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No recomendado para menores de 12 años Días de cine - 02/11/17 - ver ahora
Transcripción completa

¿Qué tal? Bienvenidos.

Esta es una semana en la que cualquiera puede encontrar

un buen aliciente para ir al cine, porque hay estrenos

para todos los gustos.

A mí, si me dan a elegir, me quedo con "Saura(s)". Comenzamos.

(Música cabecera)

Yo decidí que quería hacer un retrato de Carlos Saura.

Retrato íntimo y personal de un cineasta excepcional:

Carlos Saura.

Ofrezco miles de dólares a la mujer que venza a Bobby Riggs.

"La batalla de los sexos" en un partido de tenis histórico.

Al servicio, Emma Stone. Resta Steve Carell.

La revolución y el cine 100 años después en "Días de cine".

(Música)

A menos de dos meses para que cantemos villancicos,

comienzan a llegar a la cartelera películas ambientadas en la Navidad,

¿y qué hay más navideño que una reunión familiar?

¿Y qué no puede faltar en toda reunión familiar?

El conflicto, ¿verdad?

Las rencillas del pasado afloran en "El sistema solar".

Es una coproducción entre España y Perú

que está basada en una obra teatral de éxito.

Qué maravilla, ¿no? Todos juntos otra vez.

Dirigida por Bacha Caravedo y Chinón Higashionna,

"El sistema solar" se basa en la obra de teatro homónima

de Mariana de Althaus.

Una tragicomedia con toques de humor negro

sobre las relaciones de una familia disfuncional

que se reúne tras unos años.

Fuimos al teatro a ver la obra y nos miramos y nos dijimos: "Oye".

-El asesino dispara sin preguntar,

pero el justiciero quiere saber por qué primero.

-¡Estás a tiempo de arrepentirte! -¡Aleluya!

-¡Pídele perdón con todo tu corazón!

-El primer proyecto nos había tomado siete años de hacer,

y nos pareció un buen proyecto, tanto a nivel dramático, psicológico,

y a nivel también de producción.

Es una película chiquita que se podía manejar bien.

-Hola, hija. -Hola, pa.

-Feliz Navidad.

-Abuelo, ¿cómo estás? ¿No puedes caminar?

-Claro que puedo, lo que pasa es que no quiero.

-El reto parecía más fácil,

pero en verdad creo que fue mucho más complejo.

El trabajo ha sido supercomplejo.

Las coreografías con los actores y todo lo que tenía que pasar,

finalmente todo pasado en un solo espacio.

Teníamos que armar las escenas con el suficiente ritmo

como para que no te aburra la película.

-Era eso y el tiempo que teníamos,

porque era una película que se hizo en 17 días.

Ensayamos un mes y medio antes.

Con Adriana ensayábamos por Skype. Era la única manera.

-Yo, que no soy aficionada a las tecnologías,

no me había buscado ningún invento bueno,

y a veces eran cuatro horas.

Yo no sabía con qué cogerlo. Digo: "¿Cómo lo voy a coger?".

Y ensayábamos. Era invierno.

Entonces, era muy bello ver cómo llegaba la noche.

-Me encanta cuando la luna tiene sonrisa de gato.

Julia, ¿estás enfadada?

-Vimos un montón de películas

que tenían las limitaciones que nosotros teníamos.

Desde "El ángel exterminador" de Buñuel,

"Carnage", "La celebración"...

El lenguaje también se hizo a través de los recursos

y los tiempos que teníamos.

-¿Cuándo fue la última vez que estuvimos juntos?

-En el cumpleaños de Puli.

-Es frustrante que me quites a la novia, papa.

La casa se convierte en un campo de batalla.

Desde que entran, surge la tensión, los reproches,

y se intensifica con algunas noticias inesperadas.

Quiero contarte algo. Estoy embarazada.

-¿Por qué carajo sigo pagando todos los meses ese psiquiatra?

-La locura está en luchar en contra de la naturaleza.

-¿Quién es el padre?

-Es un adolescente tardío...

Leonardo.

-¿Por qué viniste con ella? -Puli, yo me enamoré de ella,

pero cuando eso pasó ellos ya estaban separados.

-Está entendiendo sus sentimientos a los 65 años.

Y está entendiendo qué se ha perdido, qué no ha mirado...

Creo que Puli es quien despierta eso junto con Inés.

Hay una especie de despertar acerca del amor.

-Yo creí que esta era una reunión para celebrar la Navidad,

para retomar el contacto, para reconciliarnos.

-La reconciliación no es mágica. Escúchales.

-Estamos tocando un terreno muy delicado, que es el de amar.

No sé en realidad si no sabemos amar muy bien nadie.

-Soy el peor papá del mundo. El peor abuelo del mundo.

Nunca se vio un padre tan desastroso como yo.

¡Soy una mierda de padre!

Y ahora, ¿qué hacemos?

-La película está rodeada de una magia

que a veces se confunde con locura, un poco de locura en los personajes.

-La tortuga está corriendo por todo el jardín.

-¿Cómo que está corriendo?

-Esa tortuga es un fenómeno. -Tiene miedo.

-Que nada es lo que parece. Y todo en esa casa está vivo.

Todo en esa casa tiene algo que contar.

Esto es divertido y es interesante.

-Puli dice que Méndez es el abuelo reencarnado.

-¿Méndez? ¿Tu perro?

Pues sí que te pareces.

-Quien más te hiere es quien más te quiere, ¿no?

De alguna manera, la película habla de eso,

de cómo esta familia, que a pesar de que tú los ves

y se sacan el ancho, pero ves el amor ahí.

De alguna manera, la película trata de entender ese amor,

de mirar ese amor.

Y creo que también recorre un poco la locura.

Quién está realmente loco, te pregunta la película un poco.

-Ha pedido perdón. Ha reconocido su culpa.

Un poco de compasión.

-Hasta ahora no he escuchado la palabra perdón.

-Al final, la película es un cuadro complejo

de todas las emociones humanas. Está todo.

Está la realización personal, el deseo de pertenencia,

el deseo de dejar huella, la ambición, el apego,

la dependencia emocional...

Es una mezcla potente,

de alguna manera, de toda la energía que trasladamos los seres humanos.

Que todos somos un planeta,

pero al final todos los planetas están interrelacionados.

Y todos tienen un poco de todo.

-Vosotros os odiáis, os peleáis, os mentís,

os hacéis daño, pero os juntáis.

A pesar de todo, os juntáis a celebrar la Navidad.

-Creo que la gente la va a sentir mucho.

Es una película muy emocional.

Y creo que se van a divertir mucho también.

-Tiene un humor un poco negro, extraño.

Y es una película emotiva.

-¿Nos vamos a quedar callados toda la noche?

-Transmite corazón.

Quedarte al final con la idea de...

si las familia son fricción, las familias son conflicto,

pero qué bueno tener una familia.

-Quería compartir esto. Estoy disfrutando de esta reunión.

Vosotros no os veis, pero...

yo os digo...

Esta es la Tierra. Aunque eso ya lo sabréis.

"Deep" es una historia de lucha por la supervivencia.

Y puede que también sepáis que los humanos fueron los culpables

de todo lo que pasó.

Dirigida a los más pequeños,

la película se sitúa en un futuro próximo

en el que los océanos han aumentado su tamaño

y los humanos han abandonado la Tierra.

Ahí la tenéis. Entrad.

Los últimos supervivientes del planeta lo forman

un grupo de criaturas abisales que tienen su hogar

en la grieta más profunda de los océanos,

a miles de metros de profundidad.

Sí, no está mal.

Para ser un agujero en el fondo del mar

del que nunca jamás podremos salir.

Allí vive el aventurero Deep, el último pulpo de la especie

y protagonista de esta historia junto a sus amigos:

Evo, un pez linterna, y Alice, una gamba abisal.

Feliz día de la supervivencia a todos.

-Qué rollazo.

-Dirijan su atención hacia el escenario

para dar la bienvenida al rey del fondo abisal,

a cefalópodo gigante que hizo posible todo esto.

Al único, al inigualable Kraken.

Todos ellos protegidos por el mítico Kraken.

Hemos sobrevivido durante un año más. Que dé comienzo la fiesta.

-¡Hala, menuda entrada!

En un océano sin vida,

este estrambótico grupo de supervivientes

tendrá que buscar un lugar mejor para subsistir.

¿Quiénes eran?

-No sé, pero tenían una pinta horrible.

-Voy a ver si siguen ahí. ¡Ah!

En el camino se encontrarán con los restos hundidos del Titanic

y con la isla de Manhattan,

que aquí aparece misteriosamente sumergida.

La ciudad de los hombres. Esto es increíble.

-¡Sí, increíblemente vacía!

"Deep" contiene en su propio ser un poderoso mensaje

de concienciación ecológica,

y lo hace a través de unas criaturas fantásticas,

hasta grotescas, que habitan en los abismos de los océanos

y que se convierten aquí en personajes entrañables,

en vehículos capaces de despertar en el espectador

sentimientos de ternura y de afecto.

La historia de "Deep" comienza cuando leí un artículo

sobre un dato muy curioso,

que es que ha habido más gente que ha pisado la Luna

que gente que ha estado en las profundidades abisales.

"Deep" es un proyecto de animación estereoscópica

hecho en España, dirigido por Julio Soto Gúrpide,

en lo que supone su debut en el largometraje.

Una película de animación que tiene a "WALL-E" o "Nemo",

de Pixar, como claros referentes,

y que, como las más clásicas historias del género,

abunda en temas y valores humanos universales.

¡Equipo, Deep! ¡Confía en tu equipo! -Ya lo hago.

-La película tiene dos grandes mensajes.

Uno de ellos es el leitmotiv de la película,

que es el trabajo en equipo.

El segundo gran mensaje de la película

es un mensaje medioambiental.

Podemos convivir con nuestro planeta,

no tenemos que destruirlo completamente

para nuestros fines lucrativos, económicos, etc.,

sino que es posible que todas las especies convivan en una unidad.

Creo que la cagué con vuestra hija. -Sí, sin duda.

(Música)

(Música)

Hay un cine español que triunfa fuera de nuestras fronteras

en festivales de gran prestigio.

Es el caso de "Niñato",

el primer largo del madrileño Adrián Orr.

Y con mucho éxito, culminó en Buenos Aires

la edición número 19 del Festival de Cine Independiente.

Ya en primavera, obtenía el premio como mejor película internacional

en el festival de cine de Buenos Aires, el BAFICI,

uno de los certámenes más importantes de América.

Un trabajo que hice durante cuatro años y medio filmando a una familia.

También fue la mejor película en el festival de Quito en agosto.

Y en su estreno mundial en el festival suizo Visions du Réel

obtuvo el galardón a la ópera prima más innovadora.

Me gusta llevar la cámara, me gusta hacer la cámara a mí,

y buscar esa mirada con la cámara es importante.

Pero en esta película en concreto, igual que con el corto anterior,

era importante la intimidad que tenía con los personajes.

Es su primer largo, Adrián Orr continúa la senda

que había iniciado en sus cortos:

un diálogo entre ficción y documental

en el que las fronteras de ambos se confunden.

A ver, David, el Niñato, es uno de mis mejores amigos.

Lo conozco desde que estaba en el instituto.

Yo era Dj de su grupo de hip hop. Desde entonces lo conozco.

"Niñato" saca su titulo del protagonista.

David, alias Niñato, un conocido hip hopero en la escena nacional,

es un padre joven y soltero con tres hijos pequeños.

No tiene trabajo y vive en casa de sus padres,

pero trata de compaginar la pasión por el hip hop

con la educación de sus hijos.

No puedo hacer tus deberes mientras miras las musarañas.

-Cuando decidí firmarlo,

fue porque la misma pasión que tenía con la música

la estaba teniendo con los niños.

La película se introduce en la intimidad de su vida diaria

a través de pequeños gestos y silencios,

y va revelando la unidad de esta familia tan especial.

Me gusta cómo la rutina de esta gente sorprende.

Cómo a mí me sorprendía, cómo filmaba determinadas cosas.

Esto está pasando y es supernormal,

pero al mismo tiempo tiene algo de excepcional.

"Niñato" prosigue su andadura por festivales como Sao Paulo,

en Brasil, y la Biennale de Austria.

Su estreno en España tendrá lugar en el festival de Sevilla

en el mes de noviembre.

(RAPEA)

El jurado del Festival de Valladolid,

en su edición número 62, redactó un palmarés muy concentrado

sobre todo en dos títulos.

"The Nile Hilton Incident" se alzó con la Espiga de Oro

además de los premios a mejor director y mejor guion.

Un sorprendente thriller sobre la mafia policial en El Cairo

durante la Primavera Árabe, escrito y rodado con brío narrativo

por el sueco de origen egipcio Tarik Saleh.

Un millón de gracias.

Es un honor increíble. No sé qué decir.

Estoy muy enfadado con la gente con quien trabajo en Los Ángeles.

Ojalá pudiera estar ahí con vosotros. Gracias.

La Espiga de Plata y el Premio Pilar Miró

a mejor primera película fue para "The Rider",

de la chinonorteamericana Chloé Zhao.

Un neowestern que le valió el premio de interpretación masculina

a su protagonista, Brady Jandreau.

El femenino lo compartieron ex aequo Laetitia Dosch,

por la francesa "Jeune femme",

y Agnieszka Mandat-Grabka, protagonista de "El rastro",

de Agnieszka Holland.

Hay muchas cosas interesantes que ocurren lejos de Madrid

y otros grandes centros urbanos.

Una de ellas es la exposición "El uno y el verso del universo",

que se puede ver y sentir hasta el día 15 de noviembre

en Santa Cruz de La Palma.

Le doy a mi especie una razón científica

para recuperar principios.

Su creadora es Eva Lilith, una artista sorprendente,

pintora, escritura y cineasta,

cuyo estupendo corto "Quemar pajarracas"

obtuvo premio en el Festivalito de 2015.

Pero se equivocaron.

Esa sensibilidad y esa capacidad

para hacer de un puzle de piezas heterogéneas una obra con sentido

está muy presente en esta exposición.

Sometí a la física al filtro de los sentimientos.

Una exposición que aúna cuatro disciplinas:

literatura, artes plásticas, cine y ciencias.

Se podrá disfrutar de una colección de pinturas,

una pieza de videoarte documental, una novela y un seminario.

Su objetivo: dar una nueva visión que relacione las leyes de la física

y las emociones.

El uno y el verso del universo.

Vamos con las recomendaciones.

En salas hay muchas películas interesantes para ver,

pero ¿cuáles son las dos? Te voy a dejar elegir dos.

Esta vez solo dos.

Dos no españolas, pero participadas por TVE.

Una es "Handia", en euskera. Hay que verla en euskera.

Es una película preciosa

que va mucho más allá de la historia de un gigante.

El hombre más alto de Europa en el siglo XIX.

2,43 media.

Maravillosa. Nos gustó mucho en San Sebastián.

Y la otra es "Una mujer fantástica", de Sebastián Lelio.

Con alguno de los momentos que para mí son de lo mejor

que he visto en el cine este año.

"Una mujer fantástica".

Pues los dos títulos que recomendamos esta semana.

Ahora, hay un título ante...

A ti te gusta decir eso de: "Vamos a ponernos de rodillas".

Yo me pongo de rodillas. "El gran dictador" lo merece

y se podrá ver en la sala Azcona.

"El gran dictador" en "Los lunes al cine",

que volvemos a decir que es gratis,

no hay excusa para no venir a esta sala maravillosa.

Y "El gran dictador", una película que hizo Chaplin en el año 40,

cuando Estados Unidos no estaba aún en guerra,

y por la cual le acusaron de comunista, ni más ni menos.

Luego le causó no pocos problemas. Es una película divertidísima.

Pone como debe poner a los totalitarismos,

a Hynkel y a Napaloni como dos absolutos ridículos.

Impresentables.

Y con un discurso final que pasó a la historia del cine

y que conviene recordar siempre.

Además de "El gran dictador", tenemos un documental:

"Chaplin, el hombre del siglo", que se verá a continuación.

Exactamente, después. Para conocer un poco la obra de este titán,

este gigante del cine del siglo XX.

También aquí, en Cineteca, LesGaiCineMad,

una edición de un festival de cine gay y lésbico.

Que últimamente nos está brindando muy buenas películas.

Hay una que estoy deseando que se estrene,

"Call Me By Your Name".

Preestrenos de la semana que viene, que va a ser solo uno.

Después de semanas donde hemos preestrenado tres películas.

Pero que la gente se prepare, que vienen semanas intensas.

Solo tenemos un título, pero que la gente se prepare,

porque hay semanas que vamos a tener unos cuantos.

Una película británica esta vez, "Tierra de Dios". El martes.

Que la gente mande su e-mail como siempre.

Contestaremos oportunamente.

Me ha gustado mucho este título que traes hoy.

"Conquista de lo inútil".

Este libro cayó en mis manos el otro día

justo cuando pasaban cosas importantes.

Me pareció un título premonitorio.

Es un título precioso, "Conquista de lo inútil",

de un cineasta excepcional, que es, con Huston,

el que mejor ha tratado la locura de las personas

y estas fantasías inútiles, y es el diario de filmación

de una película mítica como es "Fitzcarraldo".

Con su enemigo íntimo Klaus Kinski.

Y veo también que tienes ahí un nombre a reivindicar

y también a descubrir por muchos.

Jacinto Esteva, miembro de la Escuela de Barcelona,

con muchas películas muy interesantes.

Era mucho más que cineasta

porque era lo que se llama artista multidisciplinar.

Es un pack maravillosamente editado por Cameo,

con un libro multilingüe en catalán, castellano e inglés,

para descubrir la obra de este hombre, muy importante,

y no tan conocido como debiera.

Una bonita manera para que podamos disfrutar de su obra todos en casa.

Una edición de esas que dan valor a su contenido

gracias al esfuerzo de recopilación de materiales,

al esmero en su presentación y a los contenidos adicionales

que acompañan a los trabajos cinematográficos de Jacinto Esteva.

Todo un esfuerzo de Cameo, junto a la Filmoteca de Cataluña,

y gracias a la iniciativa de su hija Daría.

Nacido en Barcelona un año tan crucial como fue 1936,

Jacinto Esteva Grewe fue, entre otras muchas cosas,

director de cine y fundador de la Escuela de Barcelona.

Jacinto Esteva fue un hombre de formación multidisciplinar,

como se dice ahora.

Fue arquitecto, pintor, escritor e incluso cazador.

Pero sintió una irresistible atracción por el cine.

Ya en 1960, dirigió un cortometraje junto a Paolo Brunatto,

"Notas sobre la inmigración. España 1960".

En 1962, filmó otros dos cortometrajes,

"Alrededor de las salinas" y "Picasso".

Su debut en el largometraje se produjo en 1966

con "Lejos de los árboles",

un título que muchos ven como una especie de actualización

de "Las Hurdes, tierra sin pan", de Buñuel.

"Lejos de los árboles" era un recorrido por una tradición

de lo español relacionada con el dolor y la muerte,

que pudo estrenarse seis años después de su rodaje,

en 1972.

Nos basamos en un libro

de González Seara,

que era de fiestas populares españolas.

La puesta en marcha, en 1965, de la productora Films Contacto

marca el comienzo de lo que se conoció

como Escuela de Barcelona.

Dos años después de su creación, en 1967,

codirigió con Joaquim Jordà "Dante no es únicamente severo",

película manifiesto de la Escuela de Barcelona.

(Música)

¿Os acordáis?

Viniendo hacia la Costa Brava, se quemó un bosque.

De ahí vino la idea de hacer esta película.

-De una imagen. De un golpe estético

-De una imagen, de ahí dije: "Vamos a hacer una película".

-Y sacó la historia de la imagen. -Sí.

Además, coprodujo "Cabezas cortadas", de Glauber Rocha,

colaboró en la producción de "Cercles", de Ricardo Bofill,

y había preparado un guion con Rafael Azcona: "Ícaro",

que no llegó nunca a realizarse.

(Música)

Usted puede evitar esta incomodidad, esta pérdida de tiempo

y el mal estado de conservación.

El pack de cuatro DVD y el liberto de 72 páginas que incluye

descubre un personaje más sensorial que racional

que sitúa a Jacinto Esteva en una órbita equiparable

a la de otro ignorado heterodoxo del cine de vanguardia español:

José Val del Omar, cuya obra también fue recuperada

de forma ejemplar por Cameo hace ya un tiempo.

¡Damas y caballeros, haré del machismo un espectáculo!

-Que diga lo que quiera. Los dinosaurios no juegan al tenis.

-¿Existe esa mujer con agallas suficientes?

(Música)

Nuestro siguiente protagonista se pasa la vida

analizando videobooks, yendo al teatro

y observando el trabajo de los actores

en series de televisión y en películas.

Luis San Narciso está detrás de algunos de los repartos

más fascinantes de la historia del cine español,

y no en vano es uno de los mejores directores de casting

que tenemos en nuestro país.

A él le hemos preguntado cuál es su secuencia preferida.

Es muy difícil una secuencia de una película.

¿Puede ser una película antigua?

Bueno, sí. Vale.

Lo voy a repetir.

Es que no sé cómo contarla. Es buenísima.

Fíjate, me voy a remontar a "Eva al desnudo".

Tiene de fondo el teatro,

tiene de fondo la ambición, la falta de compañerismo.

Tiene de fondo el estrellato

de una gran diva de la escena.

Yo creo que todo lo que refleja el teatro

en cualquier película, que lo refleje tan bien,

va a ser una de mis cosas favoritas. El teatro siempre de fondo.

-No se preocupe, dijo el cameraman.

Ni el propio Neville hubiera podido ver nada mirando al revés.

-Hay una secuencia...

-No te interrumpas por mí.

-...por elegir una que me gusta muchísimo,

de Bette Davis en "Eva al desnudo".

-¿O es una historia para mayores? -No, que puse al revés

el visor de la cámara.

-Y una discusión con su marido a través del personaje

tremendo que está intentando poner zancadillas sin parar.

-Recuérdame que te cuente la vez que miré dentro del corazón

de una alcachofa. -Me gustará oírlo.

-Una noche que nieve, sentadas junto al fuego.

-En plena discusión, está montando la bronca,

se acerca a una caja de bombones, la mira, deja los bombones...

-No tenía idea de que hubiera llegado.

-Me encontré con Eva al subir y me dijo que estabas vistiéndote.

-Antes eso no te impedía subir.

-Empezamos a hablar. Quería saber chismes de Hollywood.

Parecía tan interesada...

-Esa chica se interesa por muchas cosas.

-Una cualidad que escasea actualmente.

-Es una chica de grandes cualidades.

-Vuelve a seguir. La discusión va subiendo, va subiendo.

-Su lealtad, eficacia, tensiones, amistad y afecto. Y tan joven.

Tan joven y tan rubia.

-Al final coge el bombón y se lo come.

-¡No lo consentiré!

Eva, con sus palabras, miradas, ideas o sugerencias,

nunca me indicó nada más que su adoración por ti

y su felicidad porque estemos enamorados.

-Me parece genial, me parece descomunal.

Te hace subir, subir, subir,

y al final acaba con una zampada de bombón.

-¡Insinuar otra cosa no significa celos,

significa una inseguridad paranoica de la que deberías avergonzarte!

-¡Corten! ¿Qué pasa en el rollo siguiente?

¿Me llevan a rastras al pozo de las víboras?

Está a punto de cumplirse el centenario

de la denominada Revolución rusa, un hecho histórico que,

independientemente de las ideologías,

condicionó la historia del siglo XX.

Lenin tuvo claro que el cine era una buena manera

para expandir la revolución,

y, rápidamente, los jóvenes revolucionarios

utilizaron el lenguaje cinematográfico

para hacer propaganda.

Nosotros vamos a recuperar algunas de las películas

que también condicionaron y cambiaron la manera de hacer cine

y que siguen aún hoy influyendo a los nuevos cineastas.

(Música)

La semana que viene se cumplirá el centenario

de la revolución bolchevique de octubre.

Unos meses antes, el cruel poder absolutista del zar

había sido derrocado,

y ahora triunfaban los seguidores de Lenin,

alzándose con éxito sobre el gobierno provisional

constituido por Aleksandr Kérenski.

La dictadura del proletariado había triunfado,

y su régimen duraría casi siete décadas.

El enorme impacto internacional de este importante revés al poder

tal cual se conocía hasta la fecha

tuvo ecos tempranos en el cine como excelente catarsis temática.

¡Vientos de la libertad han empezado por fin

a soplar sobre Rusia!

En cada década encontramos estupendas películas

que novelan aquellos días llenos de ilusión y proyectos utópicos,

pero también de horrores sin nombre.

Toda su iconografía ha regado producciones en la propia Rusia.

¡El comunismo triunfará!

Por supuesto, en Hollywood.

Los reyes británicos renunciaron a sus derechos.

Los Habsburgo también.

Los Románov no renunciarán.

Y también, como es lógico, en Europa.

Desde el propio Lenin a Rasputín,

el zar, Anastasia, la zarina perdida,

o la fascinación por un mundo de lujo

que estaba llamado a desaparecer.

Pero no es tan relevante el cine hecho acerca de la revolución,

sus previos y dramáticas consecuencias...

...como el cine nacido a raíz de esta nueva sociedad utópica.

Además de social y económica, la revolución debía ser cultural,

y en este contexto el cine jugaría un papel de gran relevancia.

Había grandes cineastas antes de la revolución

que no estaban particularmente interesados

en el movimiento socialista.

De hecho, emigraron al extranjero.

-Cuando dé media vuelta, entra el conde.

Entre, entre ya.

Así, muy bien. Mire a su alrededor.

-Pero los más relevantes:

Vértov, Eisenstein, Pudovkin o Kuleshov,

eran auténticos entusiastas,

muy convencidos del sistema socialista.

También una cineasta como Esfir Shub, que es la única mujer de entre ellos,

hacía películas de compilación con material de archivo.

Y son, sin ambages,

calurosamente entusiastas con el nuevo régimen.

Por supuesto, ellos sabían que estaban haciendo propaganda.

Incluso había un género promocionado por el Estado

a principios de los años 20

denominado como propaganda de agitación.

(Música)

No era algo que les diera miedo.

Al contrario, estaba bien considerado.

Pero es lo mismo con mucho cine americano de los 40.

La gente que lo hacía lo veía con buenos ojos.

(Música)

El campo de trabajo de estos cineastas

podían ser descomunales puestas en escena

que representaran las grandes gestas de la revolución,

enérgicos discursos visuales

para celebrar la apuesta por la electrificación del país

o la colectivización de los recursos de la tierra,

o sencillas películas de aleccionamiento

sobre buena conducta, avances científicos

y educación política.

En parte, todo se desencadenó

en un pequeño laboratorio cinematográfico,

el orientado por Lev Kuleshov,

quien, usando apenas material fotográfico,

construía una teoría práctica sobre la narración cinematográfica

a partir de la suma de elementos.

La mirada fija de un actor,

sumado a planos con distinto significado,

nos hacen dar una interpretación distinta

de sus pensamientos internos.

Este sencillo experimento puede ser tomado como la chispa

de toda una serie de avances y hallazgos en el montaje

que a día de hoy siguen sin ser superados.

Desde la teoría del montaje de atracciones de Eisenstein

al cine-ojo de Vértov.

Intelectualmente, la teoría del montaje

impulsada por Vértov y Eisenstein estaba muy influenciada

no tanto por el marxismo como por el socialismo,

el bolchevismo y el espíritu de la revolución.

Y su puesta en práctica en el montaje tuvo grandes diferencias

dependiendo de los directores.

No había un solo método.

(Silencio)

Para Vértov era, sobre todo, un campo de experimentación.

Le encantaba la idea de construir una experiencia fílmica

usando exclusivamente el lenguaje visual.

(Bocina tren)

(Música)

Para Eisenstein consistía en un proceso intelectual.

Y en su caso sí que conocía en profundidad todo Marx y Hegel.

Conocía muy bien el discurso filosófico dialéctico.

El montaje era un proceso creativo en el que los significados

resultaban de la oposición de dos fuerzas contrarias,

opuestos elementos dialécticos.

(Música ominosa)

Para Eisenstein lo importante es la tercera imagen,

aquella que no ves aparentemente, pero que es el resultado virtual

de montar dos imágenes cuyos significantes chocan entre sí.

(Música tensión)

Y luego tienes otros directores como Pudovkin,

que era más famoso incluso que Eisenstein

en la Unión Soviética de su tiempo. Más influyente.

Y su montaje estaba guiado por la búsqueda de una narrativa

que favoreciera un refinado sentido de continuidad.

(Música triunfal)

Y en eso Vértov y Eisenstein no estaban interesados.

Eisenstein es siempre la búsqueda del conflicto,

la lucha, la batalla.

La asociación de ideas con fuerza. Pero Pudovkin no.

Él sí estaba interesado en la narración lineal.

Tenía muchos planos simbólicos y alegóricos llenos de poder visual.

(Música suave)

Los directores de "Pequeña Miss Sunshine"

vuelven con una de las películas más esperadas del año,

uno de esos títulos que gustan a todo el mundo.

En "La batalla de los sexos" tenemos, por un lado, a Emma Stone

como número uno del tenis femenino y, por otro lado, a Steve Carell

como un tenista retirado.

Cuenta ese campeonato que tuvo lugar en 1973

y que enfrentó a dos tenistas de sexo opuesto.

Así que la guerra de los sexos está servida.

¿Diga? -¡Por fin, Billie Jean!

Soy Bobby. Bobby Riggs. Se me ha ocurrido una gran idea.

Cerdo machista contra feminista de patas peludas.

Sin ofender. Aún eres feminista, ¿no?

-Soy tenista, y además soy mujer. -No cuelgues.

-A propósito, yo me depilo.

Seguramente, la mayoría de ustedes no conoce un episodio de la lucha

por la igualdad entre hombres y mujeres que se produjo

en Estados Unidos sobre las canchas de tenis en 1973.

Por aquel entonces, Bobby Riggs,

un excampeón que contaba ya con 55 años de edad,

se dedicaba a provocar a las mujeres con bufonadas absurdas

acerca de la superioridad masculina,

hasta que consiguió organizar un encuentro mixto

con la entonces número uno Billie Jean King.

Uno de esos partidos del siglo

con audiencia televisiva multimillonaria.

De aquel encuentro, que se publicitó como "La batalla de los sexos",

existe un documental británico con el mismo título,

cuya historia ha sido trasladada a la narrativa de ficción

con Emma Stone en el papel de la tenista

y Steve Carell en el del payaso retador.

No me malinterpretéis, yo adoro a las mujeres.

En la cama y en la cocina.

Pero hoy en día quieren estar en todas partes,

quieren hacer de todo.

El filme actual ha sido dirigido por la dupla Jonathan Dayton

y Valerie Faris,

10 años después de su conocida "Pequeña Miss Sunshine".

Y tan solo podemos reprocharle una cosa,

el exceso de corrección.

Damas y caballeros, la última batalla del coronel Custer,

el libertador contra el sujetador.

(RÍE) -Toma ya. ¿Vale?

-Sigue hablando, Bobby, cuantas más tonterías digas,

menos quedará cuando pierdas.

Como si estuvieran obsesionados en no molestar a nadie,

al abordar más reivindicativos,

además de la igualdad entre los sexos,

está también el derecho a la no discriminación

de los homosexuales, ambos directores

recortan todas las aristas que el relato pudiera contener

y presentan un panorama en el que, incluso ferozmente machistas,

todo el mundo es amable y comprensivo.

Este partido va por los hombres en el mundo que piensan como yo

que el hombre es el rey, que el hombre es superior.

-¿Billy Jean? -Nada que decir, juguemos.

-Nos atrapó la historia de Billy Jean,

el que nadie tuviera ni idea de lo que estaba viviendo

en la época de aquel partido de tenis,

cómo en su vida privada estaba luchando con su matrimonio

mientras descubría una parte de ella misma

manteniendo su primera relación con una mujer.

Y al mismo tiempo, estaba luchando con la Asociación de Tenis

de Estados Unidos, por la igualdad de sueldos

entre hombres y mujeres. Con todo lo que estaba viviendo,

todavía tuvo el coraje de exponerse y ser vulnerable.

Esa fue la historia que realmente queríamos contar.

-Ella es un héroe, y cuando cuentas la historia de un héroe,

es importante mostrar que también es humano.

Que estas cosas no pasan fácilmente, que hay una lucha,

un sacrificio y riesgos.

Como se trata de una historia real, pueden ustedes suponer

unas estupendas fotografía y ambientación de época

y también, que al final de la película,

se encontrarán con las consabidas fotos y rótulos

que explican qué fue de los protagonistas.

O sea, un tratamiento aseado pero convencional,

o a la inversa, según les pille, porque las interpretaciones,

tanto de Steve Carell como, sobre todo, de Emma Stone,

inspiran suficiente simpatía como para intentar creerse

el pretendido suspense con que los directores

aderezan la narración.

"Aunque sintiera algo, no podría mostrarlo en público.

Hay demasiado en juego".

-Todavía no sé cómo tomarlo, es muy surrealista,

Emma hizo un trabajo fantástico, capturó cómo me sentía,

mis maneras, mi forma de hablar, eso sí que no sé

cómo lo consiguió.

No es "La batalla de los sexos", como les decíamos,

y bien que lo lamentamos,

un ejemplo de cine combativo y arriesgado,

a pesar de mostrar muy a las claras

una realidad de discriminaciones lamentables que por desgracia,

no han perdido vigencia.

Le ofrece al ganador ocho veces más que a la ganadora.

-Es más emocionante ver jugar a los hombres, es algo biológico.

-La igualdad salarial aún no se ha conseguido en todo el mundo

y en todas las industrias, por eso es muy importante ver una historia

sobre alguien como Billy Jean y aprender de ella.

Una persona que ha cambiado muchas cosas respecto a la igualdad,

y ha sido siempre un lado fuerte no solo para las mujeres,

sino para toda la humanidad en temas como la justicia y el respeto.

-¿Sabéis qué hago? Arrasar, arrasar.

-No hay nada que me guste de Bobby Rick.

-"Ofrezco miles de dólares a la mujer que venza a Bobby Rick".

¿Existe esa mujer con agallas suficientes?

-Llama a Bobby, dile que lo haré.

(Música)

"La gran enfermedad del amor" es lo que podríamos denominar

una comedia característica de la factoría Apatow,

para quienes no conozcáis el estilo del productor americano,

os diré que es un tipo de comedia muy, muy irónica,

pero que a la vez tiene un trasfondo que deja poso.

Una de las grandes virtudes de esta tierna historia de amor

es la habilidad que tiene su director para,

en las tres primeras secuencias ya hacernos creer

que conocemos a esos personajes de toda la vida.

Hace unos años Clint Eastwood nos sobrecogió

con "Million Dollar Baby". La que durante la mitad de su metraje

parecía una entretenidísima historia de amistad y superación personal

ambientada en el mundo del boxeo, se convertía sin previo aviso

en una descarnada reflexión de elevada trascendencia.

Yo te encontré una boxeadora y tú la convertiste

en la mejor que podía ser.

A algunos nos pilló por sorpresa, y por qué no decirlo,

nos perturbó que el gozoso deleite producido

por una excelente película de género se esfumara

para ponernos cara a cara frente a la más cruda realidad.

No soy de ese tipo de tías, solo lo hago una vez

en mi primera cita. Creo que voy a pillar un Uber.

-Su conductor está listo en cuanto se ponga los pantalones.

"La gran enfermedad del amor" resucita en parte aquella sensación.

Comienza como una comedia romántica divertidísima,

en la que chico conoce a chica y todo se desarrolla

con placentera ligereza, pero de repente se transforma

en otra cosa, ni mejor ni peor, simplemente, es otra cosa.

Estoy buscando a Emily Gardner, la ingresaron la otra noche.

-Tiene una infección grave, está en coma inducido.

-Debería llamar a su familia. -Gracias, Kumail,

nosotros nos ocuparemos de todo. -Voy a quedarme de todas formas.

-¿Cortasteis, no? La verdad es que no entiendo qué haces aquí.

-Solo voy a quedarme un ratito. Este asiento está... Vale.

Todo comenzó cuando hace unos años Judd Apatow y el actor, escritor

y monologuista Kumail Nanjiani decidieron poner en marcha

un proyecto conjunto. Kumail Nanjiani le habló

de su propia historia de amor con la que es su mujer,

Emily Gordon. Una historia regida por las diferencias culturales

y el orgullo, pero sobre todo, por el pavor a perder

definitivamente a quien creemos que nos complementa.

¿En tu mundo hay alguna posibilidad de que acabemos juntos?

-No lo sé.

Enseguida Apatow supo que allí había una película,

y juntos, Kumail y Emily, escribieron el guion.

Por cierto, quiero contarte algo, estoy saliendo con una chica,

y es blanca. -¿Una chica blanca?

-Con nuestra pinta, no podemos gritar "una chica blanca", tranquilos,

no somos terroristas.

(GRITAN)

Aunque resulta tentador asociar el nombre de Apatow

con la comedia más gamberra, lo cierto es que el director

y productor siempre ha sentido interés por las cuestiones

que tiñen el devenir sentimental del ser humano.

El miedo al compromiso y la responsabilidad,

la complejidad del amor, y sobre todo,

la aceptación de la imperfección.

Bajo el desenfado de Apatow late la comedia trágica de la vida.

¿Qué tal si echamos un polvo?

-Puaj, qué horror.

Estoy estreñida, ¿sabes?

Incluso antes de "La gran enfermedad del amor",

ya había puesto el punto de mira en un cómico

enfrentado a la proximidad de la muerte en "Hazme reír".

Se está poniendo tétrico. -¿Qué le está pasando?

-Cuando se oyen los pasos de la camarera,

es cuando sabes que no lo estás haciendo bien.

Dirigida por Michael Showalter, de quien hace poco vimos

la irregular "Mi nombre es Dory", "La gran enfermedad del amor"

explota con sorna la circunstancia vital de Nanjiani,

un pakistaní formado en Estados Unidos

inmerso en una familia de lo más tradicional.

(Música)

¿Qué pasa, formas parte del jurado de Miss Pakistán?

-Ya sabes lo de los matrimonios concertados.

Sus peripecias irremediablemente nos retrotraen

a otra estupenda comedia dramática, la británica "Oriente es Oriente".

Siéntate. -¿Va todo bien?

-Nasser, no me hagas esto. -Lo siento, papá.

-¡Nasser!

Junto a Nanjiani, uno de los rostros imprescindibles

de la nueva comedia americana, Zoe Kazan,

una actriz que transmite una cordial frescura.

A ella le debemos también el ingenioso guion de "Ruby Sparks",

una historia en la que ficción y realidad se entremezclan

sin saber casi cuál es cuál.

¿Estás diciendo que Ruby está en tu casa?

-Desde esta mañana.

-No hay la más remota posibilidad, porque no es una persona real.

-¿Puede verla? -¿Que si puedo verla?

-¿Que si me ves? -Es real.

(Música)

Creo que la cagué con vuestra hija. -Sí, sin duda.

(Continúa la música)

Pero si alguien reina en "La gran enfermedad del amor",

es la pareja formada por Holly Hunter y Ray Romano.

Ellos son los padres de ella. Cada vez que aparecen en plano,

la película alcanza una dimensión mayor.

Permíteme un consejo, Kumail, que el amor no es fácil.

Por eso lo llaman amor.

(Música)

Eso no lo pillo. -Lo sé, creí que empezando

a decir algo, me saldría alguna frase ingeniosa.

(Música)

El director Félix Viscarret se ha atrevido a retratar

a un director tan hiperactivo e inclasificable como genial,

a través de conversaciones con los hijos de Carlos Saura,

y de una selección muy precisa de algunas de las secuencias

de sus películas, describe al creador y también a la persona

que hay detrás. "Saura(s)" es un documental que yo creo

que puede resultar igual de atractivo a personas

que son cinéfilas y aquellas que no lo son tanto.

Me llamo Carlos Saura,

nací el 4 de enero de 1932,

tengo ahora ya 85 años

y soy director de cine.

-Puse un planteamiento inicial, que yo defendía, con rigor, ¿no?

Vamos a retratar al maestro, a Carlos Saura,

a través de conversaciones con sus siete hijos.

Y luego está la vida, el planteamiento que uno se hace,

y luego está con el que él te enfrenta a la vida.

En el caso...

Carlos Saura con su humor, y su continua tendencia

a redirigir mis preguntas por donde a él le gustaba,

o a echar balones fuera,

o a dirigirse a mí, y a incluirme inevitablemente en el documental,

hizo que el proceso, que también es una cosa muy del cine de Saura,

el proceso de hacer la película,

las dificultades de hacer la película, fueran parte del relato.

-No me gusta vivir del recuerdo.

Tampoco me gusta vivir pensando qué películas he hecho en mi vida,

he hecho más de 40 películas, ¿no?

No se puede vivir del recuerdo, es absurdo, hay que vivir del presente,

y proyectarse hacia el futuro.

"Saura(s)" se estrena como continuación de la serie

"Cineastas contados", que se inició hace tres años

con el documental dedicado al recién desaparecido Basilio Martín Patino,

"La décima carta", obra de Virginia García del Pino.

Oye, a mí no me filméis, que yo no... -Vale.

-Me llamo Félix Viscarret.

Hace unos dos años, un grupo de cineastas de mi generación

me propuso hacer un documental sobre algún director español consagrado.

Yo decidí que quería hacer un retrato de Carlos Saura,

porque en su cine había unos temas que me tocaban especialmente,

aunque yo no conocía a Saura en persona.

Ahora es Félix Viscarret el que se acerca a la figura

del inabarcable Carlos Saura desde una perspectiva diferente,

utilizando pocas películas, y escudriñando la laboriosa

intimidad del cineasta, buscando el reflejo de tan compleja personalidad

en su obra, y viceversa.

Yo, para educar a mis hijos he sido siempre un desastre,

porque nunca les he dicho lo que tienen que hacer, nunca.

Tampoco...

En mi caso tampoco, siempre nos han dejado hacer

lo que cada uno quisiera, más o menos, ¿no?

-Incluso cuando no queremos, analizar la filmografía de una persona,

es ver también su trayectoria personal.

Leído entre líneas, por debajo, pero...

era una cosa que a mí me fascinaba mucho cuando comencé esta aventura.

Veía esos cambios de estilo, de propuesta, esos riesgos

en la trayectoria de Carlos Saura, y decía: "Quiero saber más,

qué estaba pasando por su cabeza, en su persona...".

-La necesidad compulsiva de mi padre de hacer le obliga a dejar un legado.

Para alguien que insiste en que no quiere dejar legado,

no hace más que dejar legados por todos lados.

-Hay una reflexión que yo nunca había hecho, ahora la estoy haciendo,

y es que si dedicáramos solamente dos minutos a cada película mía,

he hecho 43 películas, me parece que son 45 con los documentales.

Serían 80 minutos solamente de... Imposible, ¿no?

Es verdad que sería absurdo hacer una especie de filmografía

de todas las cosas que yo he hecho, ¿no?

Él ha hecho una selección muy rigurosa, y a su manera.

-No es que mire hacia el pasado con nostalgia, con tristeza, añorando,

sino que él mira al pasado como lo que ya ha hecho y quiere superar

o cambiar de alguna manera.

-La película evolucionó,

y terminó siendo más una reflexión sobre la paternidad,

sobre el legado que pasamos a nuestros hijos, donde yo también...

Efectivamente, yo tenía también ya que hablar:

"¿Quién soy yo para retratar a uno, cómo es alguien,

como director, como padre... ¿Quién soy yo?".

Se convirtió eso en parte de la historia,

y yo creo que ahora es una de las partes centrales,

está el corazón ahí de la historia.

-Mi padre es una persona que aparentemente insensible, fría,

que no quiere hablar ni de recuerdos, ni de pasado, ni de nada,

pero luego no es así. Hay que conocerle, y entenderle.

-Yo siempre he visto que mi padre era así, y así lo he aceptado.

-Yo digo una cosa que he repetido muchas veces,

pero que me parece una idea preciosa, esta es una película de ficción,

que todo es mentira.

Ese personaje que aparece por ahí, que se parece a mí, no soy yo;

que mis hijos no son mis hijos, pero se parecen mucho.

Me parece una idea preciosa el hecho de que esta película

sea una gran mentira, y todo lo que se dice ahí es una gran mentira.

Eso me parece que es mucho más bonito que pensar que esto es un documento,

un documental. No es un documental, es una película de ficción.

Chicos...

Ha sido un día muy feliz,

maravilloso en vuestra compañía.

Pero creo que... estamos dando fin...

Esto parece ya una película mía,

donde siempre parece una cámara que se va acercando, acercando...

-Espero que no lo sea, todos acaban muertos.

-Acercando... En mi caso se acercaría todavía más,

la cosa ya...

Venga, adiós, cámara querida.

(Música)

(Música)

Hoy en mi ventana brilla el sol,

y un corazón

se pone triste contemplando la ciudad, ¿por qué te vas?

Como cada noche desperté,

pensando en ti,

y en mi reloj todas las horas vi pasar.

¿Por qué te vas?

Se cumplen 25 años del estreno de "Juego de lágrimas",

un thriller muy personal, escrito y dirigido por Neil Jordan.

En primer término abordaba el conflicto irlandés

con el terrorismo, el IRA y los secuestros,

y en realidad era un Macguffin para hablar de otros muchos temas,

como la naturaleza humana, la condición sexual,

o la idea de nación. Nosotros nos despedimos así,

volvemos en siete días, y entre los temas del próximo programa,

estará el Festival de Cine Europeo de Sevilla. Hasta entonces.

("The crying game")

(Aplausos)

  • Días de cine - 02/11/17

Días de cine - 02/11/17

02 nov 2017

La hispano peruana 'El sistema solar', la cinta de animación española 'Deep', participada por RTVE, y las estadounidenses 'La gran enfermedad del amor' y 'La batalla de los sexos', son algunos de los estrenos de la cartelera cinematográfica que repasa Días de cine. Comedia, animación, y romance en una edición que echa la vista atrás para recordar el cine que surgió de la Revolución Rusa en su centenario de la mano de cineastas como EisensteinPudovkinVertov o Dovjenko y la huella que han dejado en el cine de los últimos cien años.

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