www.rtve.es /pages/rtve-player-app/2.12.2/js
3599281
No recomendado para menores de 12 años Días de cine - 05/05/16 - Ver ahora
Transcripción completa

Hola, ¿qué tal? Ya estamos de vuelta.

Esa frase del refranero popular pone perfectamente en suerte

la primera película de la que hablamos hoy.

"El Olivo" es una historia preciosa sobre el amor a nuestras raíces,

es eso y mucho más. Icíar Bollaín después de muchos años

dedicada al documental, vuelve a la ficción con este cuento.

Un viaje quijotesco como ella misma le gusta denominarlo.

Tiene un guion tan entrañable como divertido

de su inseparable Paul Laverty y un reparto estupendo

en el que destaca una actriz, Ana castillo,

a la que en "Días de cine" vamos a seguirle muy de cerca la pista.

(Música)

Esto lo plantaron dicen, los romanos.

Este árbol tiene al menos, 2000 años.

En la España de la especulación, de la burbuja inmobiliaria,

del latrocinio varado en la falsa prosperidad,

todo se compra y se vende.

Se vende la tierra, se venden las raíces.

Se vende hasta el alma.

Ese árbol no tiene precio. Ese olivo es sagrado.

Ese árbol es mi vida, queréis quitarme mi vida.

A Paul Laverty, guionista habitual, le preocupa mucho

la organización entre el fondo y la figura de sus historias.

Es decir, que se perciban como elementos inseparables.

En "El Olivo" el fondo es un paisaje arrasado

por la pérdida de valores humanos, del que se ha arrancado un olivo

milenario que servirá para decorar la sede

y camuflar las actividades de una multinacional alemana.

La figura la componen un abuelo y su nieta

abrazados al árbol y unidos por su amor mutuo.

¡Para la máquina! ¡Para!

Entre el fondo y la figura, se establece una relación dialéctica

en que la rebeldía y el amor, operan como catalizadores

de una preciosa fábula que mezcla con sabiduría la sonrisa

y la emoción, en algún momento al borde de la lágrima.

El abuelo se ha ido, Alma. Tu abuelo ya no es tu abuelo.

-El olivo de tu abuelo era muy especial.

-Cuando estás escribiendo un personaje,

tienes que buscar las contradicciones, los motivos,

imaginar su pasado, sino costaría imaginar su personalidad.

Entonces, no se puede separar de una manera muy obvia.

De la mano de Laverty, su guionista y compañero,

Icíar Bollaín le ha imprimido a sus películas un carácter

sociopolítico sin perder el tono intimista

tan cercano al espectador como al personaje

que siempre persigue.

Es un pequeño giro detectable a partir de "También la lluvia",

que cuaja en el documental "En tierra extraña",

que identifica el destino común de los seres anónimos

emigrantes forzosos, engullidos por la voracidad de la crisis.

También estoy trabajando como camarero.

-El documental "En tierra extraña" para mí, es un documental

claramente hecho con intención de denuncia política.

Para mí es la única película que he hecho que tiene esa intención.

-El árbol está en Dusseldorf.

-Lo único que necesitamos es un camión con grúa

y dos conductores voluntarios. -¿Qué dices?

El inconformismo y la rebeldía despuntan en la arrasadora juventud

de Alma a quien Ana castillo infunde fuerza, coraje y dulzura.

Con tal contundencia e inteligencia que desde ya mismo

apuntamos su nombre para los Goya.

Escúchame, si me tengo que ir a Düsseldorf andando

y arrastrar el olivo de vuelta, lo haré.

Iros a tomar por culo, gilipollas.

A mí lo que más me tocó es ver toda la rabia y dolor

que tenía ese personaje, pero a la vez lo contenida que era,

es muy destructiva pero no llora, no muestra un ápice de debilidad

en ningún momento con todo eso que tiene

excepto con el abuelo.

La determinación de Alma no se comprende sin la lección

de dignidad de su abuelo, Ramón.

Manuel Cucala no era actor antes ni lo será después de intervenir

en la película.

Pero durante ella, se eleva como un monumento a la nobleza.

Sí, porque si tú mismo piensas en algo que lo quieres mucho

y te lo llevan, ¿me entiendes? Se te va el corazón detrás.

Eso es normal.

Para delinear con finura los límites del dramatismo y la comedia,

pocos actores entregan en este momento una sutileza

y autenticidad de Javier Gutiérrez.

Es un tipo que ha trabajado mucho, arduamente con una pequeña empresa

y ha visto cómo se ha desmontado absolutamente todo

ese castillo de naipes y no por culpa de él precisamente,

sino por culpa de un sistema muy injusto que nos ha engañado a todos.

¿Y esto? ¿Qué me decís de esto?

Se lo compró a la imbécil de su novia.

Con su personaje, "Alcachofas", ganador de cariño

a fuerza de generosidad tras haberlo perdido todo,

Gutiérrez ofrece otro glorioso recital interpretativo.

Mi sudor, mi sudor durante 18 horas trabajando al día

fue lo que pagó este mamotreto.

"Alcachofas" emprende un viaje quijotesco junto a Rafa,

que por amor a la heroína de la historia,

está dispuesto a dejarse engañar o a lo que sea.

Pep Ambrós, despliega una gran austeridad gestual

con la que se ha ganado en el cine un lugar más allá

de series de televisión.

Mira chaval, cuando te pille te voy a cortar las pelotas.

Y te voy a decir una cosa, es un matón, un gilipollas

que te puedes ir a tomar por el culo.

En este caso, lo que hace Rafa es acompañar a Alma en este viaje

y jugar a la mentira.

Para ayudarla y para estar a su lado.

Que es lo que realmente quiere el personaje.

"Icíar Bollaín".

Icíar Bollaín llamó la atención como directora

desde su primer largometraje y alcanzó su cenit en 2003,

ganando nada menos que siete Goyas. Entre ellos, mejor dirección

y mejor película con "Te doy mis ojos".

"El olivo" representa la síntesis perfecta

de las características de su cine.

Agudeza de observación, empatía con los afligidos,

compromiso social, mezcla de drama y humor.

Y verdad, mucha verdad en la voz del relato.

No podía sentarme a ver como mi abuelo se muere de pena.

Y ahora ¿qué? -Ya estabais tardando.

-Hay que joderse.

(Música)

En el extremo opuesto a "El Olivo" está "Triple 9",

una de suspense y acción trepidante en lo último de John Hillcoat,

en su séptima película, el director de títulos como

"La carretera" o "Sin ley", se rodea de un buen reparto.

Quizá sea lo más destacado de este thriller policiaco

que habla del lado oscuro de las fuerzas de la ley

y del peligro que tienen esas organizaciones que manejan

los entresijos de las grandes ciudades.

"Triple 9" tiene muchos elementos atractivos.

El primero, un director con talento. El australiano John Hillcoat.

Segundo, un reparto que une a veteranos como Kate Winslet

y Woody Harrelson con actores más jóvenes

como Casey Affleck o Aaron Paul.

Tercero, una trama que pone en escena atracos,

mafia rusa y bandas latinas, amén de policías corruptos.

Tres días. A no ser que os diga lo contrario.

Terrence Tompkins es el jefe de un grupo de agentes

de policía que hace trabajos sucios para la mafia rusa.

No hemos acabado, Michael. -Ese no era el trato.

Su líder es la implacable Irina Vlaslo.

Este es el objetivo.

Ella les hace el encargo más difícil de su vida.

Asaltar los archivos de la Agencia de Seguridad Nacional.

El maletín llega mañana por la noche. Se quedará allí 24 horas.

Para desviar la atención de la policía,

deciden activar el código Triple 9.

Un Triple 9, ¿qué es eso? -Significa que han matado a un poli.

-Todos los polis de la ciudad acudirían

a esa llamada. Dispondríamos de todo un día.

La víctima elegida es un novato.

Tu trabajo es ser el peor de todos y volver a casa por la noche.

El único que sospecha que algo se está preparando

es el sargento Jeffrey Alley, tío de Chris.

¿Es que nadie se da cuenta de que algo muy gordo

está a punto de pasar?

-Tiene que haber otra forma.

-No me supone ningún problema cargarme a un poli.

Mataría un poli así.

Estas son algunas de las cartas que reparte el guion de la película.

Pero no están bien barajadas.

Tras un prometedor arranque narrado con brío,

el desarrollo abre interesantes perspectivas

que no llegan a cuajar.

Los planteamientos sobre la corrupción moral y social

no van más allá y los personajes no están bien desarrollados.

Quiere saber cómo van progresando las cosas.

-Sabemos cómo hacer que funcione.

Tras la cámara, John Hillcoat deja unos cuantos apuntes

de su calidad como director.

En 2005, "La propuesta" puso el nombre del australiano

en la lista de grandes promesas.

Era una forma renovadora de hacer un Western,

al oeste del oeste.

El desarrollo posterior de su carrera ha ido rebajando

esas perspectivas.

Sus películas posteriores en Hollywood,

como "La carretera" subieron el presupuesto

al precio de quitarle personalidad.

¡Al suelo! ¡Al suelo!

Phil Good es un buen narrador, pero necesitaba algo que narrar.

Si algún productor inteligente lo reconoce,

es posible que recuperemos al director de la propuesta.

(Disparos)

(Música)

Tenemos otro muerto.

La venganza de Jame transcurre en el durísimo ambiente

del final de la guerra de secesión. Tiene vocación de western femenino.

Preguntad a todo ser vivo. Levantaremos todas las piedras.

El mundo salvaje y despiadado de pura supervivencia,

una mujer dividida entre el amor de dos hombres

debe pasar a la acción y jugar sus bazas

con determinación.

Si hay algo que sostiene la película son sus actores.

Empezando por Natalie Portman, en un papel inusual.

El prolífico y sólido Joe Edgerton,

el solvente secundario, Noa Emmerick

y un casi irreconocible Ewan McGregor

al otro lado de la ley.

Por lo demás, el carácter de este western

que tiene un inevitable halo de déjà vu

va acercándose a la luz a medida que la emoción

va abriéndose paso entre los rostros curtidos

y desesperados de sus personajes.

(Música)

25 años de "Días de cine". Pues feliz cumpleaños,

25 años de años de cine, que nos habéis dado

y que habéis seguido las trayectorias de mucha gente,

de lo que ha ido pasando en este arte maravilloso

durante estos 25 años.

Cambios extraordinarios que han pasado,

habéis estado siempre ahí, para lo bueno y para lo malo.

Una simple palabra, gracias.

(Música)

Dedicamos los próximos minutos a dos películas que están

en las antípodas, "Nacida para ganar",

es la nueva comedia de Vicente Villanueva,

cuenta con la participación de TVE y uno de sus alicientes

es volver a ver en el cine español a Victoria Abril.

Y "Mayo, 1940", un drama que aborda un tema poco tratado

en el cine francés, quizá por incómodo.

El éxodo de millones de personas que tuvieron que abandonar

la Francia ocupada huyendo del nazismo.

"Mayo, 1940", del veterano Christian Carion,

reconstruye un episodio bastante desconocido

de la Francia ocupada.

El éxodo masivo de norte a sur de los ocho millones de franceses

que se echaron a las carreteras con todo lo que pudieron llevar

huyendo de la barbarie nazi.

El cine francés ha hablado poco del éxodo.

Porque es un momento histórico vergonzoso,

una gran parte de la población, entre ocho y 10 millones

atravesó el país. Todo el mundo se fue.

Los políticos, los prefectos, los gendarmes y los bomberos.

El ejército estaba derrotado.

Con el testimonio de mi madre, que tenía 14 años en mayo de 1940

y de otros, he sabido lo que vivieron los franceses en las carreteras.

Pero no quería hacer una película únicamente francesa.

Por eso imagine personajes extranjeros, era una guerra mundial.

Quería volcar la película sobre un alemán, que no es nazi

e intenta encontrarse con su hijo.

Se olvida siempre que las primeras víctimas del régimen nazi

fueron los alemanes, judíos, comunistas, homosexuales...

Y que cientos de miles huyeron del país.

Le dije a mi director de fotografía que era un western,

con caballos, carreteras y grandes espacios.

Y rodando el espacio, que era el de mi infancia,

pensó en las películas de Terrence Malick

y en su manera de rodar la naturaleza.

(Música)

Espíritu de western acompañado de la música compuesta

por el gran Ennio Morricone para la ocasión,

que adquiere además una dimensión perturbadora

cuando sus imágenes resuena la trágica actualidad

de los refugiados europeos.

Toda la vida me he sentido inferior a las demás.

¿Se imagina el infierno personal que tuvo que vivir en los años 80

esa pobre niña que viviera en Móstoles y se llamara Encarna?

Encarna, de Móstoles. ¡Qué gracia!

-¿El qué?

El director Vicente Villanueva en "Nacida para ganar"

la imagina de barrio humilde, trabajadora de una colchonería,

amante de un anciano y amiga de una víbora

que la engatusa para que forme parte de una estafa piramidal

de color de rosa.

Estoy buscando gente ambiciosa que se una a una nueva

oportunidad de negocio.

Villanueva juguetea con confundir la frontera

entre ficción y realidad.

Así provoca que Las supremas de Móstoles, por ejemplo,

hagan de sí mismas al tiempo que de las originales tías

de la protagonista.

Hola, soy Victoria Abril.

O que Victoria Abril, como Victoria Abril,

se convierta en una experta del engaño.

Cabecilla de los estafadores que prometen una vida idílica

donde es posible el éxito y ganar increíbles cantidades

de dinero solo a base de proyectar energía positiva.

El dinero no es malo, es un regalo divino

que está al alcance de todos.

Y al principio le dije: "¿Yo?" Esta arpía, ni en broma.

Y luego, ya me di cuenta de que la película agarraba un peso,

sobre todo credibilidad.

¿Por qué Encarna se mete en esta estafa?

¿Es idiota, es tonta?

O simplemente es que Victoria Abril le ha dicho

métete en esto que se gana mucho más dinero que haciendo películas,

a partir de ahí, tanto el espectador como Encarna,

entrar al trapo.

Antes de seguir adelante, por favor piénsalo un instante.

Páralo.

A mí esto me da mucho miedo, nena.

(Música)

Seguro que sabes a quien cantaba Gilda esa canción,

no era tan apuesto como Cary Grant, no tenía el encanto de Gary Cooper,

en la presencia de John Wayne, pero ella le dijo te odio

cuando en realidad todos sabíamos que quería decirle que le amaba.

Sí, estamos hablando de Glenn Ford. A él le dedicamos este reportaje,

nuestro pequeño homenaje en su centenario.

(Música)

Efectivamente, si comparamos Glenn Ford

con otras grandes estrellas, pudiera parecer que su figura

quedara en entredicho.

Es curioso que siendo canadiense, representara como pocos la esencia

del cine genuinamente americano.

A través de los géneros más característicos

por los que los que amamos el cine, adoramos aquel Hollywood

que nos dejó ya hace muchos años.

He hecho 200 películas, son muchas películas.

Y solo otro, hizo tantas como yo. Fue John Wayne.

Hemos hecho aproximadamente 220 cada uno

y siempre de protagonistas.

Creo que eso no ha sido superado por nadie.

Estoy muy agradecido porque se me ha permitido trabajar

mucho tiempo y además he tenido el privilegio

de trabajar con casi todos los mejores directores del mundo

y también con los mejores actores y actrices.

(Música)

Nacido un 1 de mayo de 1916, Glenn fue uno de esos actores

que parecía desenvolverse bastante bien en casi cualquier registro.

Ya fuera western, melodrama, el cine negro o la comedia.

No fue un actor del método. Ni falta que le hacía.

Comenzó casi desde el principio interpretando protagonistas.

Primero, básicamente en western. Mejores o peores,

pero casi siempre interesantes. Y un buen puñado de ellos,

decididamente excelentes.

Gilda lo cambia todo en una carrera que había empezado pocos años atrás.

Aquel busca vidas perdido en un Buenos Aires de ensueño,

En el que se reencontraba con un amor tan turbador

como imposible de olvidar, pasaría a la historia del cine

en todo el mundo por muchos motivos.

Un melodrama en negro, fatalista,

con las lecturas que se le quieran dar

pero en el que permanecen por siempre miradas arrebatadas,

diálogos inolvidables, canciones maravillosas

un striptease sugerido y una sonora bofetada

que hoy en día es inconcebible.

Pero que ha quedado como uno de sus momentos

irrepetibles de la historia del cine.

Una gran parte de la violencia interna de un hombre

se refleja en sus ojos.

Aunque no te vuelvas violento, el público tiene que pensar

que eres capaz de serlo si se te provoca en exceso.

Nunca hubo una mujer como Gilda, decía la publicidad de la época,

y nunca pudo repetirse aquel exitazo,

por más que los productores se empeñaran en juntar

en varias ocasiones a los dos protagonistas.

Una cosa sí es cierta, Glenn Ford y Rita Hayworth

se convirtieron en grandes amigos.

Y puede que en alguna ocasión, en alguna cosa más.

(Música)

En un Western interpretó un tipo de personaje

en el que podemos intuir algunos vericuetos oscuros

en un alma atormentada, ya interpretara a forajidos

o un simple cowboy.

Memorables sus tres películas a las órdenes de Delmer Daves,

el clásico "El tren de las 3:10" y las menos conocidas,

pero no menos interesantes "Jubal" o "Cowboy".

Sus colaboraciones nos dejó dos clásicos del fatalismo

y del cine negro norteamericano: "Deseos humanos"

y "Los sobornados".

No recuerdo a nadie más amable. Siento un gran respeto por él.

Era rudo, pero yo, no sé por qué, cuanto más rudo es el director,

mejor me llevo con él.

Me gusta tener un enemigo fuerte.

A las órdenes de Lang,

pero también en otros títulos negros,

Ford demostró también el oficio de actor

sin recurrir nunca a la sobreactuación.

Creo que la cuestión estriba en que tú interpretas

una persona que no es violenta, pero el público debe darse cuenta

de que eres capaz de cometer actos violentos.

Es la violencia nuevas vale interior que puede estallar hacia fuera

en cualquier momento y eso es lo importante.

Se puede ser muy violento con frases como: "No hables de esa forma".

Todo depende del tono con el que se diga.

Eso implica una violencia mucho mayor que la puramente externa.

Lo que importa es la fuerza interior.

"Semilla de maldad" era un film violento de verdad.

Un rostro de hombre normal le permite hacer papeles

memorables, como aquel profesor de "Semilla de maldad"

que se enfrentaba a una auténtica jungla en el aula.

El actor a veces se siente impulsado a sobre actuar

cuando en realidad debería dejar que fuera el público quien actuara.

Si esa fuera una carta trágica que dijera algo

verdaderamente trágico, yo la miraría,

me limitaría a leerla, la volvería a guardar.

(Música)

Así sería como yo lo haría.

Pero si en cambio, la leyera llorando

y dando gritos, sería espantoso. Hay que dejar al público

que lo interprete. No hay que actuar todo el tiempo.

Es curioso, años más tarde, Ron Howard quien interpretaría

a su hijo celestino en "El noviazgo del padre de Eddie",

dirigiría un remake de Rescate, con Mel Gibson como protagonista.

Baby Reynold y Glenn Ford se encuentran en Madrid

para rodar en la capital de España la película "Empezó con un beso",

el actor norteamericano conversa con los informadores.

Se deja retratar y firma autógrafos

en una rueda de prensa.

El cine le trajo a España.

Por mucho que los guionistas confundieran una jota

y una sevillana en Granada.

Con Reynolds, una de sus partener en la pantalla,

rodó en España "Empezó con un beso" demostrando que la comedia

tampoco le era territorio hostil.

De hecho, películas como esta o "Un muerto recalcitrante"

estaban entre sus películas favoritas.

Charlie Chaplin vivió puerta con puerta conmigo

durante mucho tiempo.

Solíamos reunirnos en su casa todos los sábados por la noche.

Hablamos de teatro, una de las cosas que él me enseñó

es que siempre había que interpretar la comedia con una rigurosa seriedad.

Había que dejar al público que pensara que era divertido.

Que no pensara que yo era divertido. Que además, el público

es más inteligente de lo que parece.

En los años 60, pudo pasar de la épica

por colonizar, ha sido un gangster con Frank Capra,

impedir el chantaje a una mujer o hacer que ardiese París.

(Música)

Fue uno de los primeros actores grandes

en hacer televisión sin complejos, siendo el sheriff de un pueblo

llamado Madrid con Sam Cade.

Y para el final de su carrera, ayudó a Clark Kent

a crecer en un mundo sin cryptonita.

Glenn Ford, el canadiense que fue una estrella en Hollywood,

volvió a España para recoger un Premio Donosti en 1987.

No creo que sea yo quien tenga que decir lo que es bueno.

Es el público quien tiene que decirlo.

Me ha hecho más feliz hacer "Semilla de maldad"

"La casa de la luna de Agosto", "Un muerto recalcitrante",

una que hice en Madrid, "Empezó con un beso",

que fue un placer y muy divertida.

Me gusta "Cowboy" y todos los westerns que he hecho.

Glenn Ford, el hombre al que Gilda odió,

queriéndole hasta el último aliento

y, sin embargo, una estrella muy discreta,

nos dejó a los 90 años, un 30 de agosto de 2006.

Este oficio ha sido muy bueno conmigo, muy amable.

Soy un hombre muy afortunado.

(Música)

Ya sabéis que una de las señas de identidad del programa

es mirar a todas las cinematografías para poderos acercar las películas

que se hacen en cualquier rincón del mundo.

De las que hablamos a continuación,

las vais a poder ver en muy poquitas salas.

Una lituana, otra propuesta

que nos llega desde Ucrania y es bastante insólita

y lo nuevo del coreano Hong Sang-soo,

ganadora del pasado Festival de Cine de Gijón.

La primera tentación que surge

ante el cine del lituano Sarunas Bartas

es tratar de explicarlo.

Sin embargo, eso supone destruir

parte del placer que implica internarse en sus películas.

Y quizá, por esa misma razón,

Sarunas Bartas es un entrevistado amable, pero es esquivo.

Hay tanta información en sus silencios

como en sus palabras.

En el caso de su último trabajo, "Peace to us in our dreams",

lo que se impone de manera inmediata es la belleza de sus imágenes,

del encuadre y de la luz.

Los elementos son muy sencillos,

tres personajes, un hombre, su hija y su actual pareja,

pasan un fin de semana en una casa de campo.

Allí se revelan sus problemas,

especialmente, uno, la falta de comunicación.

Poco a poco, en ese hermoso entorno en el que deambulan,

los personajes van encontrando las palabras.

(Disparo)

"Peace to us in our dreams"

está construida como una cámara de ecos.

Imágenes, gestos y sonidos se remiten unos a otros.

Pasado, presente y futuro reverberan

como los círculos concéntricos

que produce una piedra lanzada al agua.

La palabra que mejor define el conjunto es "sutileza".

Una sutileza que se extiende al trabajo con los actores,

en su mayoría, no profesionales.

En su último trabajo,

el director lituano alcanza un estado de equilibrio

y dominio perfecto sobre sus materiales.

Han transcurrido 25 años desde su primer largo,

en una carrera que consta de ocho películas de larga duración.

Reconocido desde sus inicios en festivales como Berlín y Cannes,

el cine de Bartas se caracteriza

por sus estructuras alejadas de la narración convencional,

sus connotaciones filosóficas y su aspecto minimalista.

Ese cine tan estilizado

evolucionaría, en sus películas más recientes,

hacia tratamientos cercanos al naturalismo, donde, incluso,

incorpora elementos narrativos del cine de género.

"Peace to us in our dreams"

alcanza un punto de difícil encuentro

entre abstracción y realismo.

Una compleja sencillez que se refleja

en la meticulosa construcción

que, sin embargo, no resulta forzada.

Hasta aquí los argumentos, el resto es cine.

(Música)

Procedente de Ucrania, nos llega una película sorprendente,

"The Tribe", ganadora de tres premios en Cannes 2014.

Planteada como un homenaje al cine mudo, un cine silente,

pero en el que los actores se comunicaban de manera activa,

la intención de su director, Miroslav Slaboshpitsky,

era hacer una película

que pudiera ser comprendida sin una sola palabra hablada.

Ni escrita, porque tampoco hay subtítulos,

solo lenguaje de signos.

Para ello, ha contado con un numeroso reparto

de actores sordomudos no profesionales.

Pero "The Tribe" está lejos de ser un homenaje

nostálgico, cómico o político,

porque en esta dura película la risa se congela

y la poesía es la del infierno.

El joven Sergei ingresa en un internado

especial para sordomudos.

Allí se ve inmerso en un submundo de delincuencia

en el que los robos, las agresiones, los abusos y la prostitución

están a la orden del día.

Pero cuando Sergei pierde la cabeza

por una de las jóvenes obligadas a prostituirse,

la trama da un giro radical.

Compuesta por una sucesión de plano secuencia

que nos evocan la gélida puesta en escena

de Ruben Östlund en la magnífica "Play",

donde, como en "The Tribe",

se priva al espectador de primeros planos,

obligándole a jugar el papel de testigo incómodo de la tragedia,

y contagiada por el desasosiego y la visceralidad

de "El odio", de Mathieu Kassovitz,

esta película sin palabras sorprende, engancha y perturba.

Aunque, desde luego, no es apta para todos los públicos.

El director coreano Hong Sang-soo,

que ha fascinado al mismísimo Martin Scorsese,

nos regala una de sus pequeñas piezas de cámara

tan agradables de ver, gracias a su aparente simplicidad.

Sin embargo, por debajo de esa plácida superficie,

un rico mundo de posibilidades se deja entrever.

"Ahora sí, antes no", cuenta el encuentro

de una joven pintora y un director de cine

con evidentes indicios de ser el alter ego del propio Sang-soo.

A la ciudad de Suwon acude dicho director

para presentar su última película.

En el tiempo que deambula por la ciudad,

conoce a la joven artista plástica,

que queda fascinada cuando el director revela su identidad.

Es ella, precisamente, la que sugiere la pregunta

de que, si se volviera a repetir el encuentro,

¿pasaría lo mismo o habría variaciones?

Lo que plantea, entonces, Hong Sang-soo

es volver a narrar el encuentro recogiendo un cambio de actitud

más acusado, sobre todo, en el personaje masculino,

de tal manera que la importancia de los detalles

tiene un valor determinante.

En "Ahora sí, antes no", asistimos, por lo tanto,

a una historia contada dos veces.

Aparentemente, es casi la misma, pero si se escarba,

la actitud manifestada a través de matices y gestos,

la convierten, en realidad, en otra.

A partir de ahí, se abre un mundo de posibilidades y vértigos

que da mucho que pensar.

En otras palabras, lo que Hong Sang-soo provoca

es darse cuenta de cómo las pequeñas elecciones de cada momento,

a menudo inconscientes,

influyen decisivamente en el resultado de las acciones,

incluso, en la percepción del personaje

que se tiene desde fuera.

Y todo ello contado por la narrativa simple y directa

del director coreano, despojada de artificio,

con elementos mínimos y presupuestos exiguos.

Sin duda, una interesantísima lección de cine.

(Música)

Las salas de Cineteca se convierten estos días

en referente absoluto del cine de lo real.

Documenta Madrid celebra su décimo tercer aniversario

con una vocación clara, acercar a los espectadores

una visión plural de la realidad que nos rodea

a través de las miradas de personas llegadas de todas partes del mundo.

Nuestro compañero Santi Tabernero

ha sido el encargado de seguir el festival

y ha estado con un invitado muy especial, Carlos Saura.

(Música)

Documenta Madrid se afianza en su décimo tercera edición

como uno de los festivales europeos de referencia

de eso que, para entendernos,

seguiremos llamando "cine documental",

aunque cada vez sea más difícil ponerse de acuerdo

sobre qué es un documental,

dada la fascinante diversidad de recetas

para hacer una película partiendo de la realidad.

Quizá por ello, algunos prefieren llamarlo

"cine de lo real",

que también se queda corto para referirse, por ejemplo,

a los musicales de Saura y otras películas de rango poético.

Otros, por exclusión, hablan de "cine de no ficción",

aunque tampoco sea exacto,

pues abundan los casos de documentales híbridos

que conjugan la mirada testimonial

con el uso de elaboradas técnicas de puesta en escena.

Afortunadamente, a Documenta no le inquieta la diversidad,

sino que la celebra con una sección oficial

tan exigente que este año ha dejado fuera de concurso internacional

a los documentales españoles.

Aunque, a cambio, les dedique todo un panorama

que sabe a caramelo de consolación.

Documenta no es el Telediario de las nueve, pero se le parece,

dada su predilección por los temas candentes.

Un cine que hurga en las heridas del mundo,

buscando argumentos complejos que no caben en un titular,

puntos de vista que no suele tener en cuenta la historia oficial.

Gracias a documentales modélicos como "Les Sauteurs",

el sangrante conflicto migratorio estalla en nuestras conciencias

poniendo rostro a los cientos, miles de subsaharianos

que cada día intentan cruzar la valla

que les separa de Europa huyendo de la hambruna y la guerra.

La idea para "Les Sauteurs", "Los saltadores",

comienza a surgir a principios de 2014,

cuando en los medios de comunicación

se ven varios intentos de salto masivo

desde el Gurugú, desde Marruecos, hacia Melilla.

Lo que hace de "Les Sauteurs" un documental único

es la osadía por parte de sus autores

de entregar una cámara de vídeo a un migrante de Mali, Abou Bakar,

para que fuera él quien registrara, desde dentro,

la vida cotidiana en el monte Gurugú.

Técnicamente, al comienzo, el material era pésimo,

pero no era eso lo importante.

Lo importante era juzgar la poesía,

la capacidad de captar momentos humanos sutiles,

con doble lectura, etc., que fuesen a enriquecer la historia.

Y, realmente, Abou ahí hace un trabajo espectacular.

Tanto que decidieron compartir con Abou

el crédito de director.

Las escenas clave, tal vez, las mejores del documental,

son escenas que a mí jamás se me hubieran,

siquiera, ocurrido y él las capta

y nosotros nos encontramos con ellas y decimos:

"¡Pero es que esto es oro!", son diamantes en bruto

y, justamente, el estar en bruto es lo bello que tiene.

Y lo que filma es puro cine.

La gran película por la que será recordada

esta edición de Documenta,

independientemente, del veredicto del jurado.

Aunque no ha sido la única en poner el dedo en la llaga migratoria

que tanto escuece desde España.

Cuando se habla de lo de la playa de El Tarajal,

hasta que uno no va a la playa de El Tarajal,

da la sensación de que es un sitio recóndito,

perdido en algún lugar de África y la gente no es consciente

de que esto pasa delante de un puesto fronterizo,

frente a una parada de taxi y cruzando la calle de una cafetería.

"Tarajal" denuncia la violenta represión,

por parte de la Guardia Civil, de cientos de subsaharianos

que el 6 de febrero de 2014

intentaron cruzar la frontera con España desde Ceuta

dejando un saldo de, al menos, 15 muertos.

Nos acusan de hacer un documental de parte

o un documental poco objetivo.

Nosotros no creemos en la subjetividad,

en la objetividad del periodismo,

siempre hay un posicionamiento previo.

Lo que intentamos es que sea riguroso,

que todo lo que contamos en el documental sea cierto.

En busca de la objetividad,

los directores de "When two worlds collide"

se entrevistaron con líderes del movimiento indigenista,

políticos y fuerzas policiales

enfrentados por el usufructo de los recursos naturales

de la Amazonia peruana.

Para crecer, el Perú necesita ampliar sus mercados.

Por eso, los invito a invertir en el Perú.

Vengan los empresarios norteamericanos

a instalar sus fábricas, vengan.

-No entendíamos la lógica.

Estamos en un país donde hay bastante biodiversidad

y quieren, ahora, entrar ahí y destruirlo.

-Confiando en que vamos a tener seguridad de largo plazo.

Cine documental para denunciar las lacras de la sociedad.

"Santa fiesta" viaja por la España que, amparada en la tradición,

ha convertido el maltrato animal

en reclamo turístico de sus fiestas patronales.

Me apetecía explorar y enseñar un poco a todo el mundo

que había una complicidad muy muy importante de la Iglesia

a la hora de aprobar incluso, de alentar estos festejos.

Cuenta la leyenda que Dios se olvidó de Afganistán

cuando repartió el mundo entre las tribus que lo habitaban.

Desde entonces, ha sido tierra de saqueo,

funesta escuela de niños de la guerra como estos,

que aguardan a que se vayan las últimas tropas americanas

para repartirse los restos del botín.

Otras miradas sobre la infancia en guerra

alientan la posibilidad de una esperanza.

Hace nueve años,

encontré una reseña en un periódico deportivo

que hablaba sobre un grupo de niños de Uganda

que venían invitados por el Barcelona y por ONG a jugar al Camp Nou

y uno de esos niños venía de la zona de guerra de Joseph Kony,

el norte de Uganda,

una de las zonas más devastadas de niños soldados.

En ese proceso y en ese viaje que hemos hecho a Uganda,

hemos encontrado a un niño más pequeño

que nos ha demostrado fehacientemente

cómo el fútbol puede cambiarle la realidad,

sacarle de un vertedero y llevarle a una educación,

que es la línea entre vivir y morir.

De México llegan dos de los documentales más destacados

de esta edición de Documenta.

En "Plaza de la Soledad", la prestigiosa fotógrafa Maya Goded

cede la palabra a cinco viejas prostitutas

para hablar de los temas que le preocupan,

más allá del morbo y la moral.

Había muchas cosas que necesitaba investigar.

Sobre la sexualidad de las mujeres mayores,

todo un cuestionamiento de la moral cristiana,

de qué es ser una buena mujer, mala mujer,

de la violencia en el cuerpo...

Por historias personales que siempre, por alguna conexión,

por algo, te dedicas tantos años buscando ciertos temas.

Tatiana Huezo firma el segundo documental mexicano

digno de figurar en el palmarés,

desde una mirada fuertemente autoral,

para contar la historia de una mujer que fue encarcelada sin pruebas,

acusada de tráfico de personas y crimen organizado.

Le pregunté si ella estaba dispuesta a compartir este testimonio,

de hablarlo, de romper el silencio

que tanto daño nos hace, además, ahora en México.

Un momento muy crítico el que también hay un silencio que está sembrado,

hay un miedo que está sembrado y...

Y ella aceptó.

También al documental de ambición poética

pertenece "Socotra, la isla de los genios",

viaje en esplendorosa fotografía en blanco y negro

a los paraísos perdidos.

Es un sueño, ya desde niño,

cuando yo viajaba sin salir de la habitación.

Entonces, yo tenía un globo terráqueo y le daba vueltas.

Entonces, un día lo paré en un puntito,

como una cabecita de hormiga,

entre Somalia, entre el Cuerno de África,

y la península de Arabia.

Me quedó fijo ese nombre de Socotra, tan sonoro.

Del lado del documental de corte biográfico,

el certamen madrileño propone sendos acercamientos

a la figura de dos provocadores universales.

El fotógrafo americano Robert Mapplethorpe,

cuyos desnudos siguen escandalizando al mundo,

y el español que triunfó en el Hollywood dorado

haciendo bailar a todo su "star sistem",

el carismático Xavier Cugat.

Sexo por el componente... Era un gran mujeriego.

Aparte de sus cinco matrimonios, tuvo muchos más amoríos.

Maracas, porque era el instrumento visual

que se agitaba delante de la orquesta.

Y chihuahuas porque un productor de la Metro dijo:

"Este personaje que está aquí, que dirige una orquesta,

que lleva la batuta o sino, toca el violín,

¿qué va a hacer con sus manos? Pongámosle un perrito".

A Cugat le pareció tan buena idea que, a partir de ahí,

empezó a utilizar el chihuahua como parte de su marca.

Carlos Saura patentó, hace 25 años, con "Sevillanas",

un modo de conjugar cine y música rigurosamente nuevo,

de alcance universal,

en un viaje por el folklore del mundo

que pronto desembocará en el Ebro.

Documenta oficia de telonero

dedicando al Saura musical un más que merecido homenaje.

Han estado a punto de matarme en Aragón porque decían:

"Ya está bien, ¿no? Tanto flamenco y tanto fado...

Ahora te vas a Argentina y la jota, ¿para cuándo?".

Muchas películas dignas de mención se quedan en el tintero,

como "Under the Sun",

irónica postal de un mundo feliz, la Corea del Norte,

el thriller documental "A Good American"

o el libelo "¿Qué invadimos ahora?", la última travesura de Michael Moore

de la que nos ocuparemos en unas semanas.

Ejemplos, todos ellos,

del excelente nivel de esta edición de Documenta

y de la vigencia del documental

como artefacto para entender el mundo.

(Música)

Tras los preestrenos de "El olivo" y "Esa sensación" esta semana,

la próxima, nada menos que tres, tomad nota.

El lunes, gracias a Betta Pictures, "High Rise",

una película que va a dar mucho que hablar.

Para ir, mandad un mail a preestrenosddc@rtve.es

con la palabra "RISE" en el asunto.

El martes, os ofrecemos la posibilidad de ver

"Corazón gigante".

Será también en el cine Paz, a las diez de la noche.

Para ir, mandad un mail a preestrenosddc@rtve.es

con la palabra "CORAZÓN" en asunto.

Y para terminar, el miércoles, a las nueve y media de la noche,

en el cine Palacio de la Prensa de Madrid,

Os invitaremos a ver "Reina Cristina".

Para ir, como siempre, mandad, con nombre y apellidos,

un mail a preestrenosddc@rtve.es con la palabra "REINA" en asunto.

La bandeja de entrada os está ya esperando.

(Música)

Y ahora queremos echar una mano

al nacimiento de un certamen con mucho significado,

en un mundo en el que las personas con discapacidad auditiva,

les cuesta mucho más de lo que quisieran hacerse oír.

(Música)

Qué gusto disfrutar de la primavera al aire libre.

Ya lo creo. De la cantina de Cineteca.

Recomendaciones, Gerardo.

Como estamos en Documenta, que está detrás de nosotros,

un documental que, además, es estupendo, "Hitchcock/Truffaut",

esa adaptación del libro

de la entrevista de Truffaut a Hitchcock en su día,

que se ha estrenado hace poco en salas. Está muy bien.

La gente que conozca el libro, lo va a disfrutar.

La gente que no lo conozca, lo va a descubrir

y va a descubrir, si no lo conocen,

a Hitchcock y a ese alumno aventajado que era Truffaut,

una maravilla de película y de documental.

También otro título que se ha estrenado,

que ya hablamos de él hace tiempo,

pero que merece la pena recuperar.

Fue un estreno que se pudo ver el año pasado, en Cineteca,

un estreno muy puntual y del que hablamos en su momento,

que es "Crumbs",

una película de ciencia ficción un tanto peculiar.

Es una película valiente, arriesgada, extraña, pero muy interesante.

Ahora se ha estrenado en salas, la semana pasada,

no pudimos hablar de ella la pasada semana por Málaga y demás,

pero no está de más recomendarla para que la gente la pueda descubrir.

Este fin de semana ya termina Documenta Madrid,

¿qué podemos ver aquí?

Una vez que termine Documenta, vuelve la programación normal

y tenemos una película muy curiosa, "El ejército perdido de la CIA",

un documental hecho por dos españoles sobre Vietnam

y la hipótesis de que haya gente que no sepa

que la guerra de Vietnam terminó hace ya 40 años.

Es un documental muy muy curioso.

En las recomendaciones, también tenemos tiempo

para felicitar a compañeros que cumplen años.

Lo hacemos con gusto, qué menos.

"Caimán, cuaderno de cine", cumple 100 números

y ha hecho un número especial con un montón de gente.

Es una pasada, no me canso de ver la lista

de las mejores películas de cine español.

Tú eres uno de los que ha votado.

Al final, salen muchas películas españolas muy buenas,

contrariamente a lo que algunos, injustamente, pueden opinar,

películas estupendas todas. Me costaría mucho elegir 10.

Estoy muy de acuerdo con lo que tú y otros compañeros habéis...

Cuesta mucho, sí, sí. Seleccionado.

Y "Documentos TV" cumple años. "Documentos TV" cumple años.

Fíjate, recuerdo que hace 25 años yo montaba "Documentos TV"

y ahora cumple 30 años en antena.

Ha renovado cabecera y les felicitamos también.

¿Qué tenemos que leer esta semana define?

Un libro muy peculiar y muy bellamente editado.

"Marilyn tenía 11 dedos en los pies", ¿esto es verdad?

Es una leyenda urbana, es un rumor, es un cotilleo de los muchos

que Hollywood ha generado a lo largo de su historia.

Este libro cuenta de una forma muy divertida,

muy bien editado, como puedes ver, muchas de estas cosas

acerca de muchas personas famosas en Hollywood a lo largo de los años.

DVD... La trilogía de los colores de Kieślowski es un imprescindible.

De esto nos gusta hablar aquí.

Se ha estrenado en salas hace poco, lo vimos,

hicimos un reportaje estupendo

por el aniversario de la muerte de Kieślowski

y ahora se edita en Blu Ray, en DVD, restaurado, como nunca se había visto

y se presentó la semana pasada en Madrid, estuvimos allí

y la gente que lo vea y lo disfrute, porque lo merece.

Otra propuesta más para ver en casa, una película que "Días de cine"

apoyamos desde el minuto número 1, desde que se presentó hace un año

en el Festival de Cine de Málaga, "Techo y comida".

(Música)

¿Cuántos meses llevas sin pagar el alquiler?

-Ocho meses.

Nos complace, especialmente, en "Días de cine"

comentar la edición en DVD y Blu Ray de "Techo y comida"

por muchos motivos.

El primero y más obvio, por la calidad en sí

de la película de Juan Miguel del Castillo.

El segundo, por el gran trabajo de Natalia de Molina,

por el que fue galardonada en, prácticamente,

todos los premios que se pusieron a su alcance.

La interpretación de Rocío,

esa madre soltera a quien desahucian,

lo hemos dicho varias veces en "Días de cine"

y lo diremos las veces que haga falta,

ponía un nudo en la garganta.

Y siendo un tema especialmente doloroso,

la película huía de subrayados gruesos y demagogia.

El dolor afloraba a través de Rocío y su lucha cotidiana

por mantener la dignidad.

¿Pero no me puede ayudar? Es que estoy sola con un niño chico.

¿No necesita a alguien, no sé, para limpiar la oficina?

¿No conoce usted a alguien que esté buscando alguien para trabajar?

Pero además, nos place especialmente esta edición

por el mucho contenido adicional que lleva la marca "Días de cine",

desde la crónica del Festival de Málaga 2015

al preestreno de la película,

el reportaje en el programa con motivo de su estreno

y los Premios Días de Cine,

en los que la película consiguió el premio de nuestro público

y Natalia de Molina el galardón a la mejor actriz española del año,

en opinión de la redacción del programa.

Muchas gracias por este premio Días de Cine,

no sabéis la ilusión, creo que nos hacéis ni idea

de lo que me hace tener el Premio Días de cine.

Es muy bonito.

(Música)

Cualquier excusa es buena

para cerrar "Días de cine" con Stanley Donen,

pero no lo vamos a hacer con uno de sus maravillosos musicales,

sino con una comedia "hitchcockiana"

que se estrenó hace, precisamente, medio siglo.

No es tan grande como "Charada",

no es tan agridulce como "Dos en la carretera",

pero "Arabesco" tiene ese encanto que solo podían darle

dos actores como Gregory Peck y Sophia Loren.

Así nos despedimos, recordando a un grande del cine.

Y ya sabéis, volvemos la semana que viene, os esperamos.

(Música)

(Música créditos)

  • Días de cine - 05/05/16

Días de cine - 05/05/16

05 may 2016

Días de Cine hace un repaso a lo que hasta ahora se ha podido ver en Documenta Madrid 2016, un festival que parece más fuerte que nunca con una programación excelente en todas sus secciones.
El 1 de mayo se cumplía el centenario del nacimiento de Glenn Ford. Canadiense de nacimiento y genuinamente americano en lo cinematográfico, Glenn Ford participó en más de 220 películas, una cifra sólo comparable a la de John Wayne. Con títulos inolvidables como 'Gilda', 'Los sobornados', 'Deseos humanos', 'Semilla de maldad' o 'El tren de las 3:10'Días de cine repasará la trayectoria vital y cinematográfica de una estrella tan discreta como eficaz.
En lo que toca a los estrenos de la semana, mucho y variado: desde 'Triple 9', la última película de John Hillcoat, director de 'La proposición' o 'La carretera' a 'El Olivo', la última película dirigida por Icíar Bollaín con guión de Paul Laverty. Otros estrenos de los que dará cuenta el programa serán 'Nacida para ganar', con Victoria Abril; la francesa 'Mayo 1940'; el western 'La venganza de Jane'; la película lituana 'Peace to us in our dreams', 'The Tribe' y 'Ahora sí, antes no'.
También, los habituales preestrenos, noticias, recomendaciones, y novedades para disfrutar del cine en casa.

ver más sobre "Días de cine - 05/05/16" ver menos sobre "Días de cine - 05/05/16"
Programas completos (476)
Clips

Los últimos 4.967 programas de Días de cine

  • Ver Miniaturas Ver Miniaturas
  • Ver Listado Ver Listado
Buscar por:
Por fechas
Por tipo
Todos los vídeos y audios