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No recomendado para menores de 12 años Días de cine - 05/07/18 - ver ahora
Transcripción completa

(Música)

Cate Blanchett, Sandra Bullock y Ana Haddaway

se preparan para dar el golpe.

Más de 100.000.000 .

Kevin Macdonald dirige un documental

sobre la vida y la carrera de Whitney Houston.

En julio "Días de cine" celebra el centenario de Ingmar Bergman.

(Música)

Ahí nombres que tienen tanta fuerza

que no necesitan del apellido para saber de quién estamos hablando.

Una de ellas es Whitney, el documental

sobre la reina del pop de los 80 y los 90.

Nos muestra de manera fiel y sin sensacionalismo su vida y su música.

(Música)

Su vida parecía abocada al desastre.

No lo tuvo fácil, se sentía sola contra el mundo.

Esta es la conclusión a la que llegamos una vez vista "Whitney".

Era una niña pequeña que solo quería volver a su casa.

Vendió más de 200 millones de discos en todo el mundo.

Fue la única artista en conseguir siete números

Fue la única artista en conseguir siete números uno

consecutivos en los Estados Unidos.

Protagonizó varias películas de éxito.

(HABLA EN INGLÉS)

Una madre asfixiante, un padre corrupto, los amores tóxicos,

su supuesta bisexualidad y las malas compañías

destrozaron su vida.

Haciéndose pasar por una familia perfecta.

-Era la niña de papá.

-Todas las decisiones giraban en torno al cine.

-Un día su padre le reclamó 100.000.000 .

-Eso me partió el corazón.

-Mi hermano y yo cuidábamos de Whitney. Los dos tomaban drogas.

-Whitney pensó que si se casaba se si sería feliz para siempre.

-Me divierto, eso es lo que importa.

Le llevó a quitarse la vida con 48 años.

"Whitney" es el segundo documental sobre la vida de la diva del pop.

El primero, no estrenado en España, fue "Whitney...".

El hecho de que este se haya realizado

con la colaboración de la familia,

amigos y personas importantes en su vida

hace que cuente con material inédito.

Ofrece una visión realmente íntima de la artista.

Lo que ha sufrido no se lo imagina nadie.

(HABLA EN INGLÉS)

Kevin Macdonald conocido por "El último rey de Escocia",

se acerca de nuevo al mundo de la música.

El director escocés hace una película biográfica,

entretenida e interesante sobre Whitney Houston.

Busca el porqué de su terrible final.

Parece encontrarlo en el gran descubrimiento de la película,

los abusos que sufrió de niña.

(Música)

Introduce el marco sociopolítico y sus contrastes con videoclips.

Utiliza sus canciones como reflejo de su vida, de sus estados de ánimo.

Novia los temas más controvertidos.

Hace preguntas incisivas a sus entrevistados

y a veces cae en ciertas sensacionalismo.

La gente se cree que es muy fácil, pero no lo es.

-Verás como todo sale bien.

Los amantes del cine de Gus van Sant

Los amantes del cine de Gus van Sant

están de enhorabuena porque el director estrena película.

La casa encendida le dedica hasta septiembre

una exposición que os recomiendo.

La película está protagonizada por Joaquin Phoenix,

que se mete en la piel de John Callahan,

el polémico caricaturista que se quedo parapléjico

al sufrir un accidente.

(HABLA EN INGLÉS)

John Callahan murió en 2010,

pero dejó el testimonio de su vida en el libro autobiográfico

que inspira la película.

Lo que nos cuenta Gus van Sant es cómo un alcohólico

y posterior parapléjico tras un accidente de tráfico

se reconcilia con la vida a través de sus tiras cómicas.

(HABLA EN INGLÉS)

Hemos querido ser lo más fieles posibles al libro.

No obstante, la diferencia más notoria es que la película

se centra en una parte de la vida.

Atenúa la caída libre de un personaje

que coquetea con la autodestrucción.

Callahan solía recorrer las avenidas 21 y 23 de Portland

en su silla de ruedas a gran velocidad.

Llegaba a las 20 millas por hora en las aceras.

Lo mejor que hace Gus van Sant

es no cargar las tintas en una historia que se presta a ello.

El actor presta su peculiar idiosincrasia al dibujante

rehuyendo de cualquier atisbo de victimismo.

Asumiendo sus circunstancias vemos a un Joaquin Phoenix

con destellos luminosos reconociendo el calor humano

como analgésico natural.

La verdad es que nos hemos divertido mucho con esta película,

¿no crees?

-Sí.

A John Callahan real le reviviría en parte su creatividad,

espiando en sus tiras cómicas sus demonios,

bajo un humor realmente negro.

Además, cantar baladas.

Ronnie Mara e Jack Black, entre otros,

dan lustre a esta cinta de una vida tortuosa sin contagiarse demasiado,

para nuestro desconsuelo,

de ese humor impío que destilaban sus viñetas.

(Música)

(HABLA EN INGLÉS)

Con 78 años nos ha dejado Robby Müller,

uno de los mejores directores de fotografía del último siglo.

No podemos ni imaginar cómo hubieran

sido algunas de las películas que nos han marcado sin su mirada.

También podemos pensar qué parte de su autoría

hay en películas como las de Peter Bogdanovich,

Michael Witerbotton, Jim Jarmusch o Lars von Trier,

a quienes prestó su exquisito gusto.

Puso su firma en más de 70 películas.

Trabajó en "El miedo del portero ante el penalti".

(HABLA EN INGLÉS)

Iluminó un puñado de películas de Jim Jarmusch

con su luz iluminó a un poco más a Lars von Trier

en "Rompiendo las olas" o "Bailando en la oscuridad".

Recordaremos la luz de Roby Muller hasta el fin del mundo.

"Lady Bird" aportaba una necesaria visión femenina

en un género en el que, todo hay que decirlo,

han predominado también los hombres.

"Call me by your name" volvía a ser un poco lo mismo.

Despierta a su sexualidad en esa edad tan complicada

y fascinante que es la adolescencia.

Jeans Ivory ganó un Óscar a los 90 años.

(Música)

(HABLA EN INGLÉS)

Otra película contundente era "The Florida Proyect",

una especie de cuento, no precisamente de hadas.

Ese lugar de ilusiones y negocio que es Disneylandia.

Apenas sobrevive una galería de personajes muy especiales.

Madres e hijos sin futuro más allá de bañarse o jugar bajo el sol.

Destaca el ángel de la guarda que se parece mucho a William Dafoe.

Si de cuentas hablamos, "La forma del agua" de Guillermo del Toro

estaba lleno de fantasía.

La historia que nos cuenta el cineasta mexicano

bien podría estar mexicano por la evocación de Marilyn Monroe

en "La tentación vive arriba".

"Hasta los monstruos necesitan amor".

O quizá no son tales monstruos.

(HABLA EN INGLÉS)

Padre comprensivo que vale para todo y para todo bien.

Una película que es, sencillamente, una preciosidad.

(Música)

(HABLAN EN FRANCÉS)

Un viudo de 45 años tiene una hija embarazada y no sabe de quién.

Hay otra noticia que trastoca más su vida.

(HABLA EN FRANCÉS)

buscando a su padre biológico,

conoce a una mujer que le fascina, Ana.

(HABLA EN FRANCÉS)

Todos estos acontecimientos convierten su vida

en un campo de minas.

Algo a lo que, por cierto, esta acostumbrado

ya que trabaja como desactivado de minas.

(HABLAN EN FRANCÉS)

Con todos estos mimbres se podría haber construido

una estupenda comedia de enredo, pero "Sácame de dudas"

se inclina por el drama familiar.

Resulta predecible en exceso.

(HABLAN EN FRANCÉS)

Dirigida por Garin Tardieux,

gran parte del encanto se basa en su reparto.

Una actriz que traspasa géneros.

(HABLAN EN FRANCÉS)

"La número uno" es el elocuente título

de una película del tortuoso camino de una mujer

para acceder a puestos reservados tradicionalmente a los hombres.

(HABLA EN FRANCÉS)

Es una ingeniera brillante y decidida

que ha llegado por sus propios méritos el consejo de dirección

que ha llegado por sus propios méritos al consejo de dirección

de una compañía energética francesa.

Todavía no ha alcanzado su techo.

Si sigue así, podrá llegar a ser

la número cuatro del escalafón de la empresa. Ese sí que es su techo.

(HABLAN EN FRANCÉS)

Hasta que una poderosa e influyente red de mujeres

le ofrece su ayuda para llegar a convertirse

en presidenta de una gran empresa.

Para llegar a ser la número uno.

Pero para ello, tendrá que arriesgarlo todo.

(HABLAN EN FRANCÉS)

En un mundo tradicionalmente liderado

por la relaciones de poder que se establecen entre hombres...

Emmanuel tendrá que poner en juego su vida profesional

y también la personal en una desigual lucha de poder.

Película previsible,

pero que ofrece una encomiable visión de los círculos de poder.

La veterana directora francesa afina la causa feminista

y acierta de lleno en el tratamiento que da a la desigualdad.

Huye de la caricatura para tratar "La número uno"

como si de un thriller de intriga se tratara.

(HABLAN EN FRANCÉS)

(Música)

(Música)

(HABLA EN FRANCÉS)

Yo viví el antisemitismo antes de la guerra en Francia

cuando era un niño y de adolescente. Lo viví durante la guerra.

Luché contra los alemanes.

Luché con el fusil y la metralleta.

Y maté alemanes.

(HABLA EN FRANCÉS)

Es una película sobre Israel y sobre mí.

Es decir, es una película sobre Israel

visto por un judío de la diáspora.

Criado sin tradiciones y que descubre un país

en el que todo el mundo es judío.

El film se desarrolla en torno a todo eso.

Hacer un país como los demás.

No es en ningún caso un film propagandístico.

Es una película que dice la verdad,

que no oculta nada de las dificultades, de las flaquezas,

contradicciones en la creación voluntarista de un país.

Es algo excepcional en la historia.

(HABLA EN INGLÉS)

Fue después de esta película que en los amigos israelíes

me pidieron que hiciera una película no sobre la shoah,

sino un film que fuese la shoah en la mayor medida posible.

(HABLA EN INGLÉS)

No una película sobre la deportación,

sino sobre la muerte en los campos, la radicalidad de la muerte.

(HABLA EN INGLÉS)

La película que he hecho es sobre el exterminio.

La gente todavía confunde campos de concentración y de exterminio.

En los campos de exterminio no hay cadáveres

porque el transporte llega y se hace a las personas

dos o tres horas después de su llegada.

Todo va muy rápido.

Los cuerpos son quemados.

Los huesos grandes son reducidos a ceniza.

Las cenizas son tiradas a los ríos o lagos.

No dejan rastro, nada.

(HABLA EN ALEMÁN)

Hacer una película en general es una forma de guerra,

pero una película, "Shoah" es una guerra total,

una guerra en todos los frentes.

Cómo hacer para mostrar en la película nazis

que no querían hablar y que, evidentemente,

no querían ser grabados.

¿Cómo encontrarlos?

¿Cómo tratar de convencerlos?

¿Cómo engañarlos?

Son demasiado cobardes para afrontar sus propios crímenes.

(HABLAN EN ALEMÁN)

"Shoah" es una película épica.

Al mismo tiempo, es una investigación de un crimen,

casi policial.

Es un western.

Hay miles de caminos para entrar en una obra así.

Es una obra incontrolable.

(HABLA EN ALEMÁN)

(Música)

Le conocemos por sus cortometrajes

y ahora Sergi Portabella da el salto al largo.

"François y el sentido de la vida" de su ópera prima.

Está protagonizada por un niño de 13 años y el escritor Albert Camus.

Francesc Rubio.

Un preadolescente fantasioso

víctima de acoso escolar

es el protagonista de esta película

con la que debuta en la dirección Sergi Portabella.

(HABLA EN CATALÁN)

Yo no fui un niño existencialista,

pero si un adolescente existencialista.

Bajarle un poco la edad me parecía interesante.

Tenía claro que el libro era este libro.

Fue un libro que me marcó.

Tampoco quería abarcar toda la filosofía en una película.

Centrarme en "El mito de Sísifo

Centrarme en "El mito de Sísifo".

(HABLA EN CATALÁN)

Una comedia dramática que se toma en serio

las inquietudes vitales de este personaje

permanentemente perplejo que emprende su camino de iniciación

a la sombra del existencialismo.

Mi personaje es un personaje tímido al principio.

Es un personaje tímido que no se atreve mucho a hacer cosas.

Hacer cualquier cosa.

Primero se lo piensa mucho y después decide actuar.

(HABLA EN CATALÁN)

Salvando las distancias,

este Francesc fascinado por Albert Camus y "El mito de sísifo",

empeñado en hacerse llamar Francois.

François podría parecerse al protagonista de "Los 400 golpes

François podría parecerse al protagonista de "Los 400 golpes".

Portabella trasciende estableciendo un tono como de cuento,

equilibrando la ingenuidad y el fatalismo propios de la edad.

Lo contamos en primera persona.

Salen todas las escenas François

un no podía evitar verlo desde los 37 años que tengo.

Yo sé que todo lo que a él le parece tan importante,

igual las cosas luego mejoran, no es para tanto.

De ahí surge un poco esa ironía y ese humor.

-Yo me siento más representado por su personaje.

-Yo por el suyo. Es muy gracioso.

(Música)

Alguien de dentro a desviando fondos a paraísos fiscales durante anos.

-¿En serio?

-Estamos jodidos, César.

Lo ha perdido todo.

Su empresa está al borde de la quiebra,

sus acciones sean desplomado y su mujer lo ha echado de casa.

Solo le queda refugiarse en su oficina.

No pienso moverme de esta oficina.

-Es un personaje al que nos va a encantar odiar,

al que vamos a despreciar muy fuerte.

Por el camino va a aprender a redimirse.

-La historia de "Jefe" nace de un corto.

Me gustó bastante, tuvo mucho recorrido.

Mucha gente me preguntaba que cómo terminaba,

que como acaba la historia.

Había que contestar a esa pregunta. De ahí nació "Jefe".

-Es curioso.

Para empezar, es una gran noticia

que del germen de un corto en una película.

Qué bien.

Me gusta mucho la secuencia,

que básicamente es el corto,

en la que se encuentran estos dos personajes.

Es como de clown sin palabras, sobre todo, por parte de mi personaje.

Es como una escena de vodevil.

Sin palabras, que tenga tanta contundencia.

La verdad, me parece una gran secuencia.

(Música)

Callejo tiene una dualidad,

un contraste en su expresión maravilloso.

Tiene una expresión muy dura que te puede dar miedo,

pero en un parpadeo puede ser alguien ensordecedor

a quien le puedes dar un abrazo.

-Por detalles sutiles.

Cuando entre en su casa había un tío en bolas.

-O es muy fácil o es imposible.

-¿Conoces a la chica que limpia por las noches?

-¿Se la quiere tirar?

Quiero hablar con ella.

-Para tirársela.

-Yo las comedias las llevo desde la seriedad total.

La situación vivida por unos personajes

que a veces se les ve sufriendo.

Eso es lo que más gracia te hace.

-Yo he visto de todo.

-Claro.

-Juana Acosta tiene una energía impresionante,

la misma que tiene el personaje, la misma que Adriana.

Siempre tiene fuerza para seguir adelante, incluso,

para ayudar a otros a levantarse después de la caída.

(Música)

Sergio debuta en la dirección de largometrajes con "Jefe",

una comedia de situación previsible

por la que circulan tópicos.

El protagonista es Luis Callejo.

Yo soy la chica de la película.

De alguna manera, esta chica de la película está ahí para

que a él le pasen cosas,

para ayudarlo a él en su transformación

y también me parece interesante.

-Son de Gómez.

Yo pensaba que era maricón.

Llega el verano,

pero hay que ver la cantidad de oferta cinematográfica

que tenemos.

Te dejo que elijas una película, como mucho, dos.

Por la semana del orgullo gay,

una película muy bonita.

Un adolescente.

Descubre su condición sexual.

Otra que me gusta mucho,

"El orden divino".

La lucha por los derechos de las mujeres en Suiza.

La semana que viene no hay preestrenos.

Respiramos una semana.

Vamos a dar otras pistas.

En cineteca tenemos...

Son dos personajes que fueron amigos y enemigos íntimos.

Werner Herzog y Klaus Kinski.

La primera es "Aguirre, la cólera de Dios".

Es un hombre enloquecido por la búsqueda de el Dorado.

Es una relación tormentosa.

Lo cuenta muy bonito.

Bergman es protagonista en el programa de hoy.

El 14 de junio se produce en 100 años de su nacimiento.

No sube a gustado hacer un programa monográfico.

Hay tanta información, que no ha sido posible.

Lo hacemos a en cuatro reportajes.

Sobre diferentes aspectos de Bergman,

que era muy sorprendente, creativa muchos niveles.

Nos ha parecido oportuno.

El primero es esta semana.

Se olvida la faceta la problemática de sus temas.

Era un grandísimo director,

como lo fue también un buen nivel, por cierto.

Tienes dos libros que tienen que ver con Bergman.

Sí.

El primero acaba de salir.

Se llama "Cuaderno de trabajo".

Rodaba todos sus rodajes.

Hay mucha documentación sobre su método de trabajo.

Es fascinante este libro, como todos los que él escribía.

Además de ser un gran director

y un gran dramaturgo, escribía muy bien.

El otro, "La litera mágica", un título preciso, es conmovedor.

Vemos a ese niño atormentado desde pequeño por su padre luterano,

que condicionó toda su carrera.

"Linterna Mágica" tiene mucho que ver con el reportaje.

Es una realidad con la que él vive.

Pronto profundizamos en su personaje

y con estas claves.

(HABLA EN OTRO IDIOMA)

Aunque quien fuera crítico, François Truffaut,

le homenajeó,

ni siquiera se libró libro de la pesadilla de la incomprensión

de la crítica.

Es la vida, es el amor,

pero es el desamor.

Es la duda más profunda, es Dios y es la muerte.

No es un cineasta aburrido, tiene un ritmo pausado.

-Ese comentario surge de la ignorancia.

(HABLA EN INGLÉS)

Habla de la vida,

siempre decía que seguirá siendo el niño

que se enamoró de la linterna mágica.

La imagen temblorosa, la representación,

a la ficción, la fantasía, pero recurrentes.

Contaba que dormía cuatro horas diarias

y se levantaba totalmente despejado.

Un creador que parecía empeñado en ocultar

su condición de gran director.

Preguntas que llevamos haciéndonos desde que existimos:

"¿De quienes somos?

¿Por qué la felicidad ha de ser efímera?

¿Por qué el amor debe ir seguida del desamor?".

(Música)

Bergman fueron muchos Bergman.

Escritor, hombre de teatro, constructor de historias,

hombre complejo y, la vez, tremendamente sencillo,

creador de mundo propio que hemos hecho nuestro.

Sobre todo, un niño que soñó con aquella máquina.

Pocos creadores han sabido traducir esas heridas del alma

en emociones como él.

Berman reformuló el cine sin pretenderlo.

Temas de calado, de profundidad,

como el sentido de la vida o el problema del mal

o la existencia de Dios, son temas profundos.

Él lo sabe tocar de una forma sencilla y, a la vez, profunda.

Hay el tópico de algunos que solo han visto una serie de películas

y asocian Bergman a un tipo de cine muy concreto,

un tipo de drama existencial y demás.

Berman ha hecho comedias,

como es el caso de "Sonrisas de una noche de verano"

o "Lección de amor", al estilo clásico americano.

También ha hecho "La hora hobo", que es una aproximación...

-Cada espectador encuentra un momento

en el que de forma muy íntima se relaciona con él.

-El tema de la muerte en Bergman está presente en parte de su obra.

"El séptimo sello" tiene la tremenda arrogancia

de personificar la muerte.

-¿Quién no se ha planteado

por qué estamos aquí?

Hace una especie de ontología de la existencia.

De esto, de unos actores y de un público.

Enamorado del teatro desde niño,

Bergman fue antes hombre del teatro que hombre de cine.

Fue capaz de sublimar cualquier triste realidad.

Un teatro es fundamental en su vida.

También creo que fue una manera de salvación.

-El cine le había marcado

y quería tener ese cinematógrafo.

Pero el teatro era algo...

Él era teatro.

-Y la manera de abordar el teatro en su cine nos lleva

a una cuestión esencial de estos dos artes, teatro y el cine,

cómo realmente poner en pantalla

y sobre el escenario las debilidades del ser humano.

-Cuenta en sus memorias cuando fue la primera representación

de "La flauta mágica" cómo quedó fascinado.

(Música)

Todo ese teatro que había absorbido,

pudo transformarlo, de alguna manera,

en cine y crear una filmografía tan personal

y tan profundamente cinematográfica...

(Música)

El comienzo de "Persona" es un proceso de inmersión...

Yo diría muy al límite.

Está hablando de celuloide.

Nos lo está mostrando.

Estamos viendo una cara que está buscando su propia definición

en ese momento, cuando ese niño,

observando, quizás intentando dotar de identidad

a esa figura de la actriz.

(Música)

Esa relación con la mirada,

por ejemplo veo que hay un punto de contacto

con ese recurso del primer plano, que Bergman es un maestro.

-Después llega a fusionar las dos caras en ese fotograma famoso

en el que aparece la mitad del rostro de Liv Ullmann

y la mitad del rostro de Bibi Andersen.

Contaba Bergman cómo quedó fascinado a la televisión.

Se quedó mirando fijamente la carta de ajuste.

Fue otra buena amiga de Ingmar Bergman.

Bergman siempre ha tenido una relación con la televisión.

De hecho, hizo cine publicitario.

Spots.

También la serie de producciones que hizo para la televisión sueca.

Impredecible, como todo gran creador.

Una carrera como director de cine que arrancó en 46,

anunciaban su retirada tras la monumental "Fanny y Alexander".

Hizo una pequeña película para la televisión

que arrancaba otra carrera con título irónico,

"Después del ensayo".

No se me había ocurrido,

pero está visto que ese fuera el título,

que todo hubiera sido en el ensayo.

Ahí llegaba ese auténtico Bergman, ya retirado.

Una vez retirado, entre comillas,

de el cine, comienza toda esa etapa.

Tiene esos guiones que él escribe.

Los ruedan cineastas afines, su hijo, Liv Ullmann...

Son películas autobiográficas.

-Es una película dura, consecuencias duras,

con enfrentamientos familiares muy duros, muy radicales.

Tiene esa escena tan tierna en la que después de 35 años

después de "Secretos de un matrimonio",

una ruptura traumático, como se vio en "Secretos de un matrimonio",

se tiraban los trastos a la cabeza, se defiende todo, 35 años después,

--decían de todo

esa pareja de ancianos se reencuentra

y ella le abre el lecho,

no como una amante, sino como una madre.

En esa escena de su última película hay una reconciliación.

Es un requisito imprescindible que haya amor.

-Todos deberían acercarse a Bergman.

Deja el germen de muchas preguntas que son necesarios que nos hagamos.

-Ese tipo de cineasta bastante excepcional

que podamos contar, no sé si llegaríamos a 10,

que ha sido capaz de cambiar vidas.

Bergman sigue cambiando las vidas de cada persona

que descubre su cine.

Es un misterio tan grande e inexplicable

como el que hace posible que el cine exista

gracias a un defecto físico.

Tres años después del sorprendente éxito de "Ant-Man"

que recaudó 500.000.000 E,

vuelve el Hombre Hormiga para formar equipo con la Avispa.

Es una película llena de acción.

¿Será la primera comedia romántica de la Marvel?

Que es un universo en expansión es evidente.

Las películas dan rendimiento en taquilla.

"Ant-Man" es un buen ejemplo.

Su fórmula funciona bien en 2015.

Solo una pregunta.

¿Ya es tarde para cambiar el nombre?

-Es mejor no buscar los orígenes de los personajes.

Y no profundizar más en los propios personajes.

Me gusta las películas que no enlazan con la anterior

y han pasado cosas entre ambas.

-Cosas estúpidas.

-Estoy en arresto domiciliario

y trato de ser un buen padre y hacer lo correcto.

Quiero ser un superhéroe o un superpadre.

Las dos cosas no encajan bien.

-Quizás solo necesitas a alguien que cuide de ti.

Como un socio.

-Es un momento muy significativo de tu vida.

Por fin está dispuesta a aceptar lo que significa ser hija

de dos superhéroes y ha superado las diferencias con su padre.

Sigue las líneas de la anterior,

el humor sigue siendo importante.

Tenemos que salvar el mundo, no lo olvidemos.

-Es divertido interpretar a una persona que es un superhéroe

y una persona normal.

-Vamos a morir.

No hemos muerto.

Los efectos especiales se utilizan para apoyar

el tono de comedia.

Se la ve... Más potente.

-Queríamos saber hasta dónde se podía llegar

con la tecnología para reducir y agrandar

y no limitarnos a los héroes,

sino ampliar las posibilidades a coches, edificios y demás.

Nos encantó esa idea.

-Arrimando el hombro.

-Tú sígueme.

-La novedad es la incorporación de la Avispa.

-Siempre debe haber conflicto en este tipo de parejas

que luchan contra el crimen.

Pasó en "Luz de luna".

-Nuestra única esperanza sois vosotros dos.

El tercero en discordia es el padre la Avispa.

Nunca había sentido interés por este tipo de cine.

Cuando hace tres años me llegó la propuesta, no sabía nada de Marvel.

En cambio, ahora tengo un enorme respeto

por el hecho de actuar sin nada alrededor.

"Ant-Man y la Avispa" es la película 20 de Marvel.

Encuentra un sitio propio dentro de ese conjunto.

Seguimos huyendo.

-Vámonos.

El humor no es un adorno, sino una parte esencial de la historia.

Los personajes son casi normales.

Se enfrentan a problemas cotidianos.

El superhéroe creado por Stan Lee,

no pretende salvar el universo,

sino proporcionar un par de horas entretenimiento.

¿Qué me he perdido?

(Música)

Reinventar una franquicia comercial con lo arriesgado

que eso es lo ha hecho Gary Ross.

Debby Ocean, convicta.

El spin off señala el aprovechamiento de un personaje

para seguir estirando la broma sin otro propósito que el comercial.

Con conceden total protagonismo a un grupo de mujeres,

se considera que sea en sí mismo progresista.

Es lo que se me da bien.

Se me ocurrió después de "Los juegos del hambre".

Se me ocurrió después de "Los juegos del hambre".

Nunca se había visto que un grupo de mujeres llevara a cabo este plan.

Me pareció increíble.

No debería ser una idea tan excepcional.

Sin embargo, lo era.

No era revolucionario y, sin embargo, lo era.

-Como sabe, la libertad condicional es un privilegio.

-Fue un error, pero sucedió.

Cuando se repite un esquema, el robo del siglo,

no un casino ni un barco,

sino una joya en el Metropolitan Museo de Nueva York,

escenas comunes, muy vistas,

resultado solo puede ser, en el mejor de los casos, entretenido.

La gana anual del Metropolitan.

Vamos a limpiarlo.

-Más de 100.000.000 .

Soderbergh, uno de los más brillantes directores

del la actualidad había realizado una secuela.

La actualizó y modernizó y con un reparto de campanillas,

tuvo tanto éxito,

que llegó a las tres entregas a las que añade esta cuarta.

Tienen cubierto cada centímetro de este sitio.

Es el sistema más sofisticado.

No solo empuja a la saga hacia delante,

sino que la hace envejecer,

por mucho que intente imitar la estructura narrativa.

Originalidad, tensión, sentido del ritmo

y puesta en escena imaginativa son virtudes

que con "Ocean's 8" no ha heredado de sus predecesoras.

Manos a la obra.

-Adelante.

-3, 2, 1...

Gary Ross no le da brillo al conjunto de estrellas

encabezado por Sandra Bullock, Cate Blanchett y Anne Hathaway.

No siempre tenemos que empezar de cero.

-¿Qué has hecho?

-Encenderla.

-¿Es genético? ¿Toda la familia es así?

-Toda.

(HABLA EN INGLÉS)

(Música)

Estos días se celebra en todo el mundo

y de todas las maneras posibles el Orgullo,

una fiesta que hace tiempo que traspasó fronteras.

Lo dedicamos a una escena en la que Kevin Kline

se sometía a test para saber si era o no que ir.

Nos vamos con otro título.

No sé si recordáis "Pride".

Los gays apoyaban la causa de los mineros en huelga.

Nos vemos en "Días de cine".

(Música)

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Días de cine - 05/07/18

05 jul 2018

Días de Cine dedicará el mes de Julio a revisar la figura de Ingmar Bergman

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