Presentado por: Elena S. Sánchez Dirigido por: Gerardo Sánchez

El jueves 6 de octubre de 1991 nació 'Días de cine' como un programa semanal de media hora con un objetivo que permanece en la actualidad: el incondicional apoyo al cine español en todos sus apartados, desde el artístico al industrial.'Días de cine' ha ofrecido cientos de reportajes sobre cine de autor y comercial; entrevistas con las más grandes personalidades de la gran pantalla; ha emitido piezas sobre las novedades y la evolución del cine; ha rendido homenaje a directores, actores... y muchos otros profesionales menos conocidos por el gran público; y ha viajado a los festivales de cine más importantes.

El espacio, que en 2016 cumplirá sus bodas de plata, inició su andadura sin presentador y dirigido y creado por César Abeytua. Aitana Sánchez Gijón fue la primera conductora, en 1994, a la que relevó un año después, como director y presentador, Antonio Gasset. Tras él, Cayetana Guillén Cuervo lo presentó durante tres temporadas (2008-2011), con Raúl Alda en la dirección (2008) y, desde 2009, con Gerardo Sánchez, actual director. Recuperó la figura de presentador la pasada temporada con Henar Álvarez. Elena S. Sánchez se pone ahora el frente del programa.

www.rtve.es /pages/rtve-player-app/1.6.18/js
3643999
No recomendado para menores de 12 años Días de cine - 23/06/16 - ver ahora reproducir video 58.21 min
Transcripción completa

(Música cabecera)

Los echo de menos.

Pixar vuelve a pescar en un caladero conocido

y sabe que por la boca muere el pez.

Papá regreso.

El venezolano Lorenzo Vigas ganó el León de Oro

en el festival de Venecia con esta película.

Nunca he dado positivo por tomar sustancias dopantes.

El británico Stephen Frears lleva a la gran pantalla

la historia de Lance Armstrong.

(Música)

Hola, ¿qué tal? Buenas noches. Bienvenidos a "Días de cine".

Comenzamos el programa hablando de "Buscando a Dori"

que ya se ha convertido en el mejor estreno animación de la historia.

Así de bien ha aterrizado en la cartelera

la amnésica amiga de Nemo, protagonista ahora

de la exitosa película de Pixar.

Repite en la dirección Andrew Stanton,

director también de películas como "WALL·E" o "Bichos".

Dice que ha intentado recuperar la filosofía de la película original,

a pesar de todo lo que ha evolucionado la animación

en los últimos 13 años.

Hola, soy Dori. -Me llamo Hank.

¿Estás muy enferma? -¿Enferma? ¿Estoy enferma?

-¿Por qué estás en cuarentena? -Oh, no. ¿Cuánto me queda?

Tengo que encontrar a mi familia. -Venga, mujer.

"Buscando a Dori" convierte en protagonista

a uno de los personajes secundarios más carismáticos

de la historia de Pixar.

El pez hembra cirujano

que sufría de pérdida de memoria a corto plazo en "Buscando a Nemo".

No, es verdad. Se me olvidan las cosas de pronto.

Es cosa de familia.

Bueno, al menos eso creo.

-Era el único personaje de la primera entrega

que no estaba completo.

Todos los demás cerraban muy bien sus historias.

En 2011 volvía a ver "Buscando a Nemo"

y me dio esa sensación.

Creo que lo mejor será que, a partir de este momento, en fin...

siga yo solo. -Vale.

Como guionista, me decía a mí mismo: "Oh, Dios, acaba la película

y sigue disculpándose por no recordar nada y no saber de dónde viene".

Podía perder a Marlyn y a Nemo. Pensé que el personaje merecía más.

-¿Recuerdas de cómo son?

-Tener memoria es nuevo para mí, así que no estoy segura.

Pero algo me dice que son azules con un...

Algo amarillo. -Suena bien.

El título puede llevar a engaño porque asistimos a la búsqueda

de los padres de Dori.

Ella no recuerda cómo los perdió y dónde vivía siendo niña.

Pero sí sabe que ha de cruzar el océano para hallar respuestas.

¡Voy a buscar a mi familia!

Le siguen a regañadientes Nemo y su padre

hasta dar con un oceanográfico.

Dori, ¿estás ahí? Cuidado.

-Mira, fíjate.

-Nuestra amiga está atrapada en lo que quiera que sea ese sitio.

El lugar idóneo para una trama plagada de gadgets,

situaciones simpáticas y personajes curiosos.

Al fin y al cabo, es como un parque de atracciones marino.

Tienes que usar tu ecolocalización. -Me siento idiota.

Pobrecita, espera que te lo recojo.

Dirige Andrew Stanton,

quien también se hizo cargo de la primera entrega marina de Pixar.

Stanton es uno de los padres de las señas de identidad

de la compañía.

Estuvo detrás de títulos esenciales como "Toy Story" o "Bichos".

Alcanzó su cenit dirigiendo "WALL·E".

(Música)

En su transformación a director de imagen real,

filmó un trabajo poco brillante.

John Carter fue un imprescindible y olvidable ejercicio de género.

En cualquier caso, ante una película de animación de estudio,

siempre cabe preguntarse si hay algo de espacio para la autoría.

Sobre todo, echando un vistazo a los interminables títulos de crédito.

Se puede hablar del sello Stanton.

Nunca he tratado de encontrar conexiones en mi trabajo.

Quizá ella pueda responder mejor a la pregunta.

-Es un orador bastante convincente, ¿no te parece?

-Yo si los veo, creo que se pueden apreciar diferencias

entre las películas de Pete Docter, John Lasseter o Andrew.

En su caso, creo que siempre tiene un poso de melancolía.

-La verdad es que no tengo miedo a ser oscuro en mis películas.

-Hola, he perdido a mi familia.

-¿Dónde los viste por última vez? -Se me ha olvidado.

-Hay algo en el personaje de Dori que resulta conmovedor y triste.

Ese paso trágico nos conmueve por dentro compasión y empatía.

Desde un punto de vista positivo.

-¡Que viene!

"Buscando a Dori" es técnicamente impecable

y cumple una innegable función formativa.

El público infantil y no tanto recibe un chute

de información sobre el mundo marino.

Tengo un mareo bestial. -Es la corriente de California.

Es la bomba.

-No lo hago conscientemente, pero, desde luego,

siempre me estimula aprender cosas en el trabajo.

Es una manera natural de elaborar la película.

Soy consciente de que los niños aprenderán cosas viéndola.

Pero no es algo que quiera conseguir específicamente.

-Ocurre que hacemos mucho trabajo de búsqueda de información

acerca de los animales y del entorno.

La realidad nos da herramientas valiosas para enriquecer la historia.

-Leones marinos. Son depredadores naturales.

Atacan en cualquier momento.

-Amigos, no os preocupéis.

La película ha sido un éxito en la taquilla norteamericana,

sin precedentes en la historia de la animación.

No os preocupéis por nada.

Lo que puede confirmar la teoría de que nos gusta ver lo ya conocido.

Tengo que ir a la corriente australiana del este.

La CAE.

(RÍE) Tío, la estás surfeando.

La estructura de "Buscando a Dori" se parece demasiado

a "Buscando a Nemo", como para aplacar las ansias

de creatividad y originalidad de los amantes de Pixar.

Pero satisfará a los que desean reencontrarse con viejos amigos.

Sufro pérdidas de memoria a corto plazo. Es cosa de familia.

O eso creo, al menos.

-Les felicito, les doy un abrazo.

Mantenerse 25 años en el aire frente a todo, y a pesar de todo,

es maravilloso.

Así que les deseo, como mínimo, 250 años más.

O sea, regalando ceros. Un abrazo.

"The Program" es la historia de una gran falsa

de la que todos hemos sido testigos.

El ascenso y caída de un mito que parecía ser

el mejor ciclista de todos los tiempos.

Lance Armstrong.

Ganador de siete Tours de Francia.

Entre las virtudes de la nueva película

del director Stephen Frears, está la manera con que mezcla

imágenes reales con la ficción.

También el extraordinario trabajo del actor protagonista.

Ben Foster.

Dentro de todos nosotros hay algo más potente y más fuerte

que ninguna droga.

Se llama instinto de supervivencia.

Ni el más osado de los guionistas se hubiera atrevido a imaginar

una historia tan truculenta como la que ofrece la vida misma.

La vida de quien fuera considerado durante unos años

el ciclista más grande de todos los tiempos.

El norteamericano Lance Armstrong.

¿Qué te empuja a correr? -Me encanta montar en bici.

Eso es todo.

-Ya no estamos confinados en la tierra.

Ahora hemos aprendido a volar.

Después de superar un cáncer de testículo,

y ganar entre 1999 y 2005 nada menos que siete Tours de Francia,

algo que nadie había conseguido nunca,

el ciclista texano se retiró de la competición profesional

para volver, cuatro años después,

a la carrera más importante del mundo.

En la que ya solo pudo conseguir un tercer puesto.

Es un hombre transformado.

Se ha recuperado del cáncer y se ha convertido en el puñetero superman.

¿Por qué estás tan obsesionado con esto?

-¿Por qué no estás tú?

Unos años más tarde, en 2012, el mito se derrumbó estrepitosamente

y fue desposeído de todos sus títulos.

Bajo la acusación de consumo sistemático de sustancias

estimulantes del rendimiento deportivo.

El director inglés narra

en "El ídolo" la historia de un gigantesco impostor.

Un miserable que imponía con amenazas y extorsiones

la ley del silencio a sus colegas de equipo y a todo el que le rodeaba.

Tan tramposo y mentiroso que lo increíble es

que no fuera descubierto hasta tan tarde.

Atacará a cualquiera que se pase de la raya.

-Tengo el dinero y el poder para destruirte.

Frears narra el ascenso y caída de una leyenda del ciclismo

que, para mayor deshonra, proyectaba y vendía

una imagen modélica en la lucha contra el cáncer.

Tardamos mucho tiempo en planificar el rodaje.

Yo no quería hacer un biopic, una película biográfica.

Sino un thriller.

En un segundo plano, el filme se utiliza como hilo conductor

le investigación de David Walsh.

Para desenmascarar al farsante.

Una variante de la lucha del periodista David

contra el poderoso Goliat.

¿Gana y gana? ¿Le recibe el presidente?

Consigue más sponsor, más fama, más dinero.

Ese hombre es un tramposo.

"The program" mezcla con gran habilidad

las imágenes recreadas en la afición del ciclismo

con las documentales, con un sentido del ritmo

y de la síntesis histórica que no ofrece ningún flanco débil.

En esa tarea cuenta con un conjunto de actores

entre los que que resaltar a Ben Foster.

En un notabilísimo ejercicio

de composición del personaje principal.

Teníamos un programa de ordenador que se adaptaba a mí

para transferir su perfil y sus números a mi cuerpo.

La manera que acoplaba las caderas al peso de la espalda,

la forma de agarrar el manilla.

La forma de pedalear sacando los talones,

la cadencia más rápida después del cáncer.

Son detalles que pueden parecer triviales,

pero nosotros queríamos ser fieles al máximo posible.

-Soy el deportista más controlado del planeta.

Y nunca he dado positivo por tomar sustancias dopantes.

El filme de Frears llega a contar en clave de ficción,

es decir, recreada con actores, lo que Alex Gibney

Contaba con imágenes reales en su magnífico documental

"La mentira de Lance Armstrong".

Señor Walsh, me alegro de verle.

Confrontados ambos trabajos,

uno constata que no solo no se contrarrestan,

sino que son perfectamente complementarios.

Los recomendamos encarecidamente como programa doble.

Apasionante.

Incluso si el ciclismo les provoca sudores fríos.

Nunca he dado positivo por tomar sustancias dopantes.

Alberto Barberá, director de la muestra de Venecia dijo en 2015

que el cine latinoamericano es el más interesante novedoso

de todos los que se hacen ahora en el mundo.

Eran declaraciones que hacía coincidiendo con el triunfo

de la película venezolana "Desde allá",

que se alzó con el León de Oro en la pasada edición de La Mostra.

Este fin de semana llega a la cartelera española

la carta de presentación de Lorenzo Vigas.

Un autor al que habrá que seguir la pista.

Armando es un hombre de mediana edad de clase acomodada.

Taciturno, incapaz de relacionarse con los demás.

De mancharse con la vida.

Es protésico dental, pero nunca sería dentista.

Es homosexual, pero rehúye el contacto carnal

con los chicos que reclutan las calles de Caracas

a cambio de dinero.

Prefiere mirarles, vivirlo todo desde allá.

Esa distancia emocional que da título a la película.

Golpéate y quítate la franela.

Elder es un adolescente impulsivo, violento y homófobo.

Un hijo de la calle que podría haber imaginado Pasolini,

y que encuentra en Armando la oportunidad de hacer dinero fácil,

y, quién sabe, la referencia paterna que necesita.

Creo que es muy importante empezar con el corto que hice,

que se llama "Los elefantes nunca olvidan".

Toca el tema del padre.

Este padre ausente latinoamericano.

En cierta forma, es el primer paso.

Yo estoy trabajando en una trilogía sobre el tema del padre.

El cortometraje es la primera parte desde allá.

Es la segunda parte de la trilogía de la última parte es una película

que se llama "La caja".

Estoy por filmar en México.

-¿Sabes quién soy? Te veo esa cara. Elefante.

Soy tu hijo Juan, pendejo. Aquí mismo te vas a morir.

-Es uno de los temas de la película.

Esta cosa de carencia.

También el padre visto con esta cosa de poder.

Poder y dominación. De dos alfa.

De dos personalidades alfa en estos lugares donde ser macho

es tan importante.

-Te toca.

¿Cómo construir a partir de dos personajes antípodas

una esquinada historia de amor?

¡Armando!

Capaz de sorprender nuestras previsiones hasta el final

y de atragantarse en nuestra emoción como una espina.

Hoy en día vamos al cine y las emociones son muy obvias.

La película te dice exactamente qué emoción sentir

o cuál es la historia que tienes que seguir. Cómo te tienes que sentir.

Yo creo que la vida no es así.

Nosotros siempre nos estamos debatiendo entre emociones.

No sabemos si queremos a nuestra madre, a veces la odiamos,

a nuestra novia, a nuestra esposa.

Porque es tan maravillosa la Mona Lisa, ¿no?

Porque en realidad no estás seguro de si está contenta,

está feliz o terriblemente triste.

Historia bronca y desesperanzada.

Muy del estilo de Guillermo Arriaga,

que comparte con Lorenzo Vigas la autoría del argumento.

Desde allá avanza su narración sin dar demasiadas pistas

sobre el pasado de los personajes.

Por fundamental que este sea para la trama.

Lo hace a golpe de elipsis radicales que nos obligan a imaginar

lo que no se cuenta o queda fuera de plano.

Como si el autor hubiera arrancado deliberadamente páginas del guion,

confiando que el espectador las reescriba.

Es una película que te está retando desde el punto de vista visual.

Donde hay muchas cosas que no se ven,

pero hay que imaginarlas.

Las escuchas y no las ves.

-¿Te parece normal?

-Y en realidad, el lenguaje lo terminas definiendo en el montaje.

Digamos que durante la filmación probamos muchas cosas.

Como el fuera de foco.

Para mí era muy importante

porque la idea era presentar Armando como un fantasma

en las calles de Caracas. Que aparece y desaparece.

Porque para mí está presente físicamente,

pero emocionalmente para mí está en el pasado.

Luego, otras cosas que tú pruebas durante la filmación

y tienes como la intuición de que esto puede estar funcionando

y continúas ese camino.

Pero es realmente el globo, en el montaje,

donde todos los elementos, el guion, las formas, la imagen,

los sonidos, que tiene que crear un lenguaje

que tú esperas que sea un lenguaje singular.

Yo vi mucho Bresson antes de filmar esta película.

Veo mucho cine.

Hay grandes directores que admiro mucho.

Como Nuri Bilge Ceylan, al que admiro muchísimo.

Y otros directores.

Pero Bresson fue importante en la preparación de la película.

Justamente, en esta cosa tan austera de pocos sentimentalismos,

seca, y que al final de la historia es de lo que te impacta

un conjunto de cosas que viste.

La sofisticada puesta en imágenes de la película

nos remite a un tipo de cine fuertemente autoral.

Llegados los últimos años desde Latinoamérica.

Algunos críticos han empezado a acusar de manierista.

Solo el tiempo lo pondrá en su sitio,

como el de la argentina Lucrecia Martel,

el mexicano Carlos Reygadas o el chileno Pablo Larraín.

Precisamente, con el director de "El club"

mantiene desde allá una intensa complicidad

que pasa por su autor fetiche Alfredo Castro.

Te escribo una carta.

Cometí el error de escribir una carta a un obispo en Roma

contándole el orgullo que sentía de haber sido capaz

de reprimir el deseo de dormir con otro cura.

Si yo era capaz de reprimir el deseo de abusar de un niño.

Está excelente en el papel de Armando.

Como era de esperar el alguien de su talento.

Lo que nadie, ni siquiera el director, podía preveer,

era que un joven sin una formación actoral

llamado Luis Silva hiciera una composición superlativa

del atormentado Elder.

El primer día de rodaje, cuando vio a Luis Silva en monitor,

me dijo: "Es increíble, no tiene que hacer nada.

Lo tiene todo".

Fue maravilloso ver cómo Luis aprendió muchas cosas de Alfredo.

Alfredo es muy generoso.

Es un actor que quiso enseñarle todo lo que pudo.

Luis, que es una esponja, rápidamente lo aprendió todo.

No solamente lo aprendió todo, sino que nos sorprendía.

Por ejemplo, la escena del baño.

Esta escena tan fuerte en el baño en la fiesta de 15 años.

Estábamos todos ahí, frente al monitor,

viendo lo que estaba haciendo este chaval.

Nunca había estado frente a una cámara.

A diario nos sorprendía.

El resultado es cine poético de alto voltaje.

El jurado del pasado festival de Venecia quiso distinguir

con el León de Oro, en una valiente decisión

por tratarse de una ópera prima, que consagra al venezolano

Lorenzo Vigas como uno de los autores más valiosos

del cine actual.

Para mí, no sé si llamarla mi secuencia favorita del cine,

pero sí que es una de mis secuencias favoritas del cine,

por todo lo que viví viéndola,

es de una película que se llama "Vanishing Waves",

de Kristina Buozyte. Una película lituana.

Muy escéptica, ciencia ficción. Una película muy especial.

La película trata de cosas bastante impactantes.

Es un médico que se conecta con una enferma que está en coma.

Consigue crear una máquina para conectarse.

Entran en una especie de mundo onírico

en el que vive ella.

Se transforma su vida y empieza a transformarse en esa vida conjunta

que van creando.

Tiene una secuencia en la que los dos protagonistas

corren en una playa de noche y la cámara los va persiguiendo.

Toda esa secuencia, cómo se alternan unas cosas con otras,

todo lo que va pasando, para mí fue...

lo recuerdo como un golpe.

Recuerdo estar en el cine, ver aquello,

y como si la imagen de golpearse, me zarandease en el asiento

y me puse a llorar de una manera inexplicable.

A día de hoy me sigo emocionando.

Lo que, en especial a mí me sacudió de esa escena,

es la belleza poética de la imagen.

Cómo genera ese universo onírico en el que nunca sabes

dónde está el límite de lo real y lo ficticio.

Y cómo los colores, la cámara, ellos, sus cuerpos,

todos son un conjunto perfecto en el que figura la narrativa clásica

sin un...

sin ser algo convencional.

La propia plástica, en movimiento y la acción de lo que está sucediendo

en la imagen se te clavan en lo más profundo de tu alma

y te sacuden por dentro.

Me removió emocionalmente, me removió intelectualmente

y me removió de todas las maneras.

Me sorprendió mucho cómo una película tan estática,

que tiene muchas más cosas, pero es muy esteticista,

podía llegar a un sitio tan emocional y tan profundo.

Podía esperar una respuesta tan física,

tan emocional y tan intelectual.

Tanto todo, desde un tratamiento de la imagen.

Cómo lo formal a veces puede conectar

con la parte más inconsciente de tu ser, ¿no?

Harto de los estereotipos femeninos que muchas veces presenta

el cine de Bollywood, el director indio Pan Nalin

ha decidido hacer una película en la que poder mostrar

las inquietudes y los problemas de las jóvenes de su país

en la actualidad.

Así es como ha nacido "7 diosas",

que es una comedia dramática.

Tienes que decirnos por qué nos has invitado.

Una reunión de seis amigas indias que agasajan a una séptima

unos días antes de su casamiento.

"7 diosas" en total, según su título.

Haciendo referencia a la poderosa diosa Cali

que queda reivindicada en esta película

como un referente mitológico.

La imagen femenina que contradice el papel de víctima

o elemento decorativo que concede habitualmente

el cine de Bollywood a la mujer.

¿Crees que te cogieron por tu talento como actriz?

¿Por qué crees? -¿Y por qué me han cogido?

-Por esto.

De hecho, el título original de esta película

es "Diosas indias cabreadas".

Cada una de estas diosas vive un problema específico

de los muchos son los que ha de enfrentarse a la mujer.

A mi marido le gusta el bulto.

Machismo, violencia sexual, opresión laboral,

conciliación familiar.

Estamos seguros de la importancia de que se siga con éxito en India

una película de corte comercial que concede todo el protagonismo

a esta problemática.

Que además elabora roles femeninos complejos.

Si lo que se pretende, por encima de todo,

es normalizar la imagen de la mujer india en la ficción,

la mejor manera es tomar el camino del cine ligero y poco exigente

que su director ha tomado.

Lo que resulta más cuestionable es la necesidad

de su estreno en España.

No por la temática, que nunca sobra,

sino porque carece de una calidad excepcional que merezca la pena

o esté por encima de cualquier otra propuesta semejante

que pueda surgir del cine europeo.

Lo que sí resulta interesante es que su desembarco

en nuestra gran pantalla nos da la oportunidad de entrar en contacto

con sus actrices.

Los espectadores reaccionaron en realidad,

como en todos los lugares del mundo donde se ha exhibido.

Se reían, se emocionaban, lloraban.

Al final de la proyección nos daban las gracias por haberla hecho.

-En la India tenemos una oficina de la censura

que expide certificados necesarios para exhibir las películas.

Las califica por edades y todo eso.

Al principio querían prohibir la nuestra,

así que fue toda una batalla conseguir que se estrenara.

Pero una vez lo hicimos, la reacción del público fue genial.

Eso sí, tuvimos que cortar frases y trozos de secuencias,

de modo que aquí en España vais a ver una versión no censurada,

que en la India no ha sido posible.

-Yo creo que el tema más importante que trata la película

es el que refleja mi personaje.

El de la situación de las amas de casa y su nulo reconocimiento.

Están atrapadas en esa realidad.

-No, yo creo que el tema más importante

no es solo para las mujeres indias, sino en todo el mundo.

Es el peligro de la violencia sexual.

Ahora mismo hay un gran debate en torno a ello.

Cada vez se habla con más claridad. Antes no se hablaba.

La mujer podía perder el respeto de la sociedad

y era un motivo de vergüenza para la familia.

Solía ocultarse.

Pero al haber salido casos tan graves en los medios de comunicación,

esa es la imagen que se está exportando del país en todo el mundo.

Las mujeres empiezan a hablar, aunque sigue siendo un tema delicado.

-Empieza a haber dentro de Bollywood una corriente que poco a poco pasa

de su tradicional escapismo a un cine más realista.

India es un país que está rejuvenecido.

No se lo digo en caminos de edad, sino ideológicamente.

No puedes seguir mintiendo a la gente sobre su realidad

porque en todo el mundo y dentro del país se sabe qué ocurre y por qué.

Se quiere ver esa realidad en la gran pantalla.

Sí, las cosas están cambiando.

-Bueno, a ver.

El cine social y realista siempre estuvo ahí.

Es parte también de nuestra religión.

Lo que ocurre es que la proyección fantasiosa de la realidad

comenzó a funcionar mejor en taquilla y todo el mundo se volcó

a producir ese tipo de cine.

Hemos tenido grandes directores respetadísimos en todo el mundo.

Y hoy en día es una industria con grandes actores y actrices

repartidos por todo el mundo.

Pero menos directores que puedan explotar otro punto de vista

y pocos productores que quieran correr el riesgo.

¿Quién le iba decir al Festival Internacional de Cine de Valencia

que conseguiría consolidarse, y llegar a celebrar su edición 31?

Pues ahí continúa, el Cinema Jove, en plena forma,

y apoyando las óperas primas y segundas obras

de directores llegados de todas partes del mundo.

El cineasta camboyano Rithy Panh, y los actores Ingrid García-Jonsson

y Daniel Grau son solo tres de los nombres propios de esta edición.

(Música)

Independiente, arriesgado, innovador,

el Cinema Jove de Valencia es un festival treintañero

que consigue mantenerse joven, a fuerza de entrenar su esencia:

la búsqueda de apuestas diferentes.

Diez largometrajes, todos ellos inéditos en España,

y 58 cortos compiten en las secciones oficiales.

Un espíritu marcado por esas miradas de los cineastas seleccionados,

que son cineastas que renuncian a los clichés,

y a los caminos trillados, para comunicarse con un público

que a la vez es nuevo,

de un modo mucho más actual, mucho más consciente

de la diversidad de formatos a través de los cuales

el público de hoy consume el cine,

o por extensión, el audiovisual.

A Cinema Jove le gusta el mestizaje, buena muestra de ello

es la película elegida para su inauguración, "Viva",

dirigida por un irlandés, Paddy Breathnach,

producida por el puertorriqueño Benicio del Toro,

y con sabor 100 % cubano.

Toda la vida me han hecho sentir culpable de lo que soy.

Cuando yo entro al escenario, me siento fuerte, sincero,

canto con el alma, yo nunca antes me había sentido así.

La relación entre padres e hijos es, desde muy distintos puntos de vista,

uno de los temas más repetidos en esta edición.

Es el caso de la holandesa "Son of mine",

merecidamente premiada ya en el Festival de Rotterdam.

Y de la checa "David", que consigue sumergirnos

en el mundo asfixiante de un joven con discapacidad mental,

que decide escapar de la seguridad de su hogar paterno.

Mi personaje tiene una enfermedad mental,

crece con su familia, que tiene muchas expectativas puestas en él.

No se entienden, así que decide irse a Praga.

"Anna's life" cuenta con realismo, sin adornos,

el drama de una madre georgiana, que pelea y arriesga hasta el límite

por lo que cree que será un futuro mejor para su hijo.

(GRITA)

-Elegí este tema porque muchas mujeres georgianas

hicieron cosas como esas, incluso ahora, el 20 % de los georgianos,

vive en EE. UU., Italia, Grecia o España

solo para trabajar y ganar dinero para sus familias.

También en un entorno marginal se mueve el inquietante protagonista

de "Cleaner", una mirada de autor, más íntima,

sobre un tema ya tratado, el de un joven que se dedica a limpiar

las casas de quienes han fallecido.

(GRITA)

-Él limpia después de la muerte de la gente,

su madre está en la cárcel, tiene una vida solitaria,

y conoce a una chica que se llama Cristina,

a partir de ahí, se da cuenta de que hay emociones en la vida.

En la sección de cortos encontramos muchos temas de actualidad,

por ejemplo, "Mayday", que nos hace reflexionar sobre nuestra acomodada

postura en la crisis de los refugiados, o "El cerdo",

una tragicómica mirada sobre otra crisis, la económica.

En el cumpleaños ponemos una huchita para poner dinero,

cada padre ponemos 15 o 20 E... -Sí.

(Música)

-¡Ahí va, toma!

-Un día, en uno de estos cumpleaños pensé:

"Hostias, ¿te imaginas a un padre con problemas,

y que necesita de este dinero?".

Aquí fue la idea, me pareció gracioso, y a la vez triste.

Entonces, partir de ahí empecé a...

a construir esta pequeña fábula, ¿no?

La vimos nacer en la pasada edición, y llevan un año

repitiendo su mantra, "A hacer cine, se aprende haciendo cine".

Los creadores y profesores de la escuela La Base,

con Pablo Verger y Paco Belda a la cabeza,

destilan pasión por el oficio, y eso se nota en cada proyecto.

El último, un filmcam con un padrino de lujo, Enrique Urbizu,

y 18 alumnos que han trabajado duro y a contrarreloj tres semanas,

para elaborar un corto que han presentado en Cinema Jove.

El resultado, sorprendente.

718, preciosa. No tardes.

-Ellos han hecho un casting,

han trabajado con actores profesionales,

han currado con equipos de eléctricos, de maquinistas,

han trabajado con una cámara profesional,

y han hecho un cortometraje en toda regla.

-La verdad es que tampoco sabíamos muy bien a lo que íbamos.

Y poco a poco nos han ido enseñando, primero en las teóricas,

y ya, al llegar a lo que es el rodaje en sí,

yo creo que el que no ha estado nunca, que hemos sido casi todos,

hemos aprendido mogollón, muy contentos, la experiencia muy guay.

-Hemos terminado, muchas gracias.

Los premios Un Futuro de Cine han recaído esta vez

en Daniel Grau e Ingrid García-Jonsson.

El actor catalán ha participado en películas

como "Palmeras en la nieve", "Julieta", o "Acantilado",

en la que ha coincidido con Ingrid.

En su corta trayectoria, la actriz, de 24 años,

ha participado en proyectos tan distintos como "Hermosa juventud",

"Sweet home", o "Toro".

¿Sabes lo mejor de la comida japonesa?

-¿Qué? -Que no se enfría.

Hago todo lo que puedo,

y mi meta es ser buena actriz toda la vida,

pero ya veremos lo que pasa,

a veces asusta mucho eso de la promesa.

Y también siento que estoy siempre empezando.

-¿Esa bata?

¿De dónde la has sacado?

-¿Te presto los 15 pavos?

-¿Y esa bata?

-Te presto los 15 pavos y te callas, ¿no?

Me encantaría repetir creo que con todos, pero, obviamente,

guardo con mucho cariño a Jaime Rosales,

porque fue el que me puso las pilas a la hora de interpretar,

o sea, no solo me decía lo bueno, también me decía lo malo,

y creo que saco de mí una de las mejores interpretaciones

que voy a hacer en toda mi carrera.

El plato fuerte de esta edición de Cinema Jove

es la presencia del cineasta camboyano Rithy Panh,

a quien el Festival concede el premio Luna de Valencia,

y dedica una retrospectiva.

Su filmografía gira en torno al genocidio de los jemeres rojos,

en la segunda mitad de los años 70,

que supuso el exterminio de casi dos millones de personas,

una cuarta parte de su población.

Rithy Panh era entonces un niño, y perdió a su familia.

Se hizo cineasta, dice, para poder recordar lo que los jemeres rojos

quisieron borrar.

Probé con la pintura, la música, y después el cine llegó por azar.

Uno de mis profesores me prestó una cámara, y empecé a hacer cortos,

y me di cuenta de que era un medio que me convenía,

decidí empezar a hacer películas sobre la historia de mi país.

Cuando empecé a hacer películas pensé:

"Cuanto más destruya a los jemeres, más reconstruiré yo.

Si destrozan la memoria, yo trabajaré sobre ella.

Si me quedo deprimido todo el tiempo, lo veo todo negro.

Aprenderé a amar, cocinar, viajar...".

Cada una de sus cintas aborda el tema

desde una perspectiva diferente,

en "La imagen perdida", cuenta la pesadilla que vivió todo un país

con una voz en off neutra en primera persona,

y figuras de arcilla que transmiten una intensidad asombrosa.

En "S-21, la máquina roja de matar",

consigue funcionarios del régimen que participaron en las torturas,

se enfrenten con sus acciones, y sus víctimas.

Sus compatriotas han tardado muchos años en apreciar sus obras,

que han recibido más de 30 premios internacionales.

Cuando empecé a hacer películas, mis compatriotas no las veían,

me decían: "¿Por qué no haces películas sobre las flores, el sol,

cosas bonitas?". Tuvieron que pasar 20 o 25 años

para que la gente viniera a ver mis películas,

gente de las generaciones siguientes.

En los siete días que dura Cinema Jove, hay espacio para mucho más,

por ejemplo, una nueva sección sobre webseries,

un sector al alza, y una retrospectiva sobre otro festival

con el mismo espíritu inquieto y joven, el de Sarajevo,

con títulos como la oscarizada "El hijo de Saúl".

Para nosotros es muy importante trabajar con directores jóvenes.

La competición oficial, está enfocada a realizadores

que dirigen por primera o segunda vez,

es la razón por la que intentamos construir en base a este proceso.

Y para terminar una maratoniana jornada de cine,

un pequeño y ya tradicional lujo, un clásico del cine mudo con música

en directo del Arsenio Martins Ensemble.

En esta ocasión, "The lodger", de Hitchcock,

inmejorable forma de celebrar los 50 años de la entrevista

que Truffaut hizo al maestro del suspense.

(Música)

(Música)

(Música)

(Música)

Vamos a dedicar los próximos minutos a dos películas pequeñas,

ambas iberoamericanas, pero que están en las antípodas.

La brasileña "La orilla" es una historia de iniciación adolescente,

pero antes, vamos a centrarnos en la coproducción hispanomexicana

"Pozoamargo", tercera película de Enrique Rivero,

es una historia durísima que gira en torno a la culpa,

a través de un cine contemplativo marca de la casa.

Pozoamargo es el nombre de una pequeña localidad

de la provincia de Cuenca, y es también el título

de la tercera película del director mexicano Enrique Rivero.

Empiezas a hacer sentirme culpable.

Un título oportuno para una película que se desarrolla

prácticamente en su totalidad en esa localidad manchega,

y que trata sobre la culpa y el complejo sentimiento que conlleva.

Hay más, la verdad es que me gusta contarle las cosas que hago

a la gente que no me conoce de nada.

-Mi idea cuando empecé era tratar de hacer una película sobre la culpa,

pero nunca quise hacer una doctrina.

Un hombre a punto de tener un hijo se entera de que sufre

una enfermedad venérea que ha transmitido a su mujer embarazada.

No quiero que se entere nadie.

Incapaz de afrontar ese trago, huye atormentado a un lugar remoto,

en el que vive de incógnito, con la inútil pretensión

de hacer desaparecer, o al menos de mitigar,

un profundo sentimiento de culpa.

Es un tema que venía rondándome en la cabeza durante mucho tiempo,

esta idea de un hombre huyendo cobardemente

de un sentimiento de culpa, pensando que si se escapaba,

con eso se iba a poder solucionar, sin tener que hacerle frente.

-Estoy enfermo.

-Ese es tu problema.

"Pozoamargo" no juzga,

no intenta ser un tratado de cómo paliar o sobrellevar

un terrible malestar del alma.

Si quieres trabajar, habla con Arnau.

Solo pretende mostrar una enfermedad mental y emocional,

y cómo las pulsiones humanas,

por mucho que se quieran mantener escondidas, acaban aflorando.

¿Soy una niña?

¿Soy una niña?

-Es mejor que te vayas.

Natalia de Molina es la única intérprete profesional de un reparto

que cuenta como actores con los habitantes de Pozoamargo.

Se incluye aquí al protagonista de esta historia, Jesús Gallego,

impresionante en su contención,

y en su manera de mostrar la angustia de una emoción cruel.

Enrique nunca ha trabajado con actores,

es la primera vez que decidió buscar a una actriz.

Algo que no había hecho hasta entonces,

un personaje así, tan liberado a nivel sexual,

y tener que trabajar con una persona sabiendo que no es actor.

-¿Cuántos años tienes?

-Mejor que no te vean conmigo.

-Todos los personajes, toda la gente que sale, son gente del pueblo,

pero nadie sabía de qué iba la película.

A los no actores, y esa es mi idea, no está basada en nada,

y además no siempre funciona,

no les doy el guion porque yo no quiero que vayan con algo preparado

cuando vayamos a rodar.

Haciendo de esa manera, me ha funcionado que logro conseguir

cosas muy veraces de parte de los no actores.

-Vivíamos en un pueblo donde todos los niños murieron,

por eso nos fuimos todos de allí.

Enrique Rivero, un director en la senda de los también mexicanos

Carlos Reygadas y Amat Escalante,

es un habitual en el Festival de Cine Iberoamericano de Huelva.

¿Y te gusta estar aquí, Beto?

-Pues sí, ya me acostumbré, tantos años estar aquí.

Allí presentó su primera película, la impresionante "Parque vía".

Y allí también inauguró el certamen

años después su segundo proyecto, "Mai Morire".

No hay ovejas, pero las oigo.

-Yo, ya no.

Ahora estrena en España su tercera película, "Pozoamargo",

donde se atreve a llevar al cine un sentimiento complejo y destructivo,

y lo hace con los mismos mimbres que define su filmografía:

la belleza en los encuadres, y un ritmo apropiado

para la evocación y la reflexión.

Todos tenemos una sombra.

"Pozoamargo" es una propuesta estética e intimista,

pero también es un retrato brutal, y hasta pornográfico,

de un agudo y doloroso sentimiento de culpa.

(Música)

Para que una incursión intimista y poética en el terreno

a la vez delicioso e inestable de la adolescencia,

pueda conseguir extraer destellos de verdad,

es absolutamente imprescindible contar con actores

capaces de dejar a un lado manierismos y tics,

aprendidos en el cine rutinario.

Eso es precisamente lo que los directores de "La orilla"

han conseguido con los jóvenes protagonistas,

Mateus Almada y Maurício José Barcellos,

además de los chicos que intervienen de manera más episódica,

un trabajo que derrocha sensibilidad y delicadeza.

No hay concesiones comerciales en "La orilla",

y el aliento lírico que transpiran sus imágenes

se condensa en la melancolía

con que transcurren las horas de un fin de semana

en que, como sucede con frecuencia en la edad de los personajes,

apenas sucede nada, pero se viven momentos inolvidables.

(Música)

Aviso para navegantes: ante propuestas como "La orilla",

cabe dejarse arrastrar a un estado de contemplación y envolvimiento

por el arrullo de las olas,

lo cual exige un esfuerzo que no todos los espectadores

realizarán de buen grado.

(Música)

Hace unos días nos enterábamos del fallecimiento de Anton Yelchin,

quien moría atropellado en su propia casa, por su propio coche,

cuando tan solo tenía 27 años.

Norteamericano de padres rusos, recordamos a Yelchin

como el nuevo Pavel Chekov de la renovada "Star trek"

de J. J. Abrams, pero también le recordamos como aquel

dealer atípico en "Solo los amantes sobreviven", de Jim Jarmusch.

O como un joven músico en el excelente debut como director

de William H. Macy, y no estrenado en España, "Rubberless".

(CANTA EN INGLÉS)

Se negó a matar a su amigo,

a pesar de saber que acabaría matándole a él mismo.

Entre música country y la pantalla, Kris Kristofferson

ha cumplido esta semana 80 años, y en "Días de cine",

no queríamos dejar de recordar a quien encarnó a Billy el Niño,

o a quien encarnó a aquella estrella decadente en la revisión

del mito de "Ha nacido una estrella", de 1976.

Trabajo con Peckinpah, Scorsese,

con Cimino en la mítica "La puerta del cielo", o con John Sayles.

También en muchas más, hasta 113 películas,

aunque son 119 las que registran su música entre la banda sonora.

Chris Kristofferson, 80 años llenos de música y cine.

-Adiós, Pat.

-Adiós, Bill.

(Música)

-Me esfuerzo para recordar... sus caras.

Continuamos con nuestros preestrenos, tomad nota.

El martes, día 28, a las 19:30, os invitamos,

de la mano de European Dream Factory, a ver "1944",

película estonia que fue la elegida por su país para competir

por los Óscar a la mejor película el año pasado.

"1944", cuenta la historia de cómo unos soldados estonios

tuvieron que luchar en la II Guerra Mundial por el bando soviético,

y otros tantos, por el ejército nazi. Una auténtica tragedia.

(Música)

(Explosiones)

Y el miércoles, de la mano de Golem Films, en los cines Golem de Madrid,

os invitamos a ver "Un amor de verano",

de Catherine Corsini, con Cecile de France de protagonista,

una historia de amor entre dos mujeres.

Como siempre, si queréis ir a una, a otra, o a las dos,

mandad un e-mail a preestrenosddc@rtve.es,

con las palabras "1944" o "amor" en asunto.

(Música)

Tú sales de aquí, pero con los pies por delante.

(Música dramática)

(GRITA)

(Música)

Las películas hay que verlas en el cine,

por eso antes de que las quiten de las salas,

¿qué título nos recomiendas, Gerardo?

Sí, había una publicidad hace años que decía: "El cine, en el cine".

Y siguiendo esa máxima, "Antes sí, ahora no",

una película coreana de un director que se llama Hong Sang-soo,

que me recuerda un poco, sin tener nada que ver,

a "La vida en un hilo", de Neville.

Cuenta una historia de un chico y una chica,

cómo es, y cómo podría haber sido.

No tiene el tono de "La vida en un hilo", no tan comedia, pero peculiar.

Y quizá recuerda un poco a Smoking/No Smoking, de Alain Resnais,

eso mismo, pero en plan autor.

Si yo te digo "Lampedusa winter", ¿qué me contestas?

Es un documental que se va a poder ver aquí, en Cineteca,

este fin de semana, y nos cuenta la vida de los habitantes de Lampedusa,

en invierno, como su nombre indica,

y cómo la vida, que habitualmente es la de la pesca,

se ve interferida por la presencia de lo que tenemos en los noticiarios,

que son los refugiados. Muy interesante.

Estamos pendientes de todo, la música nos encanta,

y nuestro compañero César Vallejo, que todo lo que hace, lo borda,

ha hecho un documental interesante, se va a poder ver en RTVE.

Se estrenó el día 21 por el Día Europeo de la Música,

documental sobre la nueva música sueca,

y parte de eso que nos gustaba a todos en su día,

y que no lo reconocíamos, entre ellos yo, y U2, que era Abba.

A partir de ahí, cuenta en 45 minutos la historia de un milagro,

la música sueca, una de las industrias más potentes

que tiene el país nórdico.

Vamos a mirar también a Barcelona, porque va a comenzar

el Festival de Cine Gay y Lésbico, el Fire!!,

y siempre nos deja unas películas estupendas,

recordamos el año pasado "Lilting", maravillosa.

Efectivamente, es la 18 edición,

esta semana hemos preestrenado "La orilla", película brasileña

que va a pasar por allí, la semana que viene preestrenaremos

"Un amor de verano", que también va a pasar por el Fire!!

Empieza la semana que viene, hablaremos de ello en su momento,

pero tiene buena pinta, porque trae películas estupendas siempre.

En la Filmoteca de Barcelona se va a rendir homenaje a Robert Balser.

Robert Balser colaboró con George Dunning en "El submarino amarillo",

se va a poner en la Filmoteca de Cataluña

"El submarino amarillo", "Yellow submarine", de los Beatles.

Es una película que yo voy a la Filmoteca muchas veces,

hace 30 años y más, estaba siempre la sala a reventar. Muy divertida.

Pues esas son también buenas recomendaciones.

Para leer, ¿qué me traes esta semana?

Traemos un libro que es... Godard.

De Godard, entonces es más que un libro,

porque Godard es un cineasta brillantísimo,

un intelectual de los de verdad,

y esto, "Histoires du cinéma", "Historias del cine",

forma parte de un proyecto que es mucho más grande que un libro,

que es una especie de poemario,

forma parte de un proyecto en el que también hay una serie de documentales

en los que Godard da su particular visión de la historia del cine,

y es muy interesante. Este libro... Léeme algo.

Aparentemente en plan poema, dice cosas como esta, tan bonitas:

"Un proyector de cine está obligado a acordarse de la cámara,

porque el cine no es solo una industria de evasión,

es ante todo, el único lugar donde la memoria es esclava".

Qué bonito, Gerardo. Ya lo creo.

Tomamos nota, muy interesante ese libro,

y vosotros, también tomad nota de las películas

que ya podéis disfrutar en DVD.

(Música)

La primera de las dos últimas películas de Noah Baumbach,

que nos llegaron casi seguidas, es "Cuando éramos jóvenes",

una muy divertida película, y con bastante retranca,

sobre el miedo a hacerse mayor, aunque eso les pase a algunos

con apenas 40 años, pero estamos en un mundo de locos,

y eso es lo que nos cuenta Noah Baumbach.

Ben Stiller, y su mujer, Naomi Watts, ven cómo sus amigos

se hacen mayores y sientan la cabeza trayendo hijos al mundo.

Pero ellos quieren seguir siendo guays,

lo que pasa es que Josh, el personaje de Ben Stiller,

tiene eso que se conoce como el síndrome de Peter Pan,

además de ser un documentalista por consumar,

con la sombra de sus suegros sobre su gran obra.

Y en esto aparecen Jamie y Darby, Adam Driver y Amanda Seyfried,

dos jóvenes, pero de verdad, que hacen lo que quieren,

aunque sea solo una casualidad que Jamie quiera ser documentalista,

y que casualmente, admire la obra inacabada de Josh.

Risas, reflexiones sobre cosas serias,

y una estupenda banda sonora repleta de buenísimas canciones de los 70.

(Rap)

Y de la oleada de las películas que compitieron por los Óscar

en la pasada edición, llegan a las estanterías de nuestras casas

tres estupendos títulos. Empezamos por la ganadora este año

del Óscar a la mejor película, "Spotlight",

gran trabajo de Thomas McCarthy, adopta la forma de película

de investigación periodística para destapar el escándalo

y la trama de abusos sexuales por parte de una nada despreciable

cifra de miembros de la Iglesia católica en Boston.

Law tenía que saberlo,

por eso tuvo esa reacción, sabía que había más.

Una historia real, llevada con buen pulso,

y unos estupendos actores entre los que es difícil destacar a alguno.

Es nuestra ciudad, Jimmy.

Todo el mundo sabía que pasaba algo, y nadie movió un dedo.

"Steve Jobs" finalmente no consiguió que sus dos protagonistas,

Michael Fassbender y Kate Winslet ganasen el Óscar

a los que estaban nominados,

pero ni siquiera estaba nominado el soberbio guion de Aaron Sorkin,

que planteaba el perfil de Steve Jobs,

muy alejado del biopic convencional.

En tres actos tan deslumbrantes como bien dialogados,

y centrados en los 40 minutos previos a los lanzamientos

de los tres grandes éxitos de Steve Jobs.

(Música dramática)

Y de Quentin Tarantino, su película número ocho,

hecho convertido en título en "The hateful eight", juego de palabras.

Rodada en gloriosos 70 mm, y con estreno en salas restringidas

en esa versión, y 20 minutos más que la estrenada de forma convencional,

esto es, en digital.

(Música)

Tarantino planteaba un western que, como no podía ser de otra manera,

evocaba a unas cuantas cosas ya vistas antes,

y como suele suceder con su cine,

con un toque inequívocamente tarantiniano.

(HABLA EN INGLÉS)

Personajes dibujados con buen trazo, diálogos brillantes,

entre los que no faltan las peroratas marca de la casa,

y una narración no lineal muy brillantemente expuesta,

daban como resultado un western sucio en un paisaje helado.

(Música dramática)

(Música)

(GRITAN)

(Música sacra)

En los 70 el demonio se puso de moda,

comenzó con "La semilla del diablo", poco tiempo después,

"El exorcista" aterrorizaría a medio mundo.

En 1976 llegó "La profecía", y con ella un personaje, Damien,

que daría mucho que hablar, y también varias películas.

Aquel niño poseído metió el miedo en el cuerpo

de millones de espectadores en todo el mundo,

a través de una extraordinaria película dirigida por Richard Donner

y protagonizada por Gregory Peck y Lee Remick.

Nos vamos a despedir con esa "Profecía", de hace ya 40 años,

y dentro de siete días volveremos, con muchas cosas que contaros.

(Música sacra)

(Música inquietante)

(Música sacra)

(GRITA)

(Chirrido constante)

(GRITA)

(Música sacra)

Días de cine - 23/06/16

23 jun 2016

Los últimos 4.148 programas de Días de cine

  • Ver Miniaturas Ver Miniaturas
  • Ver Listado Ver Listado
Buscar por:
Por fechas
Por tipo
Todos los vídeos y audios