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No recomendado para menores de 12 años Días de cine - 01/03/19 - ver ahora
Transcripción completa

(Música)

(HABLAN EN INGLÉS)

(Música)

Aquel niño del que habla Martin

Scorsese

no es otro que Stanley Donen, un niño que decidió dedicar

su vida a hacer que otros pudieran evadirse

de la realidad viendo películas como aquella.

Su ídolo, desde aquel día, fue Fred Astaire.

Con el tiempo, su sueño se cumplieron.

Lo más importante fue que hizo posible que muchos

otros soñásemos.

Desde ese momento, no hubo nadie que me alejara

de las salas del cine.

(CANTA EN INGLÉS)

No fue un director más,

no fue un director de musicales, tampoco un director de comedias

fue un director con mayúsculas,

innovador en el musical.

No fue menos innovador en la comedia.

Siempre fue un paso más allá.

Haciéndonos reír o contando historias de amor o desamor

tan fragmentadas como nuestros recuerdos.

(HABLAN EN INGLÉS)

¿Está contento con esta película?

(HABLAN EN INGLÉS)

No, pero es que no acaba de satisfacerme ninguna película,

me gustaría volver a hacerlas todas.

Fue humilde, nunca presumió de sus éxitos.

Terminó su carrera como director demasiado prematuramente.

El azar quiso que aquel niño

que había despegado hacia Río de Janeiro,

aterrizó en Río de Janeiro 50 años más tarde.

Este hombre hizo nuestras vidas más felices.

(HABLAN EN INGLÉS)

La academia de cine,

en esta última edición se olvidó de él.

Tampoco lo tuvo presente cuando estaba en activo.

Solo recibió el Óscar honorífico.

Stanley Donen aprovechó para hacer lo que mejor sabía,

dar una lección de cine.

(HABLAN EN INGLÉS)

(Música: "Cheek to cheek")

(HABLA EN INGLÉS)

(Risas)

(Aplausos)

"Días de cine" se rinde ante Stanley Donen,

ese niño eterno cuyo nombre es sinónimo de cine.

Habéis visto un pequeño aperitivo del homenaje

que "Días de cine" ha preparado a este cineasta.

Enseguida, volveremos con él.

Volvemos con lo nuevo de Robert Zemeckis.

Regresa ahora con una historia conmovedora que mezcla fantasía

y realidad.

"Bienvenidos a Marwen" está protagonizada por Steve Carell

y nos cuenta el poder del arte como sanador de la mente.

Los 80 fueron, sin duda, de Robert Zemeckis,

discípulo aventajado de Steven Spielberg.

Firmó la triología de "Regreso al futuro".

Puso el listón tan alto en el arranque de su cadera

que no pudo mantener las expectativas en los 90.

Estaba por llegar su clásico.

Desde entonces, Robert Zemeckis

no ha levantado cabeza a pesar de probar suerte en distintos géneros.

Imagen real combinada con animación.

La clave de que fuera una película fascinante

era adentrarnos en su mente y dar vida a un mundo imaginario.

Desde un punto de vista técnico,

quería que los muñecos se parecieran a los actores que los encarnaban

y se comportaran como ellos.

Basada en hechos reales,

son héroes a su pesar que superan las adversidades a fuerza de coraje.

Son mis historias favoritas.

Personajes vapuleados que acaban triunfando.

Me identifico con la idea de que hay que crecer y cambiar.

Las vidas tienen que coger rumbos diferentes a los oficiales.

Las historias con héroes tienen un gran potencial.

-He oído lo que te pasado.

Hablamos de un brillante ilustrador de New York.

Después de una paliza de tintes homófobos quedó en shock y amnésico.

Imaginó un refugio seguro.

¿Son gente que conoces?

No puede seguir huyendo de tus problemas.

Si con la anterior película de Robert Zemeckis uno salía

del cine intentando recuperar el documental,

aquel que dirigió sobre el mismo personaje.

Puede brillar como cineasta y conmover.

Buena parte del problema esta en un guion desequilibrado.

Más que blanquear el honor del personaje que buscar

su verdad oscura. Hace echar de menos el talento empático

de alguien como Robin Williams.

Sin agobios, sin prisas.

Es lo que respondió Antonio López

a Nicolás Muñoz cuando le propuso hacer un documental sobre su figura.

Ahora, este trabajo llega a las salas.

Se va a poder ver en La 2 de TVE, en "Imprescindibles".

Llega 30 años después de que Víctor Erice rodase

"El sol del membrillo".

Una de las grandes obras del cine español.

"Antonio López. Apuntes del natural" es un retrato de la persona que

es desde hace mucho tiempo un hombre de cine.

¿Cómo se retrata a a un retratista?

¿Cómo se entra en el universo de un creador de la talla

de Antonio López?

Me gusta esa arquitectura sin firma.

Donde aparece de una manera muy clara como es la vida

de las personas.

En las imágenes de Nicolás Muñoz se percibe

limpia la magia de la creación.

Infantes cargados de labores pesadas y pacientes que destila

la obra artística a cabo de meses de teatro.

Me impresionaba contemplar todo eso.

Con su lienzo ante un paisaje que nuestros ojos creerían anodino,

Antonio López aplica al roce y la caricia de sus pinceles

con una precisión milimétrica. Solo lo descifremos

cuando esté acabado el cuadro.

Me parece un tema expresivo de lo que somos.

En la película se suceden reflexiones sobre luz y volumen.

Se ensamblan las piezas de una escultura.

En palabras sencillas, son espejo de un hombre sencillo

y gigante.

Para expresar lo que siento ante las cosas reales.

La biografía, la creación y la enseñanza, la transmisión

de experiencias y saber, retrato de un artista

que firma como Antonio López.

Da sensación de que las cosas van a su sitio pase lo que pase.

O sea, la verdad está antes que la estética.

De un pintor en el cine pasamos a un cineasta requerido

por museos internacionales.

Es Albert Serra. Su obra llega al Reina Sofía.

Es una instalación de vídeo inspirada en la obra

del Marqués de Sade. Reflexiona sobre la intimidad sexual

y el deseo carnal a través de dos proyecciones enfrentadas.

Una transcurre en la actualidad y otra en el siglo XVII.

Nos lleva a cuestionar nuestra propia mirada.

El Reina Sofía presenta un nuevo trabajo

del cineasta Albert Serra. No es cine convencional.

Es una instalación de vídeo.

Dos pantallas centro de una habitación

donde se sitúa el espectador.

Dialogan entre sí.

El espectáculo al que asistimos es una orgía del siglo XVIII

inspirada en el Marqués de Sade.

No se sabe dónde acaba tu voyeurismo propio.

La sintonía de la imagen desaparece y a veces continúa,

pero son imágenes diferentes.

Es una propuesta que puede resultar suplicante e incómoda.

Fue pensada como un diálogo

de orgías a través del tiempo.

Una pantalla situada en el siglo XVIII

y otra el siglo XXI. Sin embargo, la idea quedó descartada.

Me parecía demasiado didáctico. Me parecía demasiado odio, ¿no?

Siempre está presente implícitamente por reverberación,

porque nosotros vivimos en un mundo de ahora. Ya lo aportas tú.

La vivencia, no en el mundo del siglo XVIII en general,

pero la utopía del siglo XVIII nos interpela, especialmente,

es contradictoria y contrastada con lo que vivimos hoy en día.

Bueno, la idea del deseo vista

como un totalitarismo propio del Marqués de Sade.

No tiene nada que ver con la idea del deseo como derecho

que domina hoy en día.

No es la primera vez que se nutre del imaginario propio

del siglo de las luces, como fue en la cinta donde

dos mitos se encontraban, Casanova y Drácula.

Y también la cinta sobre Luis XIV.

Los personajes son anónimos.

Son rostros y figuras que se funden con la oscuridad

del bosque.

Es desasosegado ante.

Esas imágenes viven con nosotros.

Al mismo tiempo parece que no quisiéramos verlas.

Nos producen un placer culpable y extraño.

No quiero traducir connotaciones morales, pero es el deseo

permanentemente insatisfecha.

En la composición de los planos,

parecen imágenes de los desastres de la guerra de Goya.

Sí, son los desastres.

Es alucinante que con tantas obras maestras

en su carrera Stanley Donen nunca recibiera un Óscar

por ninguna de esas películas.

Esto dice mucho de estos premios a la luz

de lo que hemos visto este año. Se lo dio Scorsese,

que no tenía ningún Óscar.

¿Qué me dices de los premios de este año?

Muy políticamente correctos.

Está bien de cara a la sociedad.

Me hubiese gustado que la mejor película fuese "Roma".

Viggo Mortensen está maravilloso como actor protagonista.

¿Cómo puede ganar una película el Óscar a la mejor película

y no estar nominado su director? Olivia Colman está muy bien.

Película internacional. Parecía que iba a ser "Roma".

Me hubiese gustado que fuera mejor película.

Y que allí hubiese entrado "Cafarnaúm" o "Cold war".

Se ha hablado mucho de los Oscars.

Vamos a hablar de la cineteca.

Tiene una programación...

No tenemos tiempo para tantas cosas.

El miércoles comienza una serie de proyecciones de documentales

de jóvenes directoras polacas.

¿Tenemos preestreno la próxima semana?

Es una cosa difícil de concretar.

Esa muy sensorial. Tiene imágenes fabulosas.

Es el jueves a las 7:30.

En "Días de cine" apostamos por aquellos títulos que creemos

que merecen la pena, pero, a lo mejor es difícil

que el público en general llegue... "Cantando bajo la lluvia".

Seguimos en modo Stanley Donen.

Es un director muy musical

y tiene películas que no son musicales como "Charada"

y "Dos en la carretera", que tienen una banda sonora...

Recuperando canciones que ya habían sido éxitos en películas anteriores.

Y cantadas por Gene Kelly, Debie Reynolds...

La Seminci invito a Stanley Donen.

Hizo un clásico. Este libro. Todavía se puede encontrar por ahí.

Gracias.

A sus órdenes.

Esta semana nos ha traído otra mala noticia,

el fallecimiento de André Previn.

Ganador de cuatro Óscars el primero de "Gigi",

de Vicente Minelli.

Son películas que pertenecen a la memoria sonora

y cinéfila del mundo.

Nacido en Berlín en una familia judía en el 1929 llegó

a América huyendo del nazismo,

consiguiendo la nacionalidad en el 43.

Poco después entró a trabajar en la Metro Golding Mayer.

Puso su talento en "La vía de Moscú.

Mia Farrow fue una de sus esposas.

La fatalidad ha querido que en pocos días nos hayan dejado

dos de los últimos supervivientes del gran cine clásico.

Cine bélico ruso.

Una historia francesa y un guiño a los frikis

que llega desde Estados Unidos. De estas tres películas

os hablamos a continuación.

(HABLAN EN FRANCÉS)

"Sobibor" es una gran historia real.

Una de las pocas con final feliz que se produjeron durante

la masacre del pueblo judío en la Segunda Guerra Mundial.

Es un gran documento fílmico sobre el Holocausto.

El motivo de hacer una obra independiente era subrayar

lo sucedido allí.

Los prisioneros organizaron una revuelta que les llevó

a la libertad.

Lograron privar a los alemanes en el monopolio del uso de la violencia.

(HABLA EN FRANCÉS)

"Sobibor" está protagonizada y dirigida por un actor,

"Sobibor" está protagonizada y dirigida por un actor,

Konstantin Khabenskiy.

Se nota la solvencia del producto.

Resulta por cercana y fácil de ver, pero carece de solvencia

en la credibilidad de puesta en escena del horror.

Debo sobrevivir para acabar con esto.

Ni lo uno ni lo otro, se queda en el término medio.

Nos tenemos que fugar mañana. Ya lo sabe demasiada gente.

Una película como "La escapada de Sobibor".

En ese sentido, lo tenían más claro.

Concentrada la historia en retratar el escape.

Nuestro momento ha llegado.

"Sobibor" busca conmover.

Pero resulta casi una pantomima.

No tiene el empuje suficiente desde el punto de vista

del ambiente carcelario.

-No tienes ninguna experiencia dando clases, ¿verdad?

-No tienes ninguna experiencia dando clases, ¿verdad?

-No.

Groenlandia porque es el momento para vivir una aventura como esta.

En Groenlandia,

paisajes nevados, el silencio y la paz.

Toda aventura en estos parajes es inolvidable.

Un joven maestro danés escoge el destino más alejado

para alejarse de su familia.

Como es de esperar, sus inicios son difíciles.

Escaso interés de las familias de los niños por la educación escolar.

Se añade la animosidad de los lugareños.

El recién llegado es casi un extranjero.

No ha venido a clase en las últimas semanas.

-Su abuelo le enseñará a hacer cazador.

"Profesor en Groenlandia" habla de la severidad

de la naturaleza y los recursos

para sobrevivir y respetar un entorno tan majestuoso

como agreste. Y muestran la humildad para acercarse

hasta ellos desde el mundo civilizado.

Es una imbricación entre ambas corrientes,

el documental y la ficción. Su peso no es fácil distinguir.

Estaremos fuera unos días. -Me parece que es mayor.

"Larga vida y prosperidad" da título a esta "road movie".

Está protagonizada por Dakota Fanning. Wendy es una chica autista,

es fanática de "Star Trek".

No tengo permiso para cruzar la calle bajo

ninguna circunstancia.

Cuando ves el muñeco con piernas, puedes hablar.

Ha escrito un guion y nadie la toma en serio.

Hay un concurso de guiones de Star Trek. Es el último día.

Solo le queda una acción.

Entregarlo en mano antes de que acabe el plazo.

El guion terminado se deberá recibir el 16 de febrero.

Quiere demostrar a su hermana que escapa de llegar a Los Ángeles.

Conductora, mi amigo tiene pis.

Su aventura le permite descubrir cosas nuevas y gente buena y mala.

Estuve con una mujer desnuda.

Ben Lewin supo encontrar

el equilibrio entre comedia y drama. Historia tierna

y nada condescendiente.

Puede quedarse en amor o atracción

o puede significarte la vida.

Destacar las interpretaciones de Dakota Fanning

y Toni Collette.

Es una historia superación que no acaba de encontrar el tono.

Resulta predecible y sensiblera.

Gustará a los fans de Star Trek.

(Música)

En su nueva película,

Gerardo Olivares vuelve a sus orígenes cinematográficos,

el desierto.

Deja de lado a niños y animales,

presentes en sus últimas películas,

en "4 latas" habla de sus viajes por el Sáhara.

Lo hace con la complicidad de Jean Reno, acompañado

por Arturo Valls y Quique San Francisco.

La trayectoria de Gerardo Olivares está plagada

de decorados históricos.

Los paisajes se funden con los personajes.

Tanto si es documental o ficción,

modos narrativos compartidos por el director, el paisaje,

en este caso el desierto, se erige como personaje.

Es lo que cuenta "4 latas".

Es un homenaje al automóvil de los 70.

El Renault 4L.

Con aquella palanca de cambios que salía del salpicadero.

No me acordaba cómo lo tenía.

Es un tercer huevo ya.

Unos amigos deciden llegar

hasta Mali para despedirse de un viejo colega terminal.

La hija del enfermo se une al peculiar grupo

en el último momento.

"4 latas" tiene un epicentro indiscutible,

el actor francés de origen español Jean Reno.

(Música)

Hola, estamos en el programa "Días de cine" y noches de amor.

(Risas)

(Música)

Todas mis películas de ficción han sido películas

que están basadas en hechos reales de otra persona.

"4 latas" está basado en unos hechos reales que, de alguna manera,

yo he ido viviendo por mis diferentes viajes por el desierto.

Empieza en el año 90 en el desierto argentino,

me encuentro con unos franceses que se dedican

a coger coches de segunda mano. Esa historia me gustó mucho,

porque representaba de alguna manera un tipo romántico de los años 70

y principios de los 80.

Eran gente joven que es vivir una aventura del Sáhara.

Una manera de hacerlo era comprando coches de segunda mano,

si llegaban y los perdían,

les salía el viaje lo comido por lo servido.

-Van a buscar un poco la cultura que tenían juntos,

esa memoria que siempre queda en el corazón

de todas las personas, cuando tienes 20 o 25 años,

de quedar dentro de ti.

(Música)

Tiene simpático para pasar un buen rato

y descorchar ese vino especial

que aguarda en toda bodega que se precie.

(Música)

Hoy, en "Días de cine"

nos rendimos ante Stanley Donen,

entre el juego y la inteligencia, sus comedias agridulces

de finales felices unas y otras, no tanto. Sus éxitos y fracasos.

Estamos convencidos que con él

se va una parte importante de la historia del cine.

Nos quedan sus películas, ponemos a su palabra

y su cine recuperando algunas las entrevistas

que concedió aquí en España.

Estoy en completo desacuerdo cuando dice que el cine

es verdad 24 veces por segundo.

Para mí, el cine es mentira 24 veces por segundo.

(Música)

(HABLA EN INGLÉS)

Decir Stanley Donen es decir alegría, gozo de vivir,

y que pudo disfrutar del mejor cine en la televisión

y del programa el doble nos sentimos en ese universo mágico,

al que llegó Fred Astaire.

Nadie como él ha podido poner sentimiento

a esos que alargan la vida. Su mero recuerdo nos llena de gozo.

(HABLA EN INGLÉS)

Stanley Donen también quiso indagar en el lado más salvaje

y absurdo del ser humano, que la guerra pone en evidencia.

(HABLA EN INGLÉS)

Mucho antes, en Lars von Trier,

Stanley Donen convirtió una fábrica

en un sorprendente escenario para poner de manifiesto

la situación de la clase obrera.

Esta es una de las cuatro afortunadas colaboraciones

con su mejor amigo.

Su perspicaz mirada, asimismo, le convirtió

en el incisivo cronista del deterioro

de las relaciones sentimentales,

sobre todo cuando en la pareja faltan las palabras.

Creo un fascinante rompecabezas en el que paradójicamente,

el paso del tiempo daba la impresión de ser atemporal.

Era importante hacerlo así en aquella película

porque la historia trataba de las relaciones en la pareja

a lo largo de varios años, y quería que esta película

se desarrollaba en el presente.

Como si la vida quisiera imitar al arte,

no pudo ser recogida la Concha de oro hasta 1996.

(HABLA EN INGLÉS)

El talento de Stanley Donen era tan inmenso

que a pesar de considerarse a sí mismo como un director realista,

interesado por aquí y ahora, era a incapaces de mantener

los pies en el suelo. Stanley Donen ama a sus personajes,

y por eso parece otorgarles la libertad de elegir

su propio camino, de ahí que sus películas no envejezcan

y permanezcan vivas.

Parece como si sus protagonistas transitarán por esos territorios

por primera vez, llegando al perplejo y entregado espectador

de la mano. No importa cuántos veces hayan visto estas películas,

siempre se disfrutan como la primera vez o más,

porque penetrar en el universo de Stanley Donen

es sentir que has llegado a casa.

Más que cualquier otra cosa, lo que me importa

es lo que tenga que decir la película.

Nacido el 13 de abril en 1924 en Columbia,

con solo 16 años llegó a Nueva York para probar fortuna en Broadway,

y se quedó ahí su corazón.

No le fue nada mal, consigue un pequeño papel en el musical

y lo más importante, la amistad de los que iban a ser

sus dos hadas madrinas, el director George Abbott

y el firme candidato a estrella inmortal, Gene Kelly.

No se equivocaron por aportar por este joven con voluntad de hierro.

Dirigió su primera película, "Un día en Nueva York",

y con 28 tenía una obra maestra, "Cantando bajo la lluvia".

No apareció tan rápido,

por base de siete u ocho años en Hollywood haciendo muchos trabajos.

Fue asistente sin acreditar en la coreografía de títulos

en los que se atisbó que su imaginación

y pericia técnica eran sobresalientes.

En las modelos, siempre con Gene Kelly,

hizo posible el desdoblamiento del baile

y otorgó al baile un significado psicológico.

Soñando una noche con su amigo,

nació la secuencia emblemática de "Levando anclas",

aunque convirtió al ratón en su animada pareja de baile.

Siempre Gene Kelly, en "Un día Nueva York",

sacó las cámaras a la calle.

Todo entre los dos, discutíamos todas las cuestiones,

no era todo tan sencillo porque en ocasiones,

no estamos de acuerdo.

Contento pero jamás satisfecho,

se quedó con ganas de incluir más bailes.

En "Cantando bajo la lluvia", se resarció.

El tándem de Gene Kelly y Stanley Donen

respondió con una obra de arte.

Entre ellos, el emblema del género.

(Canción en inglés)

Bailar de alegría es la base para generar

un número musical.

No sé si es la mejor, pero esa que más se utiliza.

"Siempre hace buen tiempo" supuso la ruptura de la pareja.

Mucho más melancólica, pone en práctica

uno de los secretos de su éxito, las estrellas hicieran

lo que mejor sabían hacer.

Si Gene Kelly era un experto patinador, por qué no demostrarlo.

De igual modo, anteriormente, había obtenido oro

dejando a O'Connor diera rienda suelta

el funambulista que llevaba dentro.

(Música)

Con Fred Astaire, parecía que flotaba,

por qué no hacerlo flotar de verdad. Este es el truco más famoso.

Una gran rueda con engranajes en los bordes.

Construimos una habitación con las cuatro paredes.

La cámara estaba en el suelo, pero sin enfocar

nunca puede grabar fuera desde la habitación.

Cuando queríamos que bailas es sobre esta pared,

íbamos muy despacio aquí. Esta pared representada por mi mano.

Desafiando las convenciones del musical y la gravedad,

esta película contiene uno de sus números más complejos.

El baile para él era un arte polisémico.

(Música)

En el estudio estaban organizados,

porque quería poner bailarines en los papeles masculinos.

Decían que la película sería un desastre porque nadie se creería

que unos hombres que estaban cortando leña podían bailar.

Teníamos una vista opuesta y generaron discusiones

y gané por mi insistencia.

Frustrado por las discusiones con el estudio pero no vencido,

se convirtió en productor para intentar ser fiel a sí mismo.

Estaba deseoso de hacer otras películas de otro género

como musical. No deseaba ser el musical

el equilibrio equivalente de suspense.

Se encontró con Cary Grant.

Se hizo en 1957, no se podía meter juntos

a Cary Grant y Bergman.

Quería mostrarles en la cama, tocándose y amándose.

Preparé los dos platós,

con mis ojos, podía ver al mismo tiempo,

rodamos las dos escenas a la vez,

iluminando juntas y con las dos cámaras.

(HABLA EN INGLÉS)

De sus cuatro excelentes colaboraciones,

confesamos nuestra adoración por esta última,

con "Charada".

Stanley Donen siempre mostró por el artificio,

y aquí, el juego de aparentar ser otro resulta sublime.

(HABLA EN INGLÉS)

Ambos seguimos siendo amigos hasta el momento de su muerte.

Este reloj se lo regale a él 1960.

Cuando murió me lo dejó en su testamento para devolvérmelo.

Dos comedias con Brynner,

una película biográfica sobre el compositor norteamericano.

Una locura nacida la sombra de "Charada".

El retrato de una pareja homosexual

con Rex Harrison y Richard Burton.

(Canción en inglés)

La adaptación de "El principito",

con una secuencia para la posteridad.

Una de ciencia ficción, una de aventuras

durante la ley seca, y un remake de una comedia francesa

son algunos de sus títulos.

El esmero en el diseño de los créditos

y un ritmo inherente en su personalidad

que hacía que sus películas no musicales

parecía que estaban con coreografía,

son elementos claves en su producción.

Stanley Donen siempre sintió predilección

por tres de sus películas, "Al diablo con el diablo",

es un sobre el mito de Fausto, que ya había tocado

en "Malditos yanquis".

Pudimos establecer ese planteamiento

y hacer reír a la vez que decíamos que no vendas tu alma,

porque la gente está tentada igual que yo, sino hago más películas,

es porque rechazo la tentación.

Este programa doble en formato reducido

suponía un viaje sentimental

al fin de su infancia.

Por un lado, las películas de contenido social

de los años 30 de la Warner.

Por otro, un deslumbrante homenaje a las fastuosas producciones

de un creador al que creyó odiar durante años

hasta que se dio cuenta que siempre lo había tenido en su corazón.

(Música)

Si para todos, "Cantando bajo la lluvia"

es el estandarte de la felicidad,

para él fue "Una cara con ángel".

De los momentos más emocionantes que he experimentado

diciendo es el comienzo de una canción cuando Fred Astaire

baja del taxi y cruza los campos Elíseos, y de repente,

rompe a bailar y cantar.

Cuando rodeaba aquello, se pusieron los pelos de punta.

Era Fred Astaire en París,

sintiendo ese momento, y lo estaba rodando.

Nunca he tenido un momento de emoción tan grande como aquel.

Director, productor, bailarín, guionista, coreógrafo,

Stanley Donen fue un grande del cine.

Incomprensiblemente nos quedamos demasiado pronto sin sus películas,

pero las que hizo nos han llenado la vida.

Como escribió nuestro añorado José Carlos,

las películas de Stanley Donen son multidimensionales

en la corte en el tiempo,

y en la quinta dimensión que es la sensación pura,

la subjetiva por excelencia. Sin él, el mundo parece más pequeño.

El cineasta y pintor Julian Schnabel

cuenta que fue paseando por el museo de París

y viendo las obras de Vincent van Gogh

cuando se le ocurrió hacer una película

que podría retratar las sensaciones

de que deja a las personas que ven.

Willem Dafoe tuvo que aprender a pintar para encarnar al personaje.

Lo siento que pierdo la cabeza.

No es fácil meterse en la piel de alguien

y más en uno que padece trastornos psiquiátricos,

incomprensibles para quienes no lo sufren

o desconocen cómo funciona la mente. En esta película, Julian Schnabel

ha intentado introducirse en su protagonista.

-Pinto para dejar de pensar.

-¿Pensar en qué?

Dejo de pensar y siento que eso y parte de todo lo que hay fuera.

-La pintura era esencial, es algo concreto,

como el propio personaje admite.

Él no piensa mientras pinta, está concentrado en su obra

y ni siquiera piense.

Nunca decepciona, con ese rostro duro, peculiar y atractivo,

encara con genialidad a quien se proponga.

Es un personaje fascinante si lees cartas y las biografías.

Es realmente inspirador.

-Era la persona adecuada para este papel.

Desde 1886, cuando se trasladó a Francia

hasta su muerte en 1890, asistimos al proceso

de mayor creatividad del pintor holandés.

No necesita inventarme la imagen

porque el poder encontrarla en la naturaleza.

Describe la destreza relación de amistad que mantuvo

con su hermano menor y con el pintor Gauguin.

Detalla su contacto con la naturaleza,

sus paranoias de cualquiera que fuese,

ese trastorno mental sobre que los expertos

no se ponen de acuerdo en definir.

-Dicen que grito por la calle, que lloro.

Que me pinto la cara de negro para asustar a los niños.

Una camisa de fuerza y un ingreso en un centro psiquiátrico

parecía ser la forma más habitual de resolver

cualquier arranque de locura.

No recuerdo nada, nada,

excepto la oscuridad y la ansiedad, por eso, me enviaron aquí.

Con gente desequilibrada.

Julian Schnabel, además de cineasta es pintor,

sabe lo que hace cuando juega para hablar de arte

y conseguir transmitir sentimientos.

Lo hizo en "La escafandra y la mariposa".

Vincent van Gogh es el artista

sobre el que más se ha escrito e investigado.

Todo el mundo cree saber todo sobre él,

así que es casi imposible hacer una película sobre él.

-Creía que era un artista debía enseñar a mirar el mundo,

pero sinceramente, yo no lo creo.

Ahora solo pienso en la relación con la eternidad.

En esta película,

la cámara simula ser el propio pintor,

intentando y logrando que el espectador se mimeticen con él,

vea con sus ojos y consiga una mirada borrosa y turbadora.

Nadie ve lo que yo veo, que lo que estoy perdiendo el juicio.

Se le considera uno de los grandes maestros

de la pintura de todos los tiempos. Paradójicamente,

como en tantos casos, llegó después de su muerte el reconocimiento,

tras soportar una vida de pobreza, y tormento.

En una habitación, necesito salir y trabajar para olvidarme de todo,

para estar fuera de control necesito estar en estado febril,

es el acto de pintar.

La vida de Van Gogh se ha llevado tiene en seis ocasiones.

La última, la polaca, de animación. Douglas fue el loco del pelo rojo.

Robert Altman también realizo una biografía del pintor en 1990,

y en el último año, el cineasta japonés en un cortometraje.

El francés dirigido un Vincent van Gogh,

y no deja de interesar el hombre pelirrojo

que se cortó una oreja y murió de forma algo violenta.

Tú no estás loco.

Lo más interesante son las conversaciones

con el sacerdote y el médico, extraídas de sus cartas,

además del acertado reparto. El imprescindible Willem Dafoe.

Quizás Dios me hizo pintor para gente que aún no ha nacido.

Se dice que la vida es para sembrar, la cosecha no está aquí.

Pedro Alonso debuta en el cine con "Feedback", intenso y duro.

Protagonizado por un intenso secundario,

que aquí actúa como protagonista y está inmenso,

y como presencia española, la actriz Ivana Baquero.

Es un thriller de violencia explícita

ambientado en un estudio de radio. Una localización claustrofóbica

para una historia inquietante.

En medio de un exitoso programa de radio,

unos desaprensivos encapuchados irrumpen en el estudio

con extrema violencia.

Primero vas a continuar con el programa.

Están allí para obligar al locutor para asistir algo

que hizo en el pasado.

-Vas a seguir nuestras instrucciones sin hacer preguntas.

Para dar luz a un pasado que dará al traste con su carrera.

Si se corta la emisión, lo vas a pagar claro.

Su particular forma de dar venganza.

Quieren que cuentes lo que pasó en la habitación.

-Las redes sociales, nuestra relación con la fama,

qué es el poder y cómo se usa, la violencia

en la sociedad contemporánea, todos los temas están,

pero filtrados por ellos, por los propios personajes,

forman parte de la historia.

-Que las chicas estén a vuestro servicio

y se queden calladas.

-La película está tratada desde un punto real,

incluso la violencia me parece que no es gratuita.

La información se va dosificando al espectador.

Mientras nos mentemos en el ambiente asfixiante del filme,

nos vamos enterando de unos hechos aterradores del pasado.

Pedro es el director de "Feedback", que llega desde la publicidad.

Su firma está detrás de películas publicitarias

que se han convertido en fenómenos sociales

en Europa y América. Da un paso al frente y se pasa al cine

con su primer largometraje.

Para mí era algo que necesitaba intentar.

Llevo 17 o 18 años haciendo publicidad para televisión.

Hace siete u ocho cuando me tomo en serio intentar hacer un largometraje

y volver a la idea original, a la idea adolescente de hacer cine.

-Sabemos que nuestros padres jamás nos dejarían ir solos.

Con apenas siete personajes liderados por ellos dos,

el director lleva a cabo un thriller intenso

con una puesta en escena mínima y un potente manejo

de lenguaje audiovisual.

¿Nunca has tenido 17 años?

Todo cuenta, todo construye, y forma parte del relato,

la luz, como evoluciona, el sonido, que es esencial.

Esta misma semana "Días de cine" ha apadrinado el estreno

de la película, participada por TVE.

Para mí es muy especial poder venir en concreto a España

y un filme en inglés,

con un casting británico, con una producción que también

es un poco americana, porque tiene un tanto por ciento

de producción estadounidense.

No hay nada mejor, el mundo se está globalizando,

y esto demuestra que quizás hay más trabajo,

cada vez hay más oportunidades.

(Canción en inglés)

Siempre hace buen tiempo para "una cara con ángel",

hoy nos despedimos pasando un día en Nueva York,

cantando bajo la lluvia. Ha sido un día generoso en carretera,

una sesión doble de películas que sueñan con películas.

Hoy "Días de cine" ha sido Stanley Donen,

porque aunque él se negara a reconocerlo, era el cine.

Nos hizo soñar con nueve años.

Por Stanley Donen, uno de los más grandes

y el último de los clásicos.

Hasta siempre, maestro. Aquí lo dejamos.

(Canción en inglés)

(HABLA EN INGLÉS)

(HABLA EN INGLÉS)

(HABLA EN INGLÉS)

(Canción en inglés)

(HABLA EN INGLÉS)

(HABLA EN INGLÉS)

(Música)

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Días de cine - 01/03/19

01 mar 2019

Días de cine’, despide esta semana al célebre cineasta Stanley Donen, fallecido el pasado jueves en Nueva York a los 94 años de edad.
El reportaje dedicado a Stanley Donen repasará la trayectoria profesional de un director de películas inolvidables como ‘Un día en Nueva York’‘Cantando bajo la lluvia’, ‘Siete novias para siete hermanos’‘Bodas reales’, ‘Siempre hace buen tiempo’ o ‘Una cara con ángel’. Un innovador musical que dio un paso más allá en la comedia romántica y renovó clichés en títulos como ‘Charada’, ‘Página en blanco’ o ‘La escalera’, entre otros muchos, y que solo recibió un Oscar honorífico en 1989.
A continuación, los estrenos más destacados de la cartelera cinematográfica de nuestro país, como lo nuevo de Robert Zemekis, el drama fantástico ‘Bienvenidos a Marwen’, con Steve Carell; el drama bélico basado en hechos reales ‘Soribor’; la cinta francesa ‘Profesor en Groenlandia’; ‘Larga vida y prosperidad’, protagonizada por Dakota Fanning y Toni Collette; o la road movie española ‘4 latas’, de Gerardo Olivares.
Además, ‘Antonio López. Apuntes del natural’, un documental de la serie ‘Imprescindibles’ de RTVE que se estrenará en salas; y la nueva película de Julian Schnabel, ‘Van Gogh’, por la que su protagonista, Willem Dafoe ha estado nominado al Oscar.

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