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No recomendado para menores de 12 años Días de cine - 11/01/18 - ver ahora
Transcripción completa

Hola, ¿qué tal? Buenas noches. Bienvenidos.

Tras el especial sobre la figura de Howard Hughes,

que tanto os ha gustado, gracias por los mensajes de cariño

en las redes sociales, retomamos nuestro sendero habitual.

Comienza "Días de cine".

(Música cabecera)

Gary Oldman es Winston Churchill el "El instante más oscuro".

Todo el peso del mundo recae sobre tus hombros.

-¡La victoria a toda costa!

Frances McDormand, Globo de Oro a mejor actriz

por "Tres anuncios en las afueras".

¿Quién ha lanzado esa lata? -¿Qué lata?

-¿Lo sabes tú, cielo? -No, yo no he...

Poesía animada al óleo para soñar a Van Gogh

en "Loving Vincent".

Con amor, Vincent.

(Música)

Comenzamos el programa hablando de uno de los estrenos de la semana.

"El instante más oscuro" es un nuevo biopic

sobre la figura de Winston Churchill que reúne a dos nombres destacados.

Por un lado, el del director Joe Wright,

y por otro, el del actor Gary Oldman,

que, como sabéis, acaba de ganar el Globo de Oro

por su interpretación en esta película.

El Globo de Oro a mejor actor.

Debemos elegir a mi sucesor

y únicamente hay un hombre al que la oposición aceptará.

"El instante más oscuro" hace justicia

a uno de los grandes políticos de la historia, Winston Churchill.

Un líder carismático que supo dirigir una nación

tomando decisiones nada fáciles en tiempos muy difíciles.

Es mi deber invitarle a que ocupe el cargo

de primer ministro del Reino Unido.

Hay una amplia filmografía, tanto en cine como en televisión,

sobre su figura.

En este caso, tal como sugiere el título de la película,

asistimos a un periodo crítico en plena Segunda Guerra Mundial,

cuando la casi totalidad del ejército británico

queda atrapado en Dunkerque a merced de la ofensiva de Hitler.

Nos enfrentamos a una derrota segura. A la aniquilación del ejército

y a una invasión inminente.

Es en ese momento cuando se abre un intenso debate

en el parlamento británico

sobre si mantener las tesis de Chamberlain,

intentando una negociación in extremis

para conseguir la paz a cualquier precio,

a pesar del peligroso precedente

del fiasco de la Conferencia de Múnich,

o seguir luchando contra una tiranía muy poco fiable

que, en palabras del propio Churchill,

amenaza los cimientos de nuestra civilización.

Han caído en las garras del imperio nazi.

Vamos a defender nuestra isla, y lo haremos cueste lo que cueste.

En ese contexto es cuando logra el apoyo de la cámara

para ser nombrado primer ministro

y afrontar la delicadísima situación.

Vamos a luchar en los campos y en las calles.

De entrada, sugerimos que ver en un programa doble

"Dunkerque" y "El instante más oscuro"

constituye una interesantísima lección de historia,

conociendo de primera mano lo que ocurría en el frente.

Por un lado, esa casi imposible evacuación

que el propio Churchill diseñó

haciendo un llamamiento a la población civil

dueña de todo tipo de embarcaciones,

y, por otro, lo que se cocía en el triángulo de Downing Street,

el Parlamento y el palacio de Buckingham.

Muéstrales tus cualidades. -Mi escaso juicio.

-Tu sentido del humor. (RÍE SARCÁSTICO)

Calificada como un extraordinario thriller de despachos,

"El instante más oscuro" refleja con toda la intensidad

aquellas semanas dramáticas en las que el pueblo británico

temía por su futuro.

No hay duda de que este tipo de recreaciones históricas

son especialidad de la casa en el cine británico,

y apoyada además por la garantía de unos actores

que están a la altura de los personajes.

Nos enfrentaremos en breve al hundimiento de Europa occidental.

-¿Me preguntan cuál es nuestro objetivo?

¡La victoria a toda costa!

De entrada, Gary Oldman, reciente ganador del Globo de Oro,

hace una interpretación de Churchill de esas que huelen a Oscar,

haciendo absolutamente creíble al personaje

y logrando que conectemos y empaticemos

con la tremenda responsabilidad que asume.

Conversaciones de paz entre nosotros y Alemania.

-¡Europa aún está...! -Está perdida.

-Ese tirano...

Joe Wright, su director, ya había destacado en el cine de época,

y, además, en uno de los títulos de su filmografía, "Expiación",

había abordado tangencialmente la retirada de Dunkerque.

Dales esperanza. Hazles creer.

El filme anterior sobre Churchill, estrenado hace unos meses,

se centraba en la operación posterior

del desembarco aliado en Normandía,

pero allí veíamos a un primer ministro más plano,

atormentado por el recuerdo del desastre de Galípoli

en la Primera Guerra Mundial,

cuyo responsable fue el propio Churchill

en calidad de primer lord del Almirantazgo.

El riesgo potencial de catástrofe es enorme.

El Churchill que encarna Brian Cox

saca a la luz su lado más inseguro y represivo,

temeroso de que el Día D fuera un segundo Galípoli.

Pero ese retrato sabe a poco y resulta insuficiente.

Todo el peso del mundo recae sobre tus hombros.

Y para eso tenemos "El instante más oscuro",

donde la excelsa interpretación de Gary Oldman

y el ejemplar guion, que permite al personaje mostrar su lado humano,

es decir, sus luces y sombras, transmiten a la perfección

toda la complejidad y riqueza del personaje y su tiempo.

Es el momento de negociar.

-¿Cuándo aprenderemos la lección?

¡No puedes razonar con un tigre cuando tienes la cabeza en su boca!

Además, otro de los logros de este magnífico filme

es, sin impedir que el personaje y el actor se luzcan como merecen,

extender ese estado de gracia al resto de los personajes

que tuvieron una importancia capital,

como el rey Jorge VI o Clementine, la esposa de Churchill,

que tuvo un papel importantísimo en la sombra.

En la película que nos ocupa,

a cargo de una estupenda Kristin Scott Thomas.

En aquel entonces,

que la prioridad iba a ser la vida pública.

(Música solemne)

El líder del partido Tory, los conservadores británicos,

ocupa un lugar prominente en el patrimonio histórico

del Reino Unido y de todo el mundo libre.

No en vano, muchos actores le han interpretado,

intuimos que con sumo placer,

pues fue un personaje que daba mucho de sí.

Culto, bebedor y fumador de puros,

con un gran sentido del humor y una portentosa clarividencia,

además de Premio Nobel de Literatura.

Como apuntábamos al principio,

"El instante más oscuro" le hace justicia,

y seguramente después de verla sintamos nostalgia

por una estirpe de políticos que se fueron para no volver.

(Música solemne)

Steven Seagal es un marica,

incluso Arnold es un aficionado,

comparados con el auténtico último héroe de acción.

-Me llamo Chan. Jackie Chan.

Normalmente, el cinéfilo asocia nombres como el de Jackie Chan

a un tipo de cine desdeñable, poco valioso,

pero conviene revisar prejuicios porque la extensa carrera de Chan

dentro del cine de artes marciales y acción cómica

le colocan en el podio de un género de por sí muy respetable,

pero también le conecta con maestros del slapstick

como Harold Lloyd o Buster Keaton.

Sin embargo, la edad le lleva a la conquista

de terrenos dramáticos, donde la eficacia física

queda relegada a un segundo lugar. Coproduce y protagoniza,

junto a Pierce Brosnan, "El extranjero".

Ábrala, por favor.

-Continuamente recibo guiones del mundo entero,

y siempre son de un policía de Hong Kong o de China,

o de un chino en la CIA,

y pensaba: "¿Podría hacer algo distinto, por favor?".

Quiero ser como Robert de Niro o Dustin Hoffman,

interpretar todo tipo de personajes, no solo comedia de acción.

Al fin me llegó el guion de "El extranjero" y pensé que sí,

que ese era el papel adecuado. Tenía que hacerlo.

Además de nuevas entregas de la saga "Hora punta",

en el futuro me gustaría hacer cosas como "La La Land".

Una historia de amor musical, por ejemplo.

Chan da vida a un emigrante chino en Inglaterra.

Su hija fallece en el primer atentado

reivindicado por un grupo terrorista

que se autodenomina como el nuevo IRA.

Quan queda roto de dolor, pero lejos de dejar

que la investigación de la policía siga su curso,

decide apagar su sed de venganza.

No tengo más familia.

Tras la cámara, dirige el veterano Martin Campbell,

buen artesano, que está a la altura de sus mejores películas.

A saber, "Escape de Absolom", "GoldenEye" o "Casino Royale".

Es gente cruel

que se enorgullece de sus atrocidades.

Conjuga con habilidad de cirujano un tono de cine ligero de acción

con dosis de crítica política.

Saca jugo al convulso escenario de las tensas relaciones

entre Irlanda del Norte e Inglaterra,

cuya complejidad queda suficientemente retratada

en un loco futurible donde se plantea qué ocurriría

si el IRA se rearmara.

Contábamos con un muy buen guionista como David Marconi,

que adaptó el libro original de 1993

para traerlo de entonces a la actualidad.

Nuestra historia es totalmente ficticia

acerca de un nuevo grupo del IRA.

Como sabes, se vive en paz desde hace 20 años ya,

pero lo que realmente me atraía era el personaje de Quan,

este hombre humilde que pierde a su hija

y su manera silenciosa de ir en busca de los asesinos.

-Dígame quién mató a mi hija.

-Yo trabajo para el gobierno. No trabajo para terroristas.

-Antes trabajó para ellos.

Pero no es Jackie Chan quien sostiene

la subtrama de intereses políticos,

sino un convincente Pierce Brosnan como primer ministro irlandés

sometido a las presiones de ambos bandos del viejo conflicto,

los socios y reproches latentes,

y las sospechas que recaen sobre sus propias motivaciones personales:

¿mantener la paz o alentar el conflicto?

No tiene ni idea de con quién se las ve.

Un personaje de mayor complejidad dramática que la de Chan,

pero que no nos resulta estrictamente novedoso,

ya que Brosnan hizo algo parecido en "El escritor", de Roman Polanski.

Lucharé contra el terrorismo.

Ya sea en el campo de batalla

o, si es necesario, en los tribunales.

"El extranjero" no apunta tan alto. Se sabe entretenimiento escapista

y consigue sus objetivos con solvencia.

Soy Molly Bloom.

¿Ha oído hablar de mí?

"Molly's Game" es la tercera película de Jessica Chastain

que llega en menos de un año a nuestras pantallas.

Involucrada en la producción de sus películas,

busca personajes femeninos que salen adelante

en entornos profesionales duros y competitivos.

El que gana

va siempre un paso por delante de la oposición.

Así era "El caso Sloane",

y así es básicamente este nuevo trabajo,

basado en el libro que escribió Molly Bloom

contando su increíble peripecia.

Esta es una historia real,

pero cambié todos los nombres menos el mío.

De esquiadora de élite con el medallero olímpico

en el punto de mira, a organizadora de timbas de póquer

tras un accidente deportivo que truncaría sus expectativas.

Gracias, Molly. -Para ti. Muchas gracias.

Su actividad en torno a los naipes

llegó a reunir a destacados miembros del mundo de las finanzas,

el deporte y reconocidas estrellas de Hollywood,

que apostaban cantidades nada despreciables.

No estás en situación de negociar.

-Tú no eres importante.

-Sí, hay una conexión entre "El caso Sloane" y Molly Bloom.

Este tipo de mujeres que se desenvuelven profesionalmente

en un mundo de hombres, algo que me es familiar en la vida diaria.

Sin embargo, son también diferentes. Molly tiene una fuerte sensualidad,

y Sloane es incisiva y con autocontrol.

Quizá Molly estaría un paso atrás tratando de encontrar ese control.

-¿Sabes a cuántas brujas quemaron en Salem?

-¿A cuántas? -A ninguna.

A las brujas no las quemaban, las ahorcaban.

Para este nuevo reto, Jessica confío en uno de los guionistas y creadores

de series de televisión más prestigiosos, Aaron Sorkin,

responsable de "El ala oeste de la Casa Blanca" o "The Newsroom",

y guionista de "La red social" o "Steve Jobs",

por poner sendos ejemplos.

Con este trabajo, debuta además como director.

¿Ha leído los otros nombres de la acusación?

Vamos, Molly, ¿a cuántos mafiosos rusos conocía?

-El riesgo que corres es de locura.

-Tenemos 2,8 millones en la calle ahora mismo.

-Te van a machacar.

La Molly Bloom real,

nombre que evoca la literatura de James Joyce,

tuvo problemas finalmente con la justicia

al andar el FBI detrás de ella,

lo que dota a su vida de un marchamo muy atractivo

para recalar en el cine.

Les contaré todo lo que quieren saber de mí.

Solo de mí.

Nada más.

-Tanto en la preproducción como en el rodaje,

Molly Bloom estuvo ahí para asesorarme

sobre cualquier cuestión que surgiera,

ya fuera sobre su familia o sobre las partidas de póquer

o su relación con el gobierno.

Ella me contó que ahora está estudiando Derecho,

lo cual es fantástico. Estoy orgullosa de ella.

-Estaba en una habitación con estrellas de cine,

directores y grandes empresarios que se lo jugaban todo siempre.

Aclaremos que "Molly's Game" no es un filme sobre el póquer

o las apuestas.

Tiene mucho más peso la relación entre ella y su padre

y el viaje emocional que implica encontrar un lugar en el mundo

abordando también el pasado.

Sorkin lo fía todo a los personajes y sus afilados diálogos.

Sin duda, ese particular estilo garantiza buenos momentos,

aunque el filme también se resiente de su afán abarcador

y tendencia hacia la sobreexposición.

No podemos permitirnos el lujo de ser íntegros.

-Es lo único que me queda.

-Si supiera quién era mi padre...

No puedo. No puedo hablar.

Rose y Ben se parecen.

Ambos son huérfanos, tienen 12 años

y problemas de audición que les aíslan del mundo exterior.

Los dos han llegado a Nueva York huyendo de sus respectivos hogares

con la imperiosa necesidad de resolver los enigmas

que les atan a la infancia y les impiden crecer.

Tienen tanto en común que si se cruzaran

por las calles de Manhattan

o visitando su mítico museo de ciencias naturales,

se reconocerían de inmediato como niños perdidos que son.

Pero eso nunca pasará porque les separa medio siglo.

(Música)

Todos tuvimos que bucear en nuestra infancia

para rodar "El museo de las maravillas".

Evidentemente, todo comenzó con la novela de Brian Selznick

y con su guion, pero todos los creativos que reuní

descubrieron algo muy concreto de ellos mismos

trabajando en la película.

-Esta es una historia sobre lo que nos hace diferentes.

Y sobre el valor que hay que tener para encontrar nuestro lugar.

-Es el caso de Mark Friedberg, mi director artístico,

que creció en Nueva York en los años 70

y perdió a su madre siendo aún muy joven.

Yo también perdí a la mía no hace mucho.

Pero creo que es importante la forma en que nos enfrentamos a la pérdida,

a la soledad de la infancia.

Aunque procedamos de familias que se hayan mantenido intactas.

-Nadie sabe dónde estoy.

"Wonderstruck. El museo de las maravillas"

es una fantasía barroca sobre la infancia

como vertiginoso estado carencial del alma.

Ese momento de la vida en el que uno decide,

probablemente para siempre,

si seguirá su camino sin apartar la vista del suelo

o persiguiendo sus sueños.

Soñadores, sí,

pero creo que en primer lugar son supervivientes.

Deben descubrir cuál es su sitio en el mundo.

Tienen que aprender a comunicarse

en unas circunstancias nuevas para ellos.

Como Rose, la niña sorda que se marcha de casa

y no tiene el apoyo de su madre.

Y luego está Ben, que acaba de quedarse sordo

y se ve sumergido en un mundo totalmente nuevo.

La historia habla de cómo encontrar la forma y el modo de comunicarnos,

que es como conseguimos sobrevivir.

Se trata, en definitiva, de cómo soñamos.

Los dos chicos son muy creativos.

Tienen una curiosidad y creatividad naturales.

Herramientas que nos ayudan a asimilar la pérdida

de alguien querido, la soledad y el miedo.

Todas estas cosas.

De modo que la película trata también de lo que uno puede hacer

con la creatividad como herramienta para enfrentarte al mundo.

Todd Haynes es uno de los autores más singulares

del cine norteamericano.

Forjado, como Gus Van Sant, en el cine experimental

de militancia LGTB, ha avanzado en su filmografía

por películas de factura cada vez más asumible

por los estándares de Hollywood sin perder jamás su afán de riesgo.

Vamos a la cama.

Es de agradecer que, tras el éxito artístico y comercial de "Carol",

Todd Haynes haya aprovechado los muchos medios

de que ha dispuesto esta vez para seguir experimentando

con determinación suicida.

El resultado es un ambicioso caleidoscopio de técnicas y estilos

confeccionado a la manera de un auténtico museo

cinematográfico de maravillas

que quiere rendir homenaje a muchas cosas.

Probablemente, demasiadas.

Esta película es una invitación a echar la vista atrás,

a recordar la historia del cine en las películas de los años 20,

la época del cine mudo, el cine de los 70...

Una década especialmente rica para el cine norteamericano.

Y sumergirnos y disfrutar de un lenguaje

puramente cinematográfico,

porque gran parte de esta película carece de diálogos.

Se trata de una experiencia visual.

(Música)

Antes de comenzar con las recomendaciones,

en "Días de cine" queremos mandar un fuerte abrazo

a nuestra amiga Yvonne Blake,

la presidenta de la Academia de Cine.

Nos acordamos mucho de ella en estos días difíciles.

Claro que sí. Hablemos de las recomendaciones.

En salas, ¿qué dirías que hay que ver?

Yo esta semana lo que aporto es "Columbus".

Se estrenó el largometraje de kogonada, con "k" minúscula,

que es ese ensayista visual del que ya hablamos.

Es una película preciosa.

Habla de arquitectura, de relaciones personales,

de padres e hijos, de pasados que hay que redimir.

Una película sorprendente de una asimetría asimétrica

aunque parezca una perogrullada. Una película preciosa.

Otra película que nos ha gustado mucho en el programa

es "Perfectos desconocidos",

una comedia que está funcionando de maravilla,

lo último de Álex de la Iglesia. Todavía está en salas.

Buena señal, porque lleva ya muchas semanas.

Y para reírse, para pasarlo bien,

y también para ver todo lo que escondemos en los móviles.

Hay que recordar que los whatsapps los carga el diablo.

Totalmente. Vamos a ver en Cineteca,

porque menuda actividad para la próxima semana.

Tenemos los Premios Días de Cine el martes.

Martes, exactamente. Más cosas.

Empieza una retrospectiva del Grupo de Cali.

¿Qué es el Grupo de Cali?

Es un grupo de vanguardia colombiana,

uno de los fundadores fue Luis Ospina,

y es la primera vez que se podrán ver películas

de este grupo en España.

También el documental sobre María Moliner.

Exactamente. María Moliner, que es la mujer

cuyo diccionario de uso del castellano, del español,

pues ha sido el diccionario de uso para todos

para entender este idioma tan maravilloso,

y es una mujer que hay que reivindicar

porque lo hizo en unas condiciones nada fáciles

por su condición de mujer.

El documental lo firma otra mujer, Vicky Calavia,

así que podrá disfrutarse aquí, en Cineteca.

¿Qué me traes hoy? Música y también texto.

Un gadget de regalo de Reyes. Una preciosidad.

"Twin Peos", fascinante la tercera temporada de David Lynch.

Y este disco resume las canciones que suenan al final de cada capítulo.

Canciones maravillosas, mórbidas, de esas que gustan a David Lynch.

Algunos conocidos, como Eddie Vedder, ZZ Top...

Dices: "¿Y estos qué hacen en este bar, en este sitio?".

Pues ahí están las maravillosas canciones.

"El cortometraje en España.

Un trayecto a través del lenguaje audiovisual,

la historia y la crítica cinematográfica".

Pues fíjate tú lo que da de sí el cortometraje,

que parece que vuelve a estar en boga, como los vinilos.

Ahora se estrenan en salas

y se anuncian como estrenos de verdad.

No como complementos de películas, sino como estrenos de verdad.

Y de ahí salen los futuros cineastas.

Y este libro trata sobre estos cortometrajistas españoles,

de los cuales en el futuro hablaremos como directores de largometrajes.

Estas son las recomendaciones de esta segunda semana de enero

en "Días de cine".

Vuelven los preestrenos de "Días de cine"

y vuelven con una oferta que no podréis rechazar.

Quienes la han visto hablan maravillas

de "Call Me By Your Name",

la nueva película de Luca Guadagnino,

el director de "Melissa P." o "Io sono l'amore".

En "Call Me By Your Name" se arropa de un aroma

para una película que es tan emotiva como divertida,

ambientada en el verano de 1983.

Y no os queremos decir más sino, claro, que si queréis ir

al preestreno que "Días de cine" ha preparado con Sony Pictures,

escribáis un mail con vuestro nombre a preestrenosddc@rtve.es

con la palabra "NAME" en asunto.

Señora mía, mi Marta.

Y un día antes de ver "Call Me By Your Name",

o sea, el miércoles, en un sitio tan bonito como el cine Doré,

o sea, la Filmoteca Nacional, a las 9:30 de la noche,

os invitamos, de la mano de Bteam Pictures,

a la proyección de la nueva película de Lucrecia Martel,

de título "Zama".

Si queréis ir, y sabemos que queréis ir,

a este preestreno, presentado por la propia directora,

ya sabéis, escribidnos a nuestro mail habitual

con la palabra "ZAMA" en asunto.

Daos prisa, porque las entradas vuelan.

Vuelvo a tener pesadillas.

Llevo noches sin dormir.

Ana Asensio, madrileña, modelo y actriz,

es la directora y protagonista de "Most Beautiful Island".

Cuando pensé en ponerme a dirigir, esta fue la historia que me pareció

que era la historia que quería contar.

Un meritorio debut en la dirección acerca de inmigrantes ilegales

cualificados en Nueva York a partir y libremente inspirada

en la propia experiencia de Ana Asensio.

La ciudad era uno de los protagonistas de la película,

y, de alguna manera, ya la tenía ahí.

La manera en que yo he filmado

ha sido al estilo "gorila", que llamamos allí.

Cámara en mano. Teníamos un permiso, eso sí.

Pero los neoyorquinos,

tú puedes poner un cartel de que estás filmando,

no van a dejar de pasar.

Es parte de la energía de la ciudad, y eso era lo que yo quería capturar.

Primero, por presupuesto, yo no podía bloquear calles

y llenarlas de extras, pero tampoco quería eso.

La primera mitad de la película es un estilo naturalista,

casi documental, de alguna manera.

Y en la segunda mitad entramos en un mundo oscuro

en el que te cuestionas si eso es real o no,

por el estilo naturalista del principio de la película.

La esencia del personaje, de Luciana, las cosas que le pasan a ella,

y la experiencia de aceptar una propuesta

sin saber exactamente en lo que te estás metiendo,

esa situación sí que la viví yo.

Me parecía interesante contar un día en la vida de ese personaje

y cómo llega a ese lugar.

Yo creo que, de alguna manera, lo que yo quería mostrar

es que cuando una persona está en una situación de vulnerabilidad extrema

como es el caso del personaje de esta película,

no cuestionas demasiado las oportunidades,

simplemente te lanzas a por ellas.

(Música suspense)

Es como un poco la idea de vivir el día a día,

que creo que es un poco lo que le pasa a cualquier inmigrante

que esta indocumentado, que, de alguna manera,

estás viendo el día a día.

(Música suspense)

Vamos a hablar ahora de cine español.

"Thi Mai" es el quinto largometraje de Patricia Ferreira.

Nos habla de un viaje de tres mujeres hasta Vietnam

en busca de una niña.

Es la primera vez que Ferreira se enfrenta a una comedia,

aunque en esta película no faltan elementos dramáticos

y hay que poner especial atención en ese trío protagonista,

con tres grandes actrices,

Carmen Machi, Aitana Sánchez Gijón y Adriana Ozores.

No sé, dices que esto sirve para todo tipo de paredes.

-Hombre, si vas a colgar un cuadro en un reactor nuclear, pues no.

Seis años después de su última película,

"Los niños salvajes", que nos pareció más ambiciosa y lograda,

Patricia Ferreira ha realizado "Thi Mai",

un híbridos desde el punto de vista genérico, entre comedia y drama,

o dramedia, según el término importado de Estados Unidos.

¿Trasparente o de color? -Trasparente.

-¿Del 7 o del 11? -Del 7.

-Siento que tengo capacidad para llevar al espectador

por los caminos del drama y del melodrama

con bastante facilidad.

Tengo menos experiencia en el tema de la comedia,

pero eso creo que, al enfrentarme a "Thi Mai",

sabía que lo que tenía que tener

era a actores y actrices de una aprobada eficacia en la comedia.

El cartel de la película, sin embargo,

oculta la complejidad de esta propuesta

y apunta rotundamente a la comedia enloquecida como reclamo.

Como si alguien no hubiera confiado demasiado

en el tirón comercial del drama que también encierra.

Que es el motor que yo creo que nos llevó a todos los que la hemos hecho.

No era una película al uso, de hecho, se estaba,

tenía un equilibrio del guion,

un equilibrio entre un drama y no una comedia,

no es vamos a hacer una comedia,

sino que en la vida suceden cosas cómicas

y más cuando viajas a un país tan remoto.

Ambas claves narrativas de "Thi Mai", el melodrama y la comedia,

pugnan por imponerse y el reto de Patricia Ferreira

era que lo hicieran sin anularse mutuamente.

La dificultad convierte a la película, desgraciadamente,

en algo parecido a una ducha escocesa.

Tan pronto el agua está muy caliente como un instante después, helada.

Dios mío, ¿qué hacemos? Nos van a ver.

-Mira.

-Ah, no, no, no, yo no me pongo eso ni muerta.

El costado melodramático se despliega desde el momento

en que Carmen,

personaje que encarna con emocionante convicción Carmen Machi,

recibe una llamada en la que se le comunica

que su hija ha muerto en un accidente de trabajo.

El giro argumental tan brusco de la trama

insinúa a conducirnos a un terreno muy distinto

del que prometía al comienzo.

Pero, de inmediato sabremos

que el escenario sobre el que se desarrolla

es el de la sensible cuestión de las adopciones internacionales,

porque la mujer fallecida estaba a la espera

de recibir una niña vietnamita en adopción.

Carmen. -Cuánto tiempo, ¿cómo estás?

-Me hubiera gustado darle la noticia a ella personalmente.

-¿Qué noticia? -Que se la han dado, Carmen.

(Música)

Carmen decide reemplazar a su hija fallecida

y diga adoptar la pequeña Thi Mai como abuela.

Y parte rumbo a Oriente, acompañada de dos amigas

que representan dos polos antitéticos.

Elvira, interpretada por Aitana Sánchez Gijón,

es una mujer soltera, de carácter fuerte y resolutivo,

que acaba de ser despedida de su trabajo en un banco.

Es el modelo que propone la película como mujer independiente.

Tengo que ahorrar para un viaje.

-¿A Burgos? -A Vietnam.

-¿Es que Javier te va a dejar ir sola tan lejos?

-¿Pero tú en qué siglo vives?

-Además no se va a ir sola, se va ir conmigo.

-También hemos sido muy conscientes todo el tiempo

de que no podíamos pasarnos en la parte de comedia

y había que, además, acompañar al personaje de Carmen,

que era quien llevaba el drama encima.

Y nuestros dos personajes están ahí, arropando ese drama

que acaba siendo también un motor de vida, ¿no?

Y de razón para vivir. Esa niña la que buscan.

¡Oiga!

Rosa es una arquetípica mujer de su casa,

pendiente de todo y de todos, excepto de sí misma,

y subordinada por completo a su marido.

Adriana Ozores tiene el papel más difícil de solventar,

pues es el pretendidamente más gracioso

y no posee muchos asideros para esquivar el humor simple,

el chiste obvio y la gracieta,

a veces a base de ridiculizar al personaje.

A los motoristas a los ojos.

-¿A qué ojos? Si van tapados hasta las cejas.

-Será por su religión.

Aquí también le rezan al Dios gordito ese que se ríe, ¿no?

Pero al principio te salen, ves así como destellos

de por dónde puede ir.

Ahí tenía una fuente inagotable que era mi madre.

El reparto de los viajeros españoles se complementa con Andrés,

el personaje interpretado por Dani Rovira,

que trata de defenderlo del esquematismo y la caricatura.

El de un mariquita, entiéndase con simpatía y comillas,

que ha perdido a su novio en Vietnam

y termina haciendo pandilla con las tres mujeres.

¿De turismo? -Más o menos.

-¡Esperadme, chicas, esperadme!

-Pues a mí no me parece un marcado, la verdad.

-Te precipitaste. -Me precipité. Violencia no, ¿eh?

-Obviamente, muchas veces tienes dudas.

Y encima es un personaje que puede caer en el estereotipo,

porque sí, el personaje gay que viene a buscar a su novio.

Entonces, yo durante todo el rato intenté olvidarme

de su condición sexual, intenté olvidarme de muchas cosas.

Al final te quedas con: "¿Qué haría yo?"

En "Thi Mai" nos encontramos, pues,

con un esquema típico de comedia de situación, sección viajera.

Gracias especialmente al buen hacer de Carmen Machi,

capaz de encontrar oro,

el melodrama arranca algunas lagrimitas,

que enseguida sucumben ante el síndrome de abuelas por el mundo.

Perdone.

Es que voy a hablar con el embajador español.

"Spanish embajador".

En el tratamiento visual y musical,

con un toque turístico a vista de ultraligero,

los mensajes se hacen simples

para que lleguen con claridad al espectador.

Loas a la maternidad, a la amistad, a la generosidad,

críticas al machismo con la mujer y la homosexualidad

y críticas a la burocracia.

Una película complaciente y balsámica

para públicos poco exigentes.

¿Qué vamos a hacer?

(Música)

Al final, tenemos un conflicto internacional.

-La primera que me ha venido a la cabeza

es la de "¿Qué fue de Baby Jane?" cuando...

Cuando Baby Jane le lleva a su hermana Blanche la cena.

Te puedo decir mil.

¿Me gusta más esa que la secuencia inicial de "Malditos bastardos"?

Tampoco te podría... No sé con cuál quedarme.

No sé con cuál quedarme. O sea...

¿Te puedo decir tres?

(Canción en inglés)

Me gusta muchísimo la secuencia de "¿Qué fue de Baby Jane?"

en laque Baby Jane le lleva la cena de su hermana Blanche

postrada en la cama, porque es paralítica.

Entonces, una vez que le deja la bandeja le dice:

"Ah, Blanche, ¿no sabes? Hay ratas en el sótano".

Y entonces, Baby Jane desaparece de escena

y se queda ahí Joan Crawford

no queriendo dar crédito a lo que está interpretando,

haciendo aspavientos con la cabeza. No puede ser, no puede ser.

Tú lo estás leyendo en sus ojos.

Ni siquiera mi hermana puede ser tan cabrona.

De repente abre la bandeja y ahí hay un pedazo de rata enorme

servida con guarnición. Ese momento me parece maravilloso.

Y ya ahí se corta a un plano

en el que se ve a Bette Davis sonriendo maléfica.

Dices: "No puede ser, no puede ser".

Van a jugar al típico que en el último momento hay otra cosa.

No, hay una rata, hay una rata del sótano.

Decía Tarantino que en sus películas no hay villanos,

porque él entiende la motivación de todos.

Con lo cual, es imposible una vez que entiende su motivación

no compartir parte del proceso.

Entenderlo, aunque no lo compartas.

Y creo que una de las secuencias más sublimes

es el comienzo, cuando el personaje de Christoph Waltz

llega a casa de un labriego francés, todo es muy bucólico,

pero le hace ver que es consciente

de que estaba ocultando a una familia judía.

Ese in crescendo de terror hasta el desencadenante,

y es otra cosa del que también me siento identificado.

Ese labriego francés acaba claudicando

y entiendes que venda a la familia con tal de salvarse él.

Esa escena me pone los pelos de punta,

esa escena me hace vibrar, porque sí que me plantea

códigos, sí que me plantea dudas,

y sí que reconozco procesos mentales

con los que yo creo que me sentiría identificado,

como son el terror, el sentimiento de culpa

por estar vendiendo a tus amigos,

pero, al mismo tiempo,

la asunción de que lo primero que quieres hacer es salvarte tú.

Y luego, por decirte otra más frívola,

siempre he sido fan de la escena "Pepi, Luci, Bom",

en la que Alaska orina sobre Evasiva.

Y de esa sí que me sé el diálogo entero.

-Cuarentona y blandita, como a mí me gustan.

Vengo meándome.

-Cuando llega a Alaska, pellizca a Evasiva y dice:

"Cuarentona y blandita, como a mí me gusta.

Uf, vengo meándome".

-Aprovecha y háztelo encima de ella, está caliente y la refrescará.

-Un poco difícil sí que va a ser, pero valdrá la pena.

-Yo te ayudo.

-Entonces como dice Carmen Maura:

"Aprovecha y háztelo encima de ella, está caliente y la refrescará".

Y contesta Alaska:

"Un poco difícil sí que va a ser, pero valdrá la pena".

"Seguro, yo te ayudo".

Se suben y empieza a orinarla y Evasiva empieza a disfrutar.

Y dice Alaska: "Cómo disfrutas".

La otra está disfrutando y acaba diciendo: "Oye, que no soy una vaca".

A ella se corta el chorro y termina.

-Cómo disfrutas.

Oye, que no soy una vaca, ¿eh?

-Esa escena en esa película cuando yo la descubrí

me pareció fascinante.

No daba crédito, ese diálogo,

esa soltura para presentar una escena sado

desprovista de todo lo lúgubre.

De repente, era una escena festiva.

-Tú y yo vamos a hacer muy buenas migas.

-Es una de mis escenas favoritas de comedia de todos los tiempos.

(Música)

Desde Polonia nos llega "Loving Vincent".

Es una película de animación, pintada al óleo,

sobre el genial Vincent van Gogh

y que promete ser uno de los títulos del año.

Va a dar mucho que hablar, estamos seguros.

Se le ha caído esta carta en la calle.

-No, no es mía. Es de Vincent.

-Para el señor Theo van Gogh, es el hermano de Vincent, ¿verdad?

La iconografía de Vincent van Gogh cobra vida en "Loving Vincent",

una sorprendente película de animación

realizada a partir de los cuadros del famoso pintor.

Le caíamos bien y él a nosotros.

Era un hombre tranquilo y amable. -Claro.

La historia de "Loving Vincent" importa poco.

Funciona supeditada a la técnica

o, en este caso, al arte cinematográfico.

Nos sitúa en el verano de 1891,

un año después de que Vincent van Gogh se quitara la vida.

Una historia trágica que reconstruye momentos de la vida del pintor

y de su hermano Theo,

del que cuentan que murió poco tiempo después que él.

¿Sabía que Vincent era un genio?

-No.

Admito que no lo sabía.

"Loving Vincent" fue rodada inicialmente

con actores en sets construidos

con la apariencia real de los cuadros de Van Gogh o sobre cromas.

Y posteriormente pintada a mano fotograma a fotograma

por una gran cantidad de artistas.

En "Loving Vincent cada fotograma es un cuadro al óleo.

(Música)

No tiene sentido entregar una carta de alguien que ha muerto.

-Es la forma que tiene su padre de presentarle sus respetos.

-¿Para qué? En vida, no hizo nada por nosotros.

Solo consiguió que odiaran a nuestra familia

por la negativa de mi padre a firmar aquella maldita petición.

-La petición para que le echaran del pueblo.

-Pues yo la firmé y no me arrepiento, estaba loco.

Se trata de la técnica clásica de la animación,

pero no con dibujos, al óleo.

El resultado aúna dos artes complementarios,

la pintura plasma un momento concreto

en el tiempo y en el espacio,

y el cine consigue hacer fluir ese instante.

Vincent era muy introvertido. Su mejor amigo era su hermano.

A juzgar por la cantidad de cartas que le escribía.

-Lo sé, mi padre era su cartero.

-Ah, entonces ya lo sabe.

Una producción polaca

que constituye una sincera muestra de amor

a la obra del artista holandés por parte de sus directores,

Dorota Kobiela y Hugh Welchman.

(Música)

A ti te gustaría esta casa, Theo.

Por fuera es amarilla y entra el sol a raudales.

Aquí pueden vivir dos personas, quizás algún día venga Gauguin

y quién sabe, a lo mejor esto se convierte en una colonia de pintores.

Un artista genial e incomprendido en su momento

que, paradójica y tristemente, alcanzó su merecido reconocimiento

después de su muerte.

También un artista atormentado por el dolor,

con la etiqueta de pintor maldito.

(Música)

Motivada por la dureza de su trayectoria vital

y su desequilibrio mental que culminó en su trágica muerte.

(Disparo)

Y a la vez un artista del que contamos

con un valiosísimo testimonio autobiográfico

a partir de las numerosas cartas remitidas a su hermano Theo.

He decidido rehacer el camino que Vincent recorrió aquel día

cargado con su caballete,

porque lo que me han dicho no tiene mucho sentido.

Y a mí también están sucediéndome cosas extrañas.

Pero nada de qué preocuparse.

Ahora, en "Loving Vincent" se apuesta por trazar

posibles pruebas o teorías acerca de los últimos días

de la vida del artista holandés,

como disculpa para elaborar una soberbia experiencia audiovisual.

Y me pregunto: "Si quería acabar con su vida,

¿por qué no usó la pistola para acabar lo que había empezado?".

El trazo grueso del óleo de Van Gogh

cobra vida en un experimento sorprendente,

pero que se agota en sí mismo, cuando el ojo se habitúa al truco.

Algo que no desvirtúa en absoluto el mérito de la película.

"Loving Vincent", por supuesto y de forma merecida,

está nominada a casi todas las convocatorias

de premios de la temporada,

y ha sido considerado Mejor Largometraje de Animación

en los Premios de Cine Europeo 2017.

(Música)

A pesar de su extraño título, "Tres anuncios a las afueras"

es una película más que recomendable.

No en vano, acaba de alzarse con cuatro Globos de Oro.

Es una interesante mezcla de thriller y western

y también es una película que nos sitúa

ante lo bueno y lo malo del ser humano.

Un reparto extraordinario donde brilla especialmente

Frances McDormand, que acaba también de ganar el Globo de Oro

a la Mejor Actriz.

¿Qué dice la ley sobre qué se puede poner o no en una valla?

Doy por sentado que nada que sea difamatorio

o algo como "Joder", "puto" o "coño", ¿verdad?

-Ni... "ano". -Entonces podré hacerlo.

El impaciente deseo de que se haga justicia

sobre la muerte violenta de una adolescente

es el detonante de la pintoresca actitud

de la madre airada que alquila sus tres paneles

que dan título a este nuevo trabajo del irlandés Martin McDonagh.

Ambientado en Ebbing, una pequeña población de Missouri,

posiblemente inventada, en la América profunda,

que en el título castellano se ha quedado

en "Tres anuncios a las afueras".

Cena de Pascua, joder. Lo siento.

-Ya lo sé, jefe, pero tenemos un pequeño problema.

Llega oportunamente en vísperas de los Oscar

tras una deslumbrante y merecida andadura

por festivales y premios,

como el de Interpretación Masculina a Sam Rockwell

otorgado en Venecia.

Su participación en la sección Perlas de San Sebastián

o los flamantes cuatro Globos de Oro que acaba de cosechar

a Mejor Película, Guion, y doblete en los de Interpretación,

para Rockwell y Frances McDormand.

Eh, capullo. -¿Qué?

-No digas "qué", Dickson, cuando alguien entra llamándote capullo.

Y usted no venga... -¡Cállate!

Y tú ven aquí. -No, usted venga aquí.

-Vi algo parecido a esos anuncios cuando viajé por Estados Unidos

hace unos 20 años.

No estoy seguro de dónde, pero creo que era por el sur.

Bueno, yo quería que fuera una historia rural

y quería a una mujer fuerte de la clase trabajadora como protagonista.

-¿Qué? Solo...

-¡Te exijo que no permitas que un particular

te llame capullo en la comisaría!

-Eso es lo que hago y lo hago a mi manera.

Entérate y anda, déjame en paz.

Señora, siéntese, diga, ¿en qué puedo servirla?

Describir con cierto rigor "Tres anuncios a las afueras"

no resulta sencillo.

Se puede hablar de un western contemporáneo,

pero también de paradójica e intriga policiaca.

En su argumento, predomina el dramatismo,

pero derrocha destellos de un negrísimo humor...

...Que por el paisaje en el que transcurre

y la presencia de Frances McDormand

en un estrafalario personaje, la emparenta con los hermanos Cohen

y especialmente con "Fargo".

Así que no le ha hecho un agujerito pequeño al gordinflón de Jeffrey

en uno de sus gordinflones pulgares, ¿no?

-Por supuesto que no. -¿Eh?

-Digo que por supuesto que no.

-¿Le ha hecho un agujero al dentista?

-Dennis, no he sido yo.

-A mí también me ha hecho mucha gracia, pero...

-Realmente no se puede decir que sea una comedia,

porque hay mucha tristeza y oscuridad,

pero, de todas formas, no me gustan

las cosas que entran en una sola categoría,

por ejemplo, la tragedia.

Supongo que es la forma que tengo de ver la vida.

Hay tristeza y oscuridad, pero a veces uno tiene que reír,

porque si no es el fin.

-Podríamos haber quedado los cuatro a cenar.

-¿La niña de las caquitas no tendría que estar ya en la cama?

-No, no, es más, había pensado llevarla luego al circo,

aunque ahora ya no es necesario, hace malabares.

-Oye, estoy cenando con ese tío, porque me hizo un favor, ¿vale?

-No tienes por qué justificarte

por haber salido a cenar con un enano, Mildred.

-No me estoy justificando para nada.

Martin McDonagh, dramaturgo transmutado a cineasta,

se dio a conocer con "Escondidos en Brujas"

y más tarde con "Siete psicópatas".

Dos películas que entremezclan lo trágico y lo sórdido

con lo divertido y lo vitriólico.

¿Qué tal tu cita?

-Mi cita incluyó los episodios violentos.

Uno con su mano en mi polla y mi dedo en su cosa,

aunque demasiado breve, como siempre,

y el otro caso, robándole 5 g de su cocaína de calidad

y dejar ciego a un marica skinhead.

Dos universos superpoblados de hombres que desembocan

con naturalidad en esta "Tres anuncios en las afueras",

que gravita en torno a una contundente mujer.

Y por muy triste que pueda ser el espectáculo de las vallas...

Una servidora espera que esto ponga fin, de una vez por todas,

a la extraña historia de los tres anuncios en las afueras.

-Esto no pone fin a una nueva, mamona, esto solo es el principio.

¿Por qué no lo sueltas en tu programa de los cojones

"Buenos días, Missouri", zorra?

-La historia comienza con mucha ira por parte de la protagonista,

pero no se puede ver el mundo solo a través de la ira.

Así que me alegro de que se vea como algo más esperanzador,

porque esa es la idea.

-No puede llamar a un agente de la ley "hijo de puta"

en su propios comisaría, señora. De hecho, en ningún otro sitio.

-¿A qué viene esta nueva actitud? ¿Tu mamá te ha estado aleccionado?

-Escribí los personajes de Frances McDormand y Sam Rockwell

específicamente para esos dos actores,

porque son capaces de interpretar personajes complejos.

Pueden convertirse en alguien que parece una cosa,

pero luego vas quitando capas y acaban siendo algo diferente.

Pero, desde luego, el personaje de Sam Rockwell es el que más cambia,

porque no me gustan los personajes simples

ni las películas fáciles, donde ya sabes quién es el malo

y quién es el bueno y no cambia nada.

Lo que más me gusta de esta película

es que el público no sabe quién será el héroe o el villano.

Creo que así es más interesante.

Pero mientras escribía la historia, no sabía qué iba a pasar

o cómo iban a evolucionar los personajes.

A mí también me sorprendió el cambio que da el personaje de Sam Rockwell.

-Daría lo que fuera por atrapar al tipo que lo hizo, señora,

pero cuando el ADN no coincide con nadie que haya sido detenido,

cuando el ADN no coincide con ningún otro delito cometido en el país,

y cuando no hubo ni un solo testigo desde el momento

en que salió desde su casa hasta el momento en que la encontramos,

entienda que no podamos hacer mucho más.

Más allá de Rockwell y McDormand, cabe subrayar

el trabajo y el personaje de Woody Harrelson,

que acumula sobre él

toda esa gama de ingredientes profundamente humanos

entre lo trágico y lo divertido,

que convierten a "Tres anuncios en las afueras"

en un título gozoso, sorprendente y especial.

Creo que los anuncios de esas vallas son muy injustos.

-Tal veces en el tiempo que lleva aquí lloriqueando como un bebé,

es posible que estén matando a otra pobre chica,

pero me alegro mucho de que tenga claras sus prioridades.

(Música)

(Canción en inglés)

  • Días de cine - 11/01/18

Días de cine - 11/01/18

11 ene 2018

Días de cine se sumerge en 'El instante más oscuro', dirigida por Joe Wright, y con Gary Oldman como Winston Churchill, en un papel que le ha valido el premio a Mejor Actor en los Globos de Oro.
Además, entrevista con Jessica Chastain, que estuvo en Madrid para presentar 'Molly's game', el debut en cine de Aaron Sorkin.
Y de un ganador a la gran triunfadora de esa ceremonia, 'Tres anuncios en las afueras', con Frances McDormand como protagonista.
Además, Días de cine habla de la película de animación pintada al óleo, 'Loving Vincent'; de la nueva cinta de Patricia Ferreira, 'Thi Mai: rumbo a Vietnam'; de 'El extranjero', dirigida por Martin Campbell y protagonizada por Jackie Chan; y del nuevo trabajo de Todd Haynes, 'Wonderstruck, el museo de las maravillas'.
Las recomendaciones, preestrenos, y novedades para ver cine en casa completan el programa de esta semana de Días de cine.

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  1. María

    Felicitaciones por el programa de Días de cine. En la emisión del día de ayer, 11 de enero del presente, podríais facilitarme de que firma es el vestido de la presentadora?. Gracias y saludos de María.

    12 ene 2018