha creado este universo hace más de 30 años.

Un proyecto pequeño que se fue haciendo más

y más grande hasta formar parte del imaginario colectivo.

De manera que en realidad, Mad Max pertenece al George

y yo he hecho lo que él me ha pedido que haga.

Un coche, una carretera y larga vida a Mad Max.

Hace tiempo que François Ozon demostró ser

mucho más que un director provocador.

Ha habido quienes le han tildado de misógino,

pero lo cierto es que las actrices francesas

están como locas por trabajar con él.

Hemos entrevistado largo y tendido,

a la protagonista de su última película, "Una nueva amiga".

Dice que Ozon es capaz de mostrar la complejidad femenina

como pocos y también su soledad.

Vamos a recibir con un fuerte aplauso a François Ozon

(Aplausos)

(Música)

Estoy muy feliz de presentar esta película

y también de creer que no solo hay aficionados del fútbol en Madrid.

Gracias.

-Que el señor reafirme vuestra decisión.

Que os de su espíritu para que le sirváis juntos, de común acuerdo.

François Ozon, autor a cuya obra siempre estamos atentos

en "Días de cine",

vuelve a las pantallas españolas con una película deliciosamente kitsch.

(Aplausos)

"Una nueva amiga" es como una novela romántica de Bianca escrita

por un maestro del lenguaje y la forma.

Tiene el encanto de esas portadas almidonadas

cargadas de sexo naif y la precisión de un Oscar Wilde fílmico.

(Llanto)

La mejor amiga de Claire, a su vez, joven mujer de David, ha muerto.

Ella y él se hunden en una depresión que les encierra

en sí mismos.

Ambos desaparecen del mapa social para discutir con la pena a solas.

-Estaré aquí toda mi vida para velar por tu hija

y por su padre, David.

Un día, Clare se acerca a la casa de su amiga muerta

para visitar al viudo y al bebé huérfano.

-Buenos días, señora, yo...

Descubre entonces que David es David, solo a tiempo parcial.

No dirás nada a nadie.

-Que quede entre nosotros.

David es en la intimidad, Virginia, un travestí que se viste

con la ropa de su esposa muerta para calmar el anhelo de madre

de su bebé, pero también para sentirse plena.

-No puedo dejar ese lado de mi vida, lo llevo dentro.

El rechazo inicial de Claire se va convirtiendo poco a poco

en esa complicidad que surge de compartir secretos

entre dos buenas amigas.

-¿Pero qué te pasa? -Perdona, no te he reconocido.

Y la amistad se va transmutado también poco a poco en atracción.

Sí, sí, claro.

El punto de partida de la película

es un relato de una escritora inglesa, Ruth Rendell,

lo leí hace 20 años.

Tiene apenas 10 páginas y se trata de la historia

de una mujer que descubre que el marido de su mejor amiga

es travestí y a raíz de eso, surge una amistad entre ambos.

Está escrito un poco en la línea

de la serie "Alfred Hitchcock, presenta"

al final, se comete un crimen, un asesinato.

Me gustaba mucho el relato y su punto de partida,

pero no me apetecía contar una historia de asesinato,

al contrario, me apetecía que fuese una historia de amor.

Me apetecía, justamente, transformar esa amistad en historia de amor.

Resulta curioso que mencione a Hitchcock como posible referencia

de la autora original,

porque la película también tiene como obvia referencia

el universo del cineasta británico.

-Así que la loca y hermosa Carlota ha vuelto de entre los muertos

y se ha posesionado de la mujer de este.

Pero qué absurdo.

Y muy concretamente, "Vértigo" y su elipse de misterios

y dobles personalidades.

También Ozon cruza la frontera de la muerte.

También juega a confundir a Eros i Thanatos,

pero con un halo de bondad

que anulan cualquier posibilidad al horror.

Es cierto que en un principio, en el primer relato,

no aparecía la muerte de la amiga de Claire.

Al contrario, estaba siempre presente.

A mí se me ocurrió la idea de que muriese,

casi la presencia de David travestido, convertido en Virginia,

era mucho más aceptable para el público

y también para la propia Claire, que al principio se escandaliza.

Así que pensé que eso podía aportar una carga emocional

más importante y, a la vez, como soy un cinéfilo,

al escribir el guión no pude evitar pensar, " pero si esto es "Vértigo"

es un remake puro de "Vértigo".

-Es una locura. -Lo sé.

-Eres un pervertido.

Doble personalidades pero no como resultado

de una bipolaridad peligrosa a la deriva o, cuanto menos, turbulenta.

En realidad, se trata de una personalidad

sometida a otra, la real,

aquella en la que se siente a gusto consigo mismo

el personaje de Virginia,

sometida a los rigores de una sociedad intolerante

que le obliga a ser David.

-Necesito volver a verte, necesito volver a hablar contigo

y que lo compartas conmigo.

Por favor, me gustaría que me acompañes, quiero ir de compras.

-¿Cómo Virginia?

Además deja el difícil trabajo de poner en escena

todas esas emociones a dos actorazos.

Una casi desconocida Anaïs Demoustier,

femenina, atractiva, de mirada inteligente,

turbada por las circunstancias unas veces y turbadora otras;

y un actor ya reputado y capaz de todo como Romain Duris,

de portentoso magnetismo y carisma.

Lo más difícil era encontrar dentro de mí mismo

algo que pudiera etiquetarse como femenino.

Hágalo usted en su casa, es muy divertido.

Al principio, eres muy torpe,

pero luego empiezas a ganar confianza,

cada vez más confianza, hasta que hay momentos en los que te pierdes,

en los que te dices, "pero esto que acabo de hacer,

he sido mujer sin darme cuenta".

-Me encanta tu carmín, que queda muy bien.

-François Ozon tiene una relación muy lúdica con todo esto,

le interesan mucho los zapatos de mujer, el maquillaje...

ha hecho muchísimas películas en las que dignifica a la mujer

y creo que siente verdadera atracción por esas cosas.

Durante las pruebas de vestuario,

me di cuenta en seguida de que le interesaba mucho más Virginia,

sus faldas y sus pelucas que mi personaje,

que en el fondo, es mucho más masculino.

--No. No es verdad.

-Yo creo que sentía la necesidad de cubrirse.

Tenían que asegurarse primero de encontrar a Virginia

para que hubiera una nota...

-Pero está claro que para él hay una dimensión placentera

en esta película.

-Pero tampoco sabemos lo que hará a François...

-...En su casa. -...En su casa, no lo sabemos.

-Es guapa, ¿no? -Lleva un vestido muy bonito.

El cine francés vuelve a su tradición de hablar como nadie

de la educación.

"La profesora de historia" es un canto a la labor de los docentes,

también una mirada esperanzada hacia la juventud actual.

Atentos a la entrevista que nuestro compañero Alberto Bermejo

ha hecho una actriz fascinante, la francesa Ariane Ascaride.

Hemos visto que en occidente en la Edad Media,

la religión se expresa mediante imágenes

que son el soporte de la fe.

¿Qué tipo de soportes hay en las iglesias?

-Está la hostia. -El tímpano.

-El tímpano, sí.

El cine francés, fiel a su tradición,

vuelve sobre el tema de la educación una y otra vez con clarividencia

y profundidad.

Con "La profesora de historia",

dirigida por Marie-Castille Mention-Schaar,

inspirada en un caso real y coescrita con uno de los alumnos

que vivió en primera persona la experiencia excepcional

de cómo una entusiasta profesora, inoculaba dignidad y autoestima

a un desastroso curso multirracial, marginal y conflictivo.

Y en esa época, los cristianos estaban en guerra, ¿con quién?

-Con los árabes. -El islam.

-Y los cristianos, ¿Dónde sitúan al enemigo?

-En el infierno.

-Por eso Mahoma se encuentra ahí.

Me parece tan natural hablar de la educación.

Pasamos tantos años de nuestra vida en las escuelas...

Todos hemos tenido en nuestro periodo escolar, en un momento dado,

un profesor que ha tenido influencia y consecuencias decisivas

para el resto de nuestra vida, a veces negativas,

pero con frecuencia muy positivas.

Todos nos acordamos de cuando éramos pequeños,

cuando aprendíamos a leer y escribir,

y alguno que tenía una mirada diferente,

que nos enseñaba de una manera diferente.

Le debemos mucho, así que me parece normal

que se hagan películas sobre la educación.

La democracia griega era el poder que tenía cada ciudadano,

el poder de juzgar, debatir y decidir.

-Profesora, va demasiado rápido.

Ariane Ascaride, la musa habitual de Robert Guédiguian,

encarna con deslumbrante verosimilitud

a esa portentosa profesora capaz de revertir el caos

y la marginalidad en un orden modélico,

y obrar poco menos que un milagro sobre unos adolescentes

desahuciados por el entorno académico y social,

planteándoles simplemente el reto de participar en un concurso nacional

sobre un tema especialmente tremendo.

He pensado en un proyecto que podríamos hacer todos juntos.

Un concurso.

-¿Un concurso de belleza? -No, un concurso de belleza no.

El concurso nacional de la resistencia y la deportación.

Cuando leí esta historia me pareció tan increíble,

y hablaba de cosas que para mí son muy importantes,

como la memoria colectiva y cómo transmitir esta memoria.

Hablaba de la Shoah, que me importa y me ha importado siempre,

y me gustaba el hecho de trabajar con jóvenes.

Me intrigaba cómo me verían y cómo reaccionarían ante mí,

y también, cómo me motivarían ellos.

Eso me gustaba mucho, aunque también me daba un poco de miedo,

pero de vez en cuando me gusta esa incomodidad.

Me gustaría mucho que participásemos en el concurso de manera colectiva.

Todos juntos.

Su manera de hablar de la película, que aún no estaba hecha,

de esta historia, de por qué era importante para ella defenderla,

de encarnar a esta profesora, era evidente la proximidad

entre Ariane Ascaride y la profesora real en sus valores, en su discurso.

Se diría incluso que podrían leer los mismos libros

o implicarse en las mismas luchas en la vida como si fueran casi gemelas.

Cuando entré en la clase por primera vez no me miraron como a una actriz,

sino como una profesora,

porque de las películas de Guédiguian no tenían ni idea.

A sus 16 o 17 años, lo que yo había hecho en el cine

no les interesaba para nada. Ahora sí, pero no entonces.

Me encontré con una energía que me envolvió como una ola,

y yo tenía reflejos de actriz.

Profesora. -¿Sí, Tomás?

-¿Por qué se habla siempre de los judíos?

-El tema de los judíos afecta muy poca gente de la clase.

-Los judíos tienen miedo hasta de la Coca-Cola,

porque cuando se abre una lata de Coca-Cola se oye "shoah".

-Ah, no, eso no lo permito.

-Pero si es un chiste, no pasa nada.

-Venga, no vale la pena ponerse así. No es más que un chiste.

-Exactamente, no. No hay chistes inocentes.

Yo no elegí el tema del concurso, cada año y el tema diferente.

Creo que el tema de adolescentes y niños

en los campos de concentración fue para ellos como una pasarela

entre ese capítulo terrible de la historia y ellos mismos.

No olvidemos que Ahmed Dramé, el coguionista,

había vivido de verdad la historia.

La mayoría estaban ahí para hacer cine,

pero se vieron atrapados por la vida, por la memoria,

por la historia, y fue esa mezcla la que hizo el milagro.

Cuando empezamos a rodar empezaron a hacerme preguntas,

si yo conocía esa historia y todo eso.

Así que, durante el rodaje, les conté lo que sabía

y también cómo era yo cuando era una actriz joven.

En "La profesora de historia", hay un momento decisivo

del que solo disponemos de una imagen fugaz.

Todo eso se mezcló y después llegó León, el verdadero deportado.

Y León fue un choque monumental para ellos,

porque tenía esa fuerza increíble.

Hay que dejar de pensar de la imposibilidad de comunicación

con los jóvenes, es falso.

Hay que dejar de pensar que son así, que no reflexionan,

son mucho más inquietos de lo que yo lo era a su edad,

tienen una conciencia de la realidad mayor que yo a los 17 años.

Ya sabe que no tenemos el mismo nivel que los demás,

¿qué quiere que hagamos? -¿Lo ves? Te estás quejando otra vez

porque dices que todo el mundo te señala con el dedo,

pero en el fondo quieres que te tomen por el patito feo.

No tendréis ninguna confianza en vosotros mismos.

Si se lo propusiera la clase de al lado, lo harían encantados.

(Murmullo)

Después de ver lo bien que está "Sicarivs, la noche y el silencio",

uno se pregunta,

¿Por qué a Javier Muñoz le ha costado más de ocho años

sacar adelante su ópera prima?

Quizás porque se trata de un proyecto arriesgado,

es un thriller distinto, un asesino a sueldo español

que cuenta en primera persona en qué consiste su trabajo,

y además, lo cuenta de una manera muy irónica.

Bravo también por Víctor Clavijo.

¿Qué eres, fetichista?

-No, asesino.

"Sicarivs, la noche y el silencio" retrata una sociedad corrupta

hasta la médula, con empresarios, alcaldes, policías

y representantes de otros estamentos hundidos en la miseria moral

dispuestos a contratar a sicarios,

asesinos a sueldo que liquidan a sus objetivos sin hacer preguntas.

¿Les resulta familiar?

¿Acaso pensáis que esto es patrimonio de los americanos,

colombianos, los mexicanos, los italianos...?

No, os guste o no, os cueste o no admitirlo,

esto está sucediendo ahora mismo.

(Disparo)

Cada vez es más actual lo que pasa en mi película,

cada vez hay más corrupción policial, corrupción política,

hay más corrupción empresarial, que son, digamos,

los escenarios por donde se mueve mi sicario.

En Sicarivs tenemos prostitución, juegos, dinero a raudales y sangre.

La sangre de los que tienen que morir por orden de sus enemigos,

o simplemente por ser testigos que molestan.

¿Quién es el afortunado esta vez? -Una mujer.

-¿Dónde? -Esteban Carmela, 13. Es un chalet.

En su primer largometraje,

Javier Muñoz escribe un guión empapado de ironía

y hace un uso muy atinado por ello del recurso de la voz en off.

Su despiadado protagonista,

magníficamente interpretado por Víctor Clavijo,

es un sicario que se enfrenta a una situación anómala:

Por primera vez decide saltarse los códigos de su profesión

y perdona la vida de la víctima que le habían asignado.

Si hubiera gritado, si hubiera abierto la boca,

si hubiera dicho una sola palabra, la habría matado.

Pero en vez de eso se quedó callada, mirándome fijamente.

Sí que me fijé asesinos en serie como Richard Kuklinski,

asesino en serie que trabajó para la mafia de Nueva York

en los años 70 y 80, y de algún modo me inspiré en alguien como él.

He visto un documental en el que habla a cámara y hay una frialdad,

una falta de arrepentimiento y de empatía por su parte

que me inspiró bastante para hacer este personaje.

Ante la repentina conversión moral que sufre,

el sicario de verbo fácil y deliciosamente sarcástico,

vuelve sus armas

contra quien le encargó el asesinato no consumado,

e inicia una carrera de crímenes

hasta llegar al primer eslabón de la cadena.

¿Te gustaría ver al alcalde mañana explicando qué hacen cinco muertos,

dos putas, un montón de pasta y mucha cocaína en su ayuntamiento?

El esbirro y criminal denuncia a todas las lacras de la sociedad,

y nos advierte de que no debemos creer que lo que él describe

solo se ve en las películas.

Más de la mitad del tráfico de drogas de este país

está controlado por policías corruptos.

Un 20% de los locales de prostitución de este país

está regentado por policías corruptos.

Y el 90% de las armas ilegales que circulan en este país

son responsabilidad directa o indirecta de...

... efectivamente, policías corruptos.

Yo solo voy a decir que para escribir el guión

me documenté con varios policías que, no puedo decir su identidad,

y me dijeron que me había quedado corto con la realidad.

Con un distanciamiento que conjuga los tonos teatral,

novelesco y de tebeo, con estupenda voz y excelente dicción,

el asesino convierte en cómplice al espectador,

y consigue que le siga los pasos en su delirio vengador,

identificado con él, a pesar del quebranto moral que le asalta

con tanta muerte diseminada por el gatillo fácil.

(Teléfono)

El comodín de la llamada.

Es verdad que la voz en off hace más poliédrico al personaje,

da más capas de lo que vemos en pantalla.

Ahí solo vemos a un tipo normal y corriente

que solo es letal cuando saca la pistola.

Javier Muñoz ha conseguido un film redondo en los parámetros genéricos

del cine más negro, por cuyas nocturnas imágenes

desfila una panoplia de personajes y atmósferas características,

fijadas por una fotografía, ambientación y música

de notables resultados.

No sé si lo habréis probado, pero os aseguro

que es muy difícil cortar un hueso con una cuchilla de afeitar.

Con apenas un par de renglones torcidos,

alguna escena de frágil credibilidad,

Sicarivs organiza una trama que mantiene el suspense hasta el final

con momentos de una dureza inusitada y un desenlace sorprendente.

Acaba de una vez, hijo de puta.

(CHISTA) ―No me gusta que me metan prisa cuando trabajo.

Recuperamos las recomendaciones de "Días de cine"

porque no hay que perder nunca las buenas costumbres.

¿Qué me traes hoy, Gerardo?

Hoy te traigo... vamos a empezar por libros.

Han sacado un libro de Anthony Mann, Editorial Cátedra.

Anthony Mann era hijo de emigrantes alemanes.

Estuvo casado con Sara Montiel.

Estuvo casado con Sara Montiel y este señor hizo de todo,

y de todo bien, además.

Y además con una precisión como realizador que sorprende.

André Bazin decía que sus panorámicas respiraban

y viendo sus películas, que fundamentalmente son westerns,

ves que tenía toda la razón.

No es fácil que respire una panorámica.

No, no es fácil, pero si ves las panorámicas,

entiendes lo que quería decir André Bazin y, además,

este hombre en sus maravillosos westerns,

yo soy fan de ellos,

conseguía hacer del paisaje un personaje más.

Es un libro imprescindible y un cineasta imprescindible.

Pero como siempre te estoy dando la lata con cosas eruditas,

aquí tengo un libro que no por ser frívolo

deja de ser interesante, que se llama

"Dime qué te pasa y te diré qué peli ver".

¡Qué buen título! ¡Me gusta, me gusta!

Es un libro que resume los estados de ánimo vitales,

es una especie de libro de autoayuda cinéfila,

cómo estás anímicamente y qué película ver para apoyar

ese estado de ánimo.

Y además una cosa buena es que tiene películas para todos los gustos,

de todas las épocas, películas más de eruditos,

como dices tú, y otras más frivolonas.

Exactamente. Empieza con "Desayuno con diamantes"

e incluye entre otras muchas, películas como "El Graduado"

y otras muchas más.

Aprovechando el título de este libro,

dime qué te tiene que pasar para ir a ver "En aguas tranquilas".

Tiene que pasar una cosa muy sencilla.

Ir a ver una película de Naomi Kawase,

que es una directora japonesa extraordinaria,

y tener muchas ganas de ver una gran película,

porque eso es lo que es "En aguas tranquilas",

una película que va a ser un de los mejores estrenos.

Para mí, desde luego.

Lo que sí es verdad es que tiene ese punto espiritual.

A mí, es una película que me ha dejado poso.

Es una de las recomendaciones de esta semana.

En Cineteca tenemos también la historia de dos ancianos.

En Cineteca tenemos un documental, que además está participado

por Televisión Española, que se estrena esta semana

y se llama "No todo es vigilia".

Es la historia de dos ancianos que han vivido 60 años juntos,

su vida cotidiana.

Una película entrañable que está teniendo mucho éxito

en todos los festivales donde ha podido verse.

-¡Qué guapa eras!

En "Historia de nuestro cine", la semana que viene,

el hilo conductor van a ser los sucesos,

las películas que se han basado sobre todo en crónicas de sucesos

y la mayoría de ellas basadas en hechos reales

o a partir de un hecho real concreto.

Lunes.

Tenemos "El crimen de la calle Bordadores",

de Edgar Neville, que sé que te encanta.

Maravillosa película. Edgar Neville es un monstruo,

un tipo de esos que no sé por qué

no le conoce todo el mundo en todo el mundo,

porque este escribía y dirigía como hay que dirigir,

sin que se note.

Martes.

Tenemos a Fernando Fernán Gómez con "El extraño viaje",

¡también qué película!

Película maldita de cine español y una de las mejores películas

de nuestro cine sin ninguna duda. Contaremos por qué es maldita.

Luego vamos a tener dos de Eloy de la Iglesia,

que son "La semana del asesino" y "La estanquera de Vallecas".

Y el viernes cerraremos con Vicente Aranda y "Celos".

¿Qué te parece la semana? Pues me parece estupenda.

El jueves de la semana que viene, historia en "Días de cine".

Hombre, por supuesto, en "Días de cine",

es cita obligada y, además, queremos también

subirnos al carro la historia de nuestro cine.

Dos premios importantes en el pasado Festival de Málaga,

el de Mejor Guión y Mejor Actriz de reparto,

avalan "La deuda".

Es un thriller que enfrenta a personajes codiciosos,

de esos que piensan que todo está en venta,

con otros personajes dignos que no se dejan comprar.

"La deuda", ópera prima del director británico Barney Elliot,

se inspira en una historia real.

Coproducida por España, Perú y Estados Unidos,

la película cuenta con un reparto internacional

en el que destacan Stephen Dorff, Alberto Ammann, Carlos Bardem,

Elsa Olivero y David Strathairn.

Es un thriller político, un thriller moral,

es un thriller social, que nos muestra un viaje,

nos muestra cómo las decisiones de unos tipos

en un despacho de Wall Street acaban cambiando la vida de,

por ejemplo, un campesino en un valle de los Andes.

A través de tres historias contadas en paralelo,

"La Deuda" nos ofrece una realidad y tres puntos de vista.

-Me crié en esa tierra.

Oliver y Ricardo son dos hombres de Wall Street

a punto de conseguir el negocio de su vida.

Su objetivo es sacar provecho de una antigua deuda

que el gobierno peruano tiene con sus ciudadanos

para compensar las expropiaciones agrarias

que se llevaron a cabo en los 60.

-Tenemos más del 25% de la deuda agraria de Perú.

-Es impresionante.

-¿Qué es lo que pensaban?

¿Qué no continuaríamos adquiriendo bonos?

Como ministro de Finanzas cometería un grave error

si no tuviera a punto lo que nos debe el miércoles a última hora.

-Clínicas y hospital. Es de donde saldrá su dinero.

Florentino vive con sus hijos en un lugar recóndito de los Andes.

Él representa la dignidad y el amor por la tierra.

Mientras, Caravedo es un terrateniente sin escrupulos

que solo trabaja por su propio interés.

-Es cierto que necesito sus tierras pero también les necesito a ustedes.

-Yo nunca voy a vender.

En la capital, María simboliza la supervivencia.

Atrapada en un mundo gris, lucha por conseguir que operen a su madre.

-¿Cuánto dolor tiene que aguantar una persona para que su condición

sea considerada necesaria?

-Simplemente no tengo los medios para ayudar a su madre

en estos momentos, María.

Mientras el valor principal sea el dinero,

todo lo demás queda en segundo plano:

el ser humano, su entorno, todo está justificado

para conseguir pasta y también habla de esto la película.

Habla de por qué me encuentro yo así, yo no he elegido esto,

porque me encuentro yo aquí.

-Por culpa de esto la gente va a sufrir.

-Cualquier deuda se debe pagar.

Yo no quería denunciar, yo quería comentar,

porque si denuncias, dices "es así".

Aunque "es así", yo no quería decir esto,

yo quería que la audiencia se dijera eso a sí misma.

No todo es inmoral e ilegal y cada uno debe asumir

las consecuencias de sus actos.

Una cosa que me gusta mucho de "La Deuda"

es que habla de la responsabilidad individual también.

La responsabilidad de cuestionarse.

El poder no está en manos de la gente

y creo que, como sociedad, es bueno que nos cuestionamos eso.

Un retrato de la especulación financiera

y su resultado en todo y en todos en la que se nota la influencia

de Malick.

Siempre me han conmovido los trabajos de Terrence Malick,

como busca la cámara

y contar poéticamente usando la naturaleza.

Estoy de acuerdo con que tiene reminiscencias a babel,

tiene reminiscencias también a western,

hay algo en este universo de amplitud de esos valles.

"La Deuda" usa alguna de esas influencias.

Debemos destacar su cuidada fotografía,

sus buenas intenciones y lo comprometido de una propuesta

a la que le falta algo de fuerza.

Se alzó con la Biznaga de Plata al Mejor Guión para Barney Elliot,

que también dirige la historia,

y el merecidísimo premio para Elsa Olivero,

como Mejor Actriz de reparto.

No busca dar respuestas, no busca sembrar dudas,

busca sembrar reflexiones: bueno, sí,

esto pasa en Perú pero esto también pasa aquí.

También la gente que llena los comedores sociales de este país

están aquí porque alguien ha tomado una decisión

en un despacho de Wall Street o de la Castellana de Madrid.

Esta semana también se estrena "De Echevarria a Etxeberria".

Es un documental que indaga en las causas

que han llevado a muchos jóvenes

de la localidad guipuzcoana de Oiartzun a ingresar en ETA.

Hace ya más de una década,

Julio Medem pisó un avispero cuando pretendía abordar

en toda su complejidad el fenómeno terrorista en el País Vasco,

ofreciendo la voz a prácticamente todos los sectores implicados.

Su error fue creer que un espacio tan limitado como una película

permitía una postura objetiva o equidistante en el análisis.

Ander Iriarte no pretende tal cosa

con su estimable trabajo "De Echevarría a Etxeberría".

Sus pasos iniciales desprenden una cálida sensación a confidencia,

casi a confesión íntima.

Podemos decir que es algo catártico para mí

y también intento que lo sea de alguna manera

para la gente de mi pueblo.

El ejercicio documental, impregnado de ideología abertzale

no debe caber duda que lleva a cabo Iriarte,

se alumbra a partir de una declarada subjetividad.

Expresión de amor a su lugar de origen

y tomándolo como referencia casi paradigmática,

manifiesta su necesidad de reflexionar

sobre la violencia que lo ha impregnado todo

en el País Vasco durante décadas.

El llamado conflicto vasco examinado desde dentro,

a partir de la mirada de quienes participan

o han participado, si no de los métodos,

sí de los fines políticos que alentaban la lucha armada.

Es mi experiencia con la violencia y la izquierda abertzale.

Es un intento de mostrarle a otros y a nosotros,

con cierta perspectiva, lo que ha pasado.

Con un objetivo muy claro, mío y para los otros,

de que no se vuelva a repetir en un futuro.

El famoso entorno terrorista en expresión descalificadora,

simplificadora también y, por tanto, injusta de sus antagonistas.

Lo que hace especialmente interesante al documento,

pues descubre lo oculto,

lo desconocido para el resto de los españoles.

Esa mirada, forzosamente limitada y parcial,

se revela sin embargo rica

en las líneas de reflexión que propone,

que van desde la autojustificación a la autocrítica,

pasando por la exposición de las numerosas contradicciones

en que el movimiento nacionalista vasco se ha movido.

A la hora de hablar de la izquierda abertzale y de ETA

se ha hablado como una única cosa, y no.

Nosotros hemos tenido nuestro proceso interno,

nuestras luchas internas

y si las cosas han cambiado ha sido también gracias a eso.

Creo que abrir eso al público

puede hacer también que la otra parte vea el conflicto

de otra manera y lo resolvamos de otra manera.

"De Echevarría a Etxeberría" está construido exclusivamente

en base a testimonios de ciudadanos de Oyarzun,

todos ellos alentados por el mismo anhelo político.

Encauzadas por las del propio realizador,

al final del camino sobrevuela como conclusión la pregunta clave,

¿realmente valía la pena tanto sacrificio y tanto dolor?

Entre consideraciones ponderadas y cavilaciones políticas,

entre penosos recuerdos y balances sentimentales,

algunas secuencias se nos graban en la memoria con especial ahínco.

Refleja bien la crudeza insoportable de lo que estaba en juego

y demuestra la valentía y honestidad de la película.

Vamos ya con el palmarés que nos ha dejado Documenta Madrid

y hablamos de otro festival que está a punto de nacer también

aquí en la capital.

Será el próximo 5 de junio y se llama Filmadrid.

Filmadrid es un festival internacional

que tiene la intención de traer a Madrid las películas

que están inéditas en la ciudad.

Vamos a tener tres directores que son Salomé Lamas, Lois Patiño

y Juan Barrero,

que van ser tres experiencias diferentes

en tres días diferentes. Queríamos buscar espacios nuevos.

Uno de los objetivos de Filmadrid es plantear focos de autores

que también tengan películas por estrenar en Madrid,

pero que a la vez tengan este diálogo

donde uno sea una especie de cineasta muy prestigioso

y reconocido

y un cineasta descubrimiento o especie de revelación.

En este caso,

en esta edición va a ser el cineasta alemán Jan Soldat,

que es un cineasta muy interesante

que está produciendo obras con mucha continuidad.

Filmadrid arrancará el día 5 de junio,

con la película "Cavalo Dinheiro" de Pedro Costa

que proyectaremos en Filmoteca Española.

Para nosotros es muy importante empezar con esta película

porque nos parece emblemática

y de un autor al que amamos desde siempre.

Otras de las proyecciones especiales que vamos a tener en Filmadrid,

que por otra parte es un festival que apuesta mucho por el cine joven,

es la proyección en 3D de "Adiós al lenguaje"

de Jean-Luc Godard.

La competición oficial de Filmadrid va a estar en el cine Paz.

La otra sede fundamental es la Casa Encendida,

donde vamos a tener la competición de vanguardia

y en la Filmoteca

que es donde pondremos la película de inauguración

y la de clausura.

El pasado 8 de mayo, en la sala Azcona de Cineteca,

nuestras compañeras Elena Sánchez y Cristina Teva

fueron las encargadas de presentar la gala de clausura

de la edición número 12 de Documenta Madrid.

El jurado ha premiado las miradas valientes

y comprometidas con la realidad que nos rodea,

la inutilidad de la guerra, la pobreza

y el conflicto de las fronteras

son los temas de las películas ganadoras.

Por unanimidad, el primer premio

fue para "Tell spring not to come this year"

por su humanidad al mostrar desde dentro

el irresuelto conflicto afgano.

"Something better to come", de Hanna Polak,

obtuvo el segundo premio.

Un crudo retrato de la situación de los habitantes

del mayor vertedero de Moscú.

Gracias por darme la oportunidad de mostraros mi película

y por este premio con el que puedo conseguir

que esa situación sea más visible y mejore.

"Flotel Europa" se llevó el premio especial del jurado

y "Cartel Land", una mención especial.

Con una puntuación de 9,61, "La mirada del silencio",

de Joshua Oppenheimer, se alzó con el premio del público.

Estoy muy agradecido.

Es un honor para mí recibir este premio.

Supone el reconocimiento por parte del público

de una película que habla de la impunidad

y el terrible coste que tiene el olvido.

Una película solo cobra vida cuando llega al corazón de la gente.

Se acaban de cumplir 100 años del nacimiento de Orson Welles

y 50 del estreno de una de sus más grandes películas,

"Campanadas a medianoche".

Una obra shakesperiana y española a partes iguales.

Esteve Riambau, uno de los máximos expertos en la obra de Welles,

ha dedicado un excelente libro

a los avatares que rodearon la creación de la película,

"Las cosas que hemos visto".

Se llama "Las cosas que hemos visto"

porque es la frase emblemática de la película.

No solamente es Wells y "Campanadas a medianoche".

El libro lo que hace es remontarse a los orígenes del proyecto,

que fue un proyecto teatral.

Welles lo hizo en teatro en dos ocasiones.

En el año 39 en Estados Unidos y en el año 60 en Irlanda

y a partir de aquí, después hizo la película.

Este es otro de los motivos que singularizan a Welles,

que es un creador transmediático.

Por lo tanto, el tema de Falstaff no solo está en la película,

que también aparece en el cuerpo central,

pero hay un gran capítulo dedicado a los dos montajes teatrales.

Todo eso es lo que está en el libro,

más las vinculaciones de Welles con Shakespeare

y de Welles con España,

para entender de dónde arranca el proyecto,

dónde se desarrolla

y cuáles son todas sus ramificaciones.

En "Las cosas que hemos visto"

Esteve Riambau ha realizado un trabajo imprescindible

para cualquiera que sienta el mismo interés

por la obra del genial cineasta.

Yo creo que "Campanadas a medianoche",

al margen de fechas, es una película grandiosa,

extraordinaria y una película en la que hay mucho teatro,

mucho cine, mucho Welles y mucha humanidad.

Continúa la edición 2015 de Cortogenia,

el festival de cortometrajes

que este año tiene como tema el cine negro.

Yo creo que la búsqueda del negro puro,

del negro no ala de mosca,

que es como lo denominamos en cine cuando no es negro,

sino que resulta que es gris, ha sido siempre una batalla

y un caballo de batalla

para los directores de fotografía en general.

Este año son figuras como Enrique Urbizu,

Gracia Querejeta o el director de fotografía Kiko de la Rica,

quienes avalan el concurso.

Habiendo participado el pasado viernes

en un encuentro de Cortogenia en la Academia de Cine.

Decía Mario Monicelli

que el humor es la manera más penetrante de mirar,

un bisturí que va al fondo de las cosas

y que la Commedia all'italiana,

de la que él fue un auténtico maestro,

nació precisamente de contar argumentos dramáticos

desde el humor.

Cuando se cumple el centenario de su nacimiento,

"Días de cine" le recuerda así.

Fan de Buster Keaton y Chaplin,

al que calificaba como la voz de los perdedores

elevándose sobre las normas sociales,

Mario Monicelli, uno de los padres de la Commedia all'italiana,

fusionó esa notable herencia con el neorrealismo,

donde el ciudadano de a pie

con sus miserias era el protagonista.

La Commedia all'italiana consistía en tratar argumentos muy serios

en tono de comedia, con ironía y ligereza.

El argumento no es irónico y ligero, es grave, muy serio.

-Bienvenidos al 15 episodio de nuestro "Desgraciómetro".

En el programa de esta noche

participarán tres auténticos desgraciados,

lo cual demuestra que en Italia

en este momento no faltan desgraciados.

Ciertamente, el sarcasmo

y la ironía tienen un poder de penetración incontestable.

Como él mismo decía, un bisturí que va al fondo de las cosas.

Un procedimiento de abrir es la dinamita, sistema muy usado.

-¿Por quién, un chino? -Era veneciano.

Dos filmes emblemáticos están íntimamente relacionados

con la memoria de este director toscano.

"Rufufú", film referencia de los robos chapuzas

a manos de desarmados incapaces de elevar la mirada

sobre sus limitaciones y "La gran guerra",

donde Monicelli inaugura una brecha historicista

donde el humor también tendría cabida.

La guerra mía es contra los especuladores y emboscados cobardes

y esos, no crean que están solo en Austria y Alemania,

están en todas partes.

Y yo, muchacho, no estoy dispuesto a morir por ellos.

Eso, ni pensarlo siquiera. -Es verdad.

-Con una sola hora de abstención, pensadlo bien.

Yo propongo no una hora sino un día entero, una semana,

hasta que vuestros patrones se den cuenta

de que están tratando con hombres y no con bestias de carga.

Y todo para concluir que su mirada benevolente

hace cercanos y reconocibles a sus personajes,

a menudo abrumados por el peso de unas instituciones

y una realidad social de naturaleza dantesca.

Los italianos vienen de un libro escrito hace 600 o 700 años

que se llama La comedia, "La divina comedia.

Dante no escribió la tragedia, escribió La comedia.

Mario Monicelli fallecía hace casi cinco años a la edad de 95,

suicidándose, lanzándose desde la ventana de un hospital,

previsiblemente, para poner fin a una agonía terminal.

Algo que también hiciera su padre, aunque por motivos diferentes.

El canon de la comedia es que, pese a que haya conflictos,

contrastes en momentos serios, al final todo se resuelve

y todo acaba bien.

En la comedia a la italiana, no en la comedia a la italiana,

siempre se muera el protagonista, siempre acaba mal.

Esta es la regla en la comedia a la italiana.

-Buen viaje, señor.

-Quietos, ese es el mío.

Sin ir más lejos, en el segmento que filmaba el film coral Boccachio 70,

titulada "Renzo y Luciana"

nos descubre a una mujer trabajadora

que pierde su trabajo si se casa o se queda embarazada.

-¿Sabe lo que le digo, señor contable?

Que no solo conozco a este estúpido, sino que además me he casado con él.

Así que puede despedirme a mí también.

¿O es que tenemos que quedarnos solteras

para agradarle a usted y hacerle compañía los domingos en la piscina?

-Entrevista con el ministro de las participaciones privadas

sobre las acusaciones de chorizo de que ha sido objeto.

La clase política, la corrupción, el trapicheo diario

para salir adelante, su cine es la perfecta radiografía

de un país del sur de Europa.

La comedia a la italiana ha representado Italia

mucho mejor que la literatura, la música o el teatro.

Ha sido más verdadera. Ha denunciado las irregularidades

y ha reconstruido la historia de los últimos 30 años

mejor que cualquier otra disciplina.

-Blanco. -Negro.

-Árbol. -¿eh?

- Debe contestar inmediatamente, si no, el test no tendrá ningún valor.

Nosotros le recordamos con ese porte de mirada triste

que deja intuir, sin embargo, un profundo conocimiento.

Le recordamos como ciudadano ilustre de La Toscana,

la bellísima tierra que le vio nacer,

a la que Diane Lane acude en busca de raíces de autenticidad.

Ya os hemos contado los estrenos de la semana,

aquellas películas que hay que ir a ver a las salas

y ahora os proponemos un plan bastante más casero.

Diferentes títulos para todos los gustos y todos los públicos.

La tercera y última entrega de "El Hobbit", "La teoría del todo"

y "Big Hero 6",

-¿Te vas a un robot combact, no?

-Hay otro combate, si salgo ya llegaré a tiempo.

-¿Cuándo vas a empezar a hacer algo con ese cerebro que tienes?

-¿Qué? ¿Ir a la universidad como tú y que la gente me cuente cosas

que ya sé? -Increíble.

Ya se puede disfrutar en DVD y Blue Ray de "Hero 6",

película de animación en 3D,

dirigida por dos animadores de Walt Disney,

Chris Williams y Don Hall.

Ganadora a los premios Oscar al mejor largometraje de animación

y en la que contamos con la colaboración

en forma de cameo animado de Stan Lee.

-Tiene unas gotas de ácido, una pizca de cobalto,

una nube de feróxido de hidrógeno, calienta 500° kelvin y...

¡Tachán! ¿A que mola? -¡Qué rosita!

-Y esto es lo mejor.

"Big, Hero 6" es una comedia de aventuras repleta de acción

y que cuenta el vínculo que se crea entre un agradable robot

y un niño prodigio de la robótica, Hero.

Cuando sucede un terrible acontecimiento

en el que Hero pierde a su hermano mayor, recurre a Baymax

y a su grupo de amigos.

Hero transforma a sus amigos en una banda de héroes

de última tecnología llamada Big Hero 6

para descubrir al causante de dicha tragedia.

"Big Hero 6", está inspirada

en el cómic de Marvel, del mismo nombre,

y une el cómic de acción junto con el humor de Walt Disney.

Editada ya en DVD y en Blue Ray, en 2D o 3D,

puede disfrutarse de ella con toda la familia.

¡Hemos saltado por una ventana! -Calla.

Con la batalla de los cinco ejércitos,

el gurú de la tierra media en que sea convertido

y Peter Jackson daba por concluida la trilogía que adaptaba el Hobbit,

curiosamente un libro que viene a ser la cuarta parte

de "El señor de los anillos"

y que en su adaptación al cine por el director neozelandés,

dura casi lo mismo.

Cosas de la mercadotecnia o cosas de un fan declarado.

Cierto es que esta última parte,

quizás por ser la que debería resolver la historia

es la más rápida, ligera y resolutiva de la trama,

a pesar de sus nada desdeñables 144 minutos de duración.

Los fans del mundo de fantasía ideado por Tolkien

están enhorabuena porque ya tienen la saga completa

para ver en casa, a falta de futuras versiones extendidas,

que haberlas, las habrá.

Y a la vez, huérfanos ante la evidencia

que no habrá más aventuras de la tierra media

ni las que la rodean en mucho tiempo.

No desvelamos nada si desvelamos que al final Bilbo vuelve a casa

tras unas aventuras con elfos, dragones, enanos, magos, el golum

y ese eterno mal oscuro que siempre acecha.

En DVD y en Blue Ray.

-Si por algo nos sorprendió en su estreno "La teoría del todo",

era, sobre todo, por la interpretación de Eddie Redmayne,

mucho más que la típica interpretación mimética,

a pesar de lo fácil que sería caer en ello.

Seguro que la poderosísima personalidad de Stephen Hawking

tiene mucho que ver en esta película que adapta,

en forma más o menos de biopic

el libro de la primera mujer del científico, Jane,

interpretada y muy bien por Felicity Jones.

El problema con los biopics, es precisamente eso,

que el hecho de serlos tiende a lastrar su resultado

con las debidas excepciones que confirman la regla.

James Marsh, el director de la maravillosa "Man on Wire"

o "Proyecto Nim", ambos documentales,

se pasaba a la ficción con una película que,

a pesar de no tener nada que ver, no deja de mostrarnos

a una persona tan apasionada por su sueño como aquel Philippe Petit,

que atravesó las torres gemelas por un alambre.

Hawking, inmovilizado desde hace años,

realiza cada día una tarea tan portentosa y admirable como aquella,

y mostrarnos todo eso es precisamente el principal valor

de "La teoría del todo".

# Si en el firmamento poder yo tuviera

# esta noche negra, lo mismo que un pozo

# con un cuchillito de luna, lunera,

# cortaran los hierros de tu calabozo.

# Si yo fuera reina de la luz del día

# del viento y del mar...

Una de las muchas cosas bonitas que tiene "Días de cine",

es que aquí no tenemos prejuicios, cabe todo lo bueno.

Si la semana pasada nos recreábamos en la figura de un genio

como Orson Wells cuando se cumplía el centenario de su nacimiento,

esta semana queremos terminar

con una mujer que fue genio y figura,

cuando se cumple el 20 aniversario de su fallecimiento, Lola Flores.

Así que con "Pena, penita, pena", nos despedimos. Adiós.

# ¡Ay, pena, penita, pena, pena, pena de mi corazón,

# que me corre por las venas, pena, con la fuerza de un ciclón!

# Es lo mismo que un nublado de tiniebla y pedernal.

# Es un potro desbocado que no sabe dónde va.

# Es un desierto de arena, pena, es mi gloria en un penal.

# ¡Ay, penal! ¡Ay, penal! ¡Ay, pena, penita, pena!

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Días de cine - 14/05/15

14 may 2015

"Mad Max. Furia en la carretera" es la vuelta de George Miller a la saga que él creó a principios de los años 80 y que hizo de Max Rockatansky un icono mundial. Charlize Theron, George Miller y Tom Hardy han hablado de la película para Días de Cine. 

"Una nueva amiga" es la nueva película de François Ozon, el provocador director francés, Romain Duris y Anaïs Demoustier son los protagonistas y Días de Cine ha entrevistado a los tres. 

"La profesora de historia" es la demostración palpable del talento de Arianne Ascaride. La directora y guionista Marie-Castille Mention-Schaar incide en un tema recurrente en el cine francés, la educación, a través de la historia de una profesora que trata de motivar a sus alumnos.  

"De Echevarría a Etxeberria" es el retrato de un pueblo vasco, Oiartzun, por parte de su director, Ander Iriarte.

Se cumplen 100 años del nacimiento de Mario Monicelli, un director que figura entre los grandes renovadores de la comedia italiana con títulos tan sobresalientes como "Rufufú" "La armada Brancaleone".

 

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