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No recomendado para menores de 16 años Metrópolis - Wilfredo Prieto - ver ahora
Transcripción completa

Subtitulado por TVE.

Nació en Sancti Spíritus, Cuba, en 1978

y desde muy joven tuvo clara su vocación artística.

Estudió en el Instituto Superior de Arte de La Habana

donde formó parte del colectivo de artistas.

Pronto tuvo reconocimiento internacional

por su frescura y contundencia conceptual

participando en las bienales de Venecia, La Habana, Sao Paulo

y Singapur.

El universo de lo cotidiano es su espacio de trabajo

y las paradojas del día a día, su fuente de inspiración.

Desde una mirada crítica y poética,

sus obras buscan la comunicación

con gestos mínimos motivando nuevas lecturas

e interpretaciones y entrevistas de la realidad que nos rodea.

Esta noche en Metrópolis: Wilfredo Prieto.

Me parece una pregunta muy simpática sobre lo que hago

y sobre lo que estoy tratando.

Estoy tratando sobre la realidad por lo tanto, no hay un tema preciso,

no hay una idea concisa en una temática

una forma de decir.

Estoy tratando todo

la experiencia de lo que está sucediendo, el día a día,

cuestiones de la política, de sociedad, cultura

de cualquier circunstancia, de filosofía, de pensamiento

más que estar focalizado de alguna manera

en un solo discurso.

Creo que es completamente abierto.

(Música)

Hay dos claves, el qué diré y cómo lo diré

y ese qué diré viene del sentido del concepto abierto completamente

de indagar en varios temas pero cómo lo diré

también depende mucho de esta sintonía

con cada espacio, con cada lugar, con cada lenguaje,

con cada material que estás trabajando,

por lo tanto, creo más en el término de creación como la libertad absoluta

de crear en cualquier espacio, de cualquier cosa.

"Grasa, jabón y plátano" es una pieza que surge en 2006

es un momento de cambios importantísimos internacionales

en la política, en la sociedad, en la economía.

También es un año de cambios importantísimos en Cuba

en todos los sentidos y entonces, me interesaba

una pieza casi como un gesto mínimo que hablara del cambio.

Son objetos muy simples que están emanando una acción

aunque esta no suceda.

Yo creo que lo importante es cómo un objeto físico

emana un cambio muy simple y detona códigos de comunicación

y tiene como una especie de campo minado

donde tienes esa tensión donde todo está muy bien

pero hay un punto que puede crear un cambio

y ese jugar con el público o esa interrelación es importante

por lo tanto, la pieza era el espacio

la acción que nunca estaba o que podía estar

esa tensión entre todas las formas era lo que me interesaba

casi que se vuelve una pieza completamente intangible.

Tengo un amigo que me encantaba que me decía

que no tenía nada que ver con el arte.

Él decía que el arte puede ser cualquier cosa

y ahora no cualquier cosa es arte y siempre me llamó la atención

como esa definición tan simple es real.

Sobre cualquier cosa puedes hablar con cualquier cosa puedes hablar

pero realmente llegar a un hecho artístico

llegar a este punto es el problema cómo realmente definir

una obra en su máximo esplendor cómo lograr esa interrelación

forma y contenido que se vuelva

como una ecuación matemática perfecta redonda como una esfera.

Ahí es donde ocurre la comunicación en ese momento.

(Música)

Yo creo que hay dos tipos de público está el público participante

que empieza a interactuar con la obra en muchos casos,

en otros casos no y ayuda a esa comunicación

pero después está el público que está recibiendo este trabajo.

En este caso, la Biblioteca blanca

pasa más el público que está interactuando

que está haciendo algo muy interesante

del gesto mecánico.

Tomas el libro y lo estás hojeando como si fuera por costumbre

cuando no hay ninguna imagen, ningún contenido.

Esto demuestra que movemos mecánicamente los libros

como una actividad casi para nada sin ningún sentido

y es una pieza que hablaba del vacío de hacer casi un acto de silencio

con la historia, con los mecanismos de aprendizaje.

El público que está dirigiendo mi trabajo, soy yo.

O sea el acto de creación es un acto muy egoísta

lamentablemente suena muy políticamente incorrecto

pero realmente es así y yo creo que cuando uno es honesto consigo mismo

cuando uno está interpretando lo que está encontrando

es su propia realidad.

Cuando uno está tratando explicarse sus experiencias

es el momento real que más cercano estás a ti.

Por tanto yo pienso en mí cuando estoy creando

solamente en esa traducción que estoy haciendo.

Después si fui lo suficiente honesto con ese pensar en mí

entonces puedo lograr una comunicación con un público.

No estoy trabajando para un público del mercado

para un público de la prensa o de la información

de lo fácil o de lo que me gusta y no me gusta.

Estoy trabajando quizás para un público sensible

para una élite que no significa una élite económica, de lugar,

sino una élite de sensibilidad.

Creo mucho en la autonomía de la pieza

hay piezas que necesitan más de esa relación con el público.

otras piezas que son autosuficientes en la forma, en el contenido

de la forma no es necesario o piensas que funciona más

qué pasa detrás de ella.

Por ejemplo, "One million dollars"

que es una pieza que no es tanto el objeto en sí.

sino qué está sucediendo detrás, cómo la prensa interactúa con ella,

los cristales blindados, creer en algo que no existe

pero a través de formar un pensamiento alrededor.

Yo creo que también es una parte de una riqueza de la obra

son matices que uno no se puede perder muchas veces

y en el caso de "La alfombra roja" era una pieza que solo veías

una alfombra roja.

Cuando te enterabas que estaba toda la basura del museo debajo

empezabas a entrar en comunicación con ella

pero mucha gente entraba y no sabía qué decirme.

Me decían: "muy bonito el color rojo de la alfombra"

o sea que también tienes como momentos de entender

y obras que tienen diferentes niveles de interpretación.

(Música)

Yo creo mucho en la autonomía cada pieza tiene condiciones

completamente diferentes habla de tonos diferentes

por eso casi me vuelvo un esclavo de las ideas.

Cada idea tengo que ponerme en función de ella

y yo más si se puede enfocar en la idea del creador

yo diría en la idea del arqueólogo que tú vas a desempolvar

la idea que te encuentras que ya está en la realidad

y solamente haces señalar: "miren esto"

y aquí hay una comunicación.

(Música)

A nosotros nos pasa lo mismo como un matemático está entendiendo

las relaciones lógicas de la realidad un filósofo del pensamiento,

nosotros estamos continuamente con la sensibilidad

con esa comunicación nos está sucediendo

los hechos artísticos en la cola del autobús

y yo creo que por eso mi material realmente cercano

es el material cotidiano, la acción que hago a diario;

levantar un vaso de esa acción para mí es muy importante

que un tubo de óleo que yo no lo entiendo.

No entiendo un tubo de óleo.

Todos estos materiales tienen una transformación

de identificación y de lenguaje por eso cuando me preguntas

por qué estoy haciendo obras tan cotidianas

hablando de fenómenos tan grandes

es porque uno está en esa continua interrelación.

Realmente tú estás por la mañana mirando el café

pero estás pensando en la situación de Europa

o estás viendo a la hormiga cómo se come la sal,

cómo se la está cargando para su cueva

y estás viendo también los conflictos de EE.UU. con Oriente.

Continuamente hay una asociación de relaciones cotidianas

con lo que realmente te influye el comportamiento humano

de la filosofía, de la política.

Es una pieza que habla de la información

habla del sinsentido de la información

y tiene un punto de desvincular la pieza pero más bien me interesaba

ese tipo de perder el sentido de cómo estás recibiendo

la información,

cómo en Occidente te crees que estás viviendo

en una nube informativa cuando estás realmente

muy desinformado.

Era un momento que estaba empezando en meterme

en los temas de información y estaba descubriendo

este nuevo mundo que todo el mundo me decía que internet

era interesante, democrático, bueno

y a mí me parece superdictatorial internet y me parece vertical

y cómo yo puedo traducir esto.

Por ahí viene la pieza.

No creo mucho en la censura política considero que hay muchos artistas

que provocan la censura política porque se convierte

en un medio de difusión muy importante.

Eso me parece hacer un poco de trampa

pero bueno, todo el mundo tiene que hacerlo diferente.

Y realmente nunca he tenido una censura

salvo una vez una pieza que iba a exponer en EE.UU.

que se llamaba "Apolítico" y la pieza no se exhibió

y los organizadores del evento que era algo como muy oficial

que se hacía con el Museo y con el Gobierno

y la pieza era muy política.

Y yo le dije que no había leído bien el email porque dije: "apolítico"

y claro, no se pudo exhibir la obra y creo que fue el único momento

quizá yo me imagino que sea un problema burocrático

de entendimiento que realmente de censura.

Apolítico es una pieza que hice en 2001

también dependía de circunstancias internacionales

que estaban sucediendo y quería crear una pieza

más bien neutral, que tuviera una relación

de forma y contenido muy 50%

y de alguna manera me interesaba mucho la idea

de la intervención pública

que por lo general, las piezas cuando las expones

en un lugar determinado cambia la connotación de la obra

y yo quería hacer casi la operación inversa

crear una obra que cambiara la connotación de un espacio

una pieza que también se muestra en diferentes lugares.

Es absolutamente dogmática y sigue los patrones oficiales

de cómo se exhibe las banderas.

Son todas las banderas del mundo

en blanco, negro y gris que solo cambian los colores

pero mantiene la tela oficial, el diseño, las dimensiones

y se muestra casi por orden alfabético.

Ser un artista contemporáneo hoy en día

es ser un constructor más donde te toca poner tu ladrillo.

Quizás tengas un rol más de refrescar

y oxigenar algunos aspectos de la sociedad

que muchas veces están como bloqueados

y yo creo que el arte se convierte en un espacio

de absoluta transformación social.

Yo creo que el arte cambia la realidad.

Cuando tú estás enfrentándote al arte contemporáneo

te tocan varias responsabilidades,

una refrescar el propio arte

empezar a reentender los lenguajes tradicionales

volver a focalizar que es un arte de producción comercial

y que tú también tienes una responsabilidad

a la hora de las definiciones

y yo recuerdo mucho la idea que decía José Martí

que el periodismo tenía que ser puro y elevado

que tú no podías bajar el lenguaje periodístico al pueblo

sino que el pueblo tenía que subir al lenguaje periodístico

y aquí pasa lo mismo,

en la producción artística tienes que tener esa cualidad

aunque muchas veces se bloquee la interpretación

o la forma del lenguaje.

Tú tienes que llegar a una pureza absoluta de lo que estás diciendo.

La vida cultura cubana es muy rica en la música, danza, literatura

y en las artes visuales, por supuesto.

Yo creo que lo rico es el carácter de la experimentación

de esa libertad de hacer lo que quieres

y por estar en una burbuja de cristal,

eso te permite tener una serie de libertades,

con el mercado, con los medios de información.

Y yo creo que esto te permite ser tú y además de eso

se le añade un foco diferente al mundo.

Desde Cuba estás viendo el mundo con otras lentes, con otros ojos.

Imágenes de la producción de obra que me parece más interesante

qué sucede detrás en el sentido de cómo se mueve

la producción del arte,

por ejemplo, la pieza de la interacción

que hice en La Habana de "Una luz a lo lejos".

Era simplemente hacer una intervención pública

en el paisaje real.

Yo iba a poner una estrella a la misma intensidad

de las estrellas normales en La Habana y cuando te despertaras

iba a haber una estrella nueva en el cielo en La Habana

durante dos meses que duró la bienal en La Habana.

Como era hacer el balón de gas helio

cómo exportar el helio desde México porque no lo puedes exportar

directamente a Cuba tienes que pasarlo por Francia

para que entre a Cuba por el bloqueo.

Se multiplican los precios de costo casi a un 200%. Una locura.

y cómo hacer que todo empiece a funcionar.

Muchas veces es muy rico el proceso para llegar acá algo mínimo.

(Música)

Obviamente cuando estamos hablando de crear arte contemporáneo

ya no estamos hablando de mis pinturas en el taller

sino de una interacción continua con diferentes medios

como pueden ser permisos en instituciones

como trabajar con un público lleno de sorpresas

cuando pones una obra,

en relación con ellos o con el espacio público.

Y muchas veces esto es una nueva herramienta

que tienes que lograr utilizar a tu favor.

En el proyecto de...

"Amarrada a la pata de la mesa",

este proyecto inicialmente me interesaba mucho

la relación del espacio interior y exterior

desdibujar las fronteras entre el espacio artístico

que está concentrado para ver arte

o el espacio que está en intercambio con la realidad pura.

Por lo tanto, la mesa iba a estar dentro del museo

e iba a seguir la soga por las escaleras

y encima estaba el helicóptero volando

pero como el helicóptero pesa una tonelada

tira más de una tonelada de aire para abajo para poder volar

pero están los paneles solares, los tanques,

o sea que destruiría todo el museo.

¿Qué tuve que hacer? darle otro sentido a la pieza.

La pieza cambia cuando lo hago en un parque de Móstoles

entonces se vuelve en una escultura tradicional.

Continuamente sigo investigando pero me pueden llevar 10 años,

15 la realización de una pieza, de hecho, tengo piezas de 10 años

que son muy sencillas pero tiene que hacerse realmente como es

no puede haber un truco.

No comparto la idea en el arte contemporáneo de trucar

casi como una especie de escenografía

Una idea, una muy buena idea

que no se ha logrado perfectamente, no existe, no es una obra,

no hay comunicación.

Realmente uno necesita entender ese peso, ese olor a la piedra,

todos esos factores ayudan a una real comunicación

cuando hay truco falla el entendimiento visual.

(Música)

(Música)

La verdad es que es interesante porque siempre aprendí a trabajar

en el contexto de la escuela a tener el taller

donde están las herramientas y todo perfecto

pero yo estoy trabajando en un espacio cualquiera,

en una cafetería, en una escalera, en el aeropuerto.

Y me gusta la idea de estar en el espacio cotidiano

y ahí es donde más salen las ideas.

Los materiales al final están al día día

y es lo que me estoy encontrando la mesa, un auto.

Siempre me gusta entender la realidad como una escala también.

Nosotros cuando estamos conviviendo

estamos viendo el gesto de la mosca en la mesa

o la hierbita que cae en la mesa.

Hay un hecho sutil, completamente perdido a la vista

pero es algo de lo que participamos día a día.

Son herramientas que están puestas a tu servicio

y las ideas las veo que están en nubes flotando.

El arte y la comunicación están en nubes

y como artista lo que hago es bajarla pero pertenece a todos

porque son ideas comunes que están continuamente en intercambio

en interrelación.

Me parece lindísimo estar hablando de arte

y que la gente alrededor esté hablando, es la vida normal

es lo que me gusta.

Lo otro es como estar en una burbuja que no es real.

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Metrópolis - Wilfredo Prieto

24 ene 2016

Esta semana en Metrópolis, dedicamos un programa monográfico al artista cubano Wilfredo Prieto. Nacido en Sancti-Spíritus, Cuba, en 1978, desde muy joven tuvo clara su vocación artística. Estudió en el Instituto Superior de Arte de La Habana (ISA), donde formó parte del colectivo de artistas Galería DUPP (Desde Una Pragmática Pedagógica). Pronto obtuvo reconocimiento internacional por su frescura y contundencia conceptual, participando en las bienales de Venecia, La Habana, São Paulo y Singapur.

El universo de lo cotidiano es su espacio de trabajo y las paradojas del día a día, su fuente de inspiración. Desde una mirada crítica y poética, sus obras buscan la comunicación con gestos mínimos, motivando nuevas lecturas e interpretaciones imprevistas de la realidad que nos rodea.

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